Кубизм: приоритет формы

Художник-кубист А. Моргунов и его картины

Еще одним эпатажным художником, который нередко шокировал общество разнообразными выходками и неожиданными картинами, является Алексей Алексеевич Моргунов. Будучи внебрачным сыном известного живописца Саврасова, Моргунов предпочел пойти против канонов традиционного искусства и увлекался самыми разными стилями. Значительное влияние на его становление как художника оказало знакомство с работами французских мастеров, а также тесное сотрудничество с Казимиром Малевичем.

А. Моргунов (1884–1935).

Для работ Моргунова в стиле кубизма и кубофутуризма характерно нагромождение объектов с использованием всей плоскости холста, изобилие острых граней и нередко темные или контрастные тона. Так, на картине «Натюрморт с гребнем» объекты натюрморта погружены в мир с многочисленными гранями, где лишь сам гребень является отчетливо узнаваемым. Это создает у зрителя новые ощущения от натюрмортов и более погружает в эмоции, нежели в размышления. Тем не менее, картины автора не являются чистой абстракцией, в ходе их создания он размышляет над какими-то идеями, снабжая свои кубистические холсты символами и изображая узнаваемые образы, как в картине «Кубофутуристическая композиция с двумя головами».

А. Моргунов. Кубофутуристическая композиция с двумя головами. 1915 г.

Яркими примерами работы мастера в этом жанре могут служить картины: «Кубизм», «Кубофутуристическая композиция с цифрой 11», «Кубофутуристическая композиция с кружкой пива» и многие другие.

А. Моргунов. Кубофутуристическая композиция с кружкой пива. 1915 г.

В данной статье мы привели около десятка известных представителей русского кубизма и кубофутуризма. Однако этот список можно пополнить немалым количеством других русских художников, которые пробовали себя в этом стиле и создали не менее интересные полотна. Мы предлагаем вам самостоятельно познакомиться также с работами В. Баранова-Россине, А. Волкова, А. Богомазова, Л. Поповой, Д. Бурлюка, Н. Удальцовой и других мастеров.

Война и послевоенное время

В 30-х годах на полотнах художника появляется образ быка, несущего с собой агрессию и смерть. Во время войны в 1937 году был разрушен испанский город «Герника». Пикассо на фоне этих событий создает свою «Гернику» – большое полотно длиной 8 метров и шириной 3,5 метра в черно-белых тонах. Картина передает боль и ужас людей, пострадавших от немецких налетчиков. Война сильно повлияла на работы художника, которые стали мрачными и тревожными («Бойня», «Плачущая женщина»).

Франсуаза Жило и Пикассо

В 1945 году Пабло встречает Франсуазу Жило, будущую мать его двоих детей. Эта женщина вдохновляет художника на создание полотен с семейными образами. После переезда на средиземноморский юг Франции он увлекается керамикой, его работы становятся более гармоничными и ироничными. Среди них много блюд, тарелок, скульптур. В 1949 году художник создает всем известного «Голубя мира». В 1953 году Франсуаза уходит от Пабло из-за его непростого характера и измен.

Пикассо снова женится в 1958 году, его избранницей становится Жаклин Рок, которая в два раза младше него, для жены он написал более 400 портретов. Среди картин 50-х годов наиболее известны вариации работ по Мане, Гойя, Делакруа и др.

«Голубой» и «розовый» периоды

В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом уехал в Париж, где посетил Всемирную выставку. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. Его жизнь в это время была сопряжена со многими трудностями, а самоубийство Карлоса Касахемаса глубоко подействовало на молодого Пикассо.

В этих обстоятельствах в начале 1902 года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903; Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Женщина с шиньоном», 1901; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903; «Трагедия», 1903). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их бледные, отчасти удлинённые тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.

«Трагедия», 1903

Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва).

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).

Гравюра

За свою жизнь Пикассо создал более 2000 гравюр. Многие из них вошли в так называемую «Сюиту Воллара» (1930-е годы) — в частности, «Минотавр, обнажающий женщину». Помимо этого, Пикассо занимался литографией и линогравюрой. Гравюры Пикассо различаются по настроению и стилю — от изысканных ранних гравюр до поздних гравюр, исполненных в дерзкой манере. Линолеум позволяет получать большие четкие изображения, так как вырезать рисунок на его поверхности гораздо легче, чем на дереве или металле. Этим объясняется привязанность Пикассо к этой технике — в ней он создал целый ряд плакатов, изобретя при этом способ наносить несколько цветов с одного и того же клише.

Работы художника

Фрейлины (Менины) после Веласкеса

В последние годы жизни Пикассо пишет несколько картин по мотивам работ старых мастеров. Среди них 44 вариации «Фрейлин» Диего Веласкеса. Работа «Фрейлины после Веласкеса» — это очень смелая и крайне оригинальная вариация на милый сюжет. Пикассо сохранил композицию, но при этом трансформировал каждую деталь. Например, гигантский мастиф Веласкеса превратился в маленькую собачку, моделью для которой, возможно послужила одна из собачек Пикассо.

Обнажённая женщина в красном кресле

На этом портрете изображена Мари-Терез Вальтер, которую Пикассо любил, как едва ли кого-нибудь ещё в своей жизни. Они познакомились в 1927 году, когда первый брак Пикассо фактически развалился. Его связь с 17-летней Мари-Терез была на редкость бурной и чувственной, поэтому Пикассо с таким восторгом рисует её прекрасное юное тело, подчёркивая его изгибы.

Рыдающая женщина

В 1937 году, во время работы над «Герникой», Пикассо написал несколько картин, изображающих голову рыдающей женщины. Одна из фигур «Герники» представляет рыдающую женщину с ребёнком на руках. На протяжении нескольких месяцев Пикассо разрабатывал эту тему, создав 17 работ, исполненных в различной технике. В том числе — четыре картины маслом. Последняя из них явилась кульминацией одного из самых плодотворных периодов в жизни художника.

Герника

Пикассо получил от правительства Испании заказ на большую картину для национального павильона на Международной выставке. Художник не приступал к работе до тех пор, пока не услышал о бомбардировке города Герники немецкими союзниками. Пикассо никогда не был в Гернике, но известие об убийствах мирных граждан разгневало и ужаснуло Пикассо. Картина написана маслом в чёрно-белых тонах и этим напоминает монохромную хронику страшных событий.

Кубизм в живописи

Определение 1

Кубизм – это значимое направление в искусстве, зародившееся в начале 20-го века во Франции. Является частью модернизма.

Ключевая идея кубизма заключается в стремлении художника разложить изображаемый трёхмерный объект на простые элементы и собрать его на холсте в двумерном формате. Это позволяет живописцу отобразить объект одновременно с разных сторон, подчеркнув его свойства, которые зритель не замечает при классическом воспроизведении объекта с одной стороны.

Английский искусствовед Эрнст Гомбрих считал, что происхождение кубизма нужно искать в произведениях французского живописца Поля Сезанна. В этой связи, Гомбрих приводит в пример работы Сезанна «Гора Сент-Виктуар со стороны Бельвю» и «Горы в Провансе», а также ответ художника на письмо молодого Пабло Пикассо. В одном из писем, Сезанн рекомендует будущему основоположнику кубизма «рассматривать натуру как совокупность простых форм – сфер, конусов, цилиндров».

Ещё раз нужно подчеркнуть, что идеи Сезанна оказали большое влияние на изобразительно искусство 20-го столетия. В своём творчестве он специально искажал перспективу, чтобы получилось воспроизвести больше граней объекта (этот художественный приём, по сути, является основой кубизма). Кроме всего прочего, этот живописец в своих работах часто упрощал объекты до простых геометрических фигур.

Итак, появление кубизма относят к 1905-1907 гг., и связывают с творчеством Жоржа Брака, Хуана Гриса и Пабло Пикассо. Картина Пикассо «Авиньонские девицы», датированная 1907 годом, считается началом рассматриваемого нами течения в искусстве. Интересна история происхождения термина «кубизм». Он появился в 1908 году после того, как французский художник-фовист и скульптор Анри Матисс, увидев произведение Жоржа Брака «Дома в Эстаке», воскликнул: «Что за кубики».

Кубизм, в процессе своего развития прошёл несколько периодов:

Сезанновский кубизм. Название этого этапа связано с французским художником, предшественником и идейным вдохновителем течения. На данной фазе представители кубизма стремились отдалиться от передачи истинного вида, старались разложить изображаемые объекты на отдельные геометрические фигуры и формы. Такое разложение привело к возникновению закономерности в использовании цветов. Элементы переднего плана картины зачастую стали окрашиваться в тёплые тона, а составляющие части на заднем плане окрашивали холодными цветами.

Аналитический кубизм. Данный этап развития течения можно охарактеризовать стиранием границ между пространством и формой. Возникают переливчатые цвета в полупрозрачных пересекающихся плоскостях. Отныне художники располагают формы в хаотичном порядке. Взаимодействие между пространством и формой – главное достижение на данном этапе развития течения.

Синтетический кубизм. Элементы такового впервые появляются в творчестве Хауна Гриса с 1911

Важно, что Грис, наряду с Пикассо и Браком, считается основателем течения. Можно сказать, что синтетический кубизм стремился к обогащению действительности за счёт объектов эстетики. Для конструирования объекта применяется фактура поверхности, линии и узоры

В данном периоде живописцы применяли аппликации для конструирования самодостаточного объекта. Но позднее кубисты отказались от такого метода, как аппликация, потому что решили, что получить полноценную комбинацию можно без бумаги

Для конструирования объекта применяется фактура поверхности, линии и узоры. В данном периоде живописцы применяли аппликации для конструирования самодостаточного объекта. Но позднее кубисты отказались от такого метода, как аппликация, потому что решили, что получить полноценную комбинацию можно без бумаги.

Ключевые представители течения:

• Пабло Пикассо;
• Жорж Брак;
• Хуан Грис;
• Фернан Леже;
• Андре Маре.

*

Единственное письмо, которое в 1929 году Владимир Набоков, будущий великий, а пока неизвестный писатель, написал своей жене, содержит только два слова и один восклицательный знак: «Таис поймана!» Может быть, он кладёт это письмо ей на кровать, пока она ещё спит в залитой солнцем комнате в Ле-Булу в Пиренеях — там, в маленькой гостинице, они проводят свой первый настоящий отпуск. А та, кого он поймал, — бабочка, редкий испанский представитель семейства парусников, и Вера улыбается, видя записку, она знает, что её муж ничего не любит так сильно, как бродить ранним утром по лугам, когда ботинки намокают от ночной росы, и ловить белым сачком бабочек.

А саму Веру Владимир Набоков несколькими годами ранее поймал с помощью слов, которые адресовал ей через газету русских эмигрантов Руль в виде стихотворения под названием «Встреча(И странной близостью закованный…)». В нём были строки, понятные одной ей: «Еще душе скитаться надо. Но если ты — моя судьба…» Вскоре скитания неспокойного сердца закончились, и он понял, что его судьба — Вера. И Владимир Набоков написал: «Должен сообщить тебе одну вещь…Может быть, эту вещь я уже тебе сообщал, но на всякий случай сообщаю еще раз

Кошенька, это очень важно, — пожалуйста, обрати внимание. Есть немало важных вещей в жизни, например теннис, солнце, литература, — но эта вещь просто несравнима со всем этим, — настолько она важнее, глубже, шире, божественнее. Эта вещь — впрочем, нет нужды в таком долгом предисловии; прямо скажу тебе, в чем дело

Вот: я люблю тебя»

Эта вещь — впрочем, нет нужды в таком долгом предисловии; прямо скажу тебе, в чем дело. Вот: я люблю тебя».

И Вера, эта яркая и редкая бабочка, поняла, что хватит порхать. Они поженились и стали пробивать себе путь в таком странном Берлине двадцатых годов. Большинство русских, бежавших в Германию после Октябрьской революции, давно уже перебрались в Париж. Вера занимается переводами и работает в адвокатской конторе, Владимир даёт уроки тенниса, снимается в массовке на студии UFA, обучает смышлёных мальчиков из Груневальда шахматам, а пожилых дам — русскому языку. Но, разумеется, больше всего он пишет. И этот замечательный отпуск на юге весной 1929 годаони смогли позволить себе благодаря издательству Ull­stein, которое действительно издало сначала фрагмент, а потом и целый роман «Король, дама, валет» и выплатило Набокову огромную сумму в 7500 марок. А тот, кстати, описал в книге своё с Верой счастье:

«Он давно заметил эту чету, — они мелькали, как повторный образ во сне, как лёгкий лейтмотив, — то на пляже, то в кафе, то на набережной. Но только теперь он осознал этот образ, понял, что он значит. У дамы в синем был нежно-накрашенный рот, нежные, как будто близорукие глаза, и её жених или муж, большелобый, с зализами на висках, улыбался ей, и по сравнению с загаром зубы у него казались особенно белыми. И Франц так позавидовал этой чете, что сразу его тоска ещё пуще разрослась». Вера и Владимир Набоков — очень необычная пара, потому что они счастливы вместе сейчас и останутся счастливыми в будущем.

️ Больше о любви и ненависти

Годы обучения

В январе 1895 года, когда Пикассо был подростком, его младшая сестра Кончита умерла от дифтерии. Это трагическое событие повлияло на планы семьи. К этому же периоду Хуан был принят на должность учителя в художественную академию в Ла-Лондже, и семья переезжает. Отец способствовал независимости Пабло, сняв ему студию в Барселоне.

Год спустя он был принят в качестве студента королевской академии Сан-Фернандо в Мадриде. Он продемонстрировал свою замечательную способность, завершив за один день вступительный экзамен, на который был отведен целый месяц, несмотря на то, что был моложе, чем официально требовалось для обучения.  При финансовой помощи своих родственников Пабло отправляется учиться в Мадрид в конце 1897 года. Однако Пабло были скучны классические приемы художественной школы. Он не хотел рисовать как художники прошлого, а хотел создавать что-то новое. Вернувшись в 1900 году в Барселону, он часто посещал знаменитое кафе, ориентированное на встречи интеллигенции и художников «Четыре кота». Его визит в Орта-де-Эбро в период с 1898 по 1899 год и его связь с группой в кафе в 1899 года имели решающее значение для раннего художественного развития. Именно в Барселоне он отошел от традиционных классических методов, склонившись к экспериментальному и инновационному подходу к живописи. В этой литературно-художественной среде собиралось множество приверженцев современного французского искусства из Франции, равно как каталонского традиционного и народного искусства. Бытует миф, что отец был настолько впечатлен способностями сына, что в 1894 году он зарекся рисовать сам, но на деле Хосе продолжал рисовать до самой смерти. Отношения Пикассо с его родителями стали напряженными, когда он прекратил учебу. В кафе он подружился с молодым каталонским живописцем Карлосом Касахемасом, с которым в последствии переехал во Францию.

В 1900 году в Барселоне состоялась первая выставка Пикассо, а осенью он отправился в Париж.

Источник вдохновения

Пикассо внимательно изучил множество художественных систем. Иногда работы других художников оказывали влияние на его собственный стиль. Так, в ранней картине «Авиньонские девицы» можно найти отголосок «Трёх купальщиц» Сезанна. Другим источником вдохновения, оказавшим огромное влияние на Пикассо, стали предметы, показанные на парижской выставке примитивного искусства народов Африки и Океании в 1907 году. Пикассо признавался, что эту выставку воспринял как откровение. Особенно потрясли его искажённые пропорции фигур и двумерное изображение лиц — как на этой ритуальной маске из Центральной Африки.

Фовизм

Жорж Брак, 1906 год, L’Olivier pres de l’Estaque (Оливковое дерево возле Л’Эстака). Брак нарисовал по крайней мере четыре версии этой сцены, одна из которых была украдена из Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris в мае 2010 г.

Жорж Брак, 1907–08, Виадук в Л’Эстаке (Le Viaduc de l’Estaque), холст, масло, 65,1 х 80,6 см, Институт искусств Миннеаполиса

Жорж Брак, 1908 год, Maisons et arbre (Дома в l’Estaque), холст, масло, 40,5 х 32,5 см, Lille Métropole Museum of Modern, Contemporary and Outsider Art

Жорж Брак, 1908 год, Le Viaduc de L’Estaque (Виадук в Л’Эстаке), холст, масло, 73 х 60 см, Тель-авивский художественный музей

Жорж Брак, 1908 год, Baigneuse (Le Grand Nu, большая обнаженная кожа), холст, масло, 140х100 см, Musée National d’Art Moderne, Центр Помпиду, Париж

Самые ранние работы Брака были импрессионистический, но увидев работы, выставленные художественной группой, известной как «Фов«(Звери) в 1905 году он принял стиль фовизма. Фовисты, группа, в которую входили Анри Матисс и Андре Дерен среди прочего, использовались яркие цвета для выражения эмоциональной реакции. Брак наиболее тесно сотрудничал с художниками Рауль Дюфи и Отон Фриес, который разделял родной город Брака Гавр, чтобы развить несколько более сдержанный фовистский стиль. В 1906 году Брак отправился с Фризом в L’Estaque, к Антверпен, и домой в Гавр, чтобы рисовать.

В мае 1907 года он успешно выставил работы в стиле фов в Салон независимых. В том же году стиль Брака начал медленную эволюцию, поскольку на него повлияли Поль Сезанн который умер в 1906 году и чьи работы были впервые выставлены в Париже на крупномасштабной музейной ретроспективе в сентябре 1907 года. Ретроспектива Сезанна 1907 года в музее Осенний салон сильно повлиял на авангард художники Парижа, что привело к появлению кубизма.

Что такое кубизм

Кубизм — это авангардное европейское художественное движение, возникшее во Франции в начале двадцатого века и характеризующееся использованием геометрических фигур для изображения природы .

Кубизм был основан в Париже через известного испанского художника Пабло Пикассо (1881 — 1973) и французского художника Жоржа Брака (1882 — 1963).

Les Demoisellers d’Avignon (1907), Пабло Пикассо

«Les demoisellers d’Avignon» Пикассо (1902) считается отправной точкой этого инновационного движения.

В целом, кубизм характеризуется представлением фигур природы с использованием геометрических форм, способствующих фрагментации и разложению планов и перспектив. Художник-кубист больше не стремится использовать реальный внешний вид вещей, как это было во времена Ренессанса.

Кубистское искусство считается «ментальным искусством», где каждый аспект работы должен анализироваться и изучаться индивидуально.

Кубики, цилиндры и сферы являются одними из обычных форм в кубизме, который отличается от абстрактного искусства конкретным использованием всех форм.

Помимо Пикассо и Брака, другими художниками, увековеченными в качестве икон этого авангарда, являются Хуан Гри (1887 — 1927) и Фернан Леже (1881 — 1955).

Гравюра

За свою жизнь Пикассо создал более 2000 гравюр. Многие из них вошли в так называемую «Сюиту Воллара» (1930-е годы) — в частности, «Минотавр, обнажающий женщину». Помимо этого, Пикассо занимался литографией и линогравюрой. Гравюры Пикассо различаются по настроению и стилю — от изысканных ранних гравюр до поздних гравюр, исполненных в дерзкой манере. Линолеум позволяет получать большие четкие изображения, так как вырезать рисунок на его поверхности гораздо легче, чем на дереве или металле. Этим объясняется привязанность Пикассо к этой технике — в ней он создал целый ряд плакатов, изобретя при этом способ наносить несколько цветов с одного и того же клише.

Источник

Описание стиля

Художественный стиль кубизм стал необычной моделью искусственного авангарда, где фундаментальное значение принадлежит острым углам, прямым линиям и нейтральным оттенкам. Основной тезис – рисунок не должен быть реалистичным. Изображение больше напоминает пазл, который мысленно собирает зритель.

Образная концепция этого направления выстроена на попытках разложить предмет на пространственную форму или модель, выражая тем самым многогранность его представления. Полотна этого стиля легко распознать по плоскому и двухмерному изображению, с использованием цветового нейтрала и прямолинейного ракурса. Кубические полотна отличаются переизбытком геометрически правильных пропорций, углов и линий на фоне индифферентного колорита.

Отказ от объема реальных изображений в искусстве положил начало уникальному стилю особого авангарда, полностью отрицавшего перспективу и светотени. Кубизм в живописи намеренно деформировал, иррационально разбивал и моделировал наборы геометрических фигур абсолютно нелогичных между собой. Лишенное реализма направление оказалось противоречивым для индивидуального развития стиля кубизма в искусстве.

Формы и чувства

Пикассо не слишком доверял теориям и говорил: «Когда мы любим женщину, мы не начинаем измерять её конечности. Мы любим её нашими чувствами». Он стремился как можно живее и непосредственнее передать свои эмоции. Приём искажения человеческой фигуры всегда работал на решение именно этой задачи.

Характерным для художественной системы Пикассо было разложение на части человеческого тела. Перемещение в пространстве глаз, ушей, рта и носа позволяло художнику острее и адекватнее передать свои ощущения.

Многие работы Пикассо автобиографичны, и, в первую очередь, это относится к портретам женщин, которых любил художник. Некоторые из этих образов откровенно эротичны. За это Пикассо и хвалили, и осуждали. Некоторые поздние женские образы Пикассо отличаются грубой агрессивностью, однако другие написаны с удивительной нежностью.

Парижский период

На рубеже двадцатого века Париж являлся центром международного художественного мира. Для живописцев это была родина импрессионистов, которые изображали окружающий мир с помощью мазков или штрихов из несмешанных цветов, чтобы создать ощущение реального отраженного света. Хотя их работы и сохранили определенные связи с окружающим миром, наблюдались определенные тенденции к абстракционизму. Покинув Испанию, Пикассо на Всемирной выставке в Париже представил свою картину «Последние мгновения».

Однако поездка в столицу искусства была омрачена. Друг художника впал в депрессию из-за несчастной и болезненной любовной истории с танцовщицей из Мулен Ружа. Они решили провести отпуск в родном городе Пикассо, но этому не суждено было случиться. Карлос покончил жизнь самоубийством, выстрелом в висок. Пабло был настолько раздавлен этой потерей, что это не могло не отразиться на его творчестве. Он пишет несколько портретов друга в гробу. Пикассо подходит к «голубому периоду» своего творчества, во время которого тоска и депрессивность сквозят сквозь холсты, изобилующими голубыми тонами. В течение следующих четырех лет в его картинах доминировал синий цвет. Он рисовал людей с удлиненными чертами лица. Некоторые из его картин этого периода изображали бедняков, нищих, печальных и мрачных людей.

Два выдающихся примера работ «голубого периода Пикассо»:

• «Старый гитарист»;
• «Нищий старик с мальчиком»;
• «Жизнь»;
• «Женщина с пучком волос».

В 1902 году были организованы две выставки художника. Тем не менее он живет и работает практически без средств к существованию в комнате Макса Якоба. Из глубокой депрессии по поводу смерти близкого друга Карлоса Касахемаса помогла выйти любовная история с Фернандой Оливье, бывшей сначала его моделью. Он влюбился во француженку и прожил с ней до 1912 года. Картины стали наполняться более теплыми цветами, среди которых оттенки красного, бежевый, оранжевый. Историки искусства называют это время в жизни Пабло «розовым периодом». Сюжеты представляли изображение более счастливых сцен, среди которых была и цирковая тематика.

Пикассо обзавелся постоянной парижской студией в 1904 году. Его студия вскоре стала местом встречи художников и писателей города. Вскоре в круг друзей вошли поэт Гийом Аполлинер, Макс Якоб, Лев и Гертруда Штайн, Андре Салмо, два агента: Амбруаз Волларда и Берта Вайль.

С 1905 года он все больше интересовался изобразительным приемами. Этот интерес, по-видимому, пробудился благодаря поздним картинам Поля Сезанна.

В период между 1900 и 1906 годами он перепробовал почти все основные стили живописи. При этом его собственный стиль изменился с необычайной скоростью. Штайны знакомят его с Анри Матиссом. Портрет Гертруды Штайн, начал череду опытов портретной абстракции, вдохновленных иберийской скульптурой, выставку которой Пикассо посетил в Лувре весной 1906 года.

Кубизм

Первая стадия кубизма получила впоследствии название «аналитической». С 1909 года она постепенно перерождалась, и в 1913 году появилась «синтетическая» стадия, для которой характерны большая цветность форм, стремление к плоскостной трактовке объектов. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века.

В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Пикассо использовал коллаж — вклеивание в холст реклам, этикеток и вырезок из газет; со временем объем инородного материала в картине увеличивался (присыпки песком, вмонтирование кусочков дерева и металла, осколков стекла, использование гипса и т. п.). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. В дальнейшем увлечение кубизмом сходит на нет, однако отдельные его черты продолжают сохраняться в картинах до конца жизни художника («Три музыканта», 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк).Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века.

В 1908-1909 годах Пикассо совместно с французским живописцем Жоржем Браком, влияя друг на друга, разработали новый стиль — кубизм, ставший радикальным поворотом от поисков художественного эквивалента реальности к ее полному пересозданию. Использовались нейтральные, преимущественно охристые, серые, коричневые и зеленоватые тона, характерные для живописи Сезанна, но заметно «утяжеленные», помутнелые; они комбинировались в геометрические формулы, обнажая некие изначальные «прототипы» человеческих фигур, вещей и мира природы («Королева Изабо», «Дама с веером», обе 1909; «Портрет Амброаза Воллара», 1910, все в Музее изобразительных искусств, Москва; «Дриада», «Фермерша», «Три женщины», ряд натюрмортов, 1909-1910, Эрмитаж). (Амброаз Воллар — французский коллекционер и меценат, один из тех, кто не только открыл, но и популяризировал творчество Сезанна, Ван Гога и других художников. В 1901 году в галерее Воллара в Париже состоялась первая выставка произведений Пикассо).

В 1907 года Пабло Пикассо создал композицию «Авиньонские девицы» (Музей современного искусства, Нью-Йорк) — большое панно, персонажи которого — посетители и девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон (так полагал поэт А. Сальмон, давший название произведению) — предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры: розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам.