Стрит-арт в искусстве: самые известные работы и лучшие представители стиля

Давид Донателло (1430-1440)

Почти за 100 лет до Давида Микеланджело итальянский скульптор эпохи Возрождения Донателло создал культовую версию библейского героя. Бронзовый Давид Донателло моложе и задумчивее версии Микеланджело и он только что убил Голиафа. На самом деле Донателло ловко использует голову Голиафа и меч Давида в качестве опор для конструкции. В то время скульптура вызвала скандал, так как Давид абсолютно наг, если не считать широкополой пастушеской шляпы, увенчанной лавровым венком, и сандалий с поножами. Работа считалась настолько натуралистичной, что вызывала беспокойство.

В 1495 году, после изгнания Медичи из Флоренции, статуя была перенесена в Палаццо Веккьо. C 1738 года (некоторые историки называют 1777 год) она находилась в галерее Уффици. В 1865 году был основан Национальный музей Барджелло, и во второй половине XIX века Давид занял место среди его экспонатов.

Мыслитель (1880-1882)

Этот шедевр французского скульптора Огюста Родена первоначально назывался «Поэт» и был частью композиции «Врата ада» по мотивам «Божественной комедии», изображая Данте, создателя отлитых в бронзе Роденом картин ада. В «Мыслителя» скульптура была переименована литейщиками, потому что посчитали её похожей на скульптуру Микеланджело с таким же названием. Знаменитая скульптура отливалась несколько раз. Было отлито 28 полных фигур, хотя многие из них были сделаны уже после смерти Родена.

Копии статуи разбросанных по всему миру. В частности, бронзовая копия скульптуры установлена на могиле скульптора в Мёдоне, пригороде Парижа. Другие копии «Мыслителя» установлены в Стэнфордском университете, у ворот филадельфийского музея Родена, у ворот Колумбийского университета, а также представлены в галереях Мельбурна, Женевы, Вашингтона, Парижа.

История стрит-арта с момента появления и до наших дней

Правильно было бы отметить, что уличное искусство существует с момента появления Человека разумного. Сначала творчество проявлялось в виде наскальных рисунков. Позже, уже в цивилизованном обществе (в Древнем Риме, Греции, Египте и т.д.), люди начали выражать свои мысли посредством нанесения надписей на стены. Это были рекламные послания, признания в любви, выражение политических мыслей и др.

Стрит-арт, такой, каким мы привыкли видеть его сегодня, предположительно появился во время Второй Мировой Войны. Первым случаем принято считать появление вирусной надписи “Kilroy was here”. Ее наносил некий Kilroy, который (предположительно) работал на заводе по производству бомб в Детройте (США). Сначала надпись появилась на всех ящиках с бомбами, изготовленными на этом заводе. Затем фраза была дополнена рисунком и далее распространялась американскими солдатами.

Расцвет уличного искусства в 1960-х годах пришелся на Филадельфию. Это место по-прежнему принято считать историческим центром граффити-культуры. В 1970-х годах локализация переходит в Нью-Йорк. Всё началось с манхэттенского квартала под названием Washington Heights. В этот момент и был придуман “теггинг”. Тогда же появилась традиция ставить номер улицы рядом с никнеймом. Первым, кто это сделал, стал Julio 204. Среди граффитистов того времени вспыхнуло соперничество за признание лучшим. Это сподвигло райтеров разработать новую манеру исполнения – так появились коды и стили граффити.

История развития

Если говорить о граффити в его современном понимании, то направление начало формироваться в 1960-х годах

Корнбрэд и Кул Эр покрыли надписями всю Филадельфию, чем привлекли внимание жителей и прессы

Затем граффити дошло и до Нью-Йорка. В 1971 г. в Нью-Йорк Таймс печатают статью о Диметриусе – курьере, который везде оставляет надпись своего псевдонима «Taki 183».

Taki183

С 1972 г. в Бруклине стали распространены граффити в подземных переходах. Так люди из разных районов буквально соревновались друг с другом, стараясь оставить как можно больше своих надписей. Чтобы выделиться на фоне остальных, художники начинают использовать различные стили, которые известны по сей день.

Затем возник Теггинг и Бомбинг. Ведь оставлять свой псевдоним на движущемся поезде безопаснее, так меньше шансов быть пойманным. С 1974 г. к надписям начинают добавлять рисунки, очень быстро они покрывают целые вагоны.

DjerbaSpace Invader

Уже с 1980-х годов возникают официальные выставки, где уличные творцы находят признание. В 1981 г. открывают выставка PSI New York/New Wave, где принимают участие такие известные личности как Жан-Мишель Баскиа, Уильям Берроуз, Энди Уорхол.

Однако вместе с громким признанием, вводят жесткие ограничения на роспись улиц и метро. Многие в этот момент заканчивают свою карьеру. Другие начинают развиваться дальше. Так в 1990-е года популярным стрит-артером стал Space Invander.

MiamiSpace Invader

Начиная с 2000-х годов отношение к граффити, стало более осознанным и серьезным. Художники стрит-арта вырабатывают собственный стиль, создавая все новые и новые ответвления.

Стрит-арт захватил мир в начале XXI века. Появлялись целые арт-кварталы, а городские районы стали галереями под открытым небом.

Личное и общественное

Уличный художник меняет общественные места, объекты, которые в равной степени принадлежат всем. Поэтому возникает вопрос: «Стрит-арт — вандализм или искусство?». Ответ на него зависит от того, принимают ли эти изменения другие. В отсутствие равноправного диалога это может стать амбициозным нарушением личных прав окружающих. Но если общество перестанет считать, что уличные рисунки — это плохо, то и само творчество станет оцениваться только с позиции таланта автора.

Решения, как должно выглядеть общее городское пространство, принимают официальные лица. И если граффити — это протестное разрушение, то стрит-арт — это деятельное заявление о своём праве на участие в этом решении.

Знаменитый художник Жан-Мишель Баския начинал как уличный райтер. В конце 70-х он оставлял на стенах Нью-Йорка загадочные фразы, подписывая их псевдонимом SAMO. Когда Баския прославился уже как студийный художник, за его уличными работами началась настоящая охота. Граффити знаменитости стоили баснословных денег.

Известный стрит-арт художник Бэнкси смог перевернуть понятие вандализма. Когда в 2011 году домовладелец в Бристоле закрасил стену с рисунком Бэнкси «Горилла в розовой маске», жители города возмутились и сочли это вандализмом. Хозяину стены под давлением общественности пришлось восстановить картинку. Сейчас работы Бэнкси считаются главной туристической достопримечательностью Бристоля и охраняются государством.

Семечки подсолнуха

Художник: Ай Вэйвэй

Год выпуска: 2008

Семечки подсолнуха (2008) — Ай Вэйвэй

Ай Вэйвэй считается архитектором китайского модернизма и он самый известный современный художник из Китая. Он также остается известным активистом, который открыто критиковал позицию китайского правительства в отношении демократии и прав человека. Семечки подсолнуха (Kui Hua Zi) — это художественная инсталляция, созданная Вэйвэем, которая состоит из более чем 100 миллионов фарфоровых семян подсолнуха, покрывающих пол площадью 1000 квадратных метров и глубиной 10 см. Произведение искусства было впервые выставлено в галерее современного искусства Тейт в Лондоне с октября 2010 по май 2011 года. Семена подсолнуха были частой темой китайской политической пропаганды в детстве Гая. В китайском искусстве того периода Мао Цзэдун изображался как солнце, а народ Китая — как семена подсолнуха. Своей инсталляцией художник показывает нам необъятность Китая, где отдельное семя мгновенно теряется среди миллионов. Семечки подсолнуха выставлялись в 12 выставках с 2009 по 2013 годы в музеях и галереях всего мира.

Терракотовая армия (конец III века до н.э.)

Терракотовые воины — это коллекция статуй в Сиане, Китай, изображающая армию первого императора династии Цинь — Ши Хуан-ди. Армия состоит из 8000 солдат, 130 колесниц и 670 лошадей. Эти фигуры — невероятный образец погребального искусства, созданный для защиты Императора в загробной жизни. Скульптуры были обнаружены в 1974 году местными крестьянами во время бурения артезианской скважины почти в 1,6 км от гробницы Императора.

Части коллекции часто являются участниками передвижных выставок по всему миру. В 1987 году на 11-й сессии ЮНЕСКО терракотовая армия была включена в список всемирного наследия как часть комплекса «гробницы первого императора династии Цинь».

Переход в галерейное пространство

В начале XX века Марсель Дюшан, явив обществу свои реди-мейды, изменил представление о том, что же является искусством. Он показал, что статус произведения искусства определяется исключительно намерениями художника и присутствием объекта на выставке.

И мы видим переход граффити в галерейное и музейное пространства. Это неизбежное следствие интереса публики, которая желает сохранить искусство для себя. Общество с интересом воспринимает уличное творчество, даёт запрос на него. И у многих художников приоритет смещается в сторону студийной работы. 

В Санкт-Петербурге с 2013 года существует уникальный проект — Музей стрит-арта, который объединил в себе галерейное пространство с уличной культурой и индустриальной эстетикой.

В Москве несколько галерей современного искусства регулярно выставляют работы художников стрит-арта. Среди них Triumph Gallery, RuArts и Syntax Gallery, которые активно сотрудничают с представителями российской уличной волны

Произведения таких художников привлекают внимание и аукционов. Например, VLADEY представляет работы художников со стрит-арт-бэкграундом с 2012 года

Что ещё сделать тем, кто хочет узнать больше об искусстве:

  • посетить выставки в МАММ;
  • посмотреть подборку актуальных выставок в Москве;
  • прочесть статью об эволюции искусства;
  • почитать статьи про эксцентричных художников Ай Вэйвэя и Яёи Кусаму на МТС Live;
  • прочесть статью о том, как современные художники рассказывают о хронической боли через свои произведения.

Статуя Свободы (1876-1886)

Статуя Свободы, известная как символ свободы в Соединенных Штатах, представляет собой медную статую римской богини Либертас, подаренную французским правительством. В руках она держит скрижаль с надписью, состоящей из английских букв и римских цифр («JULY IV MDCCLXXVI»), обозначающей «4 июля 1776 года» — дату принятия Декларации независимости США.

Идея подарка приписывается Эдуару Рене Лефевру де Лабулэ, президенту французского антирабовладельческого общества, в честь победы антирабовладельческих сил в гражданской войне в США. Автором статуи является французский скульптор Фредерик Огюст Бартольди, а проектировал её будущий создатель башни, ныне носящей его имя, Гюстав Эйфель.

Бэнкси

Художник, чьё имя первым всплывает в памяти при упоминании стрит-арта. Благодаря остросоциальной тематике своих работ, Бэнкси изменил представление мировой общественности об уличном искусстве.

Стрит-артист привлекает внимание людей, показывая картинку, берущую за душу. Лаконично, наглядно и доходчиво он выделяет из любой истории эмоциональную составляющую, заставляя публику сопереживать

Бэнкси — анонимный персонаж. Никто не знает, кто он. У нас есть лишь обрывки информации, предположения, скупые свидетельства, оговорки его команды и несколько видеорепортажей с размытым силуэтом и изменённым голосом. Но он популярен и любим, ему доверяют.

Одна из последних работ Бэнкси появилась в начале декабря 2020 года в Бристоле, который предположительно считается родным городом артиста. На картинке изображена пожилая женщина, чихающая так, что у неё вылетает вставная челюсть. Стена с этой работой находится на Вэйл-стрит, расположенной под крутым углом в 22 градуса, благодаря чему кажется, что дома на этой улице покосились от потока воздуха, спровоцированного чихом нарисованного персонажа.

С привычным мягким юмором художник проводит социальный эксперимент. Дом, на стене которого появилась его работа, незадолго до этого был выставлен на продажу. Здание оценивалось примерно в полмиллиона долларов. После появления картинки цена на дом выросла в несколько раз — теперь, по предварительным оценкам, его стоимость составляет около 5 миллионов долларов.

Появление конструктивизма

«Производственное искусство»

Конструктивизм принято считать русским (советским) явлением, возникшим после Октябрьской революции в качестве одного из направлений нового, авангардного, пролетарского искусства, хотя, как и любое явление в искусстве, он не ограничивается рамками одной страны. Так, провозвестником этого стиля в архитектуре явилась ещё Эйфелева башня, сочетающая в себе элементы как модерна, так и конструктивизма. Как писал В. В. Маяковский в своём очерке о французской живописи: «Впервые не из Франции, а из России прилетело новое слово искусства — конструктивизм…»

Как же возникло это принципиально новое направление?

В условиях непрекращающегося поиска новых форм, подразумевавшем забвение всего «старого», новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства». Отныне искусство должно было служить… производству. Большинство тех, кто впоследствии примкнул к течению конструктивистов, были идеологами так называемого «производственного искусства». Они призывали художников «сознательно творить полезные вещи» и мечтали о новом гармоничном человеке, пользующемся удобными вещами и живущем в благоустроенном городе.

Так, один из теоретиков «производственного искусства» Б.Арватов писал, что «…Будут не изображать красивое тело, а воспитывать настоящего живого гармоничного человека; не рисовать лес, а выращивать парки и сады; не украшать стены картинами, а окрашивать эти стены…»

«Производственное искусство» не стало более чем концепцией, однако, термин конструктивизм был произнесён именно теоретиками этого направления (в их выступлениях и брошюрах постоянно встречались также слова «конструкция», «конструктивный», «конструирование пространства»).

Помимо вышеуказанного направления на становление конструктивизма оказали огромное влияние футуризм, супрематизм, кубизм, пуризм и другие новаторские течения 1910-х годов, однако социально обусловленной основой стало именно «производственное искусство» с его непосредственным обращением к текущим российским реалиям 1920-х.

Рождение термина

Термин «конструктивизм» использовался советскими художниками и архитекторами ещё в 1920 году, однако впервые он был официально обозначен в 1922 году в книге Алексея Михайловича Гана, которая так и называлась — «Конструктивизм». А. М. Ганом провозглашалось, что «…группа конструктивистов ставит своей задачей коммунистическое выражение материальных ценностей… Тектоника, конструкция и фактура — мобилизующие материальные элементы индустриальной культуры». То есть явным образом подчёркивалось, что культура новой России является индустриальной.

Замок Кельбурн, Глазго

Описание и история: замок Кельбурн был построен в XIII веке, неудивительно, что к 2007 году ему требовалась серьёзная реконструкция. Владелец замка, граф Патрик Бойл (граф Глазго), предложил государству оригинальную идею — разрисовать фасад задмка — и пригласил знаменитых уличных художников.

Фото: Derek Buchanan / flickr.com

Оригинальные абстрактные рисунки привлекли множество туристов, на деньги от билетов планировалось провести реконструкцию (и стереть граффити). Но графу они так понравились, что, по слухам, он до сих пор ведёт переписку с правительством, пытаясь отстоять рисунки и оставить их навсегда. Шотландцы люди упрямые, и кто победит — мы не знаем.

Фото: Beth / flickr.com (слева) и Karen Evans / flickr.com (справа)

Как добраться: на автобусе A78, следующем по маршруту Greenock. Цена билета  — 5 £ (≈ 430 руб. в одну сторону). Дорога займёт около 45 минут.

Виды и техники

Большая часть стрит-арта – это граффити на стене. Однако стрит-арт — это не только граффити, к этому искусству также относят постеры, скульптуру, стикеры и т.д.

Рисунки на стенах

Создают отдельные рисунки, либо формируют композицию вместе с текстом. Используют разные материалы, техники. Размеры варьируются от небольшого рисунка на заброшке, до полноценной росписи 9-этажного панельного дома.

Большой Енот в ЛиссабонеBordalo II

Трафареты

С помощью трафаретов создают большие графичные изображения с четким контуром. Трафареты вырезают самостоятельно, под каждую отдельную работу.

Напрасное ожиданиеБэнкси

Существуют более универсальные приспособления, которые используют в любом рисунке, например, для создания четких геометрических форм, контуров. Иногда с помощью трафарета создают несколько идентичных изображений в разных частях города, обычно небольшого размера.

Знаменитый Бэнкси создавал свои работы с помощью трафаретов.

Муралы

Это большие красивые изображения на фасадах зданий, как правило, очень красочные. Создать их без специальных приспособлений и разрешения невозможно. Мурал также можно отнести к паблик-арту.

Стикеры, или стикер-арт

Их расклеивают по всему городу, чтобы распространить идею или слоган, придать огласку своему имени. Теряют свою популярность из-за схожести с рекламными буклетами и стикерами. Основоположником считается Шепард Фейри.

Постеры, или постер-арт

Сейчас этот прием почти не используют. Лишь несколько художников расклеивали плакаты в творческих проектах как самостоятельную единицу.

Например, дизайнер Агон-Нога расклеивал по Санкт-Петербургу увеличенные постеры.

Инсталляции

Иногда объект создается как объемная надпись, или скульптура, встроенная в городскую среду. Известные представители этого направления – Space Invader и Марк Дженкинс.

Основные виды граффити

Граффити – это различные надписи, реже рисунки, которые наносят краской, выцарапывают на стенах и других поверхностях.

  1. Спрей-арт – более узкая разновидность граффити, когда надписи и рисунки наносят с помощью аэрозольной краски.
  2. Бомбинг – быстрая прорисовка изображения в экстремальных условиях. Именно с него началось развитие граффити. Сюда относят надписи в метро, на транспорте, часто надпись создают во время движения транспорта. Используют яркие цвета, простые техники. Главная цель – заявить о себе, оставив яркое изображение.
  3. Тегинг – классическая надпись имени или никнейма автора. Своеобразный уличный автограф, который оставляют в самых разных местах – на домах, скамейках, автобусах.
  4. Writing – более продуманное направление тегинга. Изображают имя художника, либо название команды. Композиция более сложная, иногда объемная, для создания используют до 3 цветов. Команда заранее продумывает стиль изображения, место, габариты надписи. На создание такой работы может уйти несколько часов.
  5. Скретчинг – рисунок или надпись выцарапывают острым предметом. Объект стрит-арта стеклянные или зеркальные поверхности. Подобные попытки можно увидеть на окнах в общественном транспорте.

ТокиоSpace Invader

Стили граффити

Направления постоянно развиваются, меняются, возникает новая школа, однако можно выделить основные стили граффити:

Old School – классический стиль, работы приближены к модерну;

Flat – плоские изображения и надписи, используют не более 2 цветов, характерная черта – минимализм и простота;

Bubble style – несложные рисунки, при создании используют 2-3 цвета, сюда часто относят тэги, которые всюду оставляют стрит-артеры;

Blockbusters и Throw-up – очень крупные изображения, чаще их наносят с помощью трафаретов;

Wild style – надпись выглядит очень сложной, композицию создают с помощью сплетения букв, штрихов и символов;

FX-style – это объемные рисунки, где большое внимание уделяют проработке теней, бликов, чтобы создать 3D-эффект.

Стрит-арт в СССР и России

Самые первые попытки уличного искусства возникли еще в 1920 г., когда Малевич вместе с Лисицким оформили несколько фасадов в стиле супрематизм.

Спустя пару десятилетий, в 90-е годы, настала эпоха брейк-данса, рэпа и граффити, российскую культуру захватывают американские ценности. Теперь каждый желающий мог стать танцором и художником, при этом необязательно этому учиться. Процесс стал важнее результата.

За стрит-арт был назначен тюремный срок от 3 до 5 лет по статье Порча государственного имущества и Антисоветская пропаганда.

В СССР стрит-арт пришел из западных регионов, куда он проник из США уже в американизированном виде.

В продаже были баллоны с аэрозольной краской для окрашивания машин и просроченная краска из Европы. Именно ее использовали уличные художники. Тогда и мечтать не могли о будущем изобилии.

Самыми первыми представителями уличного искусства были Крыс (Вадим Мейкшанс), Баскет и Макс-Навигатор. С 2003 г. в России проходят первые стрит-арт мероприятия и фестивали. Так хулиганские росписи переросли в настоящее искусство.

Начиная с 2000-х годов стрит-арт стал модным элементом городской среды. Теперь у художников заказывают роспись фасадов, рекламных баннеров, приглашают их для оформления праздников и мероприятий. Открывают настоящие галереи стрит-арта, проводят выставки, фестивали.

Однако стрит-арт в России все еще воспринимают негативно. Для большинства роспись фасадов в любом проявлении – это вандализм, когда за рубежом вандализмом считают закрашенные граффити Бэнкси.

Кролик

Художник: Джефф Кунс

Год: 1986

Кролик (1986) — Джефф Кунс

Нео-поп — это движение постмодернистского искусства, которое вдохновило и расширило влиятельное движение поп-арта. Подобно поп-арту, нео-поп фокусируется на узнаваемых объектах и ​​знаменитостях из популярной культуры с иконами и символами настоящего времени. Джефф Кунс, пожалуй, самый известный художник нео-поп-движения. В частности, он известен прежде всего изображениями повседневных предметов, произведенных из нержавеющей стали с зеркальной отделкой поверхности. Кролик — это скульптура Кунса из нержавеющей стали, которая считается одной из его самых знаковых работ. Скульптура считается «шоковым искусством», стирающим границы между изобразительным искусством и искусством, не проявляющим чувствительности. В мае 2019 года Кролик был продан на аукционе Christie’s за 91,1 миллиона долларов, побив аукционный рекорд работы ныне живущего художника. Предыдущий рекорд принадлежал картине Хокни, о которой говорилось выше. По состоянию на апрель 2020 года, Кролик остается самой дорогой работой ныне живущего художника проданной на аукционе.

Алексей Саврасов

Алексей Саврасов — основатель жанра лирических пейзажей.

Отец Алексея был купцом и хотел, чтобы сын продолжил его дело. Юноша не оправдал ожидания отца и поступил в училище живописи.

Первые его картины не были оценены по достоинству. Известность ему принесла работа «Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду».

Вскоре после окончания училища Саврасов стал руководить пейзажным классом.

У него много достойных работ, но его считают «художником одной картины». Это всем известная «Грачи прилетели».

Возможно, это стало причиной его терзаний. Художник увлекся алкоголем, в его творчестве появились мрачные мотивы.

Последние годы своей жизни Алексей провел в бедности. Великий художник скончался в больнице для бедняков, но его картины до сих пор радуют потомков.

Самые известные картины: «Грачи прилетели», «Вид на Московский Кремль. Весна», «Проселок».

Птица в пространстве (1923)

«Птица в пространстве» — это цикл скульптур румынского художника Константина Бранкузи, первая из которых была отлита в 1923 году. Семь из них выполнены из мрамора, девять — из бронзы

Вместо того чтобы сосредоточиться на физическом изображении птицы, Бранкузи основное внимание уделял символизму полёта. Лишив животное крыльев и перьев, удлинив клюв и туловище, появилась гладкая форма

Оригинальная скульптура установила рекорд в 2005 году, когда была продана на аукционе Кристиз в Нью-Йорке за 27,5 миллиона долларов. Эта скульптура сделана из мрамора и камня в 1922—1923 годах. Её высота — 1 метр 21 сантиметр.

В настоящее время оригинальная мраморная версия находится в Музее искусств «Метрополитен» в Нью-Йорке.

Франция

Франция – родина многих великих художников позапрошлого века. Именно в этой стране родились новаторы и гении искусства:

  • Поль Гоген. Выдающийся французский художник, который творил в стиле импрессионизма. В юном возрасте он трудился матросом на корабле, потом кочегаром, после чего рулевым на военном флоте. Самые известные картины, такие как «Женщина, держащая плод», «Кто мы? Откуда мы? Куда мы идем?», были написаны на острове Таити, куда художник переехал, назвав цивилизацию «болезнью». Его стремление к природе и воссоединению с ней читаются в каждом мазке и переплетаются с мифологией Океании.

  • Эдгар Дега. Известный художник из Парижа, который прославился противоречивым и странным поведением. Родившись в семье банкира и получив первоклассное юридическое образование, Эдгар бросает все во имя искусства. Обретенная художником свобода передается в его картинах. Палитра цветов прямо дышит свежестью, а легкая техника передает иллюзию еле заметного движения. Предпочитая рисовать девушек и балерин, Дега, наконец, добился расположения окружающего его общества.

  • Эдуард Мане. Мане является одним из самых выдающихся художников XIX века, которому пришлось пройти немало испытаний, прежде чем обрести популярность. И только при настоятельной поддержке друзей Эдуард начинает активно выставлять свои работы в известных музеях, а также становится востребованным среди частных коллекционеров. В основном, Мане позиционировал себя как пейзажист и портретист, но после блокады Парижа он неожиданно изменил свое направление в сторону натюрмортов.

  • Клод Моне. Моне смело можно назвать основателем импрессионизма. Техника создания его картин будоражит воображение, так как ему удается передать всю легкость и загадочность пейзажей и портретов. История Моне как художника была очень непростой. Прежде чем обрести мировую известность, гений прошел долгий путь через нищету, насмешки и гонения. Его произведения, такие как «Впечатление» и «Пруд с кувшинками», заслуживают особого внимания.
  • Пьер Огюст Ренуар. Успеха и признания Ренуар добился великим упорством и трудом, которым другие художники могли бы позавидовать. Он создавал новые шедевры вплоть до самой своей смерти, несмотря на то, что был очень болен, и каждый взмах кисти приносил ему страдание. За его работами по сей день гоняются коллекционеры и музейные представители, так как творчество этого великого художника является бесценным даром человечеству.

  • Поль Сезанн. Являясь человеком неординарным и своеобразным, Поль Сезанн прошел адские испытания. Но среди гонения и жестоких насмешек он неустанно трудился, развивая свой талант. Его великолепные работы имеют несколько жанров – портреты, пейзажи, натюрморты, которые смело можно считать основополагающими источниками начального развития постимпрессионизма.

  • Эжен Делакруа. Смелые поиски нового, горячий интерес к современности были свойственны работам великого художника. Он, в основном, любил изображать битвы и сражения, но даже в портретах сочетается несочетаемое — красота и борьба. Романтизм Делакруа берет начало из его такой же неординарной личности, которая одновременно сражается за свободу и блещет душевной красотой.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Editor
Editor/ автор статьи

Давно интересуюсь темой. Мне нравится писать о том, в чём разбираюсь.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Енот на Волге
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: