Пит Мондриан в Нью-Йорке
В честь Пита Мондриана назван язык программирования Piet. Дизайнер Ив Сен Лоран создал коллекцию нарядов с цитатами из его картин. Один из самых великих и узнаваемых живописцев прошлого века нашел свой стиль не сразу. Сначала, в свободное от преподавания в начальной школе время, он изображал родные просторы: поля, мельницы, реки. Постепенно в его работах начинает прослеживаться тяга к ясным цветам и четкой геометрии. Он даже издает манифесты о необходимости строгого порядка в искусстве.
Тяга к упорядочиванию была определяющей чертой характера голландского абстракциониста. Устав от непонимания и однообразия у себя на родине, Мондриан переезжает в Париж, где сознательно начинает ограничивать выразительные средства: создает полотна без малейшего намека на сюжет и пространственную глубину. Вместо композиции он расчерчивал холст сеткой, на которой закрашивал квадраты с помощью основных цветов спектра.
Нью-Йорк — источник вдохновения Пита Мондриана
После переезда в Нью-Йорк, “голландский философ с кистью в руке”, как он сам себя называл, обрел долгожданное единение со средой. Он оборудовал студию на Манхэттене, где стоило ему перевести взгляд с холста на окно, повсюду находил источники вдохновения — правильные квадраты кварталов, круги светофоров, параллельные прямые небоскребов, бесчисленные прямоугольники окон…
Мондриан передает свое восхищение городом с помощью самых правильных по его мнению выразительных средств — четких и ясных форм, прямых линий, первичных тонов. Он, восхищавшийся большими городами и организованной жизнью, почувствовал небывалый прилив творческой энергии в Нью-Йорке. Художник как никогда ощущал близость воплощения сверхзадачи, которую он поставил перед собой еще в молодости: осмысление мировой души и ее воплощение самой правильной форме.
«Ночная терраса кафе» напоминает о «Тайной вечере»
Нарисованная в 1888 году «Ночная терраса кафе» — одна из наиболее важных работ Ван Гога, полностью раскрывающих особый стиль художника. Она также одна из самых его любимых. Но некоторые утверждают, что в ней имеется гораздо более глубокий подтекст. Согласно недавней теории «Ночная терраса кафе» отсылает нас к «Тайной вечере».
С раннего возраста Ван Гог был чрезвычайно религиозным. Его отец был протестантским священником, и влиятельные арткритики утверждают, что картины художника наполнены христианской образностью.
В случае с «Ночной террасой кафе» эта образность проявляется в виде Иисуса, пришедшего поесть со своими учениками. Если внимательно посмотреть на обедающих, то можно увидеть, что их двенадцать и они сидят вокруг центральной фигуры с длинными волосами.
Что характерно, есть даже ряд крестов, спрятанных на картинке, в том числе один непосредственно над фигурой Христа. Есть и другие доказательства в поддержку этой теории.
Когда Ван Гог писал брату о живописи, он утверждал, что мир испытывает «огромную потребность» в религии. Он был также глубоко увлечен Рембрандтом и выражал желание оживить свой стиль тонкой христианской символикой. «Ночная терраса кафе» вполне может служить доказательством того, что, в конечном счете, ему это удалось.
Каналетто (1697-1768).
Каналетто. Автопортрет. XVIII век. Частная коллекция.
Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.
Такой подход к пейзажу был в новинку в те времена. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников.
Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры.
Вот, к примеру, полотно «Гранд-Канал».
Каналетто. Гранд-Канал. 1730. Галерея Уффици, Флоренция.
Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы.
А здания вокруг – это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени! Ну как тут не вспомнить об импрессионистах?
Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне. И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении.
Каналетто. Вестминстерское аббатство. 1749. Музей Вестминстера.
Но художник не всегда точно переносил на холст изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу».
В 1746 году Каналетто переехал в Англию, где быстро завоевал любовь публики.
На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная. Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится.
Но зато сколько за счёт этой свободы появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто!
Посмотрите ещё на одну знаменитую картину художника «Скуола Сан-Марко».
Каналетто. Скуола Сан-Марко. 1765. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.
Художник подбирает необычный, драматичный цвет неба. Здание написано невероятно тонкой линией. Рассветные лучи мягко обволакивают Скуолу. Потрясающее сочетание красоты природы и архитектуры. В этом весь Каналетто!
В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей.
«Урок музыки» наполнен сексуальностью
Созданный Йоханнесом Вермеером в 1660-е годы «Урок музыки» считается одной из величайших картин, изображавших голландскую жизнь 17-го века. Молодую девушку учит играть на клавесине красивый репетитор.
Это фотореалистичное изображение типичного дня высшего общества во времена Вермеера. По крайней мере, это стандартное объяснение. Некоторые же считают, что картина пронизана сексом и скрытой страстью.
Согласно этой теории картина наполнена маленькими ключиками к пониманию сексуальной напряженности между девушкой и ее наставником. Неудивительно, что образ девушки связан с девственностью, но зеркало над клавесином показывает, что девушка на самом деле во время игры смотрит на учителя.
Кувшин для вина — афродизиак, в то время как инструмент на полу интерпретируется как огромный фаллический символ. Если рассматривать картину с такой точки зрения, то возможно даже предположить, что зритель — это вуайерист.
И это не только в случае с этой картиной. Некоторые искусствоведы утверждают, что присутствие музыки на картинах Вермеера всегда символизирует сексуальность, что делает его творчество очень странным.
Жоан Миро в Нормандии
Изумрудные долины, отвесные скалы, небо пастельных тонов… Нормандия — это сокровищница для искателей уединения. Жоан Миро, в отличие от своего соотечественника Сальвадора Дали, был из разряда спокойных художников, черпающих творческие силы на природе, в отдалении от городской суеты. В таких местах он брал самое лучшее из настоящего, соединял его с воображаемым. Метод “поэтического реализма” приводил его к потрясающим результатам: метафорический стиль с текучими, как будто невесомыми формами, где реальные предметы переносятся в мир фантазии стал визитной карточкой Миро.
Основы живописи художник освоил в Барселоне, шлифовал стиль в Париже и во время затворничества на родительской ферме, но на по-настоящему высокий уровень творческого развития Миро поднялся именно в любимой им Нормандии.
Нормандия — самая романтичная из французских провинций
Он поселился в маленьком доме в деревушке Варанживиль, где отрешился от внешнего мира и погрузился в мир творческий
Он самозабренно трудился над серией картин “Созвездие”, которую в письме к Матиссу назвал самой важной из всех его работ. В момент, когда полотна Миро из нормандской деревни перевозятся в Париж и выставляются на всеобщее обозрение, к художнику приходит слава
Теперь на любой из выставок его принимают как признанного мастера. Постоянно получая приглашения от художественных школ и академий, Миро стремиться в Нормандию, самую романтичную из французских провинций, где сердце его обрело покой, а разум — абсолютную свободу.
Сальвадор Дали в Лос-Анджелесе
Одним из любимых моментов в создании картины для Сальвадора Дали был момент получения гонорара. Именно поэтому Голливуд пришелся ему по душе. После того как будущего сюрреалиста за высокомерное отношение к преподавателям выгнали из мадридской Художественной академии, он решил последовать примеру Пикассо и уехал в Париж. С началом Второй мировой войны Сальвадор Дали вынужден подыскать более спокойное место для жизни и на восемь лет переезжает в США. Там художник работает с Уолтом Диснеем над созданием мультфильма и придумывает декорации для одной из сцен фильма Альфреда Хичкока. После “голливудского этапа” Дали возвращается в Париж, но магия кино уже навсегда овладела им.
В столице Франции Дали снимает причудливые короткометражные фильмы и делает сюрреалистические фотографии. Из-за необычных объектов для съемки (поток воды, прыгающий по ступенькам мяч) и использования эффекта обратного просмотра его фильмы признаны одними из самых впечатляющих образцов артхаусного кино. Тому, что усвоил в Голливуде, художник смог привнести частицу своей индивидуальности, что дало столь неожиданный результат.
Дали нравится находиться по обе стороны камеры — помимо работы режиссером он снимается в рекламных роликах.
Каталанская коммерческая жилка и приобретенное в Голливуде умение превращать талант в деньги помогали хорошо зарабатывать даже во время отсутствия заказов на картины: он делает эскизы костюмов для фильмов и спектаклей, придумывает логотипы для разных компаний и товаров. Именно Сальвадор Дали создал существующую поныне обертку для чупа-чупса, показав, что коммерческие образы могут быть такими же долгожителями, как и предметы искусства. Возможно именно это послужило предпосылкой к появлению поп-арта…
Как понять картины Пикассо
А теперь главный вопрос: как же понять работы Пикассо.
Пикассо виртуозно издевался над формой.
Сначала он деликатно вытягивал ее в своём Голубом периоде.
Пабло Пикассо. Две сестры. 1902. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.
Потом осмелел и начал дробить ее в коллажах и кубизме.
Затем надувал женщин, как воздушные шарики.
А ещё разбивал на мелкие осколки и «склеивал» их кое-как.
Пабло Пикассо. Плачущая женщина (Дора Маар). 1937. Музей Пикассо, Париж. Artchive.ru.
Мы недоуменно смотрим на то, как форму и линию искажают и рушат каноны классического искусства. И пытаемся понять, за что же он так!
Но все это Пикассо делал с одной целью. Чтобы показать СУТЬ вещи или человека, а не их ИЗОБРАЖЕНИЕ.
Я попробую это объяснить на примере двух его работ.
1. Груша, 1914.
Пабло Пикассо. Композиция с разрезанной грушей. 1914. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.
На картине «Натюрморт с разрезанной грушей» мы НЕ видим изображение груши. Но мы видим кусочки холста в крапинку, и мы вспоминаем о подобной текстуре грушевой мякоти. Нежный бежевый и коричневый тоже ассоциируются с грушей. Уже не говоря о характерной дуге.
Все эти обрывки образа груши вызывают у нас не только зрительное воспоминание о груше, но и о ее вкусе, и том, какая она на ощупь.
Художник запускает в нашем мозгу цепочку ассоциаций, и вот ОН – полнокровный образ Груши.
2. Сон, 1932.
Пабло Пикассо. Сон. 1932. Частная коллекция. Ru.wikipedia.org.
Во время изматывающего брака с Ольгой Хохловой Пикассо случайно встретил юную Марию-Терезу.
Он, конечно, писал ее. Лицо в стиле кубизма – показано одновременно с двух точек зрения, и в профиль, и анфас. Это прямое указание на двойственную природу этой женщины.
Пикассо показывает нам, что чувственность и мягкость преобладали в этой женщине. Поэтому в целом образ соткан из плавных и округлых линий.
Но при этом в ней была заложена вторая сторона. Физически она была слегка мужеподобна, с узкими бёдрами и широкими плечами. И эту часть художник нам тоже показывает.
Мария-Тереза вся как бы разделена на две части. Одна часть с приоткрытой грудью, другая – как будто плоская. Одна – розового оттенка, другая – холодного бледно-желтого.
Да и фон двоякий. Слева – мужские полоски, справа – женские цветочки.
Вот такой вот Инь и Янь по-пикассовски.
Андрей Аллахвердов. Пабло Пикассо. 2020. Частное собрание (всю серию портретов художников XIX-XX веков смотрите на сайте allakhverdov.com).
Как мне кажется, у Пикассо получилось показать самую большую фигу Ее Величеству Фотографии. Ведь фотография может передать любое изображение. А вот суть вещи – едва ли. Зато это может Живопись и Пикассо.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Картины голландской школы живописи — картины в картинах
Голландский золотой век живописи уступает, пожалуй, только итальянскому Возрождению. Как и в другие эпохи, в это время также были свои собственные причуды в моде и в живописи, одной из которых стало то, что художники рисовали «картины в картинах».
Эти «картины в картинах» рисовали не только Вермеер и его товарищи по кисти. Некоторые считают, что такие картины содержат специальный символьный код. Одним из примеров такого стиля является картина «Тапочки» Самуэля ван Хугстратена.
На первый взгляд, на картине показан пустой зал с двумя парами тапочек, которые лежат посреди него. На стене зала висит картина Каспара Нетшера «Отец отчитывает свою дочь».
На первый взгляд, ничего необычного. Но современным ценителям голландского искусства известно, что картина Нетшера была нарисована в борделе. По-видимому, эти тапочки принадлежат мужчине и женщине, но так как зал пуст — возможно, они ушли заниматься сексом.
В других случаях код был тоньше. На картинах «Мужчина, пишущий письмо» и «Женщина, читающая письмо» (на фото) Габриэль Метсю изобразил молодого человека, пишущего письмо своей возлюбленной, и его прочтение.
На второй картине изображение корабля в бушующем море символизирует бурную природу их дальнейшей связи. На картине «Любовное письмо» Вермеера корабль под зловещими тучами внушает мысль о возможных плохих новостях.
Вы можете найти сотни примеров таких голландских картин «внутри картины», которые тонко изменяют смысл основного изображения.
«Аллегория с Венерой и Амуром» предупреждает о сифилисе
Картина, которая показывает Венеру и Амура, собирающихся заняться сексом на фоне лысого мужчины, всегда тревожит воображение. Даже по меркам своего времени картина Аньоло Бронзино «Аллегория с Венерой и Амуром» темновата.
Несмотря на восторженные отзывы о произведении как об эротический картине «особой красоты», есть много доказательств, что это действительно предупреждение о сифилисе. Об этом свидетельствует кричащая фигура в левой части картины.
Хотя в классическом описании картины сказано, что это метафора ревности или отчаяния, внимательное изучение показывает, что ей на самом деле очень плохо. Пальцы фигуры опухли, как у больных сифилисом, на них не хватает ногтей, а волосы имеют признаки сифилитической аллопеции. Беззубые дёсны предполагают отравление ртутью, которой пытались лечить сифилис в Италии эпохи Возрождения.
У одного из персонажей в ногу впился шип розы, но он этого не замечает. Такое отсутствие ощущений будет непосредственным результатом сифилитической миелопатии. Иными словами, на картине изображены страдания, которые ожидают в будущем тех, кто пойдет на поводу у страстей.
Работы Фриды Кало
Непростая жизнь этой прославившейся на весь мир мексиканской художницы, ее переживания и страхи сохранены на полотнах. В 6 лет будущая художница тяжело перенесла полиомиелит, из-за чего осталась хромой, а через 12 лет попала в автокатострофу. Девушка в течение года была прикована к постели. Тяжелой для Фриды стала новость, что после этого трагического инцидента она не сможет иметь детей. Именно в этот период мексиканка начала писать картины в стиле сюрреализм.
Художница Фрида Кало в молодости, ч/б фотография
Волнения и страхи на полотнах Фриды Кало передаются через тревожные образы – она часто создавала автопортреты, на которых изображена в мучениях.
Одна из самых известных работ – «Две Фриды» – написана в 1939 году после развода с мужем. Слева изображена женщина в европейской одежде, которую художница носила до брака. Справа она в традиционном мексиканском платье – так художница выражает с помощью смены наряда приверженность новым идеям национализма, которые были важны для ее супруга.
Картина «Две Фриды»
Василий Кандинский в Мюнхене
Василий Кандинский, создавший первое в истории абстрактное произведение, своим примером подтверждает поговорку “лучше поздно, чем никогда”. То, что живопись — это дело его жизни, он понял достаточно поздно, уже будучи доцентом юридической кафедры МГУ. В тридцатилетнем возрасте он посетил выставку импрессионистов в Москве, которая произвела на него столь глубокое впечатление, что он решился на радикальные перемены: отказался от многообещающей карьеры профессора, переехал в Мюнхен и посвятил свою жизнь искусству.
Именно в Германии мечты о творческой карьере крепнут и воплощаются в жизнь. Он начинает обучение в престижной частной школе югославского художника Антона Ажбе, где получает первые навыки в построении композиции. Кандинский учится с большим усердием и прогрессирует столь стремительно, что вскоре “перерастает” школу и поступает в мюнхенскую художественную академию. Профессорам не нравится склонность Кадинского к ярким цветам, и они заставляют его целый год писать черно-белые картины, чтобы “изучить форму как таковую”.
Мюнхен — место творческого расцвета русского художника Василия Кандинского
Расцвет творчества художника приходится на годы, когда он сам начинает преподавать на летних курсах при мюнхенской художественной школе. После мучительного черно-белого периода он вырабатывает новаторский стиль “ритмического использования цвета”, организует “Новое мюнхенское художественное сообщество”, затем арт-группу “Синий всадник” и проводит персональную выставку. В своем творчестве Кандинский, впервые надолго отдалившийся от родины, ищет вдохновение в русских сказках и былинах, создает завораживающие образы. С помощью своей неумной фантазии превращает в зримое загадочные предания о славянских деревянных городах.
Позже он переезжает во Францию, где получает получает новое гражданство и продолжает радикально обновлять представление об искусстве. Однако, как пишет Лакост, “ни в какое другое время живопись Кандинского не развивалась так стремительно, как в мюнхенские годы”. Именно в Мюнхене Кандинский стал основоположником абстракционизма и центром притяжения всего интеллектуального, неспокойного, ищущего, что было в творческой среде того времени.
Тициан
Продолжительность жизни: 1488/1490 — 27 августа 1576
Национальность: итальянец
Тициан
Тициан — самый важный художник венецианской школы 16-го века. Он был универсальным художником, знатоком портретов; ландшафтных фонов и мифологических и религиозных предметов. За свою долгую карьеру Тициан экспериментировал со многими различными стилями живописи. На самом деле он радикально пересмотрел свой стиль и технику в последние годы. Свободные мазки и тонкость тона в его более поздних работах, не имеют аналогов в западном искусстве. Тициан использует цвета и методы рисования, особенно его акцент на прикосновениях кисти и даже иногда на кончиках пальцев, оказал глубокое влияние не только на художников позднего итальянского ренессанса, но и на будущие поколения западного искусства. Он также известен тем, что изменил историю искусства и покровительства, позволив королям и высшим санам Церкви совершать сексуальные соблазнения так же легко, как распятия. Тициан был провозглашен современниками как «Солнце среди маленьких звезд». Сегодня искусствоведы считают его одним из величайших художников всех времен.
Шедевр: Венера Урбинская (1538)
Венера Урбинская (1538)
Другие известные работы: —
- Успение Богородицы (1518)
- Вакх и Ариадна (1523)
Личная жизнь известных испанцев
Женщины боготворили Пикассо, отдавая ему свою любовь, молодость и красоту: первая жена великого художника, русская балерина Ольга Хохлова так и не дала ему развод до самой своей смерти, в то время как Пикассо находил свое вдохновение в девушках все более и более юных. Крылатыми стали слова одной из его муз, так же как и многие и не устроившей свою личную жизнь после разрыва с художником: “После Пикассо может быть только Бог”.
Дали также был женат на русской женщине, своей Гала он посвятил всего себя, она была его любовью, его музой, его мучением. «Я люблю Гала больше чем отца, чем мать, больше, чем Пикассо. И даже больше, чем деньги» – писал Дали. Пара была экстравагантной, их отношения были взрывными и эксцентричными, тем не менее они продлились 53 года, до самой смерти Гала, с уходом которой не стало и Дали – его гений постепенно угас, растворился, как и его жизнь.
Похожая статья: Пикассо и Барселона
Что удивительно, за всю свою такую длинную и насыщенную жизнь, Пикассо не упомянул имени Дали ни в одном интервью, ни в одной своей работе. Не смотря на все провокации и вызовы со стороны эксцентричного современника, Пикассо оставался нем. Дали восхищался им, он от него отрекался, посвящал ему новеллы, картины и стихи. Пикассо молчал. Был ли он безразличен? Это интересный вопрос, на который нет ответа. Известно, что с 1927 по 1970г. Дали написал ему 28 писем, в которых он предлагал встречи, отправлял фото своих работ, ни на одно из них Пикассо так и не ответил, но сохранил их все.
Как Вы относитесь к творчеству Дали и Пикассо?
Пабло Пикассо в Париже
Гения от заурядного художника отличает стремление сделать открытие, изменить взгляд на мир. “Почему бы не сделать плоскую скульптуру”, — подумал Пабло Пикассо и решил отразить на холсте три плоскости предмета. Это была первая попытка создать 3D рисунок, объемное изображение. Так испанский художник стал отцом кубизма и перевернул взгляд на искусство.
Перед тем как решиться на эксперименты Пикассо великолепно освоил основы живописи в Барселоне, Мадриде и Ла-Корунье. Уже в 19 лет художник владел техникой рисования и на зависть собратьям по цеху с невероятной легкостью писал идеальные по композиции картины. Тогда он начал мечтать о большем и вместе с другом решился переехать в Париж.
Париж — город вдохновения для Пабло Пикассо
Пикассо приходит в восторг от французской столицы: творческая атмосфера, клубы художников и великолепные музеи стимулируют его к активной работе над своими полотнами. Даже после самоубийства друга, он “надевает на музу траур” и продолжает самозабвенно писать картины. Так начинается “голубой период” в его творческой жизни.
Затем Пикассо возвращается в Барселону, где продолжает создавать меланхоличные картины в синих тонах.
Вскоре поток вдохновения иссякает и Пикассо решается на новую поездку в Париж, где находит пристанище в общежитии для бедных художников на Монмартре. Новые творческие силы приходят к нему после знакомства со странствующими комедиантами. Так начинается более оптимистичный “розовый период”.
Именно в Париже художник отходит от экспериментов с цветом и начинает “деформировать натуру”: превращать любые формы в геометрические блоки, увеличивает и ломает объемы, рассекает объекты на плоскости и грани. Эти опыты, увлечение африканской скульптурой и парижская творческая среда привели Пикассо к новому жанру живописи и сделали его величайшим художником ХХ века.
Микеланджело
Продолжительность жизни: 6 марта 1475 г. — 18 февраля 1564 г.
Национальность: итальянец
Микеланджело
Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони был «человеком эпохи Возрождения» или «Универсальным гением», который преуспел в различных областях, включая живопись, архитектуру, поэзию и инженерию. Однако, прежде всего, он считается величайшим скульптором всех времен. В его жизни Микеланджело часто называли Il Divino («божественный»). После его смерти последующие художники попытались подражать его страстному, очень личному стилю, приводящему к маньеризму, следующему главному движению в западном искусстве. Микеланджело, пожалуй, самая влиятельная фигура в истории западного искусства, чьи работы в живописи, скульптуре и архитектуре оказали беспрецедентное влияние на развитие искусства на западе. Его статуя Давида — самая известная скульптура на западе; его фрески на потолке Сикстинской капеллы и Страшный суд на его алтарной стене гарантируют ему место среди величайших художников; и его базилика Святого Петра является наиболее известным произведением архитектуры эпохи Возрождения.
Шедевр: Давид (1504)
Давид (1504)
Другие известные работы:
- Сотворение Адама (1512)
- Базилика Святого Петра (1626)
Работы Л. С. Лоури полны скрытых страданий
Этот художник середины 20-го века известен картинами, изображающими северо-запад Англии. Л. Лоури часто рисовал огромные городские сцены с толпами «аферистов». Хотя он был популярен, мир искусства в течение длительного времени не признавал его картины, считая их тривиальными. На самом деле картины Лоури наполнены скрытыми человеческими страданиями.
На полотне 1926 года «Несчастный случай» нарисована толпа людей, которые собрались возле озера и смотрят на него. На самом деле художника вдохновила сцена самоубийства в этом месте, а толпа собралась поглазеть на труп утопленника.
На других картинах Лоури изображены персонажи, смотрящие кулачные бои, несчастные, которых выселяют из дома, или просто люди, глядящие из окон в подавленном настроении.
Ни в одной картине трагедия никогда не выпячивается. Все остальные люди продолжают жить своей повседневной жизнью, не подозревая о страданиях своих ближних. В этом мире мы совершенно одни, и наша боль ничего не значит для других. И это, наверное, самое страшное скрытое послание.
- 7 вещей, которые стоит держать в секрете
- Почему мужчины и женщины не должны уживаться между собой (но всё-таки уживаются)
- Как нейтрализовать влияние шести часов сидячей работы за 10 минут
- 10 психологических хитростей, с помощью которых можно влиять на людей
- 15 развлекательных сайтов, на которых мы надолго залипли
