Техника Старых мастеров
Техника Старых мастеров стоит особняком в изобразительном искусстве. Владея этой уникальной методикой, художник может создавать «живые» произведения, от которых трудно оторвать глаз. Технология оптических просветов, базируется на технике Старых мастеров и включает в себя современные приемы, материалы и инструменты. Это методика многослойной живописи, в которой важную роль играет подготовка полотна и удержание изображения в воздушной перспективе. Для этого используется комплексный подход, состоящий из:
- проклейки и грунтовки поверхности;
- нанесения имприматуры;
- масляной лессировки;
- работы наждачной бумагой и оптическими смесями;
- точечного ввода цветов;
- пропитки работы маслом.
Создание художественных произведений по технологии оптических просветов напоминает рассвет, когда благодаря поэтапной проработке полотна изображение проявляется постепенно. Ни одна деталь не выбивается из общей структуры, оттенки получаются глубокими, полутона плавно перетекают в светлые и темные участки. Более подробно технология оптических просветов освещается в книге, скачать, которую вы можете по этой ссылке.
Алекс Трочут (Alex Trochut)
Национальность: испанецГоды работы: 2000-е — настоящее времяОбразование: Школа Дизайна и технологий в БарселонеСтудия: Alex Trochut Design
Алекс Трочут — большой экспериментатор в типографики и иллюстрации. Свое ремесло он рассматривает в потоке, сравнивая его с человеческой натурой, которая с течением времени изменяется. Именно поэтому работы Трочута — это как будто застывший момент, который превратился в огромные трехмерные буквы на полотне. Шрифтами художник передает эмоции, и такой подход уже принес ему мировое признание.Трочут работал с клиентами со всего мира, от Converse и Nike до Patagonia, Adobe, ESPN и премии «Оскар». Он даже сделал ретро-дизайн обложки для сингла «Roar» Кэти Перри (Katy Perry), который вышел в 2013 году.
Что такое графика
Графика – это разновидность изобразительного искусства, которая предполагает выполнение рисунков точками, пятнами, штрихами и линиями с минимальным использованием цвета. Главная палитра – черный и белый.
Графическое искусство прошлого представлено богатым наследием. Всемирную известность получили Рембрандт Херменс ван Рейн, Альбрехт Дюрер, Хиросиге Андо, Хокусай Кацусика. Их работы оказали существенное влияние на европейских художников-графистов, которые творили в конце 19 – начале 20 столетия. В этом нет ничего удивительного, так как многие живописцы делали значимый вклад в развитие графики.
Сегодня художник-график – это профессия, представители которой работают в издательском деле, производстве рекламной продукции, кинематографе. Зачастую в создаваемых им изображениях формы объектов упрощены для удобства восприятия. Один из самых ярких примеров этого – мультфильмы.
Графика делится на несколько разновидностей:
- станковая (акварель и гравюра, эстамп и рисунок станковый);
- книжная (создание иллюстраций, рисование буквиц и виньеток, оформление обложек и суперобложек, форзацев, эрзацев и шмуцтитулов, разработка шрифтового рисунка);
- газетно-журнальная (конструирование макетов и оформление печатного издания, рисование карикатур и иллюстрирование);
- промышленная и прикладная (создание эскизов денежных знаков и почтовых марок, макетов рекламных изданий и буклетов, разработка логотипов, товарных ярлыков, вывесок, упаковки и прочего);
- письменная (искусство каллиграфии и шрифта, эпиграфика – надписи на камне, металле и других твердых материалах);
- плакатная (реклама – различных товаров и политическая);
- компьютерная.
Плакатная графика считается сравнительно молодой разновидностью. Она оформилась в 19 столетии и использовалась изначально для рекламы в сфере торговли и театра. Пример – известные ценителям искусства афиши Анри де Тулуз-Лотрека и Жюля Шере. Потом ее начали применять в целях политической пропаганды, к наиболее яркими образцам которой относят плакаты Александра Дейнеки, Владимира Маяковского и Дмитрия Моора в СССР, Тадеуша Трепковского – в Польше.
Цветная фотография
Если раньше всё происходящее стремилось попасть на бумагу, то теперь вся жизнь направлена на получение фотографии. Поэтому без этого изобретения, ставшего частью маленькой, но насыщенной истории фотографии, мы бы не увидели такой “реальности”. Сергей Михайлович Прокудин-Горский разработал особую фотокамеру и представил своё детище миру в 1902 году. Эта камера была способна делать три снимка одного и того же изображения, каждый из которых пропускался сквозь три совершенно разных световых фильтра: красный, зеленый и синий. А патент, полученный изобретателем в 1905 году, можно без преувеличения считать началом эры цветной фотографии в России. Это изобретение становится намного качественнее наработок зарубежных химиков, что является важным фактом ввиду массового интереса к фотографии по всему миру.
Графика русских художников
Автор — Anna_Livia. Это цитата этого сообщения Графика русских художников
В посте собраны графические работы русских художников: Серова, Шишкина, Куинджи, Саврасова, Перова, Репина, Левитана.
Серов В.А. Анна Павлова в балете «Сильфида» (1909)
Серов В.А. Портрет К.А. Обнинской с зайчиком (1904)
Серов В.А. Амазонка. М.Ф. Мамонтова (1884)
Серов В.А. Баба с лошадью (1899)
Серов В.А. Автопортрет (1885)
Серов В.А. Девочки Н.А. и Т.А. Касьяновы (1907)
Серов В.А. Портрет И.Ю. Грюнберг (1910)
Серов В.А. Портрет Н.З. Рапопорт (1908)
Серов В.А. Портрет К.С. Станиславского (1911)
Шишкин И.И. Аллея Летнего сада в Петербурге (1869)
Шишкин И.И. Берег моря. Мери Хови (1889)
Шишкин И.И. Березняк (1885)
Шишкин И.И. В горах Гурзуфа. Кон. 1870-х гг.
Шишкин И.И. Гурзуф. Скалы (1879)
Шишкин И.И. Выкорчеванные пни под снегом. 1890-е гг. Бумага, уголь.
Шишкин И.И. Дорожка в лесу (1871)
Шишкин И.И. Задворки (1873)
Шишкин И.И. Лесной ручей. Вечер (1871)
Шишкин И.И. Автопортрет (1854)
Куинджи А.И. Лунная ночь на реке
Куинджи А.И. Лесная поляна
Куинджи А.И. Лес. 1870-е гг.
Куинджи А.И. Московский вид
Куинджи А.И. Портрет Н.А. Ярошенко
Куинджи А.И. Портрет И.Н. Крамского
Куинджи А.И. Мужская голова в соломенной шляпе
Саврасов А.К. Спуск к реке (1868)
Саврасов А.К. Грачи прилетели. Пейзаж с церковью (1894)
Саврасов А.К. Украинский пейзаж. 1860-е гг.
Саврасов А.К. Ранняя весна. Половодье (1893)
Саврасов А.К. В парке (1858)
Саврасов А.К. Вечер. Восход луны (1872)
Саврасов А.К. Вид в селе Кунцево под Москвой (1855)
Саврасов А.К. Вид Москвы с Воробьевых гор. 1850-е гг.
Саврасов А.К. Гроза (1856)
Саврасов А.К. Лунная ночь над рекой (1885)
Саврасов А.К. Начало весны (1876)
Саврасов А.К. Оттепель (1887)
Саврасов А.К. Пейзаж с избушкой. 1860-е гг.
Саврасов А.К. Пейзаж с церковью и руинами (1861)
Саврасов А.К. Лес у озера, освещенный солнцем (1856)
Саврасов А.К. Дубы на берегу (1867)
Саврасов А.К. Привал обоза чумаков в степи (1867)
Перов В.Г. Чаепитие в Мытищах близ Москвы (1862)
Перов В.Г. Шарманщики
Перов В.Г. Утопленица. Эскиз (1867)
Перов В.Г. Парижская шарманщица (1863)
Перов В.Г. Уличные музыканты в Париже (1863)
Перов В.Г. Похороны в бедном квартале Парижа (1863)
Перов В.Г. Парижское гулянье (1863)
Перов В.Г. Толкучий рынок в Москве (1868)
Перов В.Г. Смущенная девушка (Этюд к картине «Дворник, отдающий квартиру барыне»), 1864.
Перов В.Г. Наушница. Перед грозой.
Перов В.Г. Сельский крестный ход на Пасхе. Эскиз (1860)
Перов В.Г. Паломники. На богомолье (1867)
Перов В.Г. Кража со взломом в Пасхальную ночь (1861)
Перов В.Г. Дележ наследства в монастыре. Смерть монаха (1868)
Перов В.Г. В ссудной кассе (1867)
Перов В.Г. Первый чин. Сын дьячка (1860). Литография.
Репин И.Е. Автопортрет (1923)
Репин И.Е. Девочка Ада (1882)
Репин И.Е. Женская голова (В.А. Репина, лежащая в постели). 1872
Репин И.Е. За роялем (1905)
Репин И.Е. За чтением (Портрет Наталии Борисовны Нордман). 1901
Репин И.Е. Запорожцы (1878)
Репин И.Е. Искушение (1891)
Репин И.Е. Кавалькада в Абрамцево (1879)
Репин И.Е. Невский проспект (1887)
Репин И.Е. У Доминика (1887)
Репин И.Е. Ширяев буерак на Волге (1870)
Репин И.Е. Церковь и колокольня в Чугуеве (1880)
Репин И.Е. Смерть Федора Васильевича Чижова (1877)
Репин И.Е. Портрет Э.Л. Праховой и художника Р.С. Левицкого (1879)
Репин И.Е. Портрет Т.С. Репиной, матери художника (1879)
Репин И.Е. Портрет Романова.
Репин И.Е. Портрет Е.Г. Мамонтовой (1879)
Репин И.Е. Портрет Е.Д. Баташевой (1891)
Репин И.Е. Портрет В.А. Жиркевича (1891)
Репин И.Е. Портрет М.К. Тенишевой (1898)
Репин И.Е. Портрет М.О. Левенфельд (1913)
Левитан И.И. Въездные ворота Саввинского монастыря близ Звенигорода (1884)
Левитан И.И. Поселок (1884)
Левитан И.И. Деревня. Зима (1888)
Левитан И.И. Деревня. Ранняя весна (1888)
Левитан И.И. Дорога в лесу. Ок. 1899
Левитан И.И. Любимцы (1882)
Левитан И.И. Осень (1885)
Левитан И.И. Пейзаж с луной. 1880-е гг.
Левитан И.И. Пейзаж (1892)
Левитан И.И. Портрет С.П. Кувшинниковой (1894)
http://www.adme.ru/tvorchestvo-hudozhniki/14-znamenityh-hudozhnikov-chi-kartiny-rezko-izmenilis-vsego-za-desyatiletie-2126965/http://jag.in.ua/artworks/graphics/http://kolybanov.livejournal.com/7900438.html
Краткое описание
Отрисовкой и разработкой дизайна карикатур, гравюр, иллюстраций, шрифтов и других графических изображений занимается художник-график. Он должен уметь чувствовать рынок, обладать отличным чувством юмора и эстетическим вкусом
Важно умение рисовать от руки, навыки работы с разными видами красок (акварель, гуашь) и программных продуктов
В живописи применяется широкая цветовая гамма, в графике цвет играет преимущественно вспомогательную роль, в ней используются линии, штрихи, точки и пятна. Изобразительный язык графики простой, понятный и лаконичный. Этот вид изобразительного искусства условно разделяется на несколько видов, рассмотрим их:
- компьютерная,
- станковая,
- книжная,
- журнальная,
- прикладная,
- промышленная,
- газетная,
- плакатная,
- письменная.
В графике цветовая палитра не так важна, как оттенок и фактура поверхности, на которую наносится графическое изображение. Каждая деталь такого изображения важна, оно достаточно простое, создается быстрее, чем классическая картина. Базовые цвета – черный и белый, иногда используются дополнительные 2-3 оттенка, но не более, ведь графика не должна соперничать с живописью в вопросе богатства красок. В последствии готовое изображение размножают с помощью разнообразных техник печати, используя для оформления книг, газет и иной продукции.
Рафаэль Санти
Рафаэль – итальянский график, живописец и архитектор. В его картинах отражались идеалы Возрождения.
Мир стал более чистым и добрым, когда на него стали смотреть глаза изображенных Рафаэлем мадонн: Пасадинской, Сикстинской, Орлеанской, Конестабиле.
Он мастерски воплощал в картинах самые разные эмоциональные оттенки. Рафаэль считался одним из самых «сбалансированных» художников. Мастер умер очень рано, в возрасте 37 лет, но оставил после себя колоссальное художественное наследие.
Известные портреты: «Донна Велата», «Портрет Кастильоне», «Портрет Юлия II», «Портрет папы Льва X с двумя кардиналами».
Лессировочная техника
В отличие от предыдущих методик, техника лессировки (глизаль) основывается на работе полупрозрачными красками – преимущественно акварельными и масляными. При использовании нескольких слоев сочетания всех оттенков остаются видимыми, что вызывает эффект глубины пространства и внутреннего свечения. Цветовые пигменты при этом не смешиваются, а новый слой краски накладывается на уже высохший.
В масляной живописи при помощи тонкой лессировки можно воспроизвести сложные тона и фактуры и визуализировать мельчайшие детали. С помощью акварели хорошо передаются атмосферные и природные эффекты: дождь, дымка, туман, водная гладь, облака и другие. В технологии оптических просветов лессировке отводится одна из ключевых ролей. Глизаль применяется на нескольких этапах (масло, плюс проработка отдельных участков темперными оптическими смесями), в результате чего получаются переливчатые оттенки, а изображение воспринимается как единое целое. Краски на палитре не смешиваются, а мазки отсутствуют – работа ведется «от пятна» в пространстве и с пространством. Результат после проведения большинства этапов лессировки (до финишного нанесения масла) смотрите в видео.
Наркоз
С древнейших времен человечество мечтало избавиться от боли. Особенно это касалось лечения, которое порой было болезненнее самого недуга. Травы, крепкие напитки лишь притупляли симптомы, но не позволяли совершать серьезных действий, сопровождаемых серьезными болевыми ощущениями. Это существенно тормозило развитие медицины. Николай Иванович Пирогов – великий русский хирург, которому мир обязан многими важнейшими открытиями, внес огромный вклад в анестезиологию. В 1847 году он обобщил свои эксперименты в монографии по наркозу, которая была издана во всем мире. Тремя годами позднее он впервые в истории медицины начал оперировать раненых с эфирным обезболиванием в полевых условиях. Всего великий хирург провел около 10 000 операций под эфирным наркозом. Также Николай Иванович является автором топографической анатомии, которая не имеет аналогов в мире.
Добавлено описание картины «Бульвар Монмартр ночью» Камиля Писсарро
Техника и виды графики
Основу всех видов графического искусства составляет рисунок. Обычно графическое изображение выполняется на листе бумаги, которая играет роль пространства. Для создания своих работ художник может использовать целый арсенал средств: карандаш, шариковую ручку, уголь, чернила, тушь, сангину (красно-коричневые карандаши, изготовленные из каолина и оксидов железа), цветной мел, соус (одна из разновидностей пастели), акварель, гуашь.
Главным инструментом европейского рисунка в эпоху поздней готики и Ренессанса было перо. В конце 17 века стали использовать графитовые карандаши для создания рисунков, чертежей, зарисовок. В графике практически не применяют холст, так как акварельные краски и гуашь на него плохо ложатся. Цвет в графических изображениях применяется значительно меньше, чем в живописных работах. Главные изобразительные средства графики – линия, пятно, светотень, штрих и точка.
Графика обладает таким же большим разнообразием жанров, как и живопись. Но здесь чаще встречаются жанр портрета и пейзаж, в меньшей степени – натюрморт, исторический, бытовой и другие. Графику традиционно делят на монументальную (плакат, настенная графика), станковую (рисунок и эстамп), книжную (иллюстрации, открытки), а также компьютерную графику, которая, однако, стоит в стороне, так как не использует традиционные материалы.
Искусство графики отличается большим разнообразием техник, которые художник использует в чистом виде или в различных сочетаниях. По технике графика бывает двух видов: рисунок и печатная графика (эстамп). Рисунок создается только в единственном экземпляре. В древности художники использовали папирус, пергамент, а с 14 века стали рисовать уже на бумаге.
Печатная графика наоборот существует во многих экземплярах. Для тиражирования используют гравюру – рисунок на твердом материале, который покрывается краской, а затем отпечатывается на листе бумаги. В зависимости от материала различают разные виды и техники гравюры: ксилография (гравюра на дереве), линогравюра (рисунок, вырезанный на линолеуме), офорт (гравюра на металле), литография (гравюра на камне). С появлением гравюры возникла печатная книга и стала развиваться книжная графика
Сегодня развитие графики не останавливается, появляются новые жанры и техники, но, как и в древние времена, графика остается важной составляющей изобразительного искусства в нашей жизни
Винсент ван Гог
«Что такое рисование? Это умение пробиться сквозь железную стену, которая стоит между тем, что ты чувствуешь, и тем, что ты умеешь» – Винсент ван Гог.
Нидерландский художник-постимпрессионист. Главным в живописи для него был цвет – он смешивал основные цвета с дополнительными, что позволяло ему получать поразительный эффект. Ранние работы насыщены яркими и позитивными цветами, а более поздние – трагическими цветовыми диссонансам, с помощью которых он выражал весь тот негатив, который охватил его разум и сердце.
Самые известные картины: «Звездная ночь», «Автопортрет», «Едоки картофеля», «Звездная ночь над Роной», «Ирисы», «Автопортрет с перевязанным ухом», «На пороге вечности», «Подсолнухи», «Ветки цветущего миндаля».
Безответная любовь и смерть близких ввели художника в состояние глубокой депрессии, из которого его могло вывести только искусство. Он имел средства на холсты, краски и натурщиц благодаря помощи своего брата, а во всем остальном он себя сильно ограничивал ради возможности творить. Яркое и радостное изначально искусство художника со временем превратилось в нечто темное, угнетающее и поистине трагическое.
Душевное состояние художника ухудшалось с каждым годом, однако он писал картины даже между обострениями своей болезни в лечебнице для душевнобольных, где создал несколько своих главных шедевров. Конец своей жизни ван Гог провел в небольшой деревне под Парижем, вид которой стал для него настоящим источником вдохновения: он работал с утра до ночи, исполнив за последние два месяца жизни 70 картин и 32 рисунка. Однако, несмотря на такой творческий подъем, вскоре он, окончательно отчаявшись, убил себя выстрелом из пистолета.
Где почитать о художнике: И. Стоун «Жажда жизни», Р. Уоллэйс «Мир ван Гога», А. Перрюшо «Жизнь ван Гога», В. ван Гог «Письма к брату Тео».
Основные типы сайтов, на которых художники могут выкладывать и начинать продавать свои работы
- Онлайн-галереи. С их помощью получится продать картины очень дорого — за несколько тысяч долларов. Однако попасть туда сложно. Художественную и коммерческую ценность картин оценивают искусствоведы, просматривая оригиналы или цифровые изображения. Предпочтение отдают художникам с известным именем. В некоторых галереях, например, Saatchi Art, необходимо покупать тариф «премиум» для размещения на первой странице каталога.
- Доски объявлений. Имеют огромную посещаемость, поэтому приносят быстрый заработок. Зарегистрироваться там могут даже начинающие художники. Доски позволяют размещать фото и текстовые объявления, сортировать товары по категориям, переписываться с поклонниками. Из минусов стоит отметить демпинг, необходимость оплачивать комиссии или оформлять платный тариф, чтобы выкладывать большое количество работ.
- Специализированные платформы. Имеют самые демократичные условия размещения и широкий функционал для заработка. В частности, анализируют творчество автора и подбирают для него целевую аудиторию, позволяют красиво оформить портфолио, принять участие в онлайн-выставках и конкурсах. Более подробно о способах монетизации хобби в нашей статье «Как заработать художнику в интернете: 10 способов работы для художников и 5 лучших стоков».
Альбрехт Дюрер
Продолжительность жизни: 21 мая 1471 г. — 6 апреля 1528 г.
Национальность: немец
Альбрехт Дюрер
Альбрехт Дюрер был блестящим художником и рисовальщиком, его наибольшее художественное влияние было оказано на печатное производство. Он начал свою карьеру в качестве ученика Михаэля Вольгемута, который возглавлял большую мастерскую и был лидером среди художников, возрождающих стандарты немецкой гравюры в то время. Еще в двадцатилетнем возрасте Дюрер завоевал свою репутацию и влияние в Европе благодаря своим высококачественным гравюрам на дереве. Он продолжил революцию в печатном производстве, подняв его до уровня самостоятельной художественной формы, и он считается одной из главных фигур в истории печатного искусства. Дюрер общался с крупнейшими итальянскими художниками своего времени, включая Рафаэля и Да Винчи. Его введение классических мотивов в северное искусство было важным вкладом в германское возрождение. Альбрехт Дюрер считается величайшим немецким художником эпохи Возрождения. Он оказал глубокое влияние на художников последующих поколений, особенно в печати.
Шедевр: Меленколия I (1514)
Меленколия I (1514)
Другие известные работы: —
- Автопортрет в возрасте двадцати восьми лет в пальто с меховым воротником (1500)
- Молящиеся руки (1508)
Каналетто (1697-1768).
Каналетто. Автопортрет. XVIII век. Частная коллекция.
Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.
Такой подход к пейзажу был в новинку в те времена. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников.
Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры.
Вот, к примеру, полотно «Гранд-Канал».
Каналетто. Гранд-Канал. 1730. Галерея Уффици, Флоренция.
Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы.
А здания вокруг – это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени! Ну как тут не вспомнить об импрессионистах?
Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне. И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении.
Каналетто. Вестминстерское аббатство. 1749. Музей Вестминстера.
Но художник не всегда точно переносил на холст изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу».
В 1746 году Каналетто переехал в Англию, где быстро завоевал любовь публики.
На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная. Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится.
Но зато сколько за счёт этой свободы появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто!
Посмотрите ещё на одну знаменитую картину художника «Скуола Сан-Марко».
Каналетто. Скуола Сан-Марко. 1765. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.
Художник подбирает необычный, драматичный цвет неба. Здание написано невероятно тонкой линией. Рассветные лучи мягко обволакивают Скуолу. Потрясающее сочетание красоты природы и архитектуры. В этом весь Каналетто!
В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей.
Гравюры Москвы
Старинную Москву можно встретить на множестве гравюр, как российских, так и зарубежных мастеров. Одна из первых работ – рисунок XIII века «Московский Кремль» с гравюры Бликланда. Со временем художественное значение Москвы в Российской империи уменьшилось, большая часть творческой интеллигенции перебралась в Петербург. Как итог – графических иллюстраций с изображением Москвы стало меньше.
В большинстве случаев старые гравюры про Москву не отображали городские реалии того времени. Они были свидетельством определенных событий, демонстрировали быт и традиционный уклад жизни москвичей.
Естественный свет и яркое солнце
Майкл Бейрут (Michael Bierut)
Национальность: американецГоды работы: 1980-е — настоящее времяОбразование: Университет ЦинциннатиСтудия: Pentagram
Майкл Бейрут — еще один графический дизайнер, который имеет отношение к Pentagram. Он партнер этой дизайн-студии уже без малого 30 лет. Бейрут создавал работы для самых известных клиентов в мире, включая Walt Disney, журнал Billboard, United Airlines, Saks Fifth Avenue и The Atlantic, для которого он сделал знаменитый редизайн в 2008 году.За последние десятилетия Бейрут завоевал репутацию человека, который первым в своей индустрии «демократизировал» дизайн — сделал его простым, понятным и досутпным широкой публике. Он также уверен, что в мире бесчисленное количество креативности, поэтому задача графического дизайнера заключается в том, чтобы сфокусировать этот поток энергии на своей задаче и превратить его в инсайты и смыслы.
Пола Шер (Paula Scher)
Национальность: американкаГоды работы: 1970-е — настоящее времяОбразование: Школа искусств и архитектуры ТайлераСтудия: Pentagram
С самых первых лет работы Пола Шер никогда не боялась менять правила индустрии, которой заправляли мужчины. Она окончательно укрепила свою репутацию новатора и первопроходца, когда в 1991 году стала первой женщиной-партнером дизайн-консалтинга Pentagram.Пола Шер также известна тем, что любит смешивать стили ар-деко, русского конструктивизма и граффити в работах, создавая дерзкую типографику, которая очень часто становится основой ее работ. До сих пор Шер остается одной из главных персоналий в дизайн-мире, а ее портфолио насчитывает десятки крупных кейсов для клиентов мирового уровня, включая Microsoft, The Sundance Institute, Coca-Cola, Общественный театр в Нью-Йорке, Bloomberg, Линкольн-центр, Tiffany & Co., Метрополитен-опера и Citibank.
Иван Константинович Айвазовский
«Все эти успехи в свете – вздор, меня они минутно радуют и только, а главное мое счастье – это успех в усовершенствовании» – Иван Константинович Айвазовский.
Русский художник-маринист. Говорил, что сюжет картины слагается у него в памяти, как сюжет стихотворения у поэта. Писал картины «по памяти», а не с натуры, считая, что так они получаются более живыми.
Самые известные картины: «Девятый вал», «Черное море», «Радуга», «Ночь на Черном море», «Корабль среди бурного моря», «Море. Коктебель», «Волна».
Айвазовский с раннего детства писал людей, парусные корабли и пейзажи. Его работы очень рано заслужили самую высокую оценку со стороны современников. Он отличался не только талантом, но и чрезвычайной производительностью – он практически ежедневно писал один холст за другим. Картина «Девятый вал» позволила его таланту развернуться во всей своей глубине.
Все его выставки неизменно сопровождались небывалым успехом, его творчество всегда ценилось даже самыми великими людьми. Его большую картину «Хаос» приобрел сам Папа Григорий XVI, а знаменитый английский маринист Тернер посвятил его картине «Неаполитанский залив лунной ночью» восторженные стихи. Художник получил признание не только в России, но и за рубежом. Его картины выставляются в лучших галереях мира.
В отличие от многих других художников, в поздние годы своей жизни Айвазовский пережил новый творческий подъем и расцвет таланта. Он неутомимо работал до самого конца своей жизни. Он создал картину «Черное море», которая считается одной из самых грандиозных картин в мире, а затем картину «Волна», которую он и сам считал «своей лучшей бурей».
Где почитать о художнике: Л. Вагнер «Повесть о художнике Айвазовском», Н. Кузьмин «Пленник моря. Встречи с Айвазовским», Д. Каффьеро и И. Самарин «Неизвестный Айвазовский».
Энди Уорхол
Уорхол — графический дизайнер по образованию. Он родился и вырос, как раз когда эта профессия вполне официально появилась, а индустрия печатной рекламы расцвела.
Поп-арт Уорхола — это переосмысление эпохи потребления. В некоторых работах он перерисовывал от руки образы, тиражируемые в массовой культуре. Например, это холсты с супом Campbell.
, 1962 год. Изображение: Энди Уорхол / Wikimedia Commons
Начинал карьеру Уорхол не как деятель современного искусства, а как коммерческий иллюстратор — он создавал рекламную графику и обложки для журналов. Особенно известны его изображения туфель: он долго сотрудничал с обувным брендом I.Miller, а потом делал рекламу для Dior.
Реклама туфель I.Miller на развороте Harper’s Bazaar, 1960 год. Изображение: Энди Уорхол / Harper’s Bazaar / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Реклама туфель I.Miller, 1958 год. Изображение: Энди Уорхол / Oxford Art Journal
Иллюстрация для Vogue, 1957 год. Изображение: Энди Уорхол / Vogue / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Обложка журнала The Week, 1959 год. Изображение: Энди Уорхол / The Week / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Став известным деятелем поп-арта, Уорхол работал в разных техниках: рисовал, фотографировал, делал инсталляции, снимал кино, а также продолжал принимать заказы на рекламу и дизайн для журналов.
Отдельное направление работы Уорхола — дизайн обложек музыкальных пластинок. Например, он создал известную обложку с бананом для дебютного альбома The Velvet Underground. Оригинальная обложка была интерактивной. Она выходила с наклейкой в виде жёлтого банана в кожуре, которую можно было снять — и увидеть розовый очищенный банан.
Также ему принадлежит одна из самых необычных музыкальных обложек — для The Rolling Stones. На ней изображены брюки с настоящей молнией, расстегнув которую, можно увидеть эмблему группы. За эту работу Уорхол был номинирован на «Грэмми».
