Примитивизм. примитив. (лат. primitivus — первый, самый ранний) — в первоначальном смысле — произведение ранней стадии развития искусства. в настоящее. — презентация

Содержание метамодернизма

При всей самоочевидности происходящего масштабы событий слишком велики, чтобы просто равнодушно взирать на них, не пытаясь реагировать и думать о том, что же ждет нас дальше. Искусство всегда стремится заглянуть чуть за горизонт прошлого, настоящего и будущего, сделать окружающий мир чуть красивее или, наоборот, подчеркнуть его несовершенство, достичь гармонии или показать неизбежность отсутствия оной.

Английский художник Люк Тернер взял на себя труд раскрыть содержание метамодернизма в своем труде Metamodernism: A Brief Introduction («Метамодернизм: краткое введение») . Тернер, в целом, согласен с определением причин, спровоцировавших отход от традиций постмодернизма, которые выделили Аккер и Вермюлен. И считает более важным сосредоточиться на структурных элементах метамодернизма.

Естественно, для этого нужно, прежде всего, вспомнить основные составляющие постмодернизма, к которым Тернер относит отказ от стереотипов, релятивизм и нигилизм. Постмодернизм зародился как противовес модернизму, но ведь и модернизм возник как отрицание устоев прошлой эпохи. В этом смысле метамодернизм вобрал в себя и традиции модернизма, и традиции постмодернизма, при этом не возвращаясь в полной мере ни к тем, ни к другим.

Люк Тернер обращает внимание читателей на значение приставки «мета», употребляемой в случаях, когда что-то нуждается в обобщении, абстракции, определении перехода к чему-то новому. И тогда становится ясным истинное содержание метамодернизма как обобщения модернизма и постмодернизма [L

Turner, 2015]. Это все мы в полной мере можем увидеть в его работах как художника. Достаточно посмотреть на его работу «Рождение Венеры», чтобы понять, насколько далеко он ушел в своем творчестве, как от модернизма, так и от постмодернизма:

К слову, именно Люк Тернер является автором «Манифеста метамодерниста» (Metamodernist // Manifesto), где он попытался в 8 пунктах объяснить всю суть метамодернизма .

1. Колебания – это естественное состояние.
2. Следует освободиться от идейной наивности модернизма.
3. Движение вперед – это колебания между противоположными идеями.
4. Любое движение имеет свои естественные ограничения, которые следует признать. Незавершенность системы предопределяет необходимость приверженности ей, но скорее ради процесса, чем ради результата. Знание обогатится, если взяться за задачу так, будто ее можно решить.
5. Мир стремится к энтропии, поэтому художественное творчество возможно лишь с учетом данного обстоятельства.
6. Современные технологии позволяют увидеть события с множества позиций, что позволяет быть футуристом и ностальгировать по прошлому одновременно.
7. Наука стремится к элегантности, творчество стремится к знанию, все вместе мы стремимся к истине.
8. Метамодернизм – это переменчивое состояние между иронией и искренностью, наивностью и знанием, релятивизмом и правдой, оптимизмом и сомнением.

Как же все эти идеи метамодернизма отразились в искусстве? Давайте посмотрим!

КАРТИНЫ ЛЕТА И ОСЕНИ БАБУШКИ МОЗЕС (1860 — 1961)

4150

113

17

00:04:40

07.12.2014

Бабушка Мозес Имя при рождении: Анна Мэри Мозес Дата рождения: 7 сентября 1860 Дата смерти: 13 декабря 1961 (101 год) Гражданство: США Стиль: примитивизм Работы этого автора несвободны
В Obook.ru энциклопедии есть статьи о других людях с такой фамилией, см. Мозес. Ба́бушка Мо́зес (англ. Grandma Moses, настоящее имя Анна Мэри Мозес, урождённая Робертсон, англ. Anna Mary Moses, b. Robertson; 7 сентября 1860 — 13 декабря 1961) — американская художница-любительница, одна из главных представителей американского живописного примитивизма. Кракое описание жизни: Любила рисовать с раннего детства, однако бо́льшую часть жизни провела на ферме в штате Нью-Йорк, будучи женой фермера. Стала матерью пятерых детей. В зрелые годы занималась вышивкой, однако ближе к 70-летнему возрасту это стало для неё затруднительно из-за артрита. После смерти мужа в 1927 года Анна Мозес снова стала рисовать. В 1938 года нью-йоркский коллекционер заметил рисунок Анны Мозес, выставленный в окне аптеки в городке Хузик-Фоллс (англ. Hoosick Falls), где она жила

В течение года рисунки Мозес начали появляться в нью-йоркской галерее Сент-Этьен и привлекли к себе широкое внимание коллекционеров и любителей живописи. В течение 1940-х годов выставки Мозес прошли во многих европейских странах и в Японии

В 1941 году она получила государственную премию штата Нью-Йорк, в 1949 году президент США Гарри Трумэн лично вручил ей премию Национального Американского женского пресс-клуба. В 1952 году была издана её автобиография. В 1960 году, к столетию Бабушки Мозес, её фотография, сделанная известным фоторепортёром Корнеллом Капой, была помещена на обложке журнала «Лайф». Живопись Бабушки Мозес изображает сельские пейзажи и бытовые сценки, часто они многофигурны и напоминают детские рисунки. Бабушка Мозес предпочитала зимние виды, летние писала реже. Один из летних пейзажей Мозес, «Старый пёстрый дом, 1862» (работа 1942 года), приобретённый у автора после создания за 110 долларов США, был продан в 2004 году на аукционе в Мемфисе за 60 000 долларов..

Примитивизм в творчестве художника Александра Сулимова

561

16

1

00:03:51

15.05.2019

Примитивизм в творчестве художника Александра Сулимова
Александр Сулимов родился в Кургане в 1963 г. в семье художника. Рисованием и живописью начал заниматься с 1979 г. В 1987 г. окончил училище по специальности художник-декоратор. Постоянный участник областных и городских выставок в Кургане. Работал художником-оформителем на предприятии и в Курганском Кукольном театре. С 1994 года — «свободный художник». В 2002 году переехал в Самарскую область в г.Жигулёвск. Член Творческого союза художников России. Работы Александра Сулимова экспонировались на областных и городских выставках в Кургане, в Жигулёвске, в Тольятти, участник Московской международной художественной выставки «Арт салон» в ЦДХ и др. Работы художника представлены в галереях России и США, а также находятся в частных коллекциях Германии, Франции, Австралии, Америки, Китая и России.

Композиция «Thingamajig» принадлежит исполнителю Audionautix. Лицензия: Creative Commons Attribution (🤍
Исполнитель: 🤍

Михай Даскалу

Жизненные, бесхитростные и очень сочные сюжеты – вот основные черты в творчестве румынского наивного художника Михая Даскалу. Главными героями его картин являются люди. Здесь они пляшут, поют, играют в карты, собирают грибы, ссорятся и влюбляются… В общем, живут полноценной мирской жизнью. Через свои полотна этот художник будто бы пытается донести нам одну-единственную мысль: вся красота – в самой жизни.

Особым символизмом в работах Михая Даскалу наделены деревья. Они присутствуют почти на всех его картинах. То в виде основных сюжетных фигур, то в качестве фона. Дерево в творчестве Даскалу, собственно, и символизирует собой человеческую жизнь.

Важность религиозной живописи

Религиозная живопись становится местом пересечения, встречи и конденсации самых разных ментальных инстанций, сознательных и бессознательных. Неверие трудно мыслить, и существование Бога с его следствием, верой , — это «ментальные места», где сходятся все мысли. Религиозная живопись представляет теологические и телеологические концепции, которые организуют мысли о мире и человеческих судьбах, но также демонстрирует преданность, благодаря которой между верующим и Откровением устанавливаются более эмоциональные отношения . Религиозный образ должен подтверждать временную истину Церкви и Орденов . Религиозное искусство — это также область, в которой интимная жизнь христианина естественным образом находит свое место.

Характерные черты примитивизма

То, что картина написана в стиле примитивизма, легко угадывается по ряду отличительных признаков:

1. отсутствие перспективы (все изображенное на переднем и заднем планах имеет однинаковые размеры);
2. уделение особого внимания проработке каждой, даже второстепенной детали;
3. изображение предметов плоскими, лишенными объема;
4. отказ от нанесения теней, отсутствие «игры света»;
5. преднамеренное искажение пропорций тел людей и животных;
6. одновременное присутствие на полотне реальных и фантастических объектов.

Несмотря на все перечисленное, профессиональные примитивисты всегда тщательно прорабатывают композицию, поэтому их полотна сразу можно отличить от дилетантских работ.

Roomple | ИЗО №4. Авангард, часть первая. Примитивизм

5086

64

4

00:07:20

08.05.2015

Выживший вопреки

Представляем первую серию проекта «ИЗО», посвященную русскому авангарду — уникальному явлению, благодаря которому об искусстве России заговорил весь мир! Увы, на Родине его судьба сложилась трагически: во времена «царствования» соцреализма авангард был запрещён, а картины в музеях подлежали списанию. Сегодня мы можем видеть то, что сотрудники музеев спрятали и сохранили вопреки предписаниям партии.
#Roomple #ИЗО #музейИЗО #ЕМИИ #Бренд #Живопись #Примитивизм #Екатеринбург #Ekb

Все выпуски здесь kultur-pro.ru/programs/izo

Абстракционизм (лат. abstractio — отвлечение)

Этот стиль подразумевает отвлечение от фигуративной или предметной живописи, поэтому его еще называют беспредметным искусством. Это означает, что абстракционисты не рисуют людей, предметы или природу, поэтому в их картинах часто нет сюжета, а сами работы просто нумеруются, чтобы отличать одну из них от другой. Но и среди таких работ бывают чистые абстракции (полное отсутствие предмета и сюжета) и так называемые предметные абстракции (сюжет все же просматривается сквозь нагромождение непривычных взгляду фигур, линий или точек).

Абстракционисты пошли вразрез с традициями классической школы, сделавшей основной упор на изображении предметов строго по определенным канонам. Они отказались от сходства предмета и изображения в пользу экспериментов с формами и цветами.

Выдающимися деятелями этого стиля считаются В. Кандинский, К. Малевич, М. Ларионов, Н. Гончарова и некоторые другие. Одни из них придумывали свои направления и идеи, а других их развивали. Так, у истоков абстракционизма стоял В. Кандинский, осознавший, что цвета и формы можно изображать без привязки к предмету. К. Малевич придумал отдельное направление супрематизм, которое в дальнейшем подхватили его коллеги (А. Экстер, Л. Попова, И. Чашник и др.). М. Ларионов и Н. Гончарова развивали идеи придуманных Ларионовым лучизма и всёчества, С. Поляков работал с контрастными геометрическими цветовыми пятнами.

Краткая история направления

Примитивизм выделился в особый стиль живописи только к концу XIX в. Корни же его следует искать в древнейших культурах. Черты примитивизма ясно просматриваются в наскальных изображениях, оставленных первобытными людьми, а также артефактах, найденных на территории Африки и Океании.

К примитивной живописи можно причислить и рисунки детей, а также многие работы средневековых художников и современных самоучек из народа.

Толчком к развитию примитивизма послужило отрицание многими профессиональными художниками конца девятнадцатого столетия буржуазной культуры. Одно за другим начали появляться революционные направления, такие как фовизм, экспрессионизм, кубизм, дадаизм, пуантилизм.

Примитивизм был принят искусствоведами далеко не сразу. Многие картины талантливых художников-примитивистов получили широкое признание лишь по прошествии десятилетий.

В течение всего прошлого века наблюдалось то возрастание, то снижение интереса к этому направлению в изобразительном искусстве. Современные художники также иногда используют выразительные приемы примитивизма при создании своих полотен.

Ради Неделчев

Ключевым объектом в творчестве болгарского художника Ради Неделчева является дорога. То ли это обычная сельская грунтовка, поросшая спорышом, то ли каменная мостовая старинного города, то ли едва заметная тропинка, по которой уходят в снежную даль охотники.

Ради Неделчев – общепризнанный мастер в мире наивного искусства. Его полотна широко известны далеко за пределами скромной Болгарии. Неделчев учился в школе живописи в городе Русе, а затем отправился за европейским признанием в Швейцарию, где провел свою персональную выставку. Ради Неделчев стал первым болгарским художником, картины которого попали в Парижский музей примитивного искусства. Работы автора побывали в десятках крупных городов Европы и мира.

Наталия Гончарова. Триптих «Спас» (1910–1911)

1 / 3

Наталия Гончарова. Триптих «Спас». 1910–1911 годыm-chagall.ru / Государственная Третьяковская галерея

2 / 3

Неизвестный иконописец. Благовещение Устюжское. 1130–40-е годыWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

3 / 3

Наталия Гончарова. Декорации к балету «Литургия». 1915 годThe Metropolitan Museum of Art

Визуальные и стилистические заимствования из русской иконописи можно встретить и в ранних работах Владимира Татлина или Казимира Малевича, однако именно Наталия Гончарова с головой погружается в религиозную жи­вопись, заимствуя из нее тяжелые контурные линии и геометричность си­луэ­тов. За смелые эксперименты с церковной тематикой художница ре­гу­ляр­но подвергается критике: ее работы запрещают к показу, а визиты по­лиции сопро­вождаются конфискацией картин прямо с экспозиций (к примеру с вы­став­ки «Ослиный хвост» в 1912 году было снято восемь ее картин на религиозные темы).

Гончарова со своей религиозной живописью раздражала церковь по многим причинам, но в первую очередь унизительным было упо­доб­ление иконописи лубку, который ассоциировался с пародией и карикатур­но­стью. Тем не менее интерес Гончаровой к православной иконописи вовсе не был поверхностным: ее работы демонстрируют превосходное знание религиозных сюжетов, а визу­альные характеристики полотен имитируют стиль разных иконописных школ средневековой Руси. 

послушайте наш подкаст «Зачем я это увидел»

 
Почему Гончарова — великая художница?
Кто круче как художник: Гончарова или ее муж Ларионов? И почему футуризм — страшно веселое занятие?

Знакомьтесь: «наив»

Итак, что же принято называть наивным искусством? В живописи этим термином обозначают особый художественный стиль, творчество народных мастеров и самоучек, сохраняющее детскую свежесть и непосредственность в видении окружающего мира. Такое определение дает Энциклопедия искусств. Впрочем, оно также присутствует в скульптуре, архитектуре, графике.

Вам будет интересно:Картина «Дама в шляпе», или искусство во всех его проявлениях

Наивное искусство (или «наив», как его еще нередко именуют) – направление не такое уж и новое. Еще в XVII веке в Европе непрофессиональные художники создавали свои «примитивные» шедевры. Однако всерьез эти картины никто не рассматривал. В самостоятельный художественный стиль наивное искусство выделилось лишь к началу ХХ века.

Корни «наива» принято искать в иконописи. Вы наверняка видели такие иконы в каком-нибудь сельском провинциальном храме: они непропорциональны, примитивны, невзрачны, однако невероятно душевны. Черты наивного искусства можно отыскать и в так называемых фигурах – скульптурных изображениях на религиозную тематику. Такие изваяния принято устанавливать возле католических костелов и церквей (см. фото).

Вам будет интересно:Эклектика архитектура: характерные черты, особенности и примеры

Наивное искусство и примитивизм – это одно и то же? На этот счет у искусствоведов существует три разных мнения:

Да, это тождественные понятия.
Наивное искусство – одно из направлений примитивизма.
Это разные понятия. Если «наив» – творчество непрофессионалов и любителей, то примитивизм является упрощенным, стилизованным творчеством профессиональных мастеров.

Антиколониальный примитивизм

Хотя примитивизм в искусстве обычно считается западным феноменом, структуру примитивистского идеализма можно найти в творчестве незападных и особенно антиколониальных художников. Желание восстановить воображаемое и идеализированное прошлое, в котором люди были единомышленниками с природой, здесь связано с критикой воздействия западной современности на колонизированные общества. Эти художники часто критикуют западные стереотипы о «примитивных» колонизированных народах, в то же время, когда они стремятся восстановить доколониальный образ жизни. Антиколониализм сливается с обратной телеологией примитивизма для создания искусства, отличного от примитивизма западных художников, который обычно скорее укрепляет, чем критикует колониальные стереотипы.

Работы художников, связанных с Негритюд движение, в частности, демонстрирует эту тенденцию. Негритюд было движением неоафриканского идеализма и политической агитации, которое было начато франкоязычными интеллектуалами и художниками по обе стороны Атлантики в 1930-х годах и которое распространилось по Африке и африканской диаспоре в последующие годы. Они сознательно идеализировали доколониальную Африку, что принимало множество форм. Обычно это заключалось в отказе от чрезмерного европейского рационализма и связанных с ним разрушительных последствий колониализма, в то время как доколониальные африканские общества постулировали как имеющие более общинную и органическую основу. Работа кубинского художника Вифредо Лам особенно выделяется среди визуальных художников негритянства. Лам познакомился с Пабло Пикассо и европейскими сюрреалистами, когда жил в Париже в 1930-х годах. Вернувшись на Кубу в 1941 году, Лам набрался смелости и создал образы, в которых люди, животные и природа сочетаются в пышных и динамичных картинах. В своей культовой работе 1943 года ДжунглиХарактерный полиморфизм Лам воссоздает фантастическую сцену джунглей с африканскими мотивами между стеблями тростника. В нем ярко показано, каким образом неоафриканский идеализм негритянства связан с историей плантационного рабства, центром которого было производство сахара.

Михаил Ларионов. «Офицерский парик­махер» (1909)

1 / 2

Михаил Ларионов. Офицерский парикмахер. 1909 годartsait.ru / Из бывшего собрания А. К. Томилиной-Ларионовой

2 / 2

Лубок «Раскольник и цирюльник». 1770-е годыcursorusso.com.br

В манифесте Александра Шевченко «Неопримитивизм» объяснялось, что Восток для неопримитивистов — это не только японцы и персы, но и татары, и Сибирь, и Кавказ, и Византия. Такой расширенный Восток был для них и родиной примитивов, и ко­лы­бе­лью человеческой цивилизации, и источ­ником всех искусств, и частью Рос­сии одновременно. Важным источником вдохновения стало для них народное и де­ко­ративно-прикладное искусство российской провинции — лубочная гравюра, магазинные вывески, роспись по дереву и текстилю. Лу­боч­ную живопись манифест называл «духовно родственной» индо-персидской.

Картины Михаила Ларионова, написанные в его неопримитивистский период, изображают наивные по стилю и содержанию сцены из повседневной жизни русского на­ро­да. Художник с детства интере­со­вал­ся лубочными гравюрами и магазинными вывесками, а в 1913 году вместе с На­талией Гончаровой организовал выставку лубков и иконописных под­лин­ников в салоне на Боль­шой Дмитровке в Москве. Работа «Офицерский парикмахер» — наглядная иллюстрация визуальных заимствований Ларионова: искаженная перспектива, намеренная плоскость фигур и наивные жесты явно подсмотрены в лубочной традиции.

Не исключение и сам сюжет картины, который можно сравнить с гравюрой конца XVIII века «Раскольник и цирюльник». Лубок всегда отображал насущ­ные проблемы своей эпохи. Так, цирюльник на гравюре XVIII века не кто иной, как первый российский император Петр, занесший гигантские ножницы над бородой старовера-раскольника с твердым намерением эту бороду отстричь. Схожий жест парикмахера присут­ству­ет и у Ларионова. Художник добавил гротеска, развернув цирюль­ни­ка лицом к зрителю, — прием, вероятно позаимствованный из город­ских вывесок.

Лубочные и простонародные изображения стали идеальным оружием в борьбе с академизмом. Искаженные пропорции, яркие краски, наивные сюжеты, грам­матические ошибки в подписях и прочие прелести искусства низов, ко­то­рые так презирала Академия художеств и которые так полюбили авангардисты, открыли художникам простор для дальнейшего развития.

Поль Гоген

Поль Гоген. Дух мертвых наблюдающих, 1892. Холст, масло. Художественная галерея Олбрайт Нокс

Художник Поль Гоген стремился сбежать из Европы цивилизация и технологии, поселившись во французской колонии Таити и принял сдержанный образ жизни, который, по его мнению, был более естественным, чем это было возможно в Европе.

Поиск первобытного Гогена явно был стремлением к сексуальной свободе, и это отражено в таких картинах, как Дух мертвых бодрствует (1892), Парау на те Варуа Ино (1892), Анна Яванская (1893), Те Тамари Но Атуа (1896), и Жестокие сказки (1902) и др. Взгляд Гогена на Таити как на земную Аркадия свободной любви, мягкого климата и обнаженных нимф очень похожа, если не идентична, на классическую пастораль академического искусства, которое на протяжении тысячелетий формировало западное восприятие сельской жизни. Одна из его таитянских картин называется «Таитянская пастораль», а другая »Откуда мы пришли «. Таким образом, Гоген расширил академическую пастырскую традицию школ изящных искусств, которые до сих пор основывались исключительно на идеализированных европейских фигурах, скопированных с древнегреческой скульптуры, на неевропейские модели.

Гоген также считал, что прославляет таитянское общество и защищает таитян от европейского колониализма. Феминистка постколониальный критики, однако, осуждают тот факт, что Гоген завел любовниц-подростков, одной из которых было всего тринадцать лет. Они напоминают нам, что, как и многие европейские мужчины своего времени и позже, Гоген видел свободу, особенно сексуальную свободу, строго с точки зрения мужчины-колонизатора. Используя Гогена как пример того, что «неправильно» с примитивизмом, эти критики делают вывод, что, по их мнению, элементы примитивизма включают «плотное переплетение расовых и сексуальных фантазий и власти как колониальной, так и патриархальной». Этим критикам примитивизм, такой как у Гогена, демонстрирует фантазии о расовых и половых различиях в «попытке эссенциализировать понятия примитивности» с помощью »Инаковость». Таким образом, они утверждают, примитивизм становится процессом, аналогичным Экзотика и Ориентализм, как критикуется Эдвард Саид, в котором европейские империализм а монолитные и унизительные взгляды «Запада» на «Восток» определили колонизированные народы и их культуры.

10 знаменитых художников

Картины, написанные в стиле примитивизма, можно увидеть в творчестве живописцев, получивших академическое образование. Но художники, оказавшие наибольшее влияние на его развитие, были самоучками.

Анри Руссо

Творчеством этого живописца восторгался Пабло Пикассо и импрессионисты. Благодаря работам Анри Руссо примитивизм получил признание как самостоятельное направление.

Он был художником-самоучкой, начавший свою карьеру с копирования картин известных мастеров. Рисунки Анри Руссо наполнены цветом, увлекают зрителя в мир пленительных фантазий.

Нико Пиросмани

Грузинский примитивист, выдающийся художник своего времени. Его картины отличаются чистотой восприятия, пронзительностью и естественными сюжетами. Излюбленная тема его картин — грузинские застолья и анималистика.

О жизни Нико Пиросмани почти ничего неизвестно. Многие факты из его биографии не подтверждены документально, либо рассказаны им самим.

Бабушка Мозес

Американская художница, одна из выдающихся представителей современного примитивизма. Ее настоящее имя — Анна Мария, но свой псевдоним получила, потому что известность приобрела в 78 лет.

Бабушка Мозес рисовала с детства, но посвятила себя семье. Анне Марии нравилось изображать пейзажи и сценки на бытовые сюжеты.

Мария Примаченко

Украинская художница, яркая представительница «наивного искусства». Ее самобытные оригинальные картины вызывали восхищение у Марка Шагала и Пабло Пикассо.

Творчество Марии Примаченко называют феноменом. Всего за год ей удалось создать свой уникальный, узнаваемый стиль.

Позже его будут называть «народным примитивом». Предпочитала писать гуашью, а на оборотной стороне картин писала тексты, раскрывающие художественный замысел.

Камиль Бомбуа

Французский художник-самоучка, писавший в разных жанрах — пейзажи, портреты, натюрморт. Но наибольшую известность ему принесли картинки на тему цирка. В своих работах Бомбуа старался передать накопленный опыт.

Его стиль сравнивают с творчеством Анри Руссо. Но картины Камиля Бомбуа отличает четкое разделение форм и внимательное отношение к деталям. Французский художник предпочитает изображать повседневные сюжеты.

Екатерина Билокур

Украинская художница-самоучка, известная представительница «наивного» искусства. Екатерина Билокур получила признание самого Пикассо. Во всех работах можно увидеть фольклорные черты и влияние народного творчества.

Екатерина Васильевна любила рисовать цветы, потому что для нее они были олицетворением счастья и красоты. Иногда художница писала портреты и пейзажи. Но, по ее признанию, они получались хуже. Картины Билокур наполнены искренностью, теплом и уютом.

Михаил Ларионов

Один из самых неординарных и спорных художников того времени, работы которого называют инфантильным примитивизмом. Начинал свой путь живописца как импрессионист. Потом его увлекло народное творчество, а затем он создал новое направление — лучизм.

Он стал основателем нескольких скандальных выставок — «Бубновый валет», «Ослиный хвост». На примитивизм Ларионова большое влияние оказало народное творчество.

Наталья Гончарова

Ее работы легко спутать с рисунками народных мастеров. Наталью Гончарову называют первой русской женщиной-авангардисткой. Она находила вдохновение во всем — импрессионизме, лубочном искусстве, футуризме.

Первым художественный гений Гончаровой разглядел Ларионов

Яркие, смелые, новаторские работы этой смелой женщины привлекали внимание многих выдающихся деятелей искусства XX века

Иван Генералич

Выдающийся представитель «наивного» искусства, основавший Хлебинскую школу живописи. Героями его картин были простые люди, занимавшиеся повседневными делами.

Главные особенности стиля Генералича — неприхотливость в изображении любого сюжета, что сделало работы хорватского художника узнаваемыми во всем мире.

Никифор Крыницкий

Картины польского самоучки ставят в один ряд с полотнами известных представителей «примитивного» искусства. Никифор Крыницкий занимался совершенствованием своего мастерства. В его ранних работах можно увидеть, как он пытался овладеть линейной перспективой, осью симметрии.

Написал множество рисунков — искусствоведы насчитывают их до 40 000, что позволяет назвать Крыницкого одним из крупнейших художников-примитивистов.

Фов и Пабло Пикассо

Les Demoiselles d’Avignon. Две фигуры справа — это начало Пикассо Африканский период.

В 1905–06 годах небольшая группа художников начала изучать искусство из К югу от Сахары и Океания, отчасти из-за убедительных работ Поль Гоген которые становились все более заметными в Париже. Мощные посмертные ретроспективные выставки Гогена в Осенний салон в Париже в 1903 году и еще большее в 1906 году оказали сильное влияние. Художники, включая Морис де Вламинк, Андре Дерен, Анри Матисс и Пабло Пикассо становились все более заинтригованными и вдохновленными избранными объектами, с которыми они сталкивались.

Пабло Пикассо, в частности, исследовали Иберийская скульптура, Африканская скульптура, Африканские традиционные маски, и другие исторические произведения, в том числе Картины маньеризма из Эль Греко, в результате чего его шедевр Les Demoiselles D’Avignon и, наконец, изобретение Кубизм.

Обобщающий термин «примитивизм» имеет тенденцию скрывать явный вклад в современное искусство этих различных визуальных традиций.

Ар-брют

Ар-брют — важная отрасль примитивизма. Синонимом определения является термин «искусство аутсайдеров.» Произведения данной отрасли представляют собой мир душевнобольных или фриков, которые когда-то отошли от общества и погрузились в особенную реальность

Важной чертой ар-брюта считается полное отсутствие четких границ между фантазиями художника и реальной жизнью. Обилие мелких деталей наталкивает на мысль о бездумности жизни и напрасной спешке современного мира — это один из самых распространенных авторских посылов ар-брюта

Мнение о том, что за наивностью образов не скрывается никакая идея, ошибочно. Примитивизм в насыщают не антуражем, но внутренним состоянием души. Его можно заметить только после внимательного рассмотрения и разбора изображенных деталей — беглый просмотр здесь неуместен.