Музей гуггенхайма в нью-йорке. архитектура управления пространством

Эти фотографии – искусство. Иначе, зачем они висят в музее искусств?

Музей современного искусства (MoMA) появился в 1928 году при поддержке семьи Рокфеллеров. Изначально располагался в офисном здании, где для размещения экспонатов было выкуплено 6 офисов.

Чтобы владелец сдал помещения, музей был представлен как «образовательное учреждение». По мере роста количества экспонатов, для музея начали строить отдельное здание в 1939 году.

Сегодня в коллекции MoMA есть постоянная экспозиция, включающая в себя живопись, дизайнерские предметы, скульптуры, инсталляции и даже перформанс-экспонаты.

На последнем, 6-м этаже, располагаются временные выставки с необычными и эксклюзивными произведениями искусства. Завсегдатаи советуют начинать осмотр музея именно с последнего этажа, постепенно спускаясь вниз.

Некоторые инсталляции откровенно удивляют: вот например, на стене 4 одинаковые фотографии. Это искусство? Как считаете?

Отдельная комната посвящена устройствам, с помощью которых фотографы создают свои произведения. Нашлось место и для iPhone.

Народу много. Рекомендую приходить в музей как можно раньше, так больше шансов не попасть в многометровую очередь. Двери открываются с 10.30 утра, по вторникам – выходной день.

В целом, фотоработы произвели двоякое впечатление: с одной стороны эти фотографии выставляются в музее, значит имеют художественную ценность. С другой стороны – ничего поразительного я не увидел. Будто ленту в Инстаграме пролистал.

Самопознание

Рихард Герстль. Автопортрет с палитрой, 1908
Холст, масло, 139,3 × 100 см

«Обнажённый автопортрет», созданный Рихардом Герстлем буквально за несколько недель до самоубийства, — самый ранний пример подобного типа изображений в австрийском экспрессионизме. Несколько позже радикальное предъявление себя и собственных аффектов станет отличительной чертой творчества Шиле. Появление в австрийском искусстве худосочных изломанных тел получило эстетическое обоснование в работе Юлиуса Мейер-Грефе «История развития современного искусства» (1904). В этом труде автор характеризовал художественную атмосферу австрийской столицы так, словно у него перед глазами стоял автопортрет Герстля: «Эта молодая Вена предстала слишком быстро повзрослевшим человеком, страшно высоким, но жутко худым, хилого телосложения и не по годам подверженным пороку».

Гюнтер Брус. Афиша акции «Тест на прочность», 1970
Бумага, двусторонняя печать, 29,7 × 21 см

В контексте имперской идеологии Австро-Венгрии начала века уязвимое и ранимое тело само по себе казалось вызовом властным и иерархическим структурам — точно так же, как и акции венских акционистов с характерным для них мотивом разрушения и унижения плоти. В то же время Гюнтер Брус, например, видел смысл своих акций в самопознании, проверке себя на прочность. Собственное тело и осознание трагической заключённости в нём, подчинение духа страдающей плоти — вот одна из центральных тем в творчестве как австрийских экспрессионистов, так и акционистов. Тело художника радикально обнажается в автопортрете Герстля, выворачивается наизнанку в экспрессивных работах Шиле и наконец подвергается вполне реальному насилию в ходе акций Гюнтера Бруса, и всё это «саморасчленение» осуществляется ради прорыва в зону универсального и интерсубъективного опыта — к самой сердцевине человеческого существования.

Стиль и повторяющиеся темы

Юдифь и Олоферн (1901), Вена , Бельведерский музей .

В его творчестве 230 картин, в том числе 54 картины, изображающие пейзажи. Его основные работы включают картины, фрески, эскизы и другие предметы искусства, многие из которых выставлены в галерее Венского сецессиона. Характерно обилие деталей, богатство декора и колорит, а также точность портретов. Он часто использует фаллические формы в своих работах, особенно в « Юдифи II» (1909), в « Ле Байзере» (1907–1908), но особенно в « Данае» (1907). Одна из повторяющихся тем в творчестве Климта — властная женщина, воплощенная в роковой женщине .

Климт известен тем, что использовал золото в картинах, которые он обнаружил, увидев византийские мозаики из Равенны  : см. Картину справа, Юдифь I , написанную в 1901 году . Но его вдохновение эклектично. Историки искусства перечисляют вдохновения столь же разнообразны, как и у классической Греции , минойской эпохи и Египта . Он также вдохновлен резьбой по Альбрехта Дюрера , европейских картин позднего средневековья и японской школе Rimpa .

Климт также пишет некоторые пейзажи, отдавая предпочтение квадратному формату (как и многие художники Сецессиона), с отсутствием характера, что придает атмосферу особой безмятежности. Эти картины написаны по мотиву и закончены в мастерской.

Климт много рисовал. Резюме каталога его рисунков включает более 3700 номеров, но, вероятно, это число сильно занижено, поскольку художник почти не сохраняет свои страницы.

Художник-мессия

Герман Нитч. 1-я акция, 19 декабря 1962
Фотография

Важнейшей задачей венских акционистов — и в первую очередь Германа Нитча — было побороть коллективную амнезию австрийского общества, где трагические и постыдные страницы недавнего прошлого, включая активную поддержку нацистов, оказались табуированными темами. Ещё в 1957 году Нитч начал разрабатывать концепцию своего «Театра оргий и мистерий», который позволял бы воссоздать опыт катарсиса, характерный для дионисийских оргий и наследующих им античных трагедий. Однако его первая акция состоялась только в 1962‑м: Нитч, одетый в белые одежды, стоял у стены, словно распятый, руки его были вздёрнуты вверх верёвками, а Отто Мюль поливал его краской. Сознательно уподобляя себя Христу, Нитч декларировал, что его задача как художника — указать человечеству спасительный путь, выход из духовного и психологического тупика. В театре Нитча художник или любой участник его акции, символически отождествляя себя с Иисусом, берёт на себя «всю вину и сладострастие мира» — во имя «познания ликования от воскресения».

Эгон Шиле. Автопортрет в образе святого Себастьяна, 1914
Бумага, карандаш, 32,3 × 48,3 см

Мессианский характер своего искусства в полной мере осознавали и австрийские экспрессионисты начала века, смело отвергавшие все принципы и установки как социума, так и художественного сообщества своего времени. Они уподобляли себя то христианским мученикам, то самому Христу — гонимому толпой и распятому в качестве преступника. Неслучайно «Автопортрет в образе святого Себастьяна», где Шиле изобразил себя пронзаемым стрелами (критики?), он затем использовал при создании афиши для своей выставки в галерее Арно в 1915 году.

Архитектура

Первое здание Метрополитен-музея было построено в 1880 году архитекторами Калвертом Воксом и Джейкобом Рей Моулдом, которые создали строение в стиле неоготики из рустованного камня и кирпича. К сожалению, правление музея посчитало стиль здания устаревшим, а многочисленные правки проекта не дали архитекторам завершить здание таким, каким оно задумывалось изначально. Спустя несколько лет к зданию были добавлены два крыла для размещения масштабных экспонатов и скульптур. В 1902 году новое здание в восточной части комплекса, которое выходило своим помпезным неоклассическим фасадом на Пятую авеню, окончательно скрыло за собою старые строения. Проект этого здания был разработан известным архитектором, создателем первого небоскреба Ричардом Морисом Хантом, после смерти которого над строительством стал работать его сын Ричард Хоуленд Хант. В 1986 году входное крыло музея Метрополитен получило статус исторической достопримечательности национального значения.

В 20 веке к комплексу музейных зданий периодически добавлялись новые крылья, галереи и дворы, но большинство из них спроектированы так, что практически не видны из-за главного фасада и боковых корпусов. Последние несколько десятилетий за расширение музейного пространства отвечает Кевин Роуч и его архитектурная фирма. К числу их работ относится Американское крыло, Исламское крыло, Греческий и Римский дворы, двор Чарльза Энгельхарда и прочее. Если сравнить современный комплекс музея, который занимает в наши дни около 190 тыс. кв. метров, с первоначальным строением 19 века, то станет ясно, что Метрополитен-музей увеличился более чем в 20 раз. К тому же у музея есть два филиала: Клойстерс в Верхнем Манхэттене и Мет Брейер в Верхнем Ист-Сайде. Здания музея Клойстерс было построено в 1938 году на средства, пожертвованные Джоном Рокфеллером-младшим. В 2016 году были открыты экспозиции музея Мет Брейер, для которых Метрополитен-музей выкупил и обновил здание, созданное Марселем Брейром в 1966 году.

использованная литература

1. 20 самых популярных музеев мира , CNN.com, 22 июня 2017 г.
2. «Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США» . История художественной культуры HiSoUR История культуры . 18 марта 2017 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .
3. «Метрополитен-музей | artehistoria.com» . www.artehistoria.com . Проверено 4 февраля 2022 г. .
4. Открытие Метрополитен-музея в Нью-Йорке , получено 4 февраля 2022 года .
5. «Метро Нью-Йорка открывается для публики» . Канал ИСТОРИЯ . 19 февраля 2012 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .
6. Наст, Конде (5 мая 2020 г.). «Увлекательная история места, где десятилетиями проходил MET Gala» . мода . Проверено 4 февраля 2022 г. .
7. Наст, Конде (24 августа 2021 г.). «Метрополитен-музей: история иконы в Нью-Йорке» . Архитектурный дайджест . Проверено 4 февраля 2022 г. .
8. «Метрополитен Нью-Йорка собирает самую большую в Америке коллекцию Ван Гога» . Причина . Проверено 4 февраля 2022 г. .
9. Викискладе есть медиафайлы по теме. www.artnexus.com . Проверено 4 февраля 2022 г. .
10. «Это места, где можно увидеть 10 самых известных картин Ван Гога» . My Modern Met на испанском языке . 21 июня 2019 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .
11. Team, Musement (21 мая 2021 г.). «Самые известные произведения Метрополитен-музея» . Блог музея . Проверено 4 февраля 2022 г. .
12. «Метрополитен-музей Нью-Йорка — ПУТЕВОДИТЕЛЬ ПО ПОСЕЩЕНИЮ» (неопр .) . Путеводитель по Нью-Йорку и магазины . 17 июня 2020 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .
13. «Что посмотреть в Метрополитене: обязательные к просмотру экспонаты и произведения искусства» . деятельность . 5 февраля 2020 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .
14. «Лучшие работы музея Метрополитен — ТОП-10 предметов первой необходимости» (неопр .) . Багажник моего блога . 3 января 2020 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .
15. «Метрополитен-музей Нью-Йорка» . Путеводитель по Нью-Йорку . 22 июня 2019 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .
16. Написание, автор (18 марта 2021 г.). «Виртуальный визит в MET в Нью-Йорке» . Журнал о путешествиях | Магеллан . Проверено 4 февраля 2022 г. .
17. без названия www.metmuseum.org https://www.metmuseum.org/art/online-features/met-360-project . Проверено 4 февраля 2022 г. .
18. «Проект MET 360: тур по Метрополитен-музею» . www.milenio.com . Проверено 4 февраля 2022 г. .
19. «Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США» . История художественной культуры HiSoUR История культуры . 18 марта 2017 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .
20. Бьянко, Адриана (22 октября 2017 г.). «Роберт Леман и мексиканское барокко в Нью-Йоркском МЕТ» . Журналисты на испанском языке . Проверено 4 февраля 2022 г. .
21. «The Met (Метрополитен-музей, Нью-Йорк)» . Политические изменения . 1 августа 2021 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .
22. «Все, что вам нужно знать о Метрополитен-музее» . Блог Йоэра . 4 февраля 2022 г. . Проверено 4 февраля 2022 г. .

Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке. Архитектура здания

Само по себе здание музея представляет большой интерес из-за необычной архитектуры. Внешний вид музея даже спустя 60 лет все еще привлекает взгляды и создает впечатление ультра-современной постройки и хай-тек архитектуры.

Музей представляет собой пространство с двумя атриумами, помещенными на массивное основание — линию второго этажа. Малый атриум в левом крыле музея разделен посередине бетонной полосой и главный атриум в правом крыле с фасадом в виде четырех закрученных по спирали и поднимающихся вверх бетонных полос.

Форма большого атриума имитирующего торнадо или ракушку моллюска это еще и удачная функциональное применение — внутренняя архитектура продолжает внешнюю — по всей высоте атриума идет шестиуровневый пандус, от первого к шестому этажу.

Для музея — это создание удачного выставочного пространства — непрерывной стены для экспозиций. К просмотру выставки рекомендуется приступать поднявшись на 6-ой этаж на лифте и спускаться по пандусу до 1-го уровня.

Для архитектуры — это пример создания внутреннего пространства плоскостей, которые создают и управляют вектором движения посетителей.

Барселона, Испания

В Барселоне находится Музей Пикассо, где представлена одна из самых больших коллекций работ мастера. Пабло Пикассо жил в этом городе в период формирования его как художника, с 14 до 24 лет. Музей открыл свои двери в 1963 году и представил публике 574 картины, которые были переданы в дар секретарем Пикассо, Хайме Сабартесом. Коллекция включает несколько ранних работ, предшествующих Голубому Периоду в 1905 году. В 1970 году Пикассо подарил музею и другие свои полотна, в результате чего общее число картин кисти выдающегося художника сейчас превышает 3 тысячи. Но и здание музея само по себе — размещенное в старинном городском дворце XV века с загадочными внутренними двориками — делает Музей Пикассо уникальным. Ходят слухи, что именно Пикассо в 1960 году предложил Сабартесу, уроженцу Барселоны, открыть этот музей. Вдова Пикассо, Жаклин Рок, после смерти своего мужа подарила музею 41 керамическое изделие и картину «Woman with Bonnet».

Наиболее интересные работы художника в Музее Пикассо: Ранние и самые значимые полотна артиста, «The First Communion» (1896) и «Science & Charity» (1897), а также портрет матери и отца.

Science and Сharity, 1897

Ранний период жизни и образование

Густав Климт родился в Баумгартене, недалеко от Вены в Австро-Венгрии, вторым из семи детей, трёх мальчиков и четырех девочек. Его мать, Анна Климт (урождённая Финстер), имела нереализованные амбиции стать музыкантом. Его отец, Эрнст Климт старший, некогда из Богемии, был гравёром по золоту. С раннего детства все трое сыновей, Густав, Эрнст и Георг, проявили художественный талант.

Во время посещения Венской школы искусств и ремёсел (Kunstgewerbeschule), где изучал архитектурную живопись до 1883 года, Климт жил в нищете. Он глубоко уважал Ханса Макарта, передового живописца истории Вены того времени. Климт с готовностью принимал принципы консервативного обучения; его ранние работы можно классифицировать как академические. В 1877 году его брат Эрнст, который, как и его отец, стал гравёром, также поступил в эту школу. Двое братьев и их друг, Франц Мач, начали совместную работу и к 1880 году получили многочисленные заказы как группа, которую назвали «Компания художников». Они также помогли своему учителю с росписью стенных фресок в Венском музее истории искусств. Свою профессиональную карьеру Климт начал с росписи фресок на стенах и потолках крупных общественных зданий на Рингштрассе, которые включали успешную серию «Эмблемы и аллегории».

В 1888 году Климт получил Золотой Орден от императора Австрии Франца Иосифа I за его вклад в роспись фресок в Бургтеатра в Вене. Он также стал почётным членом Мюнхенского и Венского университетов. В 1892 году отец и брат Климта, Эрнст, умерли, и ему пришлось взять на себя финансовую ответственность за семью.

Трагедия также затронула его художественное видение, и вскоре он стал двигаться в направлении нового личного стиля. Особенность его стиля в конце XIX века включала Nuda Veritas (Голую правду) как символическую фигуру некоторых из его работ, как например: Древняя Греция и Египет (1891), Афина Паллада (1898) и Nuda Veritas (1899). Историки полагают, что Климт через nuda veritas осудил политику Габсбургов и австрийского общества, которые игнорировали все политические и социальные проблемы того времени. В начале 1890-х годов Климт встретил Эмилию Луизу Флёге, которая, несмотря на отношения художника с другими женщинами, стала его спутницей до конца жизни. Считается, что на его картине «Поцелуй» (1907-1908), они изображены как возлюбленные. Он нарисовал много одежды, которую она создала и смоделировала.

В течение этого периода Климта стал отцом для, по крайней мере, четырнадцати детей.

Климт. Знаковые работы.

Поцелуй

Поцелуй

Самая известная из всех картин Густава, основа движения Сецессиона и одна из самых прекрасных работ раннего периода творчества художника. Поцелуй изображает двух обнявшихся влюбленных в цветочном поле. Представленная в 1908 году картина взволновала искусствоведов, а галерея Бельведер (Вена) сразу же приобрела шедевр в свою коллекцию.

Портрет Адели Блох-Бауэр

«Портрет Адели Блох-Бауэр I», завершенный в 1907 году, является первым из двух портретов Адель, жены влиятельного промышленника. Последняя картина из так называемой серии «Золотого периода» должна была быть передана в дар галерее Бельведер после смерти Адели, но её муж не отдал шедевр. Во время нацистской  оккупации Австрии, картина была конфискована. В конечном итоге в 2006 году портрет был куплен Рональдо Лаудером для Новой галлереи в Нью-Йорке за 135 миллионов долларов.

Девы

Написанная маслом на холсте, картина «Девы» изображает девушку, окруженную шестью обнаженными женщинами. Завершенная в 1913 году, работа имеет несколько различных интерпретаций, касающихся основной фигуры. В основном эксперты сходятся на том, что Климт изобразил процесс превращения в женщину юной девы, о чем свидетельствуют спирали на драпировке, символизирующие плодородие, и прикрытые ноги, указывающие на половую зрелость. Аллегорическую картину можно увидеть в Национальной галерее в Праге.

Даная

Даная — дочь мифического короля Акрисия Аргоса, пришедшего к дельфийскому оракулу. Оракул сказал правителю, что тот однажды будет убит своим ребенком. Чтобы обезопасить себя Акрисий заточает дочь в бронзовой камере, чтобы не дать ей возможности забеременеть. Однако девушку в виде золотого дождя посещает Зевс. Климт «захватил» именно этот момент, на что четко указывает золото между ног Данаи. Картина, завершенная в 1907 году, сегодня располагается в Вене.

Три возраста женщины

Завершенная в 1905 года картина «Три возраста женщины» (иногда называемая «Матерь и ребенок») изображает трех женщин на различных этапах жизни. Картина была представлена публике в 1910 году в Венеции. Два года спустя приобретена Национальной галереей современного искусства в Риме, где находится до сих пор.

Юдифь и голова Олоферна (Юдифь I)

Картина изображает библейскую вдову Юдифь, держащую отрубленную голову. Красивая женщина пришла в лагерь своих врагов, чтобы обольстить генерала и убить его, когда представится возможность. Картина, завершенная в 1901 сегодня находится в галерее Бельведер.

Портрет Фрицы Ридлер

Один из самых знаменитых портретов Климта ценен своим балансом между натурализмом и ощущением объемности

Геометрия кресла и стены дополняет композицию и акцентирует внимание на лице героини. Как и многие другие работы Густава (завершена в 1906 году) хранится в галерее Бельведер

Надежда II

Окрашенная в 1907–08 году, «Надежда 2» изображает беременную женщину с обнаженной грудью. Голова героини согнута к животу, возле которого расположен череп, как символ опасности для будущего ребенка. У её ног три женские молящиеся фигуры. Шедевр сегодня хранится в музее современного искусства (Нью-Йорк).

Бетховенский фриз

Серия работ на штукатурке, посвященная композитору Бетховену, по праву считается одной из самых известных и значимых произведений Густава.

Жизнь и смерть

Окрашенная в 1910 году, работа является аллегорией жизни и смерти. Смерть представлена в виде человеческого скелета в темной мантии, представляющая угрозу как для старых, так и для молодых. Общее впечатление от картины, однако, положительное. Смерть может прятаться за углом и без разбора забирать души, но она бессильно против бесконечного жизненного цикла. Шедевром можно полюбоваться в музее Леопольда (Вена).

Оскар Кокошка: живопись как диагноз

Оскар Кокошка отказался от декоративности и поверхностной эротичности. Подобно консервному ножу, он вскрывал кистью своего портретируемого, пытаясь по жестам и мимике угадать истинный характер личности.

С 1906 года Кокошка под влиянием Густава Климта и Огюста Родена начинает рисовать обнаженных подростков. Идея о том, что сексуальность и агрессия свойственны не только взрослым, но и детям, появляется еще у Фрейда. Но если Фрейд это разбирает на физиологическом уровне полового созревания, то Кокошка пытается понять эмоционально-чувственную сторону взросления, когда интерес к телу и эмоциям начинает бороться с детским стеснением. Подросткам в его работах присущи неловкая поза и застенчивость.

О. Кокошка. Стоящая обнаженная с рукой у подбородка, 1907О. Кокошка. Играющие дети, 1909

Продолжение эта мысль получила в экспрессионистской поэме о его первой любви «Грезящие юноши» (1908), где Кокошка через сны описывает мир эротических фантазий подростков. Первоначально поэма была задумана как детская книга, в которой лирический герой пишет о своей возлюбленной и описывает семь собственных сновидений, которые разворачиваются в сказочном райском саду.

О. Кокошка. Иллюстрации к поэме «Грезящие юноши»

Однако то, что он поднимает в поэме проблемы детской сексуальности, слияния сексуальности и агрессии, включает отсылки к библейским сюжетам, делает это произведение глубоко психологическим. К тексту он сделал восемь литографий, которые поместил слева от узкой колонки текста. Все живые существа в саду всегда изображены парами — олени, птицы, зайцы, а лирический герой и его возлюбленная практически всегда поодиночке, и встречаются они только во снах. Это новое понимание образов Адама и Евы, которые изгнаны из Рая и вступают со страхом во взрослую жизнь.

Эта работа важна не только как воплощение новых идей о подростковом сексуальном созревании, но и как пример переходного этапа от модерна к экспрессионизму. Свойственная Климту линейность и орнаментальность еще сохраняются у Кокошки, но уже приобретают нервные изломы.

Энди Уорхол

Уорхол — графический дизайнер по образованию. Он родился и вырос, как раз когда эта профессия вполне официально появилась, а индустрия печатной рекламы расцвела.

Поп-арт Уорхола — это переосмысление эпохи потребления. В некоторых работах он перерисовывал от руки образы, тиражируемые в массовой культуре. Например, это холсты с супом Campbell.

, 1962 год. Изображение: Энди Уорхол / Wikimedia Commons

Начинал карьеру Уорхол не как деятель современного искусства, а как коммерческий иллюстратор — он создавал рекламную графику и обложки для журналов. Особенно известны его изображения туфель: он долго сотрудничал с обувным брендом I.Miller, а потом делал рекламу для Dior.

Реклама туфель I.Miller на развороте Harper’s Bazaar, 1960 год. Изображение: Энди Уорхол / Harper’s Bazaar / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Реклама туфель I.Miller, 1958 год. Изображение: Энди Уорхол / Oxford Art Journal
Иллюстрация для Vogue, 1957 год. Изображение: Энди Уорхол / Vogue / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Обложка журнала The Week, 1959 год. Изображение: Энди Уорхол / The Week / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York

Став известным деятелем поп-арта, Уорхол работал в разных техниках: рисовал, фотографировал, делал инсталляции, снимал кино, а также продолжал принимать заказы на рекламу и дизайн для журналов.

Отдельное направление работы Уорхола — дизайн обложек музыкальных пластинок. Например, он создал известную обложку с бананом для дебютного альбома The Velvet Underground. Оригинальная обложка была интерактивной. Она выходила с наклейкой в виде жёлтого банана в кожуре, которую можно было снять — и увидеть розовый очищенный банан.

Также ему принадлежит одна из самых необычных музыкальных обложек — для The Rolling Stones. На ней изображены брюки с настоящей молнией, расстегнув которую, можно увидеть эмблему группы. За эту работу Уорхол был номинирован на «Грэмми».

Сальвадор Дали

Дали — культовая фигура в искусстве и настоящий человек-оркестр. Его руке принадлежат не только живописные полотна, но также эскизы мебели, ювелирных украшений, платьев и здания собственного музея.

«Постоянство памяти», 1931 год. Изображение: Сальвадор Дали / Музей современного искусства, Нью-Йорк
Интерьер Театра-музея Дали в Фигерасе, объекты созданы по эскизам Сальвадора Дали. Фото: Kiev.Victor / Shutterstock

Одна из самых известных дизайнерских работ Дали — это логотип Chupa Chups, который дошёл до наших дней с незначительными изменениями. Он повторяет круглую форму леденца и размещается на упаковке сверху — для середины прошлого века это был необычный дизайн, который сделал продукт заметным на полках.

Логотип Chupa Chups, 1969 год. Изображение: Сальвадор Дали / Chupa Chups

Сюрреалист сотрудничал с разными издательствами и как иллюстратор.

Обложка журнала Vogue, Сальвадор Дали, 1944 год. Изображение: Сальвадор Дали / Vogue
Иллюстрация к «Алисе в Стране чудес» Льюиса Кэрролла, 1949 год. Изображение: Сальвадор Дали / Public Domain
Иллюстрация к «Божественной комедии» Данте, Сальвадор Дали, 1951–1964 годы. Изображение: Сальвадор Дали / Public Domain
Обложка журнала Town and Country, 1948 год. Изображение: Сальвадор Дали / Town and Country

Поцелуй и конец сецессиона

Поцелуй (1906-1908), холст, масло, 180 × 180  см , Вена , Österreichische Galerie Belvedere .

Поцелуй , который является наиболее репрезентативной картиной гениального Густава Климта и который он написал в 1906 году, будет воспроизведен в теме свершения для фрески Адольфа Stoclet .

В 1907 году Климт познакомился с молодым художником Эгоном Шиле (1890-1918), на которого он сильно повлиял: Климт был бы для него моделью и мастером.

С 1905 года, столкнувшись с разногласиями со многими артистами группы, он вместе с несколькими своими друзьями покинул Сецессион, который, по его словам, имеет тенденцию становиться жестким. «Он ушел на пенсию в 1905 году вместе с Карлом Моллем , а Йозеф Хоффманн и Коломан Мозер основали Wiener Werkstätte (венская мастерская) в 1907–1908 годах. » В 1908 году Климт выставил 16 картин в Кунстчау  ; Galleria d’Arte MODERNA покупает Три возраста женщины и Österreichische Staatsgalerie покупает Le Baiser .

Он усовершенствовал свой стиль, избегая золота 1909 года . Климт едет в Париж, где с интересом знакомится с творчеством Тулуз-Лотрека . Он также открывает для себя фовизм и его предшественников: Винсент Ван Гог , Эдвард Мунк , Ян Тороп , Поль Гоген , Пьер Боннар и Анри Матисс выставлены на выставке Kunstschau Wien 1908 . Затем он посвятил себя живописи пейзажи или высоко украшенных аллегорических сцен, более стилизованный и ярких цветов, которые привели его ближе к пуантилизма из Сера , но и Ван Гога и Боннара. В 1909 году он основал Frieze Stoclet .

Здание Метрополитен-музея

С 1880 г. Метрополитен-музей занимает здание в восточной части Центрального парка на Манхэттене. Его величественные фасады выходят на знаменитую нью-йоркскую улицу — Пятая Авеню.

Первоначальное строение The Met спроектировали американские архитекторы Калверт Вокс и Джейкоб Моул. Оно имело три этажа и было выполнено в стиле бозар.

Впоследствии Метрополитен-музей неоднократно перестраивали и достраивали:

• в 1888 г. был пристроен южный корпус, а в 1894 г. — северный;
• в 1902 г. новое здание в неоклассическом стиле появилось с восточной стороны музея;
• в 1910 г. был построен павильон для размещения подаренной коллекции Дж. П. Моргана;
• в 1924 г. к зданию музея пристроили павильон для американской коллекции предметов декоративного искусства;
• в 1980 г. для коллекций европейской живописи XIX в. построили галереи площадью 2 400 кв. м;
• в 2007 г. была завершена реконструкция галерей греческого и римского искусства.

И это еще не полный перечень изменений! В настоящее время Метрополитен-музей занимает площадь в 18 га.

Выставки

• 2005: «Вена 1900 года. Климт, Шиле, Мозер, Кокошка», Париж, Большой дворец.
• 2012: Вена празднует Густава Климта по случаю его 150 — летия. В столице Австрии проводится год Густава Климта. Десять крупнейших венских музеев представляют серию временных выставок, посвященных художнику.
• 2015: «Во времена Климта. Сецессион в Вене »в Пинакотеке Парижа . В основе выставки лежит подборка основных работ Густава Климта, начиная с первых лет учебы и заканчивая крупными работами его золотого века, такими как Юдифь I (1901 г.) или фриз Бетховена , монументальные работы, реконструированные в масштабе и представлен впервые во Франции.

Стиль и повторяющиеся темы

Работы Климта отождествляются с роскошным декором, основанным на позолоте и ярких декоративных элементах, а также со скрытыми фаллическими формами, которые указывают на характер рисунков, на которых они были вдохновлены. Например, в первой версии Юдифи , хотя также и в Эль Бесо и, прежде всего, в Данае 1907 года и в Новиас о Дос Амигос.появляются абстрактные элементы безошибочно сексуального характера. Поскольку женщины являются одной из наиболее часто повторяющихся тем Климта, логично, что художник представил многие грани женского характера, хотя у него было особое пристрастие к типу агрессивной и доминирующей женщины, которую можно было бы отождествить с культовой моделью роковая женщина .

Искусствоведы сходятся во мнении об эклектичности его живописного стиля; и, среди прочего, были отмечены ссылки на искусство Древнего Египта, микенской культуры, классической Греции и византийского искусства . Человек с классическим образованием, Климт, тем не менее, не стеснялся выражать свой энтузиазм по поводу искусства средневековых художников, таких как Дюрер , или экзотических художников, таких как художники японской школы Ринпа . Для его зрелых произведений характерен отказ от натуралистических начал, хотя отмечено поступательное развитие символических или абстрактных мотивов, подчеркивающих свободу духа, пронизывающих все художественные авангарды начала 20 века.

Точно так же значимо значение линии в его творчестве. Его драматические композиции — иногда с использованием странных точек зрения, вертикальных плоскостей и нетипичных разрезов — подчеркивают новаторский характер его искусства и предвосхищают выразительную ценность линии, которая будет характерна для более позднего экспрессионизма .

Арт-рынок

Портрет Адели Блох-Бауэр I

Адель Блох-Бауэр I (1907), холст, масло, 138 × 138  см , Нью-Йорк , Neue Galerie .

В июне 2004 года Верховный суд США разрешил Марии Альтманн , племяннице Адели Блох-Бауэр , подать в суд на австрийское государство за возвращение пяти картин Климта, украденных нацистами в 1938 году . Охраняемые Австрией после войны, картины были видны во дворце Бельведер в Вене. На всех пяти картинах изображена знаменитая Адель Блох- Бауэр I по прозвищу «Мона Лиза из Австрии».

В 17 января 2006 г., арбитражный суд, заседающий в Вене, выносит окончательное решение о реституции произведений пожилой женщине.

В 18 июня 2006 г.Картина Адели Блох- Бауэр I продана на Christie’s за 135 миллионов долларов . Он хранится в Нью-Йорке в Новой галерее .

В 7 августа 2006 г.Дом Christie’s объявляет, что займется продажей четырех других картин. Портрет Адели Блох-Бауэр II продан на аукционе за $ 87,9 млн третий по величине аукцион продажа в это время. Le Pommier I (1912) продан за 33 миллиона долларов, La Forêt de Birch (1903) продан за 40,3 миллиона долларов, а Les Maisons d’Unterach sur le lac Utter (1916) продан за 31,4 миллиона долларов. Продажа пяти картин принесла 327,6 миллиона долларов.