Арте повера характерная черта представитель художника и связанный элемент

Введение

Марио Мерц. «Иглу из камня»

Арте по́вера (итал. Arte Povera — бедное искусство) — термин, введённый в 1967 году искусствоведом и куратором Джермано Челантом для определения художественного течения, объединившего художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине 1960-х — 1970. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности. Некоторые из художников арте повера, которые принадлежали к разным поколениям, были уже хорошо известны в арт-кругах Италии.

Средневековое искусство

На протяжении всего средневековья итальянское искусство главным образом включало в себя архитектурные украшения (фрески и мозаики). Византийское искусство в Италии представляло собой очень формальное и изысканное декорирование со стандартизированной каллиграфией и поражающим использованием цвета и золота. До XIII века искусство в Италии было почти полностью региональным, оно попадало под влияние внешних европейских и восточных течений. После прим. 1250 г. искусство различных регионов выработало общие характеристики, поэтому наблюдалось определенное единство и глубокая оригинальность.

Византийское искусство

После падения своей западной столицы Римская империя просуществовала еще 1000 лет под руководством Константинополя. Византийские мастера были задействованы в важных проектах по всей Италии, и византийские стили в живописи наблюдаются вплоть до XIV века.

Готическое искусство

Готический период знаменует собой переход от средневекового искусства к Возрождению, он характеризуется стилями и взглядами, развивавшимися под влиянием доминиканского и францисканского монашеских орденов, основанных святым Домиником и святым Франциском Ассизским соответственно.

Это было время религиозных споров внутри церкви. Ордена францисканцев и доминиканцев были основаны как попытка решить эти споры и вернуть католическую церковь обратно к основам. Ранние годы францисканцев особенно запомнились милосердием святого Франциска, а доминиканцев помнят как орден, на котором лежит наибольшая ответственность за возникновение инквизиции.

Готическая архитектура зародилась в северной Европе и распространилась на юг в Италию.

Международное и коммерческое признание

Расцвет арте повера пришелся на —, но его влияние на последующие художественные течения было значительным и продолжительным. Уже в конце -х движение арте повера воспринималось не только как национальная художественная тенденция, а в общем международном контексте. В это время, благодаря возможностям медиального обмена, интернациональные параллели стали заметнее, чем национальные различия. Работы художников арте повера были выставлены на таких легендарных выставках как «Live in Your Head: When Attitudes Become Form» (Kunsthalle Bern, 1969; Институт современного искусства, Лондон, 1969) и «Op Losse Schroeven» (Stedelijk Museum, Амстердам, 1969), вместе с произведениями концептуального искусства, лэнд-арта и минимализма.

В 1966 году Пьеро Джларди, Джанни Пьачентино, Микеланджело Пистолетто, Alighiero Boetti, Джованни Ансельмо организовывают выставку в галерее Спероне, в Турине, под названием «обитаемое Arte Abitabile Искусство». Эта выставка ставит целью дать ответ американскому, минимальному Искусству — и особенно творчеству Don Джадд и на Почве LEWITT –выставляемые двумя месяцами ранее в Jewish Museum, в Нью-Йорке, демонстрацией Primatury Structures. Итальянцы сохраняют большую визуальную простоту своих произведений, но отклоняют холодность и нейтралитет в пользу субъективного фактора чувствительности. Эта демонстрация зарождает направление Arte Povera.

В начале 1970-х стало очевидно, что надежды художников арте повера на социальные и эстетические изменения в повседневной жизни посредством искусства не оправдались. Более того, художественный рынок оказался способным интегрировать эти открытые формы искусства.

Крупная коллекция работ художников арте повера за пределами Италии находится в Художественном музее Лихтенштейна.

В Санкт-Петербурге, в 2018 году в залах Государственного Эрмитажа прошла выставка «Арте Повера. Творческий прорыв». Выставка «Арте Повера. Творческий прорыв» проходит в рамках проекта «Эрмитаж 20/21». На ней было представлено более пятидесяти работ итальянских художников второй половины двадцатого века. Произведения были предоставлены Музеем современного искусства Кастелло ди Риволи (Риволи–Турин, Италия), при участии Галереей современного искусства GAM (Турин, Италия), а также при посредничестве Villaggio Globale International и поддержке компании Lavazza (Италия).

Каналетто (1697-1768).

Каналетто. Автопортрет. XVIII век. Частная коллекция.

Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.

Такой подход к пейзажу был в новинку в те времена. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников.

Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры.

Вот, к примеру, полотно «Гранд-Канал».

Каналетто. Гранд-Канал. 1730. Галерея Уффици, Флоренция.

Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы.

А здания вокруг – это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени! Ну как тут не вспомнить об импрессионистах?

Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне. И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении.

Каналетто. Вестминстерское аббатство. 1749. Музей Вестминстера.

Но художник не всегда точно переносил на холст изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу».

В 1746 году Каналетто переехал в Англию, где быстро завоевал любовь публики.

На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная. Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится.

Но зато сколько за счёт этой свободы появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто!

Посмотрите ещё на одну знаменитую картину художника «Скуола Сан-Марко».

Каналетто. Скуола Сан-Марко. 1765. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.

Художник подбирает необычный, драматичный цвет неба. Здание написано невероятно тонкой линией. Рассветные лучи мягко обволакивают Скуолу. Потрясающее сочетание красоты природы и архитектуры. В этом весь Каналетто!

В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей.

Современное искусство (1970-е–наши дни)

Мойка стены (Бэнкси, 2008)

1970-е годы стали началом периода современного искусства, который продолжается сегодня. Современному искусству свойственно разнообразие — появление различных школ и отдельные движения.

Постмодернизм: в противопоставление модернизму художники создают произведения, отражающие скептицизм, иронию и философскую критику.
Феминистское искусство (арт-феминизм): движение возникло в стремлении изменить стереотипы и модель истории искусства, в которой доминируют художники-мужчины.
Неоэкспрессионизм: стремление возродить оригинальные аспекты экспрессионизма и создавать текстурные, выразительные, большие по масштабу работы.
Стрит-арт (уличное искусство): такие художники, как Бэнкси, Кит Харинг, Жан-Мишель Баския, Барри МакГи и другие, создают рисуют в стиле граффити в общественных местах, на тротуарах, зданиях и тоннелях.
«Поколение картинок» (The Pictures Generation): Синди Шерман, Луиза Лоулер, Гэри Симмонс и другие художники под влиянием концептуального и поп-арта экспериментируют со знакомыми образами, исследуя то, как формируется наше восприятие мира.
Апроприация: движение сосредоточено на использовании в искусстве уже готовых или чужих изображений, предметов, скульптур с небольшими преобразованиями по сравнению с их первоначальной формой.
Молодые британские художники (YBA): группа лондонских художников шокировала публику неожиданными образами и готовностью выйти за рамки приличия. Одна из самых значимых работ — «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (резервуар с тигровой акулой в растворе формальдегида).
Цифровое искусство (компьютерное искусство): появление цифровой камеры дало развитие этому течению, в котором художники совмещают искусство и технологии — компьютеры, аудио и визуальное программное обеспечение, аудио.

История западного искусства — это череда сменяющих друг друга художественных стилей и техник, форм и носителей искусства. Разные течения оставляют после себя выдающиеся живописные полотна, скульптуры, архитектурные сооружения. Каждое творческое направление отражает не только эстетические идеалы, но и мировоззрение людей соответствующего времени. Нам оно помогает заглянуть в прошлое, понять своих предков и найти истоки всего, что создается сегодня вокруг нас.

Перевод статьи «Линия времени искусства: западные течения и их влияние» (Art History Timeline: Western Art Movements and Their Impact).

Тициан

Продолжительность жизни: 1488/1490 — 27 августа 1576

Национальность: итальянец

Тициан

Тициан — самый важный художник венецианской школы 16-го века. Он был универсальным художником, знатоком портретов; ландшафтных фонов и мифологических и религиозных предметов. За свою долгую карьеру Тициан экспериментировал со многими различными стилями живописи. На самом деле он радикально пересмотрел свой стиль и технику в последние годы. Свободные мазки и тонкость тона в его более поздних работах, не имеют аналогов в западном искусстве. Тициан использует цвета и методы рисования, особенно его акцент на прикосновениях кисти и даже иногда на кончиках пальцев, оказал глубокое влияние не только на художников позднего итальянского ренессанса, но и на будущие поколения западного искусства. Он также известен тем, что изменил историю искусства и покровительства, позволив королям и высшим санам Церкви совершать сексуальные соблазнения так же легко, как распятия. Тициан был провозглашен современниками как «Солнце среди маленьких звезд». Сегодня искусствоведы считают его одним из величайших художников всех времен.

Шедевр: Венера Урбинская (1538)

Венера Урбинская (1538)

Другие известные работы: —

Успение Богородицы (1518)
Вакх и Ариадна (1523)

Романтизм (1780–1850)

Художник, приведенный в отчаяние величием обломков древности (Генрих Фюссли, 1779)

Романтизм пронизывал все области творчества от живописи до музыки и литературы. Идеалы, присущие каждой из этих форм искусства, отвергают порядок, гармонию и рациональность, которые были приняты в классическом искусстве и в неоклассицизме. Вместо этого художники-романтики подчеркивали индивидуальность и воображение. Еще одной определяющей романтической идеей была любовь к природе. Многие обратились к пленэрной живописи, которая «вывела» художников из темных интерьеров навстречу живым пейзажам

Художники сосредоточили свое внимание на страстях, эмоциях и ощущениях, занимавших по их мнению главенствующую позицию по отношению к интеллекту и разуму

Выдающимися художниками романтизма считаются Генрих Фюссли, создававший странные, мрачные картины, исследующие темные тайны человеческой психологии, и Уильям Блейк, чьи таинственные стихи и изображения передают мистические видения и разочарование в социальных ограничениях.

Задания с выбором ответа

1. Родиной Возрождения была

1) Англия
2) Испания
3) Германия
4) Италия

2. Гуманистами называли

1) жителей больших городов
2) служителей Католической церкви
3) людей, придерживающихся светского взгляда на окружающий мир
4) владельцев мануфактур

3. Какие из перечисленных положений составляют основу взглядов гуманистов?

А) вера в человека и его возможности
Б) стремление к познанию окружающего мира
В) убежденность в ценности загробной жизни перед земной
Г) признание значения науки и искусства в жизни человека, необходимости образования
Д) отказ от радостей и удовольствий мирской жизни
Е) отрицание способности человека изменять свою судьбу Укажите верный ответ.

1) АБЕ
2) БДЕ
3) ВГД
4) АБГ

4. Кто из писателей Возрождения является автором романа о приключениях Дон Кихота?

1) Томас Мор
2) Уильям Шекспир
3) Мигель Сервантес
4) Франсуа Рабле

5. Героине какого произведения принадлежат следующие слова: «Глупость создает государства, поддерживает власть, религию, управление, суд. Да и что такое вся жизнь человеческая, как не забава Глупости?»

1) Ромео и Джульетта
2) Дон Кихот
3) Похвала Глупости
4) Золотая книга, столь же полезная, как и приятная, о наилучшем устройстве государства и о новом острове Утопия

6. Как называли небольшое лирическое вокальное произведение светского характера, написанное на стихи поэтов Возрождения?

1) молитва
2) хорал
3) мадригал
4) опера

7. Какой город становится центром гуманизма в XVI в.?

1) Флоренция
2) Лондон
3) Мадрид
4) Рим

8. Кто из великих художников Возрождения прославился еще и как поэт?

1) Диего Веласкес
2) Микеланджело Буонарроти
3) Питер Брейгель Старший
4) Рафаэль Санти

9. В росписи Сикстинской капеллы принимал участие

1) Ганс Гольбейн
2) Альбрехт Дюрер
3) Донато Браманте
4) Микеланджело Буонарроти

Рококо (1699–1780)

Паломничество на остров Киферу (Антуан Вато, Париж, 1717)

Стиль зародился в Париже и охватывал декоративное искусство, живопись, архитектуру и скульптуру. Эстетика Рококо предполагала более мягкую декоративную манеру изображения по сравнению с изобилием барокко. Рококо отличается легкостью и элегантностью, с акцентом на использование естественных форм, асимметричный дизайн и нежные цвета.

Такие художники, как Антуан Ватто и Франсуа Буше, сочетали мягкую манеру письма, активные мазки кисти и свежие цвета. Стиль рококо проник не только в живопись и архитектуру, но и в украшение серебряной, фарфоровой посуды и предметов интерьера. Многие стулья и шкафы того времени отличались изогнутыми формами, цветочным орнаментом и частым использованием позолоты.

3. Международное и коммерческое признание

Расцвет арте повера пришелся на 1967–1972, но его влияние на последующие художественные течения было значительным и продолжительным. Уже в конце 1960-х движение арте повера воспринималось не только как национальная художественная тенденция, а в общем международном контексте. В это время, благодаря возможностям медиального обмена, интернациональные параллели стали заметнее, чем национальные различия. Работы художников арте повера были выставлены на таких легендарных выставках как «Live in Your Head: When Attitudes Become Form» (Kunsthalle Bern, 1969; Институт современного искусства, Лондон, 1969) и «Op Losse Schroeven» (Stedelijk Museum, Амстердам, 1969), вместе с произведениями концептуального искусства, лэнд-арта и минимализма.

Выразительные средства

Представители данного течения видели своей главной задачей борьбу с капитализмом, «красивым искусством». В связи с этим, в своих работах художники использовали обрывки газет, мусор, листья табака, тряпки — все это являлось действительностью, которая их окружала и которую они хотели выразить.Стремление художников арте повера сбросить искусство с его пьедестала привело к экспансии форм и материалов: самые банальные и привычные вещи могли быть интегрированы в художественный контекст. Как следствие, спектр используемых материалов и ресурсов радикально расширился. Желание раздвинуть границы искусства и жизни привели, кроме того, к подходам, основанным на процессах. Временные инсталляции и действия, направленные только на данный момент, характерны для искусства арте повера конца 1960-х. В работах более поздних лет радикальные приемы стали привычными, и традиционным формам снова нашлось применение в произведениях художников арте повера.

Таким образом, Марио Мерц, Микеланджело Пистолетто, Марио Чероли, Джулио Паолини, Яннис Кунеллис, создавая свои инсталляции, стремились к выявлению поэтики простых вещей, тем самым возвышая их над «красивым искусством». Они пытались выразить их взаимодействие с обыденной жизнью. Специально выставляясь в залах художественных музеев, они подчеркивали контраст между экспозиционным пространством и обиходной семантики, тем самым позволяя раскрыться простым вещам, выразим их эмоциональную ауру.

Произведения не лишены символического смысла, однако отметим, что этот смысл свободен и имеет большое ассоциативное поле, не имея значение чего-то конкретного. Так, к этому тяготеют многие работы Янниса Кунеллиса, в которых художественное пространство и его атмосфера создается путем неназойливого сочетания вещей, которые человек может увидеть в свой повседневной жизни: это сочетания подобранных на свалке вещей, мешков с углем, гипсов античных статуй и огня газовых горелок. Так примером может послужить объект Лучано Фебри, поименованный «Принеси мне голову Иоанна Крестителя на блюде» и представляющий собой большую стеклянную чашу на белой скатерти стола, наполненную стеклянными осколками.

Стоит отметить, что многие работы художников арте повера создают впечатление автономности и самодостаточности в их художественном жесте. Под автономностью следует понимать способность произведения жить своей жизнью: применяемые художниками материалы, такие как бетон, (Ансельмо, Дзорио), продукты промышленности (Кунеллис, Марио Мерц), зеркала (Пистолетто, Фабро), отсылают нас как к предметам индустриального производства, так и к кустарным методам работы. Своими работами представители течения арте повера, возникшего около пятидесяти лет назад, совершили творческую революцию, в которой в очередной раз утвердили свободу языка искусства от принадлежности к какой-либо строгой системе, заложив основы новой эстетики, которая гласила, что искусство — среди нас.

Концептуальное искусство (1960-е–1970-е)

Один и три стула (Джозеф Кошут, 1965). Добросовестное использование, en.wikipedia.org

Концептуальное искусство полностью отвергало предыдущие направления в искусстве, а художники ценили идеи выше визуальных компонентов, создавая искусство перформансов, эфемер и других форм. «Активная поэзия» польской художницы перформанса Евы Партум состояла из разбросанных букв алфавита по разным ландшафтам. Американский художник Джозеф Кошут отразил свои размышления о появлении и роли языка в искусстве в известной работе 1965 года «Один и три стула». В нем он представляет обычный стул тремя разными способами, показав разницу значений одного и того же объекта. Поскольку этот вид искусства сфокусирован на идеях и концепциях, четкого стиля или формы в этом течении не было.

Художники

Джованни Ансельмо (1934-), итальянский скульптор.
Алигьеро Боэтти (1940–1994), итальянский художник.
Ферруччо Бортолуцци (1920-2007), итальянский художник.
Пьер Паоло Кальцолари (1943-), итальянский художник.
Энрико Кастеллани (1930-2017), итальянский художник.
Росселла Косентино
Лучано Фабро (1936-2007), художник и скульптор.
Лучио Фонтана (1899-1968), аргентинский художник и скульптор.
Пьеро Джиларди (1942-), итальянский скульптор.
Кичиневский
Яннис Кунеллис (1936-2017), греческий художник и скульптор.
Джованни Мартеди (1936-2012), итальянский режиссер-экспериментатор.
Марио Мерц (1925-2003), итальянский художник, живописец и скульптор.
Мариса Мерц (1931-2019), итальянская художница.
Пьеро Манцони (1933-1963), итальянский художник.
Джулио Паолини (1940-), итальянский скульптор и художник.
Клаудио Пармиджани (1943-), итальянский художник.
Пино Паскали (1935-1968), итальянский художник.
Джузеппе Пеноне (1947-), итальянский художник и скульптор.
Микеланджело Пистолетто (1933-), итальянский художник, живописец и скульптор.
Азар Салман
Эдоардо Тресольди (1987-), итальянский скульптор и сценограф.
Жильберто Зорио (1944-), итальянский скульптор.

Растения для сада в стиле Арт Повери

Растения для сада такого стиля подбираются согласно отдельных зон.

Для цветников используются многолетние и однолетние растения. Часто среди них можно увидеть папоротники, настурции, сальвию, бархатцы, групповые посадки ирисов, наперстянки, разные сорта герани, лилий, злаковых растений, хосты, бузульник, роджерсия, полынь и другие.
Из кустарниковых предпочтение отдают спиреи, снежноягодникам, гортензии, рододендронам, плетистой розе, барбарисам, форзиции и пузыреплоднику клинолистному.
Для декорирования арок, беседок или вертикальных предметов используют лиановидные растения такие как: актиния, жимолость, лимонник, клематис или девичий виноград.
Из деревьев чаще всего высаживают хвойные, такие как: сосна, туя или ель, а так же можжевельник, плакучую березу, каштан, клен и иву.
В зоне плодовых деревьев используют яблоню, груши сливы, черешни и абрикос.
А так же плодовые кустарники, такие как смородина, малина, крыжовник, жимолость, которые оформляют в виде живой изгороди, подрезая их соответствующим образом.
Из цветов отдается предпочтение розам, подсолнечнику, георгинам, мальвам, петуниям и бегонии.

Барокко (1600–1750)

Призвание апостола Матфея (Караваджо, Рим, 1600)

Периоду барокко, следовавшему за маньеризмом, было свойственно преувеличенное изящество в живописи и архитектуре. Он отличался величием и богатством, интересом к развитию человеческого интеллекта и знаний и глобальным открытиям. Произведения художников барокко были стилистически сложными, неоднозначными.

Картины барокко характеризовались драматизмом, как это видно в культовых произведениях итальянского художника Караваджо и голландского живописца Рембрандта. Художники использовали интенсивный контраст между светлым и темным и создавали энергичные композиции, сочетающиеся с богатой цветовой палитрой.

Искусство эпохи Возрождения (1400-1600)

Афинская школа (Рафаэль, Рим, 1510)

Этот стиль живописи, скульптуры и декоративного искусства характеризовался акцентом на природе и индивидуализме, идее о независимом и самостоятельном человеке. Хотя эти гуманистические идеалы присутствовали и в позднем средневековье, но расцвета они достигли в XV-XVI веках, параллельно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация.

Ренессанс достиг своего апогея во Флоренции, Италия, во многом благодаря Медичи, богатой купеческой семье. Медичи на протяжении нескольких поклений поддерживали искусство и гуманистические философию и учения. Итальянский дизайнер Филиппо Брунеллески и скульптор Донателло были главными новаторами этого периода.

Высокое Возрождение (1490–1527) породило таких влиятельных художников, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, которые привнесли новые творческие идеи и определили идеалы эмоционального выражения в искусстве на многие поколения вперед

Произведения искусства в эпоху Возрождения характеризовались реализмом, вниманием к деталям и точным изучением анатомии человека. Художники использовали линейную перспективу и создавали глубину за счет интенсивной игры света и тени

Искусство начало стилистически меняться, когда столкновения христианской веры и гуманизма уступили место маньеризму.

Доисторическое искусство (~ 40 000–4 000 до н.э.)

Наскальные рисунки эпохи палеолита (пещера Ласко во Франции)

Истоки истории искусства восходят к доисторической эпохе, задолго до появления письменности. Самые ранние артефакты относят к эпохе палеолита или древнего каменного века — это наскальные рисунки, гравюры, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции.

Искусство этого периода основывалось на использовании натуральных красителей и резьбе по камню для создания изображений предметов, животных и ритуалов, которые были крайне важны в жизни древних цивилизаций. Одним из самых известных примеров доисторического искусства являются наскальные рисунки эпохи палеолита, обнаруженные в пещерах Ласко во Франции в 1940 году. Их возраст превосходит 20 000 лет, и на них изображены крупные животные и растительность этой местности.

Импрессионизм (1865–1885)

Впечатление. Восходящее солнце (Клод Моне, 1872)

Художники-импрессионисты стремились запечатлеть свое непосредственное впечатление от определенного момента. Характерные черты — короткие, быстрые мазки кисти и ощущение незавершенности картины. В качестве предмета изображения импрессионисты использовали окружающую их современность, изображая такие ситуации, как танцевальные залы и регаты парусных лодок, а не исторические или мифологические события.

Имя Клода Моне, французского художника, стоявшего у истоков идеи выражения чувственного восприятия природы, фактически является синонимом импрессионистского движения. Среди его известных работ «Пруд с водяными лилиями» (1899 г.), «Прогулка. Дама с зонтиком» (1875 г.) и «Впечатление. Восходящее солнца» (1872 г.), от которых и произошло название художественного стиля.

Художники

Микеланджело Пистолетто начал рисовать на зеркалах в 1962 году, связав живопись с постоянно меняющейся реальностью, в которой находится произведение. В конце 1960-х он начал объединять тряпки с слепками вездесущих классических скульптур Италии, чтобы разрушить иерархию «искусства» и обычных вещей. Искусство использования плохих материалов, безусловно, является одним из аспектов определения Arte Povera. В его 1967 Муретто ди Страччи (Тряпичная стена), Пистолетто делает экзотический и роскошный гобелен, оборачивая обычные кирпичи в выброшенные лоскутки ткани.

Яннис Кунеллис и Марио Мерц попытался сделать переживание искусства более реальным, а также более тесно связать человека с природой. В его (Без названия / Двенадцать лошадей), Кунеллис привносит настоящую, естественную жизнь в обстановку галереи, показывая двенадцать лошадей, загнанных на стены галереи. Напоминая о Дадаизм движение и Марсель Дюшанего целью было бросить вызов тому, что можно было определить как искусство, но, в отличие от Дюшана, он поддерживает объекты реальными и живыми, переопределяя понятие жизни и искусства, сохраняя при этом независимость обоих сущностей.

Пьеро ДжилардиКак и цель самого Arte Povera, он был связан с соединением естественного и искусственного. В его (Природные ковры), 1965, которое принесло ему признание и ассимиляцию с движением Arte Povera, Джиларди построил трехмерные ковры из полиуретан в которых использовались «натуральные» листья, камни и почва в качестве декора, дизайн и искусство объединились, чтобы поставить под сомнение отношение общества к тому, что является реальным и естественным и как искусственность укоренилась в современном коммерциализированном мире.