Биография алексея гавриловича венецианова

Описание картины Валентина Сероав «Петр Первый»

Предложение изобразить на полотне самого Петра I в свое время не просто затронуло, а по-настоящему завело и сделало Серова буквально одержимым этой идеей. До этого он уже обращался к различным историческим сюжетом, но именно этот случай стал уникальным.

Об изображении Петра I на полотне Серова попросили руководители одного издания. В 1907 году одно популярное издательство И. Кнебеля официально дало заказ Серову. Суть заказа была проста – необходимо не просто изобразить на картине царя, но и изобразить одну или несколько его заслуг по части застройки и становления Петербурга.

Историческая фигура, которая была знаменита многими своими делами, затронула Серова и не давала ему спокойно жить. Поэтому Серов, используя свойственную ему же основательность, решил запечатлеть на картине не просто образ Петра I, который был ему заказан, а нарисовать его настоящим. Другими словами, нарисовать его не припудренного и не приукрашенного.

Так как Серов решил основательно подготовиться к этой работе, он начал посещать лекции, пропадал часами и даже днями в Эрмитаже и продолжал проделывать еще много подобной или такой же подготовительной работы. Все это открыло перед талантливым художником своего времени отличную картину характера и образа личности этого императора.

И тогда Серов начал понимать, что создание флота, множество грандиозных реформ и победа над силами Шведской армии – все эти и другие события, в которых принимал участие Петр I, не должны были пройти без жертв и крови.

Поэтому мастер пера справился с поставленной задачей идеально. Картина вышла правдивой со всех сторон. Здесь был отмечен один из главных моментов его жизни – реформы, строительство и поднимание России с колен. Работу заказчики приняли, и в итоге она стала одной из самых значимых на сегодняшний день.

Выразительные средства

Современники с восторгом приняли работу и оценили мастерство художника

По их мнению, он первым обратил внимание на изображение русского быта, который более понятен и ближе для восприятия простого зрителя

Развивая романтическое направление, Венецианов сравнивает русскую крестьянку с древнегреческой богиней Флорой, которая в тишине обходит свое царство, полное зелени, цветов и покоя.

Ребенок, сидящей на краю пашни, напоминает Амура, который является началом жизни. Символично изображение растущих неподалеку тонких молодых деревьев, впитывающих силу земли. Это аллегория начинающейся жизни и начала чего-то нового.

Для сюжета живописец выбирает простую бытовую сценку, но на картине она выглядит необыкновенно празднично и по-весеннему ярко. Для этого художник использует приемы:

Крестьянка изображена крупнее лошадей. Венецианов умышленно нарушает пропорции, поскольку пишет не простую женщину, а создает аллегорический образ Весны

Для него важно подчеркнуть ее мощь и стать. Античный женский образ дополняют фигуры лошадей, которые напоминают Пегасов, а не крестьянских лошадок.
Использование «зеркального эффекта»

На дальнем плане изображена удаляющаяся женская фигура. Она движется по параболе. Это еще одна женщина, которая обрабатывает землю, но у зрителя создается впечатление, что это главная героиня полотна совершила круг и возвращается обратно. Такой прием позволяет автору подчеркнуть цикличность происходящего в природе.
Заниженная линия горизонта. Этот прием использовали мастера-иконописцы. До Венецианова его никто не применял в светской живописи. Благодаря низкому горизонту фигура крестьянки выглядит гораздо крупнее и приобретает торжественность и монументальность. Также она помогает создать на полотне замкнутое пространство, символизирующее смену времен года.

В русской живописи Алексея Гавриловича Венецианова часто называют «крестьянским художником. Его работы показывают жизнь простого человека, отдающего все силы работе на земле. На его картинах зритель не увидит тяжелой жизни, нищеты и убожества. Они полны радости, красоты и праздника. Несколько позже это настроение разовьет в своих работах Васнецов и другие русские живописцы.

История создания Медного всадника

История создания Медного всадника полна противоречий и даже конфликтов. И если бы не Э. Фальконе, Сенатскую площадь могла бы украсить совсем другая скульптура.

Работа над проектом

Видные умы российских академий долго не могли определиться с видом памятника. Екатерина II хотела видеть его величественным и на коне, Бельский — без коня, Дидро предлагал сделать памятник Петру I в Петербурге в виде фонтана. Штелин и вовсе видел императора не одного, а среди павших к его ногам человеческих пороков, воплощенных в металле.

Фальконе решительно отказался от оригинальных идей и создал эскиз такого памятника, которым он предстает сейчас.

Постамент «Гром-камень»

Скульптура Петра I стоит на внушительном постаменте — обтесанной каменной глыбе. Ее искали по всем окрестностям Петербурга, а в местной газете даже напечатали объявление с просьбой к гражданам помочь в поисках.

В результате подходящую глыбу нашел крестьянин С. Г. Вишняков, за что получил премию в размере 100 рублей. Гранитную глыбу, расколотую ударом молнии, в народе назвали «Гром-камнем».

Весил «Гром-камень» 1 600 тонн, был почти на 4 м заглублен в землю и покрыт мхом. Когда его извлекли, на этом месте образовался большой котлован, быстро заполнившийся водой. Этот водоем сохранился до сегодняшнего дня и носит название «Петровский пруд».

Особую сложность представляла собой транспортировка такого камня. Чтобы доставить его до Финского залива, пришлось на всем пути соорудить желоба и поместить в них большие медные шары. По ним и перемещали глыбу. Работы проводили зимой, чтобы замерзший грунт мог выдержать большую нагрузку. В заливе камень ждала специально построенная баржа.

Транспортировка глыбы потребовала усилий более 1 000 человек и около полугода времени. На Сенатскую площадь камень прибыл 26 сентября 1770 года. За его разгрузкой наблюдало огромное количество людей.

Перед установкой камень хорошо обтесали, и он растерял большую часть своих габаритов и великолепия.

Литье и установка памятника

Литье памятника Петру I в Санкт-Петербурге вызвало немало проблем у Фальконе. Сам он никогда не выполнял такие работы, а в городе не нашлось ни одной мастерской, где могли бы отлить монумент в таких размерах. Никто не мог гарантировать успех предприятия и обещать нужный результат.

Для отливки скульптуры был приглашен французский специалист Б. Эрсман. Он приехал с помощниками и даже всеми необходимыми материалами. Но плодотворного сотрудничества с российскими скульпторами и художниками не получилось. Эрсман был уволен по настоянию Ю. Фельтена.

Его место занял Е. Хайлов, занимавшийся раньше отливкой пушек. Ему пришлось подобрать для литья новый состав, чтобы памятник устоял всего на трех точках опоры, получился прочным, но легким.

Первый опыт литья оказался неудачным. Труба, по которой в форму подавалась бронза, лопнула. Едва не погибнув, Хайлов смог предотвратить пожар в деревянной мастерской. Успехом увенчалась вторая попытка литья, которая последовала лишь через 3 года.

В разгар работ отношения скульптора Фальконе и Екатерины II стремительно ухудшаются и в 1778 году он был вынужден уехать из России. С собой мастер забрал все чертежи, эскизы, а также свою талантливую помощницу Мари Анн Колло. В связи с этим дальнейшими работами по завершению скульптуры и ее установке руководил Ю. Фельтен.

Памятник Петру I или Медного всадника установили на Сенатской площади в Санкт-Петербурге в 1782 году. В честь этого был проведен военный парад под руководством Д. А. Голицына.

Архитектура зданий при Петре I

Как уже было отмечено выше, в процессе возведения северной столицы появился новый архитектурный стиль, получивший название петровское барокко (некоторые исследователи называют этот стиль «пилястровым барокко» и сравнивают с европейским «барокко Бернини», которое также сочетает в себе черты классицизма, чистого барокко и готики).

Он пришел на смену нарышкинскому барокко, и его главными отличительными чертами были

• выверенная симметрия;
• простота и четкость линий объемных зданий;
• пластичность и торжественность деталей;
• акцент на высоте в наиболее значимых зданиях;
• сложность окон;
• двухцветная окраска в штукатурке (красно-белая, реже – сине-белая)
• практичность архитектурных решений.

Петр Алексеевич полностью отказался от византийской традиции в архитектуре, на основе которой возводились все русские города, включая Москву. Ему милее была голландская простота и немецкая практичность.

Взгляды Петра Первого разделяли приглашенные им архитекторы. Над зданиями Санкт-Петербурга работали

• итальянцы – Д. Трезини, Н. Микетти, Д. М. Фонтан;
• немцы – Г. И. Маттарнови, Т. Швертфегер, А. Шлютер, К. Конрад, И. Ф. Браунштейн, И. Г. Шедель;
• голландцы – С. ван Звитен;
• французы – Ж. Леблон;
• швейцарцы — Н. Ф. Гербель.

Благодаря такому многоэтничному составу архитекторов петровское барокко впитало в себя определенные черты итальянского барокко и французского классицизма.

Вместе они построили не только вышеуказанные здания, но и:

• Кронштадт;
• Ораниенбаумский дворец А. Д. Меньшикова;
• Галерную гавань;
• Партикулярную верфь;
• Гостиный двор;
• Конюшенный двор.

В целом градостроительство во времена Петра Великого характеризуется:

• регулярной застройкой (прямые улицы, пересекающиеся под прямым углом; фасады, вынесенные по линиям улиц; запрет на строительство в глубине дворов);
• практичной застройкой (прежде всего строились военные, государственные, производственные здания);
• ориентиром на высоту (наиболее важные здания венчали шпили).

Работа была централизованна, контролировалась государством. Так за застройку Санкт-Петербурга отвечала особая Комиссия по строению. То же самое было в таких новых городах, как Азов и Таганрог.

Самобытный и незабытый

У Венецианова было в живописи своё видение, своя методика, которую сам же он и разработал. В Сафонково художник принимал малообеспеченных юношей на обучение.

Летом они рисовали живописные местные пейзажи, а зимой мастер возил своих подопечных в столицу, где они жили у него на квартире. В своей мастерской Венецианов обучал молодых людей методике, которая расходилась с устоявшимися правилами Академии художеств.

Алексей Гаврилович Венецианов «На пашне. Весна», первая половина 1820-х годовМестонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия

Венецианов считал, что «умеющий копировать не всегда научается создавать собственное». А ведь методика обучения в Академии художеств была основана на длительном копировании творений античных скульпторов и итальянских живописцев.

У Венецианова было своё видение, как нужно развивать талант в искусстве. Думаю, он был прав, что создал и придерживался своей методики. Ведь именно из индивидуального подхода, рождаются затем шедевры в любом виде искусства. Он считал хорошим тренировочным моментом – нарисовать красивый интерьер.

Венецианов любил рисовать лица, поэтому многие из его работ – это портреты, а другие картины – это люди, находящиеся в процессе работы. Рисуя постановочные сценки с участием позировавших моделей, подопечные Венецианова не только совершенствовали своё умение живописцев, но и обучались портретному мастерству. О художественной школе Алексея Гавриловича говорили в столице, писали в петербургских газетах:

Алексей Гаврилович Венецианов «Захарка», 1825 годМестонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия

Этот самобытный человек, усердно помогающий другим, даже заложил своё имение, чтобы его школа существовала, и бедные юноши могли получить художественное образование и раскрыть свой талант. Тем не менее, некоторые ученики покидали старого учителя в надежде стать более известными, отучившись в Академии художеств или у более именитых и известных живописцев, например, Карла Брюллова. Покинув школу Венецианова и потеряв тем самым свою самобытность, юные живописцы становились лишь тенью своих учителей с гремящим именем или губили свой талант вовсе, меняя свой индивидуальный стиль на подражание.

Несмотря на талантливый подход к образовательному процессу и действенность обучения в школе Венецианова, Академия художеств данную систему и методику не признавала, её члены не хотели дать художнику звание профессора. В то же время император признавал талант Алексея Гавриловича, назначив ему денежное довольствие и звание императорского живописца. Венецианов был человеком талантливым и добрым. Для одного из своих учеников – Федора Славянского, который был крепостным, он добился свободы и даже хотел дать свою фамилию.

Бывший крепостной, получивший вольную благодаря ВенециановуФёдор Михайлович Славянский «Автопортрет». 1860 годМестонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия

Жизнь этого человека, не устававшего помогать другим, оборвалась зимой 1847 года, когда он 4 декабря повез эскизы церковных образов в Тверь. На скользкой дороге кибитка, в которой ехал художник, перевернулась. Хочется процитировать слова одного из современников Алексея Гавриловича:

На обложке: Сергей Константинович Зарянко «Портрет художника А.Г. Венецианова», 1830-е годы. Местонахождение: Киевский национальный музей русского искусства, Украина

Петр I в русской живописи 19 века

Одна из самых значимых и в тоже время одиозных фигур в российской истории – это Петр I. Причем, противники петровской политики, прежде всего, в укор императору ставят резкий поворот в сторону Запада, в ущерб русской самобытности. И подобная дискуссия идет уже довольно давно, практически с момента проведения этих самых реформ, с резким обострением в середине 19 века, которое известно как спор славянофилов и западников. Подобный интерес к личности императора, бесспорно многогранной, не мог не отразиться и в творчестве живописцев.

Безусловно, самая известная историческая картина, посвященная Петру I – это полотно Николая Гё «Петр I допрашивает царевича Алексея» (1871). Художник изображает знаковый момент в российской истории, который в итоге приводит к полувеку дворцовых переворотов. Согласно запискам современников, сначала Гё планировал показать в императоре не жестокого палача, а отца, который переступает через отеческие чувства ради пользы государства, но работа над сюжетом картины, постепенно изменила мнение художника о Петре. В итоге основной упор был сделан на психологизм персонажей. Так, царевич Алексей освещен мертвенно-бледным светом, что говорит о том, что судьба его предрешена. Хотя глаза его опущены в пол, в нем не чувствуется раскаяния, он не верит жесткосердечие отца. Лицо Петра, наоборот, эффектно вылеплено контрастной светотенью. Чувствуется, что спокойствие императора показное, внутри его кипят страсти. Картина была положительно встречена публикой и была приобретена П. Третьяковым.

На картине Василия Сурикова «Утро стрелецкой казни» (1881) хотя молодой Петр и является одной из ключевых фигур композиции, художник все же больший упор делает на судьбе народа в переломный момент отечественной истории. Царь изображен полным решимости, осознания своей правоты. Сидя на коне, он возвышается над толпой, а его прямая фигура соотносится с прямыми башнями московского кремля. Художник изобразил момент, когда твориться история, рушится старая Россия. Эта картина была также приобретена П. Третьяковым.

Важным итогом правления Петра I было основание Санкт-Петербурга. Этот эпизод также нашел свое отражение в творчестве русских художников. Одним из первых императора на невских берегах изобразил Алексей Венецианов. На его картине «Петр Великий. Основание Санкт-Петербурга» (1838) монарх в окружении советников и географических карт выбирает место для будущего города. Массивный камень на заднем фоне напоминает постамент для Медного всадника – он символизирует будущую столицу, поднявшуюся из камня. Более поэтична картина Николая Добровольского «Здесь будет заложен город» (1880). Император погружен в мечтания на пустынном песчаном пляже. Окружающий пейзаж спокоен и умиротворен, даже не вериться, что через несколько лет здесь будет кипеть городская жизнь.

История России петровских времен – это история бесконечных войн, которые император вел с переменным успехом. Поэтому образ Петра I не мог не заинтересовать батальных живописцев. Пример прекрасной батальной картины, посвященной императору – это работа Николая Зауервейда «Петр I усмиряет ожесточенных солдат своих при взятии Нарвы» (1859). Петр является смысловым центром картины – он возвышается над остальными персонажами, его фигура выхвачена лучом света среди беснующейся толпы. А художник-баталист Александр Коцебу вообще специализировался на истории Северной войны, в частности Полтавской битвы. На многих картинах художника: «Битва при Нарве», «Взятие Нарвы», «Сражение при деревне Лесной», «Полтавская победа» — присутствует Петр I.

Развитие Санкт-Петербурга

Значение появления Санкт-Петербурга имело огромное значение. Царь Пётр создал новый город, новую столицу, что стала значимым периодом в истории России. Государь словно бы хотел продемонстрировать, что отбрасывает старые принципы и стремится в будущее, куда должны последовать за ним и верные подданные.

Для многих москвичей Петербург был лишь болотом, на котором лишь недавно началась стройка. Ехать было необходимо в новую столицу, хотя искреннего желания подданные Петра не проявляли. Но приказ — есть приказ. Однако всего через сто лет, к 1803 году население города уже значительно возросло. Появилось несколько поколений людей, что воспринимали город не как место ссылки, а как свою малую родину.

Лев Лагорио «Санкт-Петербург в 1859 году»

Поразительно, но даже в наши дни, через три с лишним века Санкт-Петербург продолжает развиваться в соответствии с планами, что некогда были намечены его основателем. Этот город можно по праву назвать сокровищем России. В нём соединяются красота и история. Он может нравится, очаровывать или вызывать удивление, но никого не оставляет равнодушным.

Указ Петра I о запрете каменного строительства

20 октября 1714 года Петр I издал указ, запрещающий каменное строительство во всех городах империи, кроме Санкт-Петербурга. Это не было капризом: возведение новой столицы продолжалось уже 11 лет, а каменные здания были построены лишь в центре. Государь желал привлечь для работы над новой столицей мастеров-каменщиков со всей России, но его мечта увидеть «город в камне», соперничающий по красоте с европейскими столицами, так и не была осуществлена. Вплоть до самой смерти императора Санкт-Петербург напоминал огромную строительную площадку. Закон же продолжал действовать вплоть до 1744 года.

Историография:

1. Грабарь И. Э. Петербургская архитектура в XVIII и XIX веках, СПб.: 1994 год.
2. Власов В. Г. Архитектура «петровского барокко». Эпоха. Стиль. Мастера, М.: 1996 год.
3. Власов В. Г. «Петровское барокко», М.: 2007 год.

↑ Деревенская тема

В 1818 г. Венецианов навсегда оставил государственную службу, женился и уехал в родовое имение жены – Сафонково. Именно тут он обрел источник вдохновения для своей главной темы творчества. Сначала это были частные портреты крестьян, затем – художественные композиции из народной жизни. В 1822 г. одна из таких картин художника – «Очищение свеклы» — была показана императору. Полотно поместили в Бриллиантовой комнате Зимнего дворца, а автору заплатили тысячу рублей. Считается, что именно эта картина Венецианова является точкой отсчета в зарождении и развитии бытового жанра в русском искусстве живописи.

Следующая картина – «Гумно» — стала одной из лучших его работ. За нее заплатили 3000 рублей и разместили в постоянной экспозиции Эрмитажа. На полученные деньги Венецианов открыл школу, где бесплатно обучал живописи молодых и талантливых людей всех сословий, многие из которых даже жили у него. На его счету больше семидесяти учеников, о которых он по-отцовски заботился, а некоторым крепостным даже помог получить вольную.

Параллельно с педагогической деятельностью Венецианов много работал в созданном им направлении – писал картины деревенского быта. Но со временем они все более сдержанно принимались Академией художеств, все больше ему нарекали на отсутствие академичности в изображении, странности сюжетов. Чуждыми и непонятными остались тогда его шедевры: «Жнецы», «Кормилица с ребенком», «Купальщицы». В последней он написал обнаженные тела деревенских купальщиц не по классическим канонам красоты, а по каноном реальности простой, здоровой деревенской жизни.

В 20-ых годах Венецианов написал несколько крестьянских портретов, на которых изображены или девушки то с крынкой молока, то с васильками, то со свеклой, или задремавший под деревом мальчик, или простые и мудрые лица стариков и старух.

Начало строительства

Остров Енисаари, или, в переводе с финского языка, Заячий остров, стал местом строительства новой крепости. Выбор был не случайным: остров перекрывал вход в Финский залив и с него хорошо просматривались выходы во все «рукава» Невы. 23 сентября 1703 года был заложен первый камень Петропавловской крепости, ставшей одной из крупнейших построек будущего города – Санкт-Петербурга.

Строительством руководили А. Д. Меньшиков и Д. Трезини, а все чертежи разрабатывал сам Петр Алексеевич вместе с французским математиком и фортификатором Ж. Ламбером де Герэном, взяв за основу рижский собор Св. Петра. Первая земляная крепость была построена к 1 октября, но сильное наводнение смыло часть возведенных бастионов. Начало строительства совпало с переломным моментом в Северной войне, поэтому наводнение не испортило настроения государя. К 1733 году постройка Петропавловской крепости была завершена, возведен Петропавловский собор.

Ученик Эрмитажа

Алексей Венецианов родился 7 февраля 1780 года в семье греческого происхождения. Его предки приехали в небольшой город Нежин в Черниговской губернии в 1730-х годах. В России они получили прозвище Венециано, которое позже превратилось в фамилию Венециановы. Сначала они считались дворянами, но позже, когда перебрались в Москву, в праве на дворянство им отказали. Семью записали в купеческое сословие.

Алексея Венецианова отдали учиться в Московский пансион. Мальчик очень рано заинтересовался живописью. Его первым учителем был художник-самоучка, имя которого неизвестно. А одной из самых ранних работ — портрет матери.

Когда Венецианов окончил пансион, его приняли на службу в Чертежное управление, и вскоре перевели в Санкт-Петербург — на должность помощника землемера. Параллельно он продолжал рисовать, особенно увлекался портретами, работал в основном пастелью.

В 1807 году Алексей Венецианов перевелся в Канцелярию директора почт Дмитрия Трошинского. У него наконец появилось свободное время: на новой должности не нужно было постоянно ездить в командировки. Венецианов начал ходить в Эрмитаж — делал наброски, копировал картины. Художник говорил: «Часто по целым часам стою в Эрмитаже перед картиною и дохожу, как то, как это сделано и отчего оно так поразительно хорошо».

Он познакомился с художником Владимиром Боровиковским и вскоре стал брать у него уроки.

Алексей Венецианов. Портрет Н.П. Строгановой. 1810-е. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Алексей Венецианов. Портрет М.А. Венециановой. 1810-е. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Алексей Венецианов. Портрет М.А. Фонвизина. 1812. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

В 1808 году Венецианов решил издавать «Журнала карикатур на 1808 год в лицах» — первый российский юмористический листок. Но читатели его так и не увидели: кто-то показал карикатуры императору. Тираж конфисковали и сожгли, а художник еще долго отдавал долги.

В 1809 году Алексей Венецианов перевелся в Лесной департамент, потом — в Департамент государственных имуществ Министерства финансов. Но он мечтал о звании художника. Для этого представил на суд в Академию художеств одну из своих лучших на тот момент работ — «Автопортрет». Совет присвоил живописцу степень «назначенного в академики» и дал задание написать портрет. Художник написал профессора Головачевского с учениками, и ему присвоили звание академика.

В конце 1810-х Алексей Венецианов стал известен в столице и писал полотна на заказ.

Тайны Третьяковской галереи: info_promo

     С «Портретом неизвестного в треуголке» Федора Рокотова – еще более удивительная история! Сорок лет назад была проведена экспертиза картины, и выяснилось, что на самом деле на ней изображена женщина: под верхним слоем краски видны брошь, декольте. Эксперты подняли документы и узнали историю картины: однажды близкий друг заказал Рокотову портрет горячо любимой супруги. Но жена умерла, он женился во второй раз. Тогда друг попросил художника так «дорисовать» портрет покойной, чтобы он мог любоваться ею, не оскорбляя чувств второй супруги. И вот больше ста лет на посетителей галереи «неизвестный в треуголке» смотрел женскими глазами! Но этот портрет сотрудники «открывать» не стали: так как  здесь верхний слой сделан рукой самого Рокотова.

     Картина Василия Пукирева «Неравный брак» постоянный экспонат  галереи. В 2002 году сотрудникам Третьяковки попадает карандашный рисунок Сухова В. Д., сделанный им в 1907 году. На портрете изображена  старушка с красивыми глазами, а внизу подпись: «Прасковья Матвеевна Варенцова, с которой 44 года назад художник В.В. Пукирев написал свою известную картину «Неравный брак». Госпожа Варенцова живет в Москве, в Мазуринской богадельне».  Оказалось, что та молодая девушка, вышедшая замуж за богатого старика, 44 года спустя закончила свои дни в нищете… Но помимо человеческой судьбы, эта картина уникальна другим фактом. Автопортретом Пукирева мы не располагаем, но ученые выяснили: героиня картины – невеста самого художника, и он тоже изображен на полотне! Пукирев написал себя в образе человека справа, глаза которого передают всю боль мужчины, чья невеста выходит за другого. После этого шедевра Пукирев не написал более достойных картин, и теперь понятно, что в «Неравном браке» он передал свою личную драму. Картина была создана в  1862 году, тогда же вышел указ Синода о запрещении браков с большой разницей в возрасте.          

PhotoHint http://pics.livejournal.com/igrick/pic/000r1edq

Значение этнографии в картине

Мы представляем себе крестьянский труд тяжелым и изнурительным. А на картине Венецианова женщина в праздничном наряде с легкостью справляется с запряженными в бороны лошадьми. Почему же женщина, занимаясь «черным трудом», идет в праздничной одежде. Где же настоящая правда жизни? Дело в том, что у крестьян первую пахоту приравнивали к празднику. Еще во времена языческих верований, чтобы задобрить богов плодородия, в деревнях устраивались гулянья.

Венецианов в этой картине не столько погрузился в этнографию и крестьянский быт, как запечатлел проявление вечного бытия. В образе крестьянки, которая гораздо выше лошадей, художник показал прекрасную, легкую, молодую весну, ступающую по земле, обновляющую природу, успокаивающую детей.

Описание полотна

«На пашне. Весна» Венецианова — самая знаменитая и загадочная работа великого мастера.

В центральной части полотна расположена статная фигура крестьянки, которая ведет по полю двух лошадей и наблюдает за сидящим неподалеку ребенком. Ее движения плавны и изящны, создается впечатление. что она едва касается земли ногами. На лице женщины светится улыбка. Она наслаждается своей работой.

На ней надет нарядный сарафан и кокошник. Одежда крестьянки напоминает греческую тунику. В ее образе живописец увидел не проходящую античную красоту и гармонию.

Современники часто упрекали Венецианова за очень нарядную одежду, в которой он изобразил молодую женщину. Но это не было фантазией автора. Первый день пахоты считался праздником, и люди старались надеть на себя самые лучшие наряды.

На переднем плане живописец изобразил играющего малыша. Занятая тяжелым трудом в поле женщина — это мать. Ребенок одет в легкую одежду. Он спокоен и весел.

Женщина на поле находится не одна. Вдалеке в глубине пространства медленно скрывается еще одна пара лошадей, которых ведет другая крестьянка. Около линии горизонта можно рассмотреть еще одну женщину с упряжкой лошадей. По замыслу художника, крестьянки на поле движутся по кругу.

Картина раскрывает красоту весенней природы. Пейзаж написан правдиво и реалистично. Зритель ощущает наступление весны. Автор точно описывает высокое прозрачное небо, широкие открытые просторы и влажную землю. Под теплыми лучами солнца пробивается первая зеленая травка, на деревьях распускаются молодые листочки. Природа полностью вживается в уклад крестьянской жизни. Она едина и гармонична с человеком.