«Мобильные скульптуры», или Кинетическое искусство 20 века
Макс Билл во многом положил начало новой мысли двадцатого века. По словам исследователей, именно он дал скульптуре свободу движений в большом объеме. В данном разделе мы поговорим о последователях Билла: Татлине, Родченко и Кодлере.
Владимир Татлин — именно он создатель скульптуры, которая станет символом и визитной карточкой всего мирового конструктивизма и авангарда. Речь идет, конечно, о «Проекте Памятника III Интернационала».
Некоторые искусствоведы называют Татлина не иначе, как продолжателем идей Пикассо. Еще Татлин очень известен своими спорами с Малевичем, который всегда настаивал на том, что в основе творчества — форма и цвет. Татлин же придерживался позиции, при которой в основе всего стояло осязание.
Александр Родченко по отношению к своему творчеству выработал такое кредо: искусство — это прежде всего изобретение новых форм и возможностей. Рассматривать его необходимо как большой эксперимент, где каждая работа минимальна по живописности и ограничена в выразительности. Родченко также был известен в Советской России как один из крупнейших фотографов.
Александр Кодлер, прежде всего, ассоциируется с замысловатыми скульптурами из проволоки и сложными системами, которые еще и приводились в движение с помощью различных механизмов или под воздействием ветра (так называемые «мобили Кодлера»). Его скульптуры сейчас стоят во многих городах Европы и Америки. Например: стабиль «Человек» , который находится в Монреале.
Развитие кинетического искусства
Выше уже были названы такие известные в кинетическом искусстве художники, как Моне, Дега и Мане. Действительно, именно они стали первыми подчеркивать движение на своих полотнах. Начиная с двадцатых годов, этот вид творчества находил все больше последователей, и причин для этого несколько: минувшая война разрушила у многих старые верования и устои (в том числе и в творчестве), необходимо было что-то новое. Также одна из причин — это технический прогресс, который в двадцатом веке не останавливался ни на минуту.
Кинетическое искусство (определение выше) в течение всего двадцатого века объединило в себя такие вещи, как сюрреализм, а позже — различные арт-направления. Художникам теперь мало было исключительно холста и краски, они использовали все, что можно было найти, увеличивая этим не просто визуальный эффект, но придавая своим творениям дополнительную смысловую нагрузку. Ниже мы разберем основных деятелей кинетического искусства двадцатого, а позже — двадцать первого века.
Мане, Моне и Дега
Сначала поговорим о тех, кто встал во главе списка художников, работающих в совершенно новых стилях и плоскостях.
Эдуард Мане — человек, писавший всегда на стыке нескольких жанров и стилей. Пожалуй, одна из работ, которая действительно открывает «новую эру кинетического искусства» — это Le Ballet Espagnol (1862). На данной картине Мане отображает именно момент, а не статичные действия — это показывает и расплывчатость, полустертость цветов, и тень, показывающая картину словно бы «вглубь».
Еще одно произведение, которое стоит отметить у Мане — это Le déjeuner sur l’herbe 1863 года. Опять же — расплывчат свет, показаны контурные тени, а фигура на заднем плане словно бы вся в движении.
Следующий в списке — Эдгар Дега, и, как считают многие, он уже более радикален в своих поисках, чем Мане. Мане ищет сюжеты в гонках, в танцах, изображая напряжение и смелость.
L’Orchestre de l’Opera — это одна из самых сильных работ художника. Он делит холст не только на несколько планов, создавая движение на заднем фоне и показывая почти полностью статичной композицию впереди. Еще следует отметить работу Дега под названием Voiture aux 1872 года.
Кстати, написанные в 1884 году несколько работ с матчей по поло, среди которых выделяется Chevaux de Course, впечатлили не только творческую богему того периода и всех любителей живописи, но и Моне, речь о котором пойдет ниже.
Дега и Моне, как представители кинетического искусства, вообще очень близки были по стилистике и по манере написания своих картин. С середины семидесятых Моне «нащупывает» новый стиль для себя — он начинает создавать движение на картинах за счет быстрых и, иногда кажется, не очень точных мазков. Такая манера создавала не только ощущение движения на картине, но словно бы вибрацию. Например: Le Bateau-Atelier su Seine или Lazare Gare.
25.
Мона Лиза, автор Леонардо да Винчи
Возможно, некоторые работы из этого списка вам были неизвестны, но уж «Мона Лизу» Леонардо да Винчи знают точно все. Это самая известная, самая обсуждаемая, самая воспеваемая и самая посещаемая картина в мире. Гениальный мастер написал ее в 1503-1506 годах, а позировала для холста Лиза Герардини, жена торговца шелком Франческо дель Джокондо (Lisa Gherardini, Francesco del Giocondo). Знаменитая своим загадочным выражением лица Мона Лиза – гордость Лувра, старейшего и богатейшего музея Франции и мира.
Картинки и фото
21 июля, 2017
19 437 просмотров
10.
Писающий мальчик, авторство неизвестно
«Маннекен-Пис» или «Писающий мальчик» – это небольшая бронзовая скульптура, ставшая настоящей достопримечательностью фонтана в центре Брюсселя. Первоначальное авторство произведения неизвестно, но в 1619 году ее доработал бельгийский скульптор Жером Дюкенуа (Jerome Duquesnoy). Визитная карточка города, «Маннекен-Пис» предположительно был установлен в память о событиях гримбергенской войны, во время которой писающий младенец по одной версии мочился на солдат, а по другой – потушил вражеские боеприпасы, угрожавшие уничтожению целого города. На праздники скульптуру наряжают в тематические костюмы.
История создания
«Менины» – одна из самых знаменитых картин Диего Веласкеса. В старину менинами называли свиту, сопровождающую наследника престола. Наиболее распространённым этот термин был в Испании и Франции. Как я уже заметила, Веласкес служил при дворе Филиппа IV, а потому сцены из придворной жизни часто появлялись на его полотнах. Впрочем, «Менины» во многом отличаются от других работ живописца.
Созданное в 1656 году творение по праву считается одним из самых изученных полотен европейских художников. К тому времени Веласкес уже имел должность камергера при дворе. Она позволила ему скопить значительное состояние, но дела занимали слишком много времени, которое могло бы пригодиться для создания новых работ.
В ту пору Веласкес писал редко, а потому каждая из картин была поистине особенной. Несмотря на то, что и сегодня учёные продолжают изучать «Менины», творение это хранит массу неразгаданных тайн.
Диего Веласкес «Автопортрет», 1645 годМестонахождение: Галерея Уффици, Флоренция, Италия
Гайсин Бруквен : Кинетическое лицо
Цифровая печать Бруквена на бумаге под названием « Кинетическое лицо » посвящена типичным темам исследования кинетического искусства в его варианте оптического искусства. Это последнее направление, также известное как OP-Art, зародилось примерно в шестидесятых годах с целью углубления изучения многомерной иллюзии. На самом деле оптическое искусство стремится предложить зрителю произведения, богатые точками зрения, которые передают, почти как видения-откровения, впечатления от движения, скрытых или искаженных образов. Этот способ художественного исследования также преследует цель стимулировать и глубоко вовлекать зрителя, вводить его в состояние нестабильности восприятия. Что касается кинетического принта лица , то он состоит из небольших монохромных геометрий, которые сочетаются друг с другом и представляют собой пестрый хроматизм, придающий различные уровни глубины многим его частям. На самом деле в центральной части произведения оптическая иллюзия становится намного сильнее, представляя собой более глубокое измерение, в котором зритель может заблудиться или укрыться. Наконец, особенности и замыслы исследования Броуквена можно рассматривать как продолжение работы Виктора Вазарели, основателя и одного из главных представителей ОП-арта, чье творчество характеризуется использованием геометрических форм, направленных на создание в пространстве у зрителя сильные иллюзии трехмерности и движения.
Иржи Генов, Silent Advisor, 2020. Скульптура на металле, 2020. 71,5 x 21 x 39 см / 18,50 кг.
Кинетическое искусство художников Artmajeur
Оптические, механические и пространственные исследования Kinetic Art продолжаются как в работах известных представителей современного искусства, так и в параллельных, новаторских и экспериментальных исследованиях, проводимых художниками Artmajeur. Фактически, работы последнего, в том числе, например, Гайсина Броуквена, Иржи Генова и Сыну Кима, определенно вдохнули новую жизнь в это историческое движение. Однако в некоторых случаях становится очевидным, как исследования художников Artmajeur также возвращают воспоминания об учении великих мастеров прошлого в рамках диалога, в котором связь между эпохами, кажется, никогда не прекращается.
Гайсин Бруквен, « Кинетическое лицо», 2019. Коллажи на бумаге, 100х70 см.
Кинетическое Искусство
Несмотря на эти выдающиеся прецеденты, чтобы говорить о программированном искусстве как об истинном авангардном движении, нужно было подождать до 1955 года, когда в престижной парижской галерее Дениз Рене состоялась выставка Le Mouvemente. Центральной темой этой выставки было движение, хорошо иллюстрируемое работами известных художников, таких как Александр Колдер, Марсель Дюшан, Хесус Рафаэль Сото, Жан Тэнгли и Виктор Вазарели. Эта эпохальная выставка выдвинула на первый план контрастные особенности зарождающегося движения, которое, с одной стороны, способствовало исследованию эффектов оптических иллюзий, а с другой, также сосредоточилось на чистом движении, определяемом как естественно, так и механически.
Александр Колдер, Double Gong , 1953. Сан-Франциско: Музей современного искусства Сан-Франциско. @sagewoodmodernismweek
Яаков Агам , Елисейский зал , 1974. Париж: Центр Помпиду. @janinesarbu
Лишь в 1960 году, а точнее в городе Цюрихе, эта новая форма искусства была обозначена в том значении, в каком мы ее понимаем сегодня, или с помощью выражения: кинетическое искусство. Это название было создано по случаю выставки Kinetische Kunst, проходившей в Kunstgewerbemuseum, где, среди прочих, выставлялся знаменитый Энцо Мари
Важно отметить, что в течение 1960-х годов Программированное Искусство не только было признано настоящим движением, но и эволюционировало, представив множество вариантов, включая Люмино Кинетическое искусство и Оптическое искусство. В этот же период популярность кинетического искусства быстро и сильно росла благодаря организации многочисленных выставок, кульминацией которых стало культовое мероприятие 1965 года, состоявшееся в Моме (Нью-Йорк) под названием Beyond Informal
Наконец, золотой век запрограммированного искусства, 1960-е и 1970-е, живет в творчестве многих популярных современных художников, таких как Бриджит Райли, Ребекка Хорн и Яаков Агам.
Ферруччо Гард, Мостра абстрактный хроматизм , 2018. Холст, акрил, 80 x 80 см.
Джанфранко Меджиато, Sun Sphere , 2020. Скульптура, бронза на металле, 23 x 20 x 20 см / 5,00 кг.
15.
Моаи, авторство неизвестно
Статуи Моаи – это массивные каменные монолиты, обнаруженные на острове Пасхи в Тихом океане, Западная Полинезия. Изваяния также известны как Головы острова Пасхи, но на самом деле у всех у них есть тела, скрытые под землей. Статуи Моаи датируются примерно 1400 – 1650 годами и предположительно были вытесаны из камня аборигенами, жившими когда-то на острове Рапа-Нуи (Rapa Nui, местное название острова Пасхи). Всего в этом районе обнаружено около 1000 таких исполинских шедевров древности. Загадка их перемещения по острову до сих пор остается неразгаданной, а самая тяжелая фигура весит около 82 тонн.
Огюст Роден
Этот художник был очень впечатлен тремя вышеназванными и изначально следовал их манере написания картин. Как критик и искусствовед он издал несколько статей, в которых поддерживал Моне и Дега, теоретически стараясь обосновать их эксперименты. Именно в этих теоретических работах Роден написал, что Моне и Дега создают на полотнах иллюзию реальной жизни со всем своим движением.
В восьмидесятых годах девятнадцатого века Роден стал пересматривать свои взгляды на живопись и пришел к заключению, что публика все еще не готова воспринимать движение на картинах, так как картина, прежде всего, это статичный образ.
А еще позже, уже к концу века, у скульптора вновь случилась переоценка своих взглядов, и Роден вновь устремился к попыткам привнести движение в искусство. Собственно, за что и стали сильно критиковать скульптора под конец жизни. Но именно это и сделало Родена тем, кем мы знаем его сейчас — новатора и во многом основателя современной скульптуры.
Сынву Ким: Круг XXXV
Кинетическая скульптура Сыну Кима, сделанная из двух пуговиц, напоминает культовую картину «Пламя 1» (1962) Бриджит Луизы Райли, британской художницы и одной из главных представительниц движения OP-Art, с точки зрения хроматизма и повторения круга. форма. Черно-белые зигзагообразные линии этого последнего шедевра создают иллюзию вихря, который заползает в центр изображения, вселяя в человеческий мозг видение водоворота концентрических колец. На самом деле картина, кажется, движется вперед и назад, что предполагает внутреннее вращательное движение. Хотя работа была выполнена в черно-белом цвете, когда глаз пытается сфокусироваться на вихре в движении, также видны дополнительные призматические цвета. Что касается работы художника из Artmajeur, то она оказывается очень личной интерпретацией оптических концепций, выраженных в Blaze 1, поскольку в данном случае визуальная иллюзия возникает из-за множества кнопок, которые перекрывают друг друга, создавая динамическая сферическая форма. Наконец, именно материалы художественных изысканий Кима возвращают нас в реальный мир, потерявшись в сложных механизмах зрения.
Продолжайте открывать для себя кинетическое искусство и искусство, связанное с технологиями, просматривая наши коллекции: кинетическое искусство и Искусство и роботы
Но каковы были исторические прецеденты этого вида искусства?
Безусловно, истоки запрограммированного искусства можно проследить до опыта футуризма, дадаизма, конструктивизма, конкретизма и Баухауза, движений, течений и школ, образцы которых обновлялись и обновлялись кинетическими художниками, экспериментировавшими с новым способом соотнесения искусства. и технологии. Наиболее важными предшественниками этого последнего течения были: Марсель Дюшан, Наум Габо, Антуан Певзнер, Ласло Мохоли-Надь и Бруно Мунари. Фактически к периоду между 1913 и 1920 годами относятся самые новаторские эксперименты Дюшана, среди которых выделяется, в контексте запрограммированного искусства, культовое «Велосипедное колесо» (1913).
Марсель Дюшан, «Велосипедное колесо», 1913. Металлическое колесо, дерево, краска, 129,5 × 63,5 × 41,9 см. Нью-Йорк: Музей современного искусства. @_emme_dg
Что же касается Наума Габо и Антуана Певзнера, то они заговорили о кинетическом искусстве еще в 1920-е годы, когда упомянули его особенности в своем «Реалистическом манифесте» . Десять лет спустя, а точнее в 1930 году, Ласло Мохой-Надь назвал кинетическим механизм, который приводил в движение его Light-Space-Modulator, одну из первых скульптур с электрическим приводом
Наконец, чрезвычайно важное значение имели бесполезные машины , созданные в 1930-х годах Бруно Мунари, устройства, которые можно было подвешивать к потолку и которые, состоящие из очень легких материалов, могли свободно перемещаться в пространстве. Кроме того, на итальянском мастере также лежит ответственность за создание Манифеста дель macchinismo (1952), в котором художник предложил своим коллегам отказаться от традиционных методов искусства, чтобы начать создавать шедевры, используя только машины
Stacy Boreal, Серебряные сферы , 2021. Алюминий/акрил на панели МДФ, 100 x 70 см.
Современное кинетическое искусство
В 2013 году, в ноябре месяце, была проведена глобальная выставка под названием «5 000 движущихся частей». Там были показаны работы Артура Гэнсона, Энн Лилли, Рафаэля Лозано-Еммера, Джона Дугласа Пауэрса и многих других современных художников. Элементы компьютерной графики, зеркальные лабиринты, световые и звуковые шоу — теперь такие вещи можно встретить везде, где речь идет о такой вещи, как кинетическое искусство. История — штука интересная, и то, что полтора века назад воспринималось как нечто несерьезное, сейчас вошло в нашу повседневную жизнь. Ведь те, кого сейчас называют художниками, не только творят «по зову сердца», но и проектируют, создают дизайны, занимаются оформлением.
Сюрреалисты 20 века: Глейзес, Поллок и Билл
Имя Глейзеса была ключевым в конце девятнадцатого века и в начале двадцатого. Его теоретические работы о кубизме, начиная с десятых годов, становятся базовыми для всех, кто так или иначе имеет отношение к современному искусству.
Глейзес подчеркивал обязательность ритма на картине, который следовало бы показывать за счет неясности форм и расплывчатости цветов. Главный упор любого произведения, как считал Глейзес, необходимо делать на движение, а все остальное — это не более чем фон.
Очень интересен по стилю был Поллок, который славился своими методами работы. Он разбрызгивал краску, иногда уже на готовую работу, чтобы подтеками красок «сообщить» картине движение. Очень часто он ставил эксперименты над материалами, с которыми ему приходилось работать. В 1947 году он написал картину «Собор» алюминиевой краской, а потом с помощью разбрызгивания почти уничтожил полотно. Поллок считал, что дает таким образом свободу искусству и всем материалам, которые создают это искусство. Именно так художник понимал кинематику, то есть движение, на холсте. Поллок оказал значительное влияние на творчество второй половины двадцатого века.
Следующее имя — это Макс Билл, который в 1930 годах попал под сильнейшее влияние нового искусства и не смог отойти от него уже до конца жизни. Билл проявил себя не только как художник, но и как скульптор, архитектор и дизайнер. Среди лучших его работ можно назвать «Строительство с Приостановленным Кубом», дизайн под названием «Ульмская стойка» и «Тройную колонну в Штутгарте».
