СМЕНА СТИЛЯ
После переезда в Париж в марте 1886 года стиль Ван Гога начинает стремительно меняться. В это время брат художника, Тео, был увлечен живописью импрессионистов, и после знакомства с их работами Винсент сам начал иначе использовать цвета и свет в своих картинах.
Некоторое время он увлекался также пуантилизмом, стилем, выработанным Жоржем Сёра и его последователями. Суть их творческого метода состояла в нанесении на холст отдельных мелких точек чистого цвета. Если рассматривать такую картину на расстоянии, эти точки смешиваются, при этом цветовое ощущение оказывается совершенно иным, чем если бы краски были смешаны на самом холсте.
Ван Гог быстро овладел импрессионистской техникой письма, но он всё же тяготел к выдавленным на холст непосредственно из тюбика чистым краскам.
Однако, вместо того чтобы использовать точки, Ван Гог вырабатывает свою собственную манеру накладывать краску на холст густыми ритмичными мазками.
Натюрморты
Натюрморты, которые писал Ван Гог, удивительны по тому чувству, которое художник умел передать в самых простых предметах, например изображая обычный стул — «Стул Винсента с трубкой», 1888 года. В символических звучаниях некоторых предметов нет ничего нового: цветы на натюрморте на протяжении столетий должны были олицетворять кратковременность человеческой жизни, поскольку даже самые красивые творения природы неизбежно обречены на умирание. Однако натюрморты Ван Гога отличаются тем, что с помощью цвета и мазка художник оказался способен передать не только внешние формы предметов, но и наполнить содержание картины эмоциональным смыслом. Некоторые его образы выражают одиночество, однако цветы Ван Гога всегда остаются ярким воплощением жизненной силы и энергии — «Натюрморт с чертополохом», 1980 года и «Четыре увядших подсолнуха», 1887 года. Картина 1888 года, на которой изображена спальня художника, решена им как любовно выписанный натюрморт, и сам Ван Гог писал, что хотел передать на ней «ощущение покоя и отдыха».
Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)
«Человек у камина» 1916
«Человек в цилиндре» 1914
«Бокал и игральные карты» 1912
«Гитара» 1912
«Натюрморт с фруктами на столе» 1914-1915
«Пьедестал» 1914
«Столик в кафе (Бутылка Перно)» 1912
«Харчевня (Ветчина)» 1914
«Зеленый натюрморт» 1914
«Человек с трубкой, сидящий в кресле» 1916
Несмотря на то, что кубизм активно критиковали многие, работы этого периода хорошо продавались и Пабло Пикассо наконец-то прекратил нищенствовать и переехал в просторную мастерскую.
Следующим периодом в творчестве художника стал неоклассицизм, которому положила начало женитьба Пикассо на русской балерине Ольге Хохловой в 1918 г. Этому предшествовала работа Пабло над декорациями и эскизами костюмов к балету «Парад» 1917 г. Именно выполняя эту работу художник познакомился с Ольгой Хохловой.
Занавес к балету «Парад» 1917
Программка балета Парад с рисунком Пикассо. 1917
Китайский маг, в костюме Пикассо, современная интерпретация, 2003
Персонаж французского «управителя» (зазывалы)
Этот период очень далек от кубизма: реальные лица, светлые тона, правильные формы… На подобные перемены в творчестве его вдохновляла русская жена, которая привнесла много нового в жизнь Пабло. Поменялся даже образ жизни художника — посещение светских раутов, костюмированных балетов и т.д. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано».
Работы военного времени (1937-1945)
«Фазан» 1938
«Голова женщины в шляпе» 1939
«Мария Тереза в венке» 1937
«Мастерская художника» 1943
«Майя с куклой» 1938
«Молящая» 1937
«Натюрморт» 1945
«Плачущая женщина с платком» 1937
«Птицы в клетке» 1937
«Раненная птица и кот» 1938
«Склеп» 1945
«Женщина в красном кресле» 1939
В 1946 году художник работал над картинамии панно для замка семьи Гримальди в Антибе (курортный город Франции). В первом зале замка было установлено панно под названием «Радость жизни». Основными персонажами этого пано были сказочные существа, фавны, кентавры и обнаженные девушки.
«Радость бытия» 1946
В этом же году Пабло познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило, с которой они поселились в замке Гримальди. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.
Один из самых известных символов «Голубя мира» был создан в 1949 году. Впервые он появился на Всемирном конгрессе сторонников мира в Париже.
В 1951 году Пикассо была написана картина «Резня в Корее», которая повествует о зверствах той «забытой» войны.
«Резня в Корее» 1951
В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.
Пикассо в мастерской Мадура
Керамика Пикассо в музее, Париж
Сравнивая работы Пикассо с керамикой античных времен можно найти некоторые сходства:
В 1958 году для парижского здания ЮНЕСКО была написана композиция «Падение Икара».
«Падение Икара»
Древняя Иберия
Ранние иберы оставили после себя многое; северо-западная Испания делит с юго-западной Францией области, где самые богатые находки предметов искусства верхнего палеолита в Европе находят в пещере Альтамира и на других участках, где найдены наскальные рисунки, созданные между 35 000 и 11 000 гг до н. э. Наскальное искусство Иберийского Средиземноморского бассейна (как определяет данный термин ЮНЕСКО) является искусством восточной части Испании, вероятно, примерно 8000-3500 годов до н. э., оно демонстрирует животных и сцены охоты, часто созданные с растущим чувством всей композиции масштабной сцены. Португалия, в частности, богата на мегалитические памятники, в том числе Almendres Cromlech (Кромлех Алмендриш), а иберийское схематическое искусство — это каменная скульптура, петроглифы и наскальные рисунки из ранних железных веков, которые обнаруживают на всем Пиренейском полуострове, с геометрическими узорами, а также с более частым использованием простых пиктограммоподобных человеческих фигур, что характерно для аналогичных видов искусства из других регионов. Casco de Leiro — золотой ритуальный шлем позднего бронзового века может быть связан с другими золотыми головными уборами, найденными в Германии, а Сокровище Вильены — это огромный клад геометрически оформленных сосудов и украшений, возможно, X века до нашей эры, включающий в себя 10 килограммов золота.
Иберийский скульптура до римского завоевания отражает контакты с другими передовыми древними культурами, которые создавали небольшие прибрежные колонии, в том числе с греками и финикийцами; финикийское поселение Са Калета на Ибице сохранилось для раскопок, большая его часть сейчас расположена под крупными городами, а Дама Гвардамар была найдена при раскопках на другом финикийском участке. Дама из Эльче (вероятно, IV век до н. э.), возможно, представляет Танит, но также демонстрирует эллинистическое влияние, как и Сфинкс из Агоста и Бича из Баласоте VI века. Быки Гисандо являются наиболее впечатляющим примером веррако — крупных кельто-иберийских скульптур животных из камня; Бык из Осуна V века до н. э. является самым развитым отдельным примером. Сохранились несколько украшенных фальката — характерных искривленных иберийских мечей, а также множество бронзовых статуэток, использовавшихся в качестве вотивных изображений. Римляне постепенно завоевали всю Иберию между 218 г до н. э. и 19 г н. э.
Как и везде в Западной империи, римская оккупация в значительной степени уничтожила местные стили; Иберия была важным сельскохозяйственным районом для римлян, и элита приобрела обширные поместья, производящие пшеницу, оливки и вино, некоторые более поздние императоры происходили из Иберийских провинций; при раскопках были обнаружены многие огромные виллы. Акведук в Сеговии, римские стены города Луго, мост Алькантара (104-106 гг н. э.) и маяк Башня Геркулеса являются хорошо сохранившимися крупными памятниками, впечатляющими примерами римской инженерной мысли, если не всегда искусства. Римские храмы достаточно хорошо сохранились в Вике, Эворе (ныне в Португалии) и Алькантаре, сохранились также их элементы в Барселоне и Кордове. Должны были существовать местные мастерские, производившие высококачественные мозаики, хотя большая часть лучшей отдельно стоящей скульптуры, вероятно, была импортирована. Миссорий Феодосия I — это известное серебряное блюдо поздней античности, которое было найдено в Испании, но, вероятно, создано в Константинополе.
Бизон из пещеры Альтамира (между прибл. 16 500 и 14 000 лет назад)
Сокровище Виллены, вероятно, X в до н. э.
Дама из Эльче, вероятно, IV век до н. э.
Быки Гисандо, фото: Rafaelji, лицензия Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported
Русский импрессионизм
В. Д. Поленов стоял у истоков русского импрессионизма. Именно он рассказал о новом направлении и о молодых французских художниках. Хотя сам написал всего три картины в данной технике.
К.А. Коровин стал импрессионистом благодаря своему учителю Поленову, огромной любви к природе и своей поездке в Париж на одну из выставок молодых мастеров. Он моментально перенимает технику письма и новые веяния стиля.
Константин Алексеевич Коровин. В саду
Его друг В.А. Серов тоже иногда причисляется к импрессионистам. Но в его работах часто встречаются черные и серые тона, используются разные техники. Лишь несколько работ написаны именно в данном стиле.
Валентин Александрович Серов. Девочка с персиками
Н.М. Гущин учился в нескольких художественных училищах – в Москве, Франции и Монако. Работы художника отмечены романтической образностью, тщательно продуманным декоративизмом.
Гущин воплощал в своих работах идею совмещения различных видов искусства. Достаточно увидеть его картины «Моя симфония» (1964), «Лунная соната», «Музыка Баха», «Ноктюрн», «Песня без слов», «Элегия» (60-е) – все они показывают синтез музыки, слов и живописи. Ведь все это творчество построено на одной основе – гармонии, ритме и единстве. Много работ также посвящены космосу и идее мироустройства.
Николай Михайлович Гущин. Вечность
М.Н. Аржанов в 50-х годах познакомился с Н.М. Гущиным. Его идеи сильно повлияли на его творчество. Он изучает работы импрессионистов, кубистов и фовистов, осваивает новую технику, изучает цветовые интерпретации. Его работы полны некоей взволнованностью письма, усилением роли света и цвета. С каждым годом он все дальше уходит от принципов академизма и совершенно меняет направление своего творчества.
Среди тех, кто пробовал себя и в импрессионизме, и в постимпрессионизме, и в других техниках, следует отметить В.Э. Борисова-Мусатова, И.Э. Грабаря, С.В. Иванова, Н.В. Мещерина.
Игорь Эммануилович Грабарь. Иней
Немного истории
Титул графа Альба был учреждён Хуаном II Кастильским ещё в 1429 году, а в 1472 г. титул графа был повышен до герцогского. Один из самых известных представителей данной династии это 3-й герцог Альба — Фернандо Альварес де Толедо (1507–1582), более известен как Великий герцог Альба и Железный герцог, испанский государственный деятель и военачальник. В 1567 году был отправлен в Нидерланды для подавления протестантского восстания против Испании и Римско-католической церкви. Был наместником Нидерландов (1567-1573). Очень жестоко расправился с вождями нидерландской Реформации. В 1580 году король Испании поставил его военачальником во главе испанской армии в войне за португальское наследство. За две недели он покорил Португалию, но и тут проявил редкую жестокость.
13-я и 18-я герцогини Альба (портрет Франсиско Гойи)
Мария дель Пилар Тереса Каэтана де Сильва и Альварес де Толедо (1742–1802) — 13-я герцогиня Альба. Это она покровительствовала (и была возлюбленной) Франсиско Гойи (1746–1828). Герцогиня была удивительной женщиной: красивой, образованной, остроумной. До сих пор считается, что именно герцогиня позировала Гойе для картин «Маха обнаженная» и «Маха одетая» (перечитываем исторический роман Лиона Фейхтвангера «Гойя, или Тяжкий путь познания»).18-я герцогиня Альба родилась в 1926 году в мадридском дворце Лирия. Её крестными были испанские монархи: король Альфонсо XIII и его жена королева Виктория Эухения. В общей сложности герцогиня Альба унаследовала от предков свыше сорока титулов и считалась одной из самых богатых аристократок Испании. Её привилегии (благодаря её предкам) исключительны — не вставать перед Королевой, не кланяться Папе Римскому и въезжать на лошади в Севильский собор! Слишком много написано об этой уникальной и яркой женщине, к тому же она выпустила две книги своих воспоминаний: «Я, Каэтана» в 2011 г. и «Чему научила меня жизнь» в 2013 г., так что в блоге мы поговорим только о её свадебной тиаре.
Каэтана Альба 1947 год в день свадьбы
В 1947 году Каэтана выходит замуж за герцога Сотомайора (1919–1972) и на свадьбе мы впервые видим Каэтану в чудесной жемчужно-бриллиантовой тиаре. На просторах интернета я прочитала две версии о данной тиаре.
Первая — тиара принадлежала императрице Евгении и перешла герцогине по наследству.
Сестры Мария Франциска и Эухения де Палафокс.
Сестры Мария Франциска и Эухения де Палафокс. Мария Франциска (1825–1860) станет 15-й герцогиней Альба и будет более известна как Пака Альба, младшая — Эухения (1826–1920), станет императрицей Евгенией, последней императрицей Франции и женой Наполеона III. Мария Францисска умрет в 35 лет, а Эухения в возрасте 94 лет. В 1870 году после поражения Франции во франко-прусской войне Евгения выедет в Англию, в 1873 году она овдовеет, в 1879 погибнет её единственный сын. Умрет Эухения в Мадриде, но похоронена будет в Англии рядом с мужем и сыном.
Вторая версия — тиара подарок на свадьбу от её крестной матери, королевы Испании Виктории Евгении Баттенберг.
Свадебная фотография родителей Каэтаны Альба
Свадьба родителей Каэтаны Альба: Марии дель Росарио де Сильва и Гуртубай (1900–1934) и 17-го герцога Альба (1878–1953). Свадьба состоялась в 1920 году в испанском посольстве в Лондоне. Скромная и тихая. На свадебной фотографии нет знаменитой жемчужной тиары герцогов Альба, видимо тиара это все-таки подарок на свадьбу крестной матери — королевы Испании.
Каэтана еще дважды выйдет замуж: в 1978 году и в 2011. От первого брака у неё будет шестеро детей — пять мальчиков и долгожданная дочь. В 1998 году единственная дочь Каэтаны Евгения (12-я герцогиня Монторо) также оденет жемчужную тиару на свою свадьбу (все невестки герцогини Альба выходили замуж за её сыновей в другой тиаре герцогов Альба — alba ruse tiara).
Единственная дочь Каэтаны Евгения (12-я герцогиня Монторо) в свадебной тиаре герцогов Альба 1998 г.
Война и послевоенное время
В 30-х годах на полотнах художника появляется образ быка, несущего с собой агрессию и смерть. Во время войны в 1937 году был разрушен испанский город «Герника». Пикассо на фоне этих событий создает свою «Гернику» – большое полотно длиной 8 метров и шириной 3,5 метра в черно-белых тонах. Картина передает боль и ужас людей, пострадавших от немецких налетчиков. Война сильно повлияла на работы художника, которые стали мрачными и тревожными («Бойня», «Плачущая женщина»).
Франсуаза Жило и Пикассо
В 1945 году Пабло встречает Франсуазу Жило, будущую мать его двоих детей. Эта женщина вдохновляет художника на создание полотен с семейными образами. После переезда на средиземноморский юг Франции он увлекается керамикой, его работы становятся более гармоничными и ироничными. Среди них много блюд, тарелок, скульптур. В 1949 году художник создает всем известного «Голубя мира». В 1953 году Франсуаза уходит от Пабло из-за его непростого характера и измен.
Пикассо снова женится в 1958 году, его избранницей становится Жаклин Рок, которая в два раза младше него, для жены он написал более 400 портретов. Среди картин 50-х годов наиболее известны вариации работ по Мане, Гойя, Делакруа и др.
Импрессионизм в России
Долгое время искусствоведы ставили под сомнение существование этого явления среди русских художников. В 1870-е гг. И. Репин, В. Поленов и Ф. Васильев делали акцент на обыденных сюжетах, пробовали отойти от возвышенных идеалов академизма. Однако специалисты называли их эксперименты работой в импрессионистической манере. Тогда в России художники не причисляли себя к новаторам в живописи.
В этот период набирает силу социальный реализм. В противопоставлении ему некоторые художники формулируют новый принцип работы. Для них главное — эстетическая составляющая картины, а сюжет приобретает второстепенное значение. Русские художники не стали полностью копировать манеру письма французских живописцев. Они адаптировали их принципы к российским реалиям.
Начало становления импрессионизма в России положило создание картины «Портрет хористки» К. Коровина. Также среди последователей нового течения нужно выделить В. Серова, И. Левитана, А. Куинджи, известного своими морскими пейзажами.
Большой вклад в развитие русского импрессионизма внес Сергей Арсеньевич Виноградов. Он консультировал братьев Морозовых при покупке работ французских художников. Сергей Виноградов был участником выставки передвижников. Период его творчества пришелся на период Гражданской войны в России. В его картинах воссоздана атмосфера счастья, гармонии, которых не хватало в тот непростой период для народа.
Главное отличие от французских импрессионистов — они редко изображали городские пейзажи, предпочитая писать сельские красоты. Их картины можно охарактеризовать как незавершенные, этюдные. Русские художники сумели адаптировать новое французское направление в живописи.
Работы художника
Подсолнухи
Это наиболее известная работа из всей серии картин, изображающих подсолнухи, написанных Винсентом Ван Гогом. Поначалу художник задумывал украсить этими картинами мастерскую в Жёлтом доме в Арле. Позже он решил повесить их в гостевой комнате, которую готовил к приезду Поля Гогена, прибытия которого в Арль ожидал с огромным нетерпением.
Ночное кафе
Ван Гог писал в письме своему брату Тео: «В «Ночном кафе» я попытался изобразить место, где человек губит самого себя, сходит с ума или становиться преступником. Я хотел выразить пагубную страсть, движущую людьми, с помощью красного и зелёного цвета». Эти цвета выглядят неестественными, однако помогают передать «некоторые состояния, свойственные страстным натурам».
Спальня художника в Арле
Ван Гог так и писал об этой картине: «Это просто моя спальня, и в этой картине всё решает цвет, упрощая вид предметов и создавая ощущение места, где можно отдохнуть и выспаться. Иными словами, глядя на эту картину, можно дать отдых мозгам или, скорее, своему воображению».
Портрет папаши Танги
Жюльен-Франсуа Танге держал лавку для художников в Париже. Среди его постоянных клиентов были известные импрессионисты и постимпрессионисты. Танге был добрым человеком, за что получил ласковое прозвище Папаша. Ван Гог написал три портрета Танги, последний из которых является наиболее удачным.
Eliseo Meifrén y Roig , 1858-1940
Другой известный импрессионист, рожденный в Барселоне, — Роиг (Eliseo Meifren y Roig, 1858-1940). Начав свое художественное образование в родной Барселоне, в 1870 году он переезжает в Париж, где продолжает учиться, творить, а также сближается с художниками-модернистами, в том числе из Испании, такими как Рамон Касас и Сантьяго Русиньоль. В течении продолжительного времени Роиг живет и пишет в Италии, а в 1881 г. возвращается на родину.
Роиг прославился как пейзажист и живописец бытовых сцен, он постоянно выставлялся, в том числе организуя персональные выставки картин в Барселоне, Мадриде, Буэнос-Айресе. Он — обладатель многочисленных наград и почетных званий не только на своей родине, но по всему миру.Основные сюжеты полотен Роига — повседневность родной Испании, в особенности ее северных земель. Творчество художника относят и к импрессионизму, и к модернизму. Многие работы нельзя с уверенностью отнести строго к одному течению, работы разнообразны, как и периоды творчества, это скорее предмет обсуждения искусствоведов, мы же позволим себе просто насладиться созерцанием полотен живописца.
Роиг. Марина с буем
Pontevedra
Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)
«Жаклин в студии» 1956
«Жаклин Рок» 1954
«Жаклин Рок» 1954
«Жаклин Рок» 1954
«Фигура Рембрандта Эрос» 1969
«Голуби» 1957
«Насилие над сабинианками» 1962-1963
- «Обнаженная и курильщик» 1968
«Поцелуй» 1969
«Портрет мужчины в шляпе» 1971
«Кавалер с трубкой» 1968
«Залив в Каннах» 1958
«Завтрак на природе (По Мане)» 1961
«Жаклин со скрещенными руками» 1954
«Жаклин в студии» 1956
Как и многие талантливые люди Пабло Пикассо не боялся пробовать себя в разных ипостасьях и помимо вышеупомянутой керамики на протяжении всей своей творческой жизни не раз создавал скульптуры. Но общественности некоторые скульптуры были представлены в 1960 году на выставках в Париже, Нью-Йорке и Лондоне. А затем лишь в 1966 году состоялась полная выставка скульптур известного кубиста, когда Пикассо исполнилось 85 лет.
«Бабуин с малышом» 1951
«Беременная женщина» 1950
Безымянная скульптура Пикассо в Чикаго
«Человек с ягненком» г. Валлорис, юг Франции
«Бокал абсента» 1914
«Голова» 1958
«Голова женщины» 1932
«Голова женщины (Фернанда)» 1909
Всего скульптур насчитывается более 1220: выше представлены лишь некоторые работы. Несмотря на это уже можно сделать вывод о том, насколько разнообразным было творчество Пабло Пикассо, который навсегда вписал свое имя в историю искусства. Все творчество Пикассо оказало огромное влияние на развитие культуры и искусства XX века во всем мире.
Вопросы по теме
У тех, кто начинает изучать творчество Пабло Пикассо, нередко возникает множество вопросов: Сколько картин написал художник за свою жизнь? Почему они стоят так дорого и какая из его вещей самая дорогая? И наконец, в чем же уникальность картин Пикассо? Эта статья постарается ответить на все вопросы.
Сколько картин написал Пабло Пикассо? Всего за свою жизнь Пикассо написал около двух тысяч картин. Если же учитывать эскизы, рисунки и скульптурные произведения, их общее количество составит более пятидесяти тысяч!
Почему картины Пабло Пикассо так дорого стоят? Какая картина самая дорогая? Пикассо считается одним из самых дорогих художников – большая часть его картин продается за баснословные деньги. Это неудивительно: Пабло Пикассо был гением, его имя известно во всем мире и нет такого коллекционера, который не хотел бы заполучить себе одну из его вещей.
Самая дорогая на сегодняшний момент вещь Пикассо– картина «Алжирские женщины (версия О)». Она была продана на аукционе за 179 миллионов долларов! Сложно представить себе такие суммы, однако коллекционеры готовы отдать их, чтобы стать владельцами произведений самого Пабло Пикассо.
В чем уникальность картин Пабло Пикассо? Чем же картины Пикассо отличаются от других? Пабло Пикассо был не только гением, он был первым, кто начал рисовать в подобной манере. Сперва его работы не принимались обществом, и только спустя время стало ясно: то, что он делает, – это новое слово в искусстве. Так, например, именно Пабло Пикассо и его друг Жорж Брак стали основоположниками кубизма – нового направления живописи. Пикассо также один из первых стал сюрреалистом, и этот стиль давался ему так, как мало кому еще. Его произведения самобытны и необычны, и Пабло Пикассо заслуженно считается одним из главных творцов в истории искусства.
Импрессионисты и Париж
В 60-е годы XIX века вместе с импрессионизмом рождался иной Париж. Его облик кардинально менялся и преображался, разрушая привычные городские пейзажи, менялся ритм жизни. Романтический средневековый Париж исчезал, появлялся Париж современный – одновременно прекрасный и строгий, бурный и напряженный. С новой, но непривычной красотой, вызывающей споры и возмущения, но имеющей большое значение.
Импрессионисты не стали бы создателями нового течения, если бы не были свидетелями рождения нового Парижа. Этот важный исторический момент стал определяющей основой для революции видения, совершенной импрессионистами в живописи.
Можно сказать, что импрессионизм – парижанин, ведь все будущие импрессионисты или родились, или росли, или учились именно в Париже. Здесь родились Эдуард Мане, Эдгар Дега, Клод Моне, Гюстав Кайботт и даже англичанин Альфред Сислей, взрослели Огюст Ренуар и Берта Моризо, учился и жил Камиль Писсарро. Столицу Франции «впечатленцы» писали с увлечением и восторгом, запечатлевая контраст величественного нового и миниатюрного старого.
Камиль Писсарро «Оперный проезд в Париже» 1898
К середине 1860-х годов почти все будущие импрессионисты в большей или меньшей степени знали друг друга. Самым старшим из них был Камиль Писсаро. Главными местами в Париже, где пересеклись судьбы художников, были: Академия Шарля Сюисса, мастерская Шарля Глейера, дом Ипполита Лежона, кафе «Гербуа».
Формы и чувства
Пикассо не слишком доверял теориям и говорил: «Когда мы любим женщину, мы не начинаем измерять её конечности. Мы любим её нашими чувствами». Он стремился как можно живее и непосредственнее передать свои эмоции. Приём искажения человеческой фигуры всегда работал на решение именно этой задачи.
Характерным для художественной системы Пикассо было разложение на части человеческого тела. Перемещение в пространстве глаз, ушей, рта и носа позволяло художнику острее и адекватнее передать свои ощущения.
Многие работы Пикассо автобиографичны, и, в первую очередь, это относится к портретам женщин, которых любил художник. Некоторые из этих образов откровенно эротичны. За это Пикассо и хвалили, и осуждали. Некоторые поздние женские образы Пикассо отличаются грубой агрессивностью, однако другие написаны с удивительной нежностью.
Кубизм
Первая стадия кубизма получила впоследствии название «аналитической». С 1909 года она постепенно перерождалась, и в 1913 году появилась «синтетическая» стадия, для которой характерны большая цветность форм, стремление к плоскостной трактовке объектов. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века.
В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Пикассо использовал коллаж — вклеивание в холст реклам, этикеток и вырезок из газет; со временем объем инородного материала в картине увеличивался (присыпки песком, вмонтирование кусочков дерева и металла, осколков стекла, использование гипса и т. п.). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. В дальнейшем увлечение кубизмом сходит на нет, однако отдельные его черты продолжают сохраняться в картинах до конца жизни художника («Три музыканта», 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк).Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века.
В 1908-1909 годах Пикассо совместно с французским живописцем Жоржем Браком, влияя друг на друга, разработали новый стиль — кубизм, ставший радикальным поворотом от поисков художественного эквивалента реальности к ее полному пересозданию. Использовались нейтральные, преимущественно охристые, серые, коричневые и зеленоватые тона, характерные для живописи Сезанна, но заметно «утяжеленные», помутнелые; они комбинировались в геометрические формулы, обнажая некие изначальные «прототипы» человеческих фигур, вещей и мира природы («Королева Изабо», «Дама с веером», обе 1909; «Портрет Амброаза Воллара», 1910, все в Музее изобразительных искусств, Москва; «Дриада», «Фермерша», «Три женщины», ряд натюрмортов, 1909-1910, Эрмитаж). (Амброаз Воллар — французский коллекционер и меценат, один из тех, кто не только открыл, но и популяризировал творчество Сезанна, Ван Гога и других художников. В 1901 году в галерее Воллара в Париже состоялась первая выставка произведений Пикассо).
В 1907 года Пабло Пикассо создал композицию «Авиньонские девицы» (Музей современного искусства, Нью-Йорк) — большое панно, персонажи которого — посетители и девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон (так полагал поэт А. Сальмон, давший название произведению) — предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры: розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам.
