Художники-прерафаэлиты, которые не входили в “Братство”
Альма-Тадема Лоренс (1836 – 1912)
Художник в совершенстве владел техникой масляной живописи. Он умел передать глубину пространства и многочисленные нюансы воздушной среды, эффекты яркого солнечного освещения, ажурную прозрачность теней, складки ткани и фактуру мрамора. По мастерству изображения деталей Альму Лоренсу не было равных среди современников.
Альма-Тадема Лоренс очень любил путешествовать, особенно по Италии. Её природа и тысячелетняя культура служили для художника неиссякаемым источником вдохновения.
Альма-Тадема Лоренс “Под синим ионическим небом” (1903)
Тема античности в творчестве Лоренса занимала главное место. На своих полотнах художник изображал повседневную жизнь греков и римлян. Это могли быть праздники, рынки, термы, интерьеры вилл и простых домов, досуг знати и простых горожан, а также другие сюжеты.
В Италии Лоренс жадно впитывал все мелкие подробности яркой и самобытной жизни, открывшейся ему
Особое внимание он уделял шедеврам архитектуры, скульптурам и прикладному искусству
Картины Альма Тадемы Лоренса
Мастер посетил развалины Помпей, сделал множество фотоснимков, которые впоследствии послужили богатейшим материалом для его полотен. Художник в течении всей своей жизни использовал фотографии в работе над своими картинами и не скрывал этого. Он не обращал внимания на презрительное отношение некоторых коллег и ценителей живописи.
Он был настоящим энтузиастом фотоискусства. Альма-Тадема Лоренс оставил после себя свыше 150 альбомов со снимками, которые сегодня хранятся в университете Бирмингема.
Работы Альма-Тадемы Лоренса: “Колизей” (1896) и “Любимая привычка” (1909)
Почти ни одна картина художника не была обойдена критикой. Лоренса не раз упрекали в легкомыслии и отсутствии моральных установок. Доставалось и его жене Лауре, постоянной модели художника. Критики бесцеремонно обсуждали достоинства и изъяны ее фигуры.
Джон Кольер (1850 – 1934)
По некоторым источникам, художник все же входил в “Братство”. Но информация двояка. Его работы по стилистике и приемам только частично схожи с картинами прерафаэлитов.
Кольер был автором многочисленных полотен на историко-мифологические темы, что помимо манеры, сближает его с прерафаэлитами.
Джон Кольер “Леди Годива” (1898)Художественная галерея и музей Герберта, Ковентри
Сюжет для картины “Леди Годива” художник позаимствовал из народной легенды, согласно которой Годива, жена графа Леофрика, правителя Ковентри, обнаженная, проезжает на коне по опустевшему городу. Она приказала жителям Ковентри закрыть ставни и не выходить из домов, чтобы выполнить условие мужа, обещавшего взамен снизить налоги.
Кольер был также талантливым иллюстратором. Он сделал множество иллюстраций к произведениям английской классической литературы.
Живопись барокко в Испании.
Основная статья: Барочная живопись Испании
Основная категория: художники испанского барокко
Деталь Аполлона и Марсия работы Хосе де Риберы, 1637 г., Музей Н. ди Сан-Мартино, Неаполь.
В Испании барокко является кульминационным моментом изобразительной деятельности, выделяясь над великолепной группой художников, гением и мастерством Диего Веласкеса , Риберы , Бартоломе Эстебана Мурильо или Франсиско де Сурбарана . Этот период был известен как Золотой век , как признак того, что большое количество важных деятелей работали, несмотря на экономический кризис, от которого страдала страна.
Испанские художники вдохновляются итальянскими художниками, такими как Караваджо , и его тенебризмом . Фламандская живопись в стиле барокко оказала большое влияние на Испанию из-за мандата, осуществляемого в этом районе, и прибытия Рубенса в страну в качестве придворного художника.
Основными школами искусства барокко будут школы Мадрида , Севильи и Валенсии .
Тема в Испании, католической и монархической, явно религиозная. Большинство работ были заказаны непосредственно церковью. С другой стороны, многие картины посвящены королям, дворянам и их войнам, как, например, в знаменитой картине « Лас-Лансас », которую Веласкес написал в 1635 году для Паласио-дель-Буэн-Ретиро в Мадриде. Мифология и классические темы также будут постоянными. Но чаще всего повторяется христианская религия, примером которой может служить «Мученичество Сан-Фелипе », великое произведение Хосе де Рибера. Реалистичность работ будет использована для передачи верующим религиозной идеи, для которой барокко было оружием церкви.
Цвета яркие, с эффектами нескольких источников света, которые создают столько теневых областей. Итальянский тенебризм будет ощущаться во всех испанских живописцах. Фигуры обычно не позируют, они запечатлены с преувеличенным движением, чтобы придать сцене силу. Картины маслом большие и обычно сложные, с разнообразными фигурами и выразительными жестами.
Тициан (1488-1576).
Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562. Музей Прадо, Мадрид.
Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.
За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.
Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.
Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.
К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.
Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.
Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников XIX века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.
О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.
Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.
Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?
Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.
Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.
Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Картины голландской школы живописи — картины в картинах
Голландский золотой век живописи уступает, пожалуй, только итальянскому Возрождению. Как и в другие эпохи, в это время также были свои собственные причуды в моде и в живописи, одной из которых стало то, что художники рисовали «картины в картинах».
Эти «картины в картинах» рисовали не только Вермеер и его товарищи по кисти. Некоторые считают, что такие картины содержат специальный символьный код. Одним из примеров такого стиля является картина «Тапочки» Самуэля ван Хугстратена.
На первый взгляд, на картине показан пустой зал с двумя парами тапочек, которые лежат посреди него. На стене зала висит картина Каспара Нетшера «Отец отчитывает свою дочь».
На первый взгляд, ничего необычного. Но современным ценителям голландского искусства известно, что картина Нетшера была нарисована в борделе. По-видимому, эти тапочки принадлежат мужчине и женщине, но так как зал пуст — возможно, они ушли заниматься сексом.
В других случаях код был тоньше. На картинах «Мужчина, пишущий письмо» и «Женщина, читающая письмо» (на фото) Габриэль Метсю изобразил молодого человека, пишущего письмо своей возлюбленной, и его прочтение.
На второй картине изображение корабля в бушующем море символизирует бурную природу их дальнейшей связи. На картине «Любовное письмо» Вермеера корабль под зловещими тучами внушает мысль о возможных плохих новостях.
Вы можете найти сотни примеров таких голландских картин «внутри картины», которые тонко изменяют смысл основного изображения.
Питер Пауль Рубенс
Продолжительность жизни: 28 июня 1577 г. — 30 мая 1640 г.
Национальность: фламандец
Питер Пауль Рубенс
Питер Пауль Рубенс учился у Адама ван Ноорта и Отто ван Вина, двух ведущих художников Антверпена. Позже он основал свою студию в том же городе, которая производила картины, популярные среди знати и коллекционеров произведений искусства по всей Европе. Рубенс был плодовитым художником, создавшим 1403 произведения. Он специализировался на создании исторических картин на мифологические и аллегорические сюжеты. Однако он также писал портреты, а в более поздней жизни — несколько пейзажей. Рубес известен своими сильно заряженными композициями. Ему был присущ уникальный и чрезвычайно популярный стиль барокко, который подчеркивал движение, цвет и чувственность. Рубенс был также классически образованным гуманистом и дипломатом. Он посвящен в рыцари Филиппом IV в Испании и Карлом I в Англии. Сэр Питер Пауль Рубенс считается самым влиятельным художником традиции фламандского барокко.
Шедевр: Суд Парижа (1639)
Суд Парижа (1639)
Другие известные произведения: —
Снятие с креста (1614)
Самсон и Далила (1610)
Джотто (1267—1337).
Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.
XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.
До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.
Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.
И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.
Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.
Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.
Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.
Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.
Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.
О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.
Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.
Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.
La Primavera выражает любовь к садоводству
Это одно из самых известных произведений Боттичелли в галерее Уффици во Флоренции. La Primavera также одна из самых загадочных картин Боттичелли. Из-за того, что на ней изображена группа женщин, которые ходят по небу, как по лугу, эксперты по-прежнему утверждают, что у картины есть аллегорический смысл.
Но есть одна теория, выделяющаяся из всех остальных своей доказательностью и странностью, которая утверждает, что картина — о садоводстве.
Эта версия выглядит правдоподобной из-за умопомрачительной скрупулезности, с какой автор выписывает каждое растение. По официальным оценкам, на картине изображено, по крайней мере, 500 тщательно отрисованных различных растений почти 200 различных видов.
Некоторые полагают, что это были все растения, которые произрастали в 15-м веке во Флоренции и цвели с марта по май. Другие утверждают, что эти растения Боттичелли придумал сам, специально для этой картины.
«Ночная терраса кафе» напоминает о «Тайной вечере»
Нарисованная в 1888 году «Ночная терраса кафе» — одна из наиболее важных работ Ван Гога, полностью раскрывающих особый стиль художника. Она также одна из самых его любимых. Но некоторые утверждают, что в ней имеется гораздо более глубокий подтекст. Согласно недавней теории «Ночная терраса кафе» отсылает нас к «Тайной вечере».
С раннего возраста Ван Гог был чрезвычайно религиозным. Его отец был протестантским священником, и влиятельные арткритики утверждают, что картины художника наполнены христианской образностью.
В случае с «Ночной террасой кафе» эта образность проявляется в виде Иисуса, пришедшего поесть со своими учениками. Если внимательно посмотреть на обедающих, то можно увидеть, что их двенадцать и они сидят вокруг центральной фигуры с длинными волосами.
Что характерно, есть даже ряд крестов, спрятанных на картинке, в том числе один непосредственно над фигурой Христа. Есть и другие доказательства в поддержку этой теории.
Когда Ван Гог писал брату о живописи, он утверждал, что мир испытывает «огромную потребность» в религии. Он был также глубоко увлечен Рембрандтом и выражал желание оживить свой стиль тонкой христианской символикой. «Ночная терраса кафе» вполне может служить доказательством того, что, в конечном счете, ему это удалось.
Йоханнес Вермеер
Продолжительность жизни: 31 октября 1632 г. — 16 декабря 1675 г.
Национальность: голландец
Йоханнес Вермеер
Йоханнес Вермеер в свое время был относительно малоизвестным. Возможно, это произошло потому, что он был менее плодовитым и за свою жизнь создал всего около 45 работ, из которых 36 до сих пор сохранились. Но качество их настолько велико, что они входят в число самых почитаемых изображений в истории искусства. Хотя он также писал религиозные и мифологические сцены, Вермеер наиболее известен своими картинами сцен повседневной жизни в интерьере. Кроме того, он известен мастерским использованием света в своих работах и созданием реалистичных ярких изображений, завораживающих зрителя. После смерти Вермеера забыли, и только в 19 веке его работы были заново открыты и оценены. С тех пор репутация Вермеера стремительно росла. Голландский Золотой век был периодом в истории Нидерландов, в котором, среди прочего, голландское искусство заняло свое место среди самых известных в мире. Вермеер в настоящее время признан величайшим художником голландского Золотого века наряду с Рембрандтом.
Шедевр: Девушка с жемчужной сережкой (1665)
Девушка с жемчужной сережкой (1665) — Иоганн Вермеер
Другие известные произведения: —
Доярка (1658)
Вид на Делфт (1661)
Рембрандт
Продолжительность жизни: 15 июля 1606 г. — 4 октября 1669 г.
Национальность: D utch
Рембрандт ван Рейн
Рембрандт доминировал в Голландский золотой век, и с тех пор он остается самым известным голландским художником. Рэмбрандт известен как властитель света и тени. Его картины отличаются исключительным реализмом, которого он смог достичь благодаря своим фирменным световым и теневым эффектам. На протяжении своей плодотворной карьеры Рембрандт работал в нескольких жанрах, но наиболее известен он портретами и изображениями библейских и мифологических сцен. Как художник-портретист, он известен тем, что улавливает настроение своих героев. Групповой портрет в то время процветал в Нидерландах, и Рембрандт создавал одни из самых известных групповых портретов. Он также считается одним из величайших художников-автопортретистов, известных тем, что не проявляли к себе милосердия. Хотя Караваджо оказал большее влияние на эпоху барокко, Рембрандт, несомненно, является самым известным художником эпохи.
Шедевр: Ночной дозор (1642)
Ночной дозор (1642) — Рембрандт
Другие известные произведения: —
Похищение Европы (1632 г.)
Автопортрет с беретом и поднятым воротником (1659)
«Сатир, оплакивающий нимфу» на самом деле показывает жестокое убийство
Картина написана Пьеро ди Козимо в 1495 году, и на ней якобы изображена сцена из «Метаморфоз» Овидия. В этой истории Прокрида была случайно убита в лесу её мужем, охотником Цефалом, который по ошибке принял жену за дикого зверя и пронзил её копьем.
Это типичный выбор сцены для художника эпохи Возрождения, но есть одна проблема. Внимательное изучение показывает, что изображенная на картине Козимо Прокрида не могла быть убита случайно.
По словам британского профессора Майкла Баума, все признаки указывают на то, что полотно изображает зверское убийство. У Прокриды имеются глубокие рваные раны на руке, как если бы она пыталась отражать ножевые атаки. Наконец, на шее также имеется рана.
Вместо изображения сцены романа картина Козимо показывает нам последствия яростной атаки ножом. Вероятно, это не было сделано преднамеренно. Профессор Баум подозревает, что Козимо попросил местный морг одолжить ему труп, для того чтобы зарисовать жертву убийства.
Черты и особенности стиля
Для направления барокко характерны контраст образов и их динамизм, сочетание иллюзорности форм и реальности, великолепие композиций. В интерьере и экстерьере построек использованы скульптурные элементы, тесаные колонны, улитки и заклепки, а также пилястры. Широкомасштабное развертывание колоннад было обычным делом. Стиль барокко унаследовал от маньеризма стремление поражать воображение. Это прослеживается в сложных формах куполов, выполненных в виде многоуровневых конструкций. Отличительные особенности также включают использование кариатид, атлантов и горгулий.
Тенденции претенциозности и помпезного богатства также восходят к викторианской эпохе.
Кариатиды, атланты и маскерони
Интерьер
Необычные композиции из асимметричных орнаментов, изображений вогнутых и выпуклых форм широко используются в интерьере барокко. Четко выражены вертикальные линии колонн и сочленения горизонтального типа, что также присуще колониальному стилю.
На фото один из ярких примеров интерьера в стиле барокко.
Барочный интерьер
Мебель
Мебель в стиле барокко — уникальное произведение искусства, поэтому ее чаще всего использовали для создания внутренней композиции помещения. Мягкие наушники (диваны, кресла на деревянных ножках, стулья) были набиты дорогими материалами в насыщенных тонах. Гигантские деревянные шкафы были украшены резной гравировкой и монохромным орнаментом. Большой популярностью пользовались огромные кровати с изящными навесами, с которых падали красочные покрывала
В эпоху барокко гостиным уделялось особое внимание: в роскошных залах принимали гостей и устраивали танцы
Мебель в стиле барокко
Оформление стен
В интерьере в стиле барокко использована настенная роспись. Высокие мраморные стены были покрыты большими разноцветными изображениями, дополненными обильной позолотой и расписанными фресками потолками. А картины невероятных размеров, обрамленные богатыми рамами (с позолотой или лепниной) завершали общую композицию невероятного великолепия.
Классическое представление барокко в современной обстановке
Оформление полов
Мраморный пол гармонично контрастировал с общим интерьером гигантских залов. Он был выполнен в виде шахматной плитки. Цветовая палитра была не очень разнообразной — использовались однотонные цвета. На фото выше также видно, как были оформлены полы в стиле барокко.
Живопись
К особенностям формирования живописи в период барокко можно отнести:
- Яркая цветовая палитра.
- Динамичность композиции.
- Великолепие «плоских» форм.
Яркие образцы барочной живописи можно увидеть в произведениях Рубенса («Распятие», «Страшный суд», «Битва греков с амазонками») и Караваджо («Больной Вакх», «Отдых во время полета в Египет »,« Призвание апостола Матфея»).
«Страшный суд», Рубенс
Архитектура и ее представители
Отличительными чертами архитектуры барокко являются плавность криволинейных и сложных форм, а также невероятный размах стилистического пространства. Обилие скульптурных творений украшает фасады церквей и соборов.
Неоценимый вклад в сферу архитектуры внесли:
- Донато Браманте — основоположник архитектуры барокко.
- Джакомо Делла Порта, Карло Мадерна и Доменико Фонтана — архитекторы раннего барокко.
- Франческо Бромини — представитель радикальной архитектуры.
- Сантино Солари — создает первый собор в стиле барокко в Зальцбурге.
Архитектура барокко
Скульптура
Лоренцо Бернини
Скульптура была органически неотъемлемой частью искусства барокко. Самым известным скульптором семнадцатого века был Лоренцо Бернини. Среди его самых популярных работ по мифологии:
- Плутон (бог подземного мира), похищение Прозерпины.
- «Экстаз Святой Терезы» — группа алтарей, расположенных в одном из храмов Рима.
- Аполлон (бог света) преследует нимфу Дафну, которая чудесным образом превращается в дерево.
На фото — деревянная скульптура в стиле барокко. Именно этот материал преобладал при создании скульптур и для большей реалистичности с огранкой хрусталя и стеклянными глазками.
«Аллегория с Венерой и Амуром» предупреждает о сифилисе
Картина, которая показывает Венеру и Амура, собирающихся заняться сексом на фоне лысого мужчины, всегда тревожит воображение. Даже по меркам своего времени картина Аньоло Бронзино «Аллегория с Венерой и Амуром» темновата.
Несмотря на восторженные отзывы о произведении как об эротический картине «особой красоты», есть много доказательств, что это действительно предупреждение о сифилисе. Об этом свидетельствует кричащая фигура в левой части картины.
Хотя в классическом описании картины сказано, что это метафора ревности или отчаяния, внимательное изучение показывает, что ей на самом деле очень плохо. Пальцы фигуры опухли, как у больных сифилисом, на них не хватает ногтей, а волосы имеют признаки сифилитической аллопеции. Беззубые дёсны предполагают отравление ртутью, которой пытались лечить сифилис в Италии эпохи Возрождения.
У одного из персонажей в ногу впился шип розы, но он этого не замечает. Такое отсутствие ощущений будет непосредственным результатом сифилитической миелопатии. Иными словами, на картине изображены страдания, которые ожидают в будущем тех, кто пойдет на поводу у страстей.
Постоянная коллекция
Tate Britain — национальная галерея британского искусства с 1500 года до наших дней. Таким образом, это самая важная галерея такого рода в мире. В музее также представлены работы более современных художников, таких как Дэвид Хокни, Питер Блейк и Фрэнсис Бэкон . Некоторые из работ, выставленных в Тейт Британия:
- Ньютон де Уильям Блейк
- Лошадь , атакованная львом Джорджа Стаббса
- Джованна Баччелли , Томас Гейнсборо
- Эскиз замка Хэдли Джона Констебла
- Великий день Его гнева Джона Мартина
- Ла Дама де Шалот де Джон Уильям Уотерхаус
- Офелия де Джон Эверетт Милле
- Смерть Чаттертона автора Генри Уоллис
- « Блаженная Беатрикс », Данте Габриэль Россетти
- Золотая ветвь Дж. М. У. Тернера
- Воскресение, Кукхэм Стэнли Спенсера
- Кастильо де Норам де Дж. М. У. Тернер
- Три этюда для фигур на основании распятия Фрэнсиса Бэкона
- Грязевые ванны Дэвида Бомбрега
- Ноктюрн: Синий и золотой — Старый мост Баттерси Джеймса Макнила Уистлера
Британское искусство 16-го и 17-го веков : в этот период преобладают портреты. Самая старая картина в музее, «Человек в черном плаще », написанная Джоном Беттесом в 1545 году, свидетельствует о влиянии Ганса Гольбейна , который представил Британии эпоху Возрождения. Его дотошный линейный стиль отражен во многих работах. Одним из первых гениев, родившихся и получивших образование в Англии, был Николас Хиллиард, представленный в галерее одним из его редких портретов Елизаветы I в натуральную величину. В 17 веке под влиянием сэра Антониса ван Дейка возник новый стиль. портретной живописи, прекрасными примерами которой являются « Леди из семьи Спенсеров » Ван Дейка и Эндимион Портер ., Уильям Хобсон. Два других шедевра — «Игра обезьян и спаниелей » Франсиаса Бралоу , ранняя картина на тему животных, и « Пейзаж с радугой в Хенли-на-Темзе » Яна Сиберехтса , знаменующий собой рождение английской пейзажной традиции.
Британское искусство 18-го века : Наряду с коллекцией начала 18-го века, Галерея Тейт также предлагает прекрасные образцы «разговорных произведений» (неформальные композиции фигур), такие как « Семья Джеймса» Артура Дэвиса и «Семья Строде за завтраком » Уильяма Хогарта, выдающийся деятель британского искусства 18 века, известный своими сатирическими произведениями. В конце этого века Великий Стиль Джошуа Рейнольдса можно сравнить с тщательностью исполнения портретов его соперника Томаса Гейнсборо. Работы Ричарда Уилсона того же периода показывают, что «большой стиль» в пейзажах, в то время как Джордж Стаббс хорошо представлен сельскими картинами и лошадьми удивительной красоты.
Британское искусство XIX века : в галерее Тейт находится большое количество работ Уильяма Блейка, а также некоторых его учеников, в том числе Сэмюэля Палмера , чьи интимные пасторальные сцены пронизаны мистической интенсивностью. Также представлены два великих художника-пейзажиста века: работы Тернера (в галерее Клор) превосходят по численности работы Джона Констебла, но у него есть хороший выбор масел и эскизов, таких как Flatford Mill . Есть также пейзажи из Кроума, Котамна, Бонингтона и других. Коллекция раскрывает разнообразие стилей в викторианском искусстве, начиная от очень сентиментального Слепого скрипача Уилки , смерть которого увековечена в « Мире » Тернера, до видения Дня Дерби .Уильяма Фрита и буйства красок и сильных эмоций художников-паррафаэлитов.
Галерея Clore : Когда Дж. М. У. Тернер (1775–1851) завещал свои работы нации, он сделал это при условии, что они будут храниться вместе. В 1910 году для его картин маслом был создан ряд комнат, но только когда в 1987 году открылась галерея Клора, все наследие было выставлено полностью, включая тысячи эскизов. В галерее также представлены акварели Тернера, такие как «Город на закате реки », часть его проекта «Великие реки Европы».
Микеланджело (1475—1564).
Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.
Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.
Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511. Сикстинская капелла, Ватикан.
Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.
Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.
В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.
Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.
Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.
«Урок музыки» наполнен сексуальностью
Созданный Йоханнесом Вермеером в 1660-е годы «Урок музыки» считается одной из величайших картин, изображавших голландскую жизнь 17-го века. Молодую девушку учит играть на клавесине красивый репетитор.
Это фотореалистичное изображение типичного дня высшего общества во времена Вермеера. По крайней мере, это стандартное объяснение. Некоторые же считают, что картина пронизана сексом и скрытой страстью.
Согласно этой теории картина наполнена маленькими ключиками к пониманию сексуальной напряженности между девушкой и ее наставником. Неудивительно, что образ девушки связан с девственностью, но зеркало над клавесином показывает, что девушка на самом деле во время игры смотрит на учителя.
Кувшин для вина — афродизиак, в то время как инструмент на полу интерпретируется как огромный фаллический символ. Если рассматривать картину с такой точки зрения, то возможно даже предположить, что зритель — это вуайерист.
И это не только в случае с этой картиной. Некоторые искусствоведы утверждают, что присутствие музыки на картинах Вермеера всегда символизирует сексуальность, что делает его творчество очень странным.
