Лионский музей изобразительных искусств в 2022

Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

«Фермерша» 1908

«Голова мужчины» 1907

«Купальщица» 1909

«Натюрморт с чашей и кувшином» 1908

«Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)» 1907

«Портрет Мануэля Пальяреса» 1909

«Три фигуры под деревом» 1907

«Бокалы и фрукты» 1908

«Бюст человека (Спортсмен)» 1909

«Женщина» 1907

В аналитическом периоде Пикассо пришел к осознанию того, что нужно полностью сосредоточиться на объеме и форме предметов, отодвинув на задний план цвет. Таким образом отличительной чертой аналитического кубизма стала монохромность. Так же стоит отметить структуру работ этого периода — художник словно дробит предметы на мелкие фрагменты. Между разными вещами пропадает грань и все воспринимается как единое целое.

«Голубой период» Пабло Пикассо

Работы, созданные Пабло Пикассо между 1901 и 1904, относят к «голубому» периоду, так как в картинах этого периода у Пикассо преобладали акценты синего цвета. Но это далеко не единственная особенность. 

В это время молодой Пикассо находит свой собственный художественный язык, впервые ярко проявляется индивидуальность мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной  индивидуальности художника. В первых картинах, созданных Пикассо в Париже, отмечаются черты импрессионизма, постимпрессионизма, академизма. Сейчас же Пикассо создает нечто принципиально новое. В картинах Пикассо появляется обобщенная трактовка образа. Пикассо убирает из композиции все лишнее и оставляет только главное, предельно способствующее раскрытию авторского замысла, передаче эмоционального состояния.  В картинах Пикассо появились достаточно жесткие контуры фигур, мастер перестал стремиться к «трехмерности» изображений, стал уходить от классической перспективы. И постепенно  многоцветность уходит с полотен Пикассо, уступая место пронзительному по своему эмоциональному настрою голубому цвету. «Голубой – это цвет всех цветов» — любил говорить Пикассо.

В работах «голубого периода» Пикассо ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали.  На картинах изображены изнеможенные скорбью и страданием люди .  Их бледные, отчасти удлиненные тела  в некоторых произведениях напоминают работы испанского художника Эль Греко.  Депрессивные мотивы возникли в творчестве Пикассо после самоубийства его друга – художника  Карлоса Касагемаса. Весной 1901 г. Пабло Пикассо второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу. Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел роман с Жермен, из-за которой тот покончил с собой.  В то время на него давили горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти… — это и послужило психологической подоплёкой «голубого периода».  Позже Пикассо говорил: «Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв».

По возращению в Париж из Испании, где он провёл 14 томительных месяцев и где было написано большинство картин «голубого периода» , его новые ощущения, новые интересы, новая муза приводят Пабло к новому рубежу творческого развития. Картины Пикассо приобретают иную окраску. Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. Одним из самых ярким произведений переходного периода от «голубого» к «розовому»  считается картина Пикассо «Девочка на шаре».

Смотрите о Пикассо: PicassoLive.ru  Пабло Пикассо онлайн, галерея работ, жизнь и творчество, биография по годам, картины, каталог фото и видео

Автопортрет Пикассо

Автопортрет Пикассо

Склонившийся Арлекин

Трагедия

Старый еврей

Старый гитарист

Жизнь

Аскет

Женщина с шиньоном

Смерть Касагемаса

Портрет Солера

Завтрак слепого

Женщина с вороной

Гладильщица

Гурман

Любительница абсента

Любительница абсента

Tags:

• голубой период
• голубой цвет
• пабло пикассо
• художник 20 века
• эль греко
• эмоциональное состояние

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

№10 «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Дэвид Хокни, $90,3 млн

У картины британца Дэвида Хокни весьма необычная история: ведь на самом деле картин было две. Работу над первой художник начал в 1971 году. Ее идея родилась в результате случайного совпадения: на полу в студии художника оказались две фотографии. На первой был заснят плывущий под водой человек, на другой — мальчик, рассматривающий что-то на земле. Как вспоминал позднее сам Хокни, идея нарисовать две фигуры в разных стилях настолько сильно захватила его, что он тут же начал воплощать ее. Но работа не шла: Хокни постоянно дорисовывал и переделывал картину и в конечном счете уничтожил набросок (этот момент можно увидеть в документальном фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана).

В апреле 1972 года Хокни снова решил вернуться к этому сюжету в связи с выставкой в Нью-Йорке, которая должна была открыться через месяц. Он отправился на виллу в Сен-Тропе и сделал там при помощи ассистента сотни фотоснимков у бассейна. Вернувшись в Лондон, он разложил фото на полу рядом со снимками своего друга и любовника Питера Шлезингера и начал рисовать. Он работал две недели подряд практически без остановки, по 18 часов в сутки. Шедевр был закончен в ночь перед отправкой экспонатов на выставку в Нью-Йорк.

В ноябре 2018 года картина была продана на аукционе «Кристис» за 90,3 миллиона долларов после девяти минут торгов. Это сумма стала самой высокой аукционной ценой за произведение живущего художника. Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства «Кристис» Алекс Роттер назвал картину одним из величайших шедевров современной эпохи: «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10». Имя покупателя картины не раскрывается.

История

До 1792 года здание музея было монастырём. Людовик XIV
профинансировал большие реставрационные работы монастыря в XVII
веке, отчего здание приобрело барочные черты. Во время Французской
революции монастырь был ликвидирован, а в его помещении был
обустроен Дворец коммерции и искусств (фр. Palais du Commerce et des Arts),
в котором были выставлены произведения искусства, конфискованные у
церкви. Со временем музей пополнился экспонатами археологического и
естественного характера. В 1805 году при музее была основана школа
рисования. В 1860 году помещение было переоборудовано в музей,
планировка которого сохранилась и до сегодняшнего дня. В 1988—1998
годы были проведены большие реставрационные работы.

Vkontakte User @ Vkontakte

Искусство средних веков: «Колонна с изображением новозаветных сцен» (слепок), между 1015-1022 гг

Посетители ГМИИ имеют возможность познакомиться с шедеврами со всего мира, благодаря слепкам и копиям конца XIXв.. В одном из залов главного здания находится слепок бронзовой колонны из немецкого города Хильдесхайма. Бронзовая колонна из церкви Санкт Михаэль украшена рельефом,сюжет повествует о жизни Христа. Это точно стоит увидеть интересующимся историей германских земель, так как колонна была возведена в течение епископства Бернварда, который внес значительный вклад в культурную и политическую жизнь своей страны.

Заметьте, что копии из этой коллекции находятся не только в главном здании музея, но и в его отделе (Учебном музее им. И. В. Цветаева).

Творческая биография художника Георгия Курасова

Художник Георгий Курасов родился в 1958 году, в городе Ленинграде, СССР. В возрасте 13 лет будущий русский художник поступил в школу изобразительных искусств, имея сильное желание научиться техникам живописи. Однако преподаватели были не в восторге от начинающего юного живописца, который совершенно не чувствовал палитры цвета и предложили ему специализацию скульптора. С 1977 года Георгий Курасов начинает обучаться скульптуре в Ленинградской академии художеств. После получения диплома, художник был призван в армию, где занимался в основном рисованием идеологических советских плакатов.

С середины 1980-х годов русский живописец начал активно участвовать в различных выставках с единственным желанием получить членство в Союзе художников. Ведь именно в те времена, принадлежность к этой творческой номенклатуре гарантировало свою собственную художественную мастерскую. Вскоре получив совсем небольшое помещение для занятий живописью, художник Георгий Курасов начал экспериментировать с различными направлениями в изобразительном искусстве.

Свои эксперименты художник начал в неудачное время. Это был период «горбачевской перестройки» и даже интеллигенции изобразительное искусство было малоинтересно. Поэтому, чтобы кормить семью, Курасов рисовал также небольшие сувенирные картины, которые реализовывал через магазины для туристов.

Начиная с 1993 года, художник уже собрал внушительную коллекцию своих картин и начал их продавать в США. В мире российского современного художественного искусства создается впечатление, что Курасов давно эмигрировал, так как его работы никогда небыли представлены в российских выставочных экспозициях. Но это далеко не так — Курасов живет и работает в Санкт-Петербурге. Его картины выставляются как на дубайской художественной выставке (Emirates Towers Hotel), так и в лучших галереях мира.

Распятия

Портреты Папы Римского – не единственные картины Бэкона на религиозный сюжет. Одна из самых популярных тем его творчества – распятие. Хотя художник и позаимствовал этот сюжет из христианского искусства, бэконовские распятия изображают на кресте не Иисуса, а каких-то странных существ. Ни то люди, ни то животные – больше всего они напоминают скелеты или окровавленные туши. Бэкон всегда подчеркивал, что его картины не имеют ничего общего с религией и что сам он ни во что не верит. Что же тогда означают эти распятые туши?

Ф. Бэкон. Три этюда к фигурам у подножия распятия. 1944. Тейт Британ, Лондон

Распятия Бэкон начал писать в 1930-1940-е годы, в преддверье Второй мировой. Ужас и жестокость войны в сочетании с трагической судьбой самого художника превратились в растерзанных существ, распятых на холсте. Это были образы вселенского страдания, войны, да и образы самого Бэкона – такой своеобразный автопортрет. Художник говорил, что его «Распятия» показывают то, что люди могут сотворить друг с другом: то, что происходило в печах Освенцима; то, что творилось на полях сражений в мировых войнах; то, что его родной отец делал с маленьким беззащитным мальчиком, больным астмой.

Когда Бэкона упрекали в излишней драматизации, он равнодушно пожимал плечами: «Невозможно быть более ужасным, чем сама действительность». Все самое страшное уже сотворили люди, а Бэкон лишь напоминает об этом. Поэтому  картины Бэкона столь пугающие – они рассказывают о боли и страдании слишком правдиво, а принимать мир в его несовершенстве не всегда просто…

Другие интересные статьи в рубрике «Арт-ликбез»:

Как понять картины Пикассо

А теперь главный вопрос: как же понять работы Пикассо.

Пикассо виртуозно издевался над формой.

Сначала он деликатно вытягивал ее в своём Голубом периоде.

Пабло Пикассо. Две сестры. 1902. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.

Потом осмелел и начал дробить ее в коллажах и кубизме.

Затем надувал женщин, как воздушные шарики.

А ещё разбивал на мелкие осколки и «склеивал» их кое-как.

Пабло Пикассо. Плачущая женщина (Дора Маар). 1937. Музей Пикассо, Париж. Artchive.ru.

Мы недоуменно смотрим на то, как форму и линию искажают и рушат каноны классического искусства. И пытаемся понять, за что же он так!

Но все это Пикассо делал с одной целью. Чтобы показать СУТЬ вещи или человека, а не их ИЗОБРАЖЕНИЕ.

Я попробую это объяснить на примере двух его работ.

1. Груша, 1914.

Пабло Пикассо. Композиция с разрезанной грушей. 1914. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.

На картине «Натюрморт с разрезанной грушей» мы НЕ видим изображение груши. Но мы видим кусочки холста в крапинку, и мы вспоминаем о подобной текстуре грушевой мякоти. Нежный бежевый и коричневый тоже ассоциируются с грушей. Уже не говоря о характерной дуге.

Все эти обрывки образа груши вызывают у нас не только зрительное воспоминание о груше, но и о ее вкусе, и том, какая она на ощупь.

Художник запускает в нашем мозгу цепочку ассоциаций, и вот ОН – полнокровный образ Груши.

2. Сон, 1932.

Пабло Пикассо. Сон. 1932. Частная коллекция. Ru.wikipedia.org.

Во время изматывающего брака с Ольгой Хохловой Пикассо случайно встретил юную Марию-Терезу.

Он, конечно, писал ее. Лицо в стиле кубизма – показано одновременно с двух точек зрения, и в профиль, и анфас. Это прямое указание на двойственную природу этой женщины.

Пикассо показывает нам, что чувственность и мягкость преобладали в этой женщине. Поэтому в целом образ соткан из плавных и округлых линий.

Но при этом в ней была заложена вторая сторона. Физически она была слегка мужеподобна, с узкими бёдрами и широкими плечами. И эту часть художник нам тоже показывает.

Мария-Тереза вся как бы разделена на две части. Одна часть с приоткрытой грудью, другая – как будто плоская. Одна – розового оттенка, другая – холодного бледно-желтого.

Да и фон двоякий. Слева – мужские полоски, справа – женские цветочки.

Вот такой вот Инь и Янь по-пикассовски.

Андрей Аллахвердов. Пабло Пикассо. 2020. Частное собрание (всю серию портретов художников XIX-XX веков смотрите на сайте allakhverdov.com).

Как мне кажется, у Пикассо получилось показать самую большую фигу Ее Величеству Фотографии. Ведь фотография может передать любое изображение. А вот суть вещи – едва ли. Зато это может Живопись и Пикассо.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)

«Акрабат» 1930

«Девушка, бросающая камень» 1931

«Фигуры на пляже» 1931

«Натюрморт» 1932

«Обнаженная и натюрморт» 1931

«Обнаженная на пляже» 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

«Женщина с цветком» 1932

«Сон(портрет любовницы художника Марии Терезы Валтер)» 1932

«Обнаженная в кресле» 1932

«Обнаженная в кресле» 1929

«Поцелуй» 1931

В 30-е и 40-е годы героем многих полотен Пикассо стал бык, Минотавр. Минотавр в творчестве художника — олицетворение разрушительной силы, войны и смерти.

«Минотаврия» 1935

«Палитра и голова быка» 1938

«Баранья голова» 1939

«Натюрморт с бычьим черепом» 1942

«Череп быка, фрукты, кувшин» 1939

«Три бараньи головы» 1939

Весной 1937 года маленький город Испании Герника немецкие фашисты буквально стерли с лица земли. Это событие Пикассо не мог оставить без внимания и так на свет появилась картина «Герника». Эту картину можно назвать апофеозом темы Минотавр. Размеры картины впечатляют: длина — 8 м, ширина — 3,5 м. Известен один случай, связанный с картиной

Во время обыска, который устроил гестапо офицер-нацист обратил внимание на картину и спросил Пикассо: «Это вы сделали?»  на что художник ответил «Нет. Это сделали вы!»

«Герника» 1937

Параллельно полотнам о Минотаврах, Пабло Пикассо создает серию о монстрах «Мечты и ложь генерала Франко» (1937). Эта серия выражает позицию художника во время гражданской войны в Испании, в которой он поддерживал республиканцев и выступал против политики диктатора Франко.

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

Всю Вторую мировую войну Пабло Пикассо жил во Франции, где художник в 1944 году стал членом Французской коммунистической партии. 

Пит Мондриан в Нью-Йорке

В честь Пита Мондриана назван язык программирования Piet. Дизайнер Ив Сен Лоран создал коллекцию нарядов с цитатами из его картин. Один из самых великих и узнаваемых живописцев прошлого века нашел свой стиль не сразу. Сначала, в свободное от преподавания в начальной школе время, он изображал родные просторы: поля, мельницы, реки. Постепенно в его работах начинает прослеживаться тяга к ясным цветам и четкой геометрии. Он даже издает манифесты о необходимости строгого порядка в искусстве.

Тяга к упорядочиванию была определяющей чертой характера голландского абстракциониста. Устав от непонимания и однообразия у себя на родине, Мондриан переезжает в Париж, где сознательно начинает ограничивать выразительные средства: создает полотна без малейшего намека на сюжет и пространственную глубину. Вместо композиции он расчерчивал холст сеткой, на которой закрашивал квадраты с помощью основных цветов спектра.

Нью-Йорк — источник вдохновения Пита Мондриана

После переезда в Нью-Йорк, “голландский философ с кистью в руке”, как он сам себя называл, обрел долгожданное единение со средой. Он оборудовал студию на Манхэттене, где стоило ему перевести взгляд с холста на окно, повсюду находил источники вдохновения — правильные квадраты кварталов, круги светофоров, параллельные прямые небоскребов, бесчисленные прямоугольники окон…

Мондриан передает свое восхищение городом с помощью самых правильных по его мнению выразительных средств — четких и ясных форм, прямых линий, первичных тонов. Он, восхищавшийся большими городами и организованной жизнью, почувствовал небывалый прилив творческой энергии в Нью-Йорке. Художник как никогда ощущал близость воплощения сверхзадачи, которую он поставил перед собой еще в молодости: осмысление мировой души и ее воплощение самой правильной форме.

№5 «Алжирские женщины» Пабло Пикассо, $179,4 млн

В 1954–1955 годах Пабло Пикассо написал серию из 15 картин, на которую его вдохновило знаменитое полотно 1834 года французского живописца Эжена Делакруа «Алжирские женщины в своих покоях». Все картины из серии назывались одинаково и обозначались буквами от А до О. Сейчас они хранятся в различных музеях и частных коллекциях по всему миру.

Последний вариант — «Версия O» — как и все остальные произведения искусства из нашего списка, несколько раз переходил от одного владельца к другому. В 1956 году вся серия «Алжирские женщины» была приобретена американским бизнесменом Виктором Ганцом и его женой Салли в Галерее Луизы Лерис в Париже. В 1997 году она снова была продана за 31,9 миллион долларов на аукционе «Кристис» в Нью-Йорке. Тогда ее купил британский арт-дилер Либби Хоуи для саудовского коллекционера, жившего в Лондоне и пожелавшего остаться неизвестным. Затем «Версия O» была выставлена на аукционе «Кристис» в мае 2015 года. В итоге картину купил за 179,4 миллионов долларов бывший премьер-министр Катара Хамад бен Джасим бен Джабер Аль Тани.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

«Завтрак слепого» 1903

«Суп» 1902

«Мать и дитя» 1903

«Любительница абсента» 1901

«Гладильщица» 1904

«Нищий старик с мальчиком» 1903

«Жизнь» 1903

«Две сестры (Свидание)» 1902

«Голубая комната (Ванна)» 1901

«Гурман» 1901

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Импрессионизм & модерн

Пабло Пикассо. «Гости Пьеретты». 1905., Частная коллекция. Япония.«Спящая красавица» художественного рынка, хранилась как прекрасное вино в банковском сейфе с начала 90х. Шедевр сконцентрировал в себе всю магию, таинство и меланхолию голубого и розового периодов художника.Минимальная стоимость 100-150 млн. долларов. Продана за 51,67 млн. долларов в Париже в 1989 году.

Густав Климт. «Адель Блок-Бауэр Первая». 1907, Коллекция Рональда Лаудера (Новая галерея, Нью Йорк)Это одна из пяти картин, которые были возвращены наследникам Фердинанда Блок-Бауэра. Картина была куплена косметическим магнатом Рональдом Лаудером для его коллекции в Новой галерее в Нью Йорке.Минимальная стоимость 100-150 млн. долларов. Продана за 135 млн. долларов на частных торгах в 2006 году (рекордная сумма за картину)

Пабло Пикассо. «Мечта». 1932, Коллекция Стива Винна

Эта чувственная работа – лучшая зрелая работа Пикассо, которая находится в частных руках; это портрет его любовницы Марии-Терезы Вальтер сидящей в красном кресле с закрытыми глазами. Минимальная стоимость 90-130 млн. долларов.В 1997 году продана за 48,7 млн. долларов, в 2006 году снова была продана за 139 млн. долларов, но перед продажей была повреждена, что теперь может повлиять на её стоимость.

Пабло Пикассо. «Молодой человек за трубкой». 1904, Частная коллекцияПродажа этой картины стала отправной точкой на художественных аукционах, она стала первой картиной, стоимость которой превзошла барьер в 100 млн. долларов.

Поль Сезанн. «Игроки». 1902, Коллекция Джорджа Эмбирикоса

Это последний вариант данного сюжета в частном владении.Минимальная стоимость 75-110 млн. долларов.

Винсент Ван Гог. «Портрет доктора Гаше». 1890, Частная коллекцияСегодня судьба этого шедевра неизвестна благодаря японскому покупательскому буму в конце 80-х начала 90х годов. Все ждут её возвращения на художественный мировой рынок.Минимальная стоимость 80-100 млн. долларов.

Винсент Ван Гог. «Автопортрет с перевязанным ухом». 1889, Коллекция НиаркосаПервоначально эта картина была в коллекции Лея Блока из Чикаго, затем продана семье Ниаркосов.Минимальная стоимость 80-100 млн. долларов.

Василий Кандинский. «Композиция 5». 1911, Коллекция Рональда ЛаудераОдна из великих картин в частном владении. Эта картина — квинтэссенция ранней абстракции.Минимальная стоимость 75-100 млн. долларов. В 1998 году была продана за 50 млн. долларов в частные руки.

Пьер Огюст Ренуар. «Танцы в ресторане Мулен де ла Галет». 1876 г., Частная коллекцияХотя это только лишь маленькая версия картины, которая находится в музее Орсе, многие коллекционеры, по словам критиков, «готовы на убийство владельца самой красивой картины девятнадцатого века».Минимальная стоимость 75-95 млн. долларов. В 1990 году была продана за 78,1 млн. долларов в частные руки.

Пабло Пикассо. «Портрет Доры Маар». 1941, Частная коллекция.Дора Маар (1907-1997) познакомилась с Пикассо в 1930 году, их романтические отношения длились до 1946 года. Урожденная парижанка была одной из любимейших натурщиц у Пикассо. Минимальная стоимость 75-95 млн. долларов. В 2006 году была продана в Нью Йорке за 95,2 млн. долларов.

Пабло Пикассо. «Портрет Себастьяна Жанента». 1905, Частная коллекцияВ частном владении осталось очень мало картин голубого периода Пикассо. Этот портрет – один из лучших.Минимальная стоимость 65-90 млн. долларов.

Поль Гоген. «Наездники на пляже». 1902, Коллекция НиаркосаВся картина наполнена меланхоличным настроением прощания, предсказывающая смерть самого художника через несколько месяцев. Эта работа стала живописным завещанием Гогена и красноречивой одой Полинезии.

P. S. Что эта картина значит для Рубенса?

Среди многих десятков церковных алтарей, исполненных в разные годы Рубенсом, антверпенский триптих «Снятие с креста» занимает особое место. Счита­ется, что, именно работая над этим произведением, художник оконча­тельно нащупал свой вполне сложившийся стиль, именно с него начинается по-нас­тоя­щему зрелый Рубенс. 

Примерно за два с половиной года до начала работы над «Снятием с креста» Рубенс вернулся домой из Италии, где провел плодотворные восемь лет, изучая живопись итальянского Возрождения и памятники Античности, и где уже добился известности, создав свои первые значительные произведения. При­ехавший в Антверпен по семейным обстоятельствам Рубенс первоначально планировал скоро вернуться в Рим. Но оказалось, что его искусство и талант очень востребованы на родине. Во Фландрии началось экономическое оживле­ние, связанное с перемирием после долгой войны между Северными и Южны­ми Нидерландами. Восстанавливались и заново украшались церкви и мона­стыри; заказчики готовы были выстроиться в очередь к модному, прославив­шемуся в Италии художнику. Рубенс решает остаться в Антверпене и вскоре безоговорочно завоевывает репутацию лучшего и наиболее успешного худож­ника Фландрии. 

Следующие за возвращением домой два года — 1609–1610 — это период «бури и натиска» в творчестве молодого живописца. Рубенс в эти годы работает с неуто­мимой энергией и вдохновением, создает десятки произведений, про­ник­нутых энергией самоутверждения, стремлением доказать свое безус­ловное превосходство над всеми мастерами, составлявшими местную художе­ственную среду. Его карти­ны этих лет отмечены бравурной динамикой, пре­уве­личенной экспрессией и обилием эффектных подробностей. Именно так было решено «», алтарный триптих, написанный во второй половине 1610 года для одной из антверпенских церквей и с конца XVIII века находя­щийся по сосед­ству со «Снятием с креста» в главном городском соборе. Своим экзальтиро­ванным стилем, утрированной анатомией, «бью­щими» по глазам и по нервам натуралисти­ческими деталями «Воздвиже­ние креста» произвело на сограждан ошеломительное впечатление. 

Но всего несколько месяцев спустя, приступив к работе над «Снятием с креста», Рубенс вдруг резко меняет свой стиль. Он создает картину, в которой главным становится стремление к композиционной сбалансированности, гармониче­ской ясности общего впечатления и благородной сдержанности. Не снижая драматического пафоса повествования, нимало не утратив своей способности эмоционально захватывать и потрясать зрителя, Рубенс теперь уделяет гораздо больше внимания индивидуаль­ной характеристике образов, наполняет свои картины множеством тонких психологических нюансов, делает акцент на чело­веческом содержании изображаемых им сюжетов. Вместе с тем реалистическая убедительность рассказа всегда сочетается у него с возвышенным идеализмом общей концепции, умением зримо воплотить глубинный религиозный и фило­софский смысл происходящего.

Как читать скрытые смыслы и подтексты в живописи. Из цикла «Искусство видеть» Лекция Алексея Ларионова в рамках совместного проекта Европейского университета в Санкт-Петербурге, Государственного Эрмитажа и «Арзамаса».

«Снятие с креста» открывает тот период творчества художника, охватывающий середину и вторую половину 1610-х годов, который исследователи его искус­ства условно называют «классическим». Именно с момента создания этого шедевра можно говорить об эпохе подлинного расцвета гения Рубенса, когда великий мастер обрел счастливую и непоколе­бимую уверенность в себе и дос­тиг абсолютной свободы художественного языка.

микрорубрики
Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Голос дня

Наркомпрос Луначарский оплакивает Розу ЛюксембургМозаика дня

Кентавр из виллы АдрианаХайку дня

Басё о весне

Архив

Топ-50 самых дорогих картин в мире

Рейтинг самых дорогих картин мира – регулярно обновляемый список произведений искусства, не принадлежащих государственным музеям и проданных на художественных аукционах в ХХ и ХХI веках.

50. Густав Климт, «Березовый лес» (1903) Картина продана за $40,336 млн. в 2006 году

49. Винсент ван Гог, «Подсолнухи»(1888) Картина продана за $40,5 млн. в 1987 году

48. Пабло Пикассо, «В Лапин Агиль» (1904) Картина продана за $40,7 млн. в 1989 году

47. Пабло Пикассо, «Чтение» (1932) Картина продана за $40,7 млн. в 2011 году

46. Клод Моне, «Железнодорожный мост в Аржантее» (1873) Картина продана за $41,5 млн. в 2008 году

45. Фрэнсис Бэкон, «Автопортрет» (1978) Картина продана за $43 млн. в 2007 году

44. Густав Климт, «Церковь в Кассоне»(1913) Картина продана за $43,208 млн. в 2010 году

43. Энди Уорхол, «200 долларовых банкнот»(1962) Картина продана за $43,8 млн. в 2009 году

42. Пабло Пикассо, «Обнаженная в черном кресле» (1932) Картина продана за $45,103 млн. в 1999 году

41. Анри Матисс, «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» (1911) Картина продана за $46,4 млн. в 2009 году

40. Фрэнсис Бэкон, «Вторая версия Боя быков. Номер 1» (1969) Картина продана за $45,96 млн. в 2007 году

39. Винсент ван Гог, «Крестьянка в соломенной шляпе» (1890) Картина продана за $47,5 млн. в 1997 году

38. Уильям Тернер, «Современный Рим — Кампо Ваччино» (1939) Картина продана за $47,55 млн. в 2010 году

37. Рафаэль Санти, «Голова музы» Рисунок продан за $47,6 млн. в 2009 году

36. Пабло Пикассо, «Автопортрет» (1901) Картина продана за $47,8 млн. в 1989 году

35. Пабло Пикассо, «Сон» (1932) Картина продана за $48,403 млн. в 1997 году

34. Пабло Пикассо, «Женщина, сидящая в саду» (1938) Картина продана за $49,503 млн. в 1999 году

33. Марк Ротко, «Номер 15» (1952) Картина продана за $50,4 млн. в 2009 году

32. Пабло Пикассо, «Портрет Анхеля де Сото» (1903) Картина продана за $51,586 млн. в 2010 году

31. Пабло Пикассо, «Свадьба Пьеретты» (1905) Картина продана за $51,670 млн. в 1989 году

30. Фрэнсис Бэкон, «Этюд к портрету Иннокентия Х» (1965) Картина продана за $52,7 млн. в 2007 году

29. Винсент ван Гог, «Ирисы» (1889) Картина продана за $53,9 млн. в 1987 году

28. Поль Гоген, «Купальщицы» (1902) Картина продана за $55 млн. в 2005 году

27. Пабло Пикассо, «Женщина со скрещёнными руками» (1901-1902) Картина продана за $55,006 млн. в 2000 году

26. Винсент ван Гог, «Пшеничное поле с кипарисами» (1889) Картина продана за $57 млн. в 1993 году

25. Казимир Малевич, «Супрематическая композиция» (1916) Картина продана за $60 млн. в 2008 году

24. Поль Сезанн, «Натюрморт с кувшином и драпировкой» (1893-1894) Картина продана за $60,503 млн. в 1998 году

23. Энди Уорхол, «Мужчины в ее жизни» (1962) Картина продана за $63,4 млн. в 2010 году

22. Виллем де Кунинг, «Полицейская газета» (1955) Картина продана за $63,5 млн. в 2006 году

21. Томас Икинс, «Клиника Гросса» (1875) Картина продана за $68 млн. в 2007 году

20. Амедео Модильяни, «Сидящая обнаженная на диване» (1917) Картина продана за $68,962 млн. в 2010 году

19. Тициан, «Диана и Актеон» (1556-1559) Картина продана за $70,6 млн. в 2009 году

18. Винсент ван Гог, «Портрет художника без бороды» (1889) Картина продана за $71,501 млн. в 1998 году

17. Энди Уорхол, «Авария зеленой машины» (1963) Картина продана за $71,72 млн. в 2007 году

16. Марк Ротко, «Белый центр» (1950) Картина продана за $72,8 млн. в 2007 году

15. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1609-1611) Картина продана за $75,930 млн. в 2002 году

14. Пьер Огюст Ренуар, «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876) Картина продана за $78,1 млн. в 2002 году

13. Энди Уорхол, «Бирюзовая Мэрилин» (1964) Картина продана за $80 млн. в 2007 году

12. Джаспер Джонс, «Фальстарт» (1959) Картина продана за $80 млн. в 2006 году

11. Клод Моне, «Пруд с кувшинками» (1919) Картина продана за $80,5 млн. в 2008 году

10. Винсент ван Гог, «Портрет доктора Гаше» (1890) Картина продана за $82,5 млн. в 1990 году

9. Фрэнсис Бэкон, «Триптих» (1974-1977) Картина продана за $86,2 млн. в 2008 году

8. Густав Климт, «Портрет Адели Блох-Бауэр II» (1912) Картина продана за $87,936 млн. в 2006 году

7. Пабло Пикассо, «Портрет Доры Маар» (1941) Картина продана за $95,216 млн. в 2006 году

6. Энди Уорхол, «Восемь Элвисов» (1963) Картина продана за $100 млн. в 2008 году

5. Пабло Пикассо, «Мальчик с трубкой» (1905) Картина продана за $104,168 млн. в 2004 году

4. Пабло Пикассо, «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев» (1932) Картина продана за $106,482 млн. в 2010 году

3. Густав Климт, «Портрет Адели Блох Бауер» (1907) Картина продана за $135 млн. в 2006 году

2. Виллем де Кунинг, «Женщина III» (1953) Картина продана за $137,5 млн. в 2006 году

1. Джексон Поллок, «Номер 5» (1948) Картина продана за $140 млн. в 2006 году

Высокое Возрождение: «Мадонна с младенцем в нише», Тициан Вечеллио, ок.1515-1520 гг

Высокое Возрождение — короткий период в эпохе Ренессанса, начавшийся приблизительно на рубеже XV-XVI вв. и завершившийся в 20-х гг. XVI в., связанный с лучшей порой итальянского творчества

Тогда тенденции Ренессанса, такие как подражание античности и внимание к человеку, достигли апогея. Значимое положение, среди самых известных представителей живописи того времени, занимает Тициан Вечеллио

В ГМИИ находится картина, автором которой принято считать Тициана, что вызывает сомнения у некоторых ученых. Тем не менее, независимо от того, кто ее создал, в ней воспроизводятся основные особенности итальянского Ренессанса.