Акционизм (искусство)

Акционизм в искусстве

Стиль живописи “акционизм”, “явился на свет” лишь благодаря творцам и художникам, которые решили познать и ознакомится со своим телом и вдобавок тому, что живописцы желали подстрекать, раззадоривать своих наблюдателей и зрителей тем самым заманивая и завлекая их же в собственное творение и создавая уже не обычный, а скорее общественный акционизм. В данном стиле холстом является вовсе не листок бумаги, а тело живописца, что будет считаться предметом искусства. В то время как творец проявится в качестве инструмента. Возникновение акционизма живописи, возможно также заметить еще в работах Джексона Поллока — американского абстрактного экспрессиониста. Такое сильное и влиятельное направление как абстрактный экспрессионизм, возникало и определялось в течение 20 лет ведь появилось определенно раньше арт акционизма, а если быть точнее, то в 1940-1950 годах

В этой тенденции возможно относительно акцентировать внимание на 2 подстилях, а именно на живописи действия и на живописи цветового поля. В рамках акционизма, идеологическая система живописи действия довольно-таки неплохо резонирует с ним

Вспыхнув благодаря сюрреализму, живопись действия обратила внимание на значимости экспрессивного жеста, который проявляется в мгновение формирования творения.

Фрагмент экспозиции выставки «Акционизм 2020: что дальше» в Центре творческих индустрий «Фабрика», Москва. 2020 Куратор Катрин Ненашева

Чтобы обнаружить источники акционизма, нужно лишь ознакомится с выступлениями дадаистов и сюрреалистов, с деятельностью поклонников абстракционизма, а также с “живыми картинами” Кляйна. А в 50-х и 60-х годах, данный стиль набирает новые обороты и начинает выходить совсем на иной уровень, а именно трансформируется в пьесы и спектакли театра. Первыми образцами и примерами картин акционизма является демонстрирование произведений И.Кляйна, который сотворил “живые картины”. В данных шедеврах он использовал человеческое тело в роли приспособление для нанесения цвета и красок на холст. Одна из таких демонстраций произошла в Париже в 1960 году. Три оголенные модели разукрасили себя же в сине-голубой оттенок, а после оставили отпечаток собственного тела на холсте. Задумка была в том, чтобы вывести искусство из плоского холста и показать абсолютно весь процесс производства шедевров.

Райнер в фильме Гербергта Брёдля Arnulf Rainer — Sternsucher, 1994

Модернизм

Первым направлением модернизма оказался импрессионизм – воплощение мимолетных впечатлений, переход от изображения реальных объектов к чувствам и, затем, идеям. К импрессионистам относятся Э. Мане, О. Ренуар, К. Моне, К. Писсаро, Э. Дега и другие.

Пьер Огюст Ренуар «Париж, набережная Малаке» 1875 г. (импрессионизм)

Далее появляются футуризм, кубизм, фовизм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, супрематизм, абстракционизм. Все направления можно сравнить с одной большой необычной семьей – каждое имеет свой индивидуальный характер, но при этом объединены одним общим глубинным фундаментом.

Пабло Пикассо «Три женщины» 1908 г. (кубизм)
Анри Матисс «Испанка с бубном» 1909 г. (фовизм)
Роберто Матта «На облаках сна» 1956 г. (сюрреализм)

В целом, эпоха модернизма, продолжающаяся вплоть до 1960-х годов, – это новый взгляд на общество и на роль творческой личности в нем. Художникам хотелось отразить свое отношение к современному миру, преобразить его и даже выдумать новый.

Сотворить заново!

Ребята-модернисты всегда были
рисковыми людьми и ходили на грани эстетически приемлемого. В своем творчестве
они использовали разные методы, которые мы наблюдаем и по сей день в
современном искусстве:

в ход шли шутки, каламбуры, скандалы, сексуальные намеки;
в работах использовались всевозможные предметы – бытовые инструменты, вещи, обрывки газет, канцелярия и прочие, которые преподносились как произведения искусства;
смело использовались яркие краски;
на первое место ставилось не визуальное восприятие, а интеллектуальные и концептуальные идеи;
развивались разные типы искусства – коллажи, фотография, анимация.

Contemporary art: понять и принять

Современное искусство — не самая легкая для восприятия тема: чтобы его постичь, надо отбросить какие бы то ни было ожидания, стереотипы и рассудочный подход. Хорошая новость состоит в том, что оно многослойно, и всегда есть тот слой, который может быть понят практически любым человеком, свободным от предрассудков по отношению к объектам этого искусства. Один из них заключается в том, что искусство — это лишь то, что красиво, эстетично и несет очевидный смысл. Чтобы полюбить современное искусство и начать разбираться в нем, от этого стереотипа стоит избавиться, ведь мы можем воспринимать его не только умом, но и на эмоциональном уровне. Причем эмоции необязательно должны быть положительными, главное, чтобы они возникали, — и это шаг к пониманию.

Присоединиться к клубу

Постмодернизм и contemporary art

В конце 60-х годов XX века в России современное искусство продолжилось с привкусом постмодерна, а на Западе пришло contemporary art.

В этот период появляются аудио и видео технологии, потом компьютеры, а в 90-х годах начал захватывать власть интернет. Вместе с новыми технологиями появляются и новые направления, соответствующие эпохе – концептуализм, гиперреализм, минимализм, поп-арт, хеппенинг, перфоманс.

Джозеф Кошут «Один и три стула» 1965 г. (концептуализм)

Сегодня современное искусство поражает многообразием видов, порой даже шокирующих, о которых будет сказано далее. А пока разберемся в другом.

Трансгрессия

Кроме всего прочего, телесные акции выполняют функцию социальной трансгрессии или преодоления культурных табу. Французский философ Жорж Батай на основе этнографических открытий, развивает собственное понимание трансгрессии как основания человеческого бытия. Согласно Батаю, общественное устройство, построенное на исключении «низкого», — в корне репрессивно. Поведение художника-акциониста полностью отвечает Батаевской идее революционного жеста через заострение и артикуляцию сущностной внутренней разорванности человека, то есть через трансгрессию.

Вытеснение фигуры художника-героя художником-извращенцем в московском акционизме за счет критики отчужденности субъекта через систему культурных запретов производит крайне критически дистанцированную политическую стратегию.

К примеру, акция переворачивания и столкновения сакрального и профанного «Не верь глазам» Олега Мавроматти спровоцировала властные органы на возбуждение уголовного дела по статье 282 УК («Разжигание национальной, расовой и религиозной вражды»). Роль богохульника, отведенная художнику, лишает его возможности позитивного установления смысла. Насилие со стороны Мавроматти, адресованное, следуя «экспертному заключению», сделанному в ходе судебного разбирательства, «всем христианам», критически воспроизводит сам механизм властного табуирования посредством риторики невозможности, неправомерности, ненормальности и однозначной немыслимости подобного действия в существующей системе смыслообразования. То же касается и акции Александра Бренера с мастурбацией на вышке бассейна «Москва».

Читайте:

Узнать больше:

И те, и «Э.Т.И»

Я думаю, это очень хорошо, что существует такой вид современного искусства, как акционизм. И хорошо, что он вызывает отторжение у широких слоев населения, потому что вообще задача авангарда и современного искусства заключается в том, чтобы не быть прозрачным. В этом мире тотальных скоростей, абсолютной прозрачности и бесконечной болтовни должен быть какой-то «хардкор», стержень. Вот современное искусство и есть этот стержень, и он не каждому по зубам. И так и должно быть. И дальше надо еще больше градус поднимать. – Анатолий Осмоловский –

До всяких Pussy Riot, НБП и прочей прелести русского протеста в конце 80-х существовала вполне яркая группировка с характерным названием «Э.Т.И.». По словам Осмоловского, движение было придумано, скорее, как модель молодёжной субкультуры. Название было выбрано из обыденной речи, хотя оно и расшифровывалось как «Экспроприация Территории Искусства». Славилось оно прежде всего своими героями. Осмоловский до сих пор считается одним из виднейших российских художников и лидером Московского Акционизма. Кроме всего прочего, он снялся в роли капитана, павшего жертвой насилия Владимира Епифанцева, оплодотворившего рот Сергея Пахомова и прочитавшего незабвенную лекцию про Пёрл-Харбор с элементами танца «яблочко» в «Зелёном слонике». Мавроматти был продюсером этого фильма, и отметился своими собственными акциями. Дмитрий Пименов, который пытался посетить мавзолей в рыцарских доспехах, а вместо этого посетил дурдом.

Самая яркая их акция произошла в далёком и переломном 1991 году. Телами участников на «священной брусчатке» Красной Площади было выложено то самое слово из трёх букв на букву икс, которое вовсе не «хер» и не «хой». 14 тел, ходили слухи, что чертой над буквой «Й» был сам Шендерович, но Осмоловский это отверг. Казалось бы, ну что тут такого, в инстаграмах школьников встречаются вещи и похуже. Но дело в том, что это всё ещё был Советский Союз, и что самое кощунственное для любого верного заветам Ильича, акция проводилась в канун дня рождения Ленина и была интерпретирована как посягательство на его память. Хотя формально акция была приурочена к вышедшему незадолго закону о нравственности, где было, в том числе, запрещено ругаться матом в общественных местах. Осмоловский утверждает, что идея акции (кроме ее очевидного протестного смысла) состояла в совмещении двух противоположных по статусу знаков: Красной Площади как высшей иерархической географической точки на территории СССР и самого запрещенного маргинального слова. Что касается протестного смысла, то это был протест против повышения цен и практически физической невозможности существовать и работать. Помимо заслуженных лучей славы, Э.Т.И. получили обвинение по статье 206 часть 2 «Злостное хулиганство, отличающиеся по своему содержанию исключительным цинизмом или особой дерзостью». Звучит, как монолог из фильма в «гоблинском» переводе.

Что называют современным искусством в России и на Западе

В России
современным искусством принято считать период с конца XIX века до наших дней, включающий в
себя модернизм и постмодернизм. На Западе – период с 1960-х годов XX века.

Впервые термин «современное» применила к искусству Розалинда Краусс, американский теоретик и критик, в конце 1960-х годов, дав новой эпохе звучное название contemporery art (транслитерация на русский – контемпорери арт). В России в 90-х годах часто использовали термин «актуальное искусство», но он не прижился.

Розалинда Краусс

У нас в
стране сейчас большинство людей ориентируется на Запад, поэтому будем считать,
что и у нас эпоха современного искусства началась в 1960-х.

Но, в любом
случае, корни современного искусства наших дней уходят в модернизм, поэтому
стоит немного поговорить о нем.

Телесность

Возникновение искусства перформанса очевидно связано с авангардной идеей преодоления границ между искусством и жизнью, так же как и идеей критики репрезентации, в основе которой лежит стремление разложить язык, свести его к звуку, материалу или мусору. Московские акционисты в некотором смысле реализовали те же тенденции, редуцируя знак к телу.

В отличие от боди-арта, превратившего культурную критику венских акционистов в форму искусства, достигающего катарсиса через телесные практики художника (в этом ключе работает, к примеру, Марина Абрамович), эксгибиционистские акции московских акционистов используют обнаженное тело в качестве одного из самых сильных спектакулярных средств отказа от коммуникации. Не ограничиваясь использованием тела как художественного материала, они используют его для политической критики самой оппозиции публичного и приватного, которая задает распределение смыслов в политическом дискурсе. Неудача и ничтожность, которые демонстрируют акционисты, не соответствуют претензии на роль культурного героя. Тело художника как место столкновения публичного и приватного выведено из сферы утопической перспективы в практику трансформации политического дискурса.

В акции «Свидание» 19 марта 1994 года на Пушкинской площади перед памятником Пушкину Александр и Людмила Бренер не просто воспроизвели мотив критики сексуального угнетения. Сопровождающий акцию аффирмативный жест Бренера — крик «Ничего не получается!» — превратил ее в критико-политическую стратегию, так как постулирование беспомощности воспроизводит и культуркритическую функцию в отношении фигуры художника, и функцию преодоления возможности коммуникативной адаптации политического жеста.

Олег Мавроматти, «Не верь глазам»
проект «Interpol», куратор Виктор Мизиано

Важна концепция, а не объект

«„Черный квадрат“ стал символом нигилистического отрицания культурного достояния — бремени, нажитого человечеством», — говорил автор одноименной картины Казимир Малевич, обнуливший историю живописи своим произведением и созданием . Если в ренессансном понимании картина была окном в мир, что отражалось в пейзажной живописи, портретах, натюрмортах, изображении бытовых сцен — то есть реальности, — в 1915-м Малевич закрасил это окно черной краской. И тем самым обозначил конец прежней и начало новой эпохи в искусстве. «Я счастлив, что вырвался из инквизиторского застенка академизма», — заявил он, утверждая, что художник может быть творцом лишь тогда, когда формы его картин не имеют ничего общего с натурой.

«Когда я открыл для себя принцип реди-мейдов, я надеялся положить конец всему этому карнавалу эстетизма. Но неодадаисты используют реди-мейды, пытаясь отыскать в них эстетическую ценность. Я запустил им в физиономию сушилку и писсуар — как провокацию, — а они восторгаются их эстетической красотой», — прокомментировал современник Малевича дадаист Марсель Дюшан реакцию зрителей на выставленные им в разные годы экспонаты «Сушилка для бутылок» и «Фонтан» (писсуар с подписью “R. Mutt” (Р. Дурак).

С тех пор было немало сказано о том, как писсуар Дюшана стал ключевым событием в мировом арт-пространстве, навсегда изменив его, а само «произведение» — признано одним из самых интеллектуально увлекательных и сложных предметов искусства ХХ века. Почему? Потому что в данном случае важны идея и концепция, а не объект. Именно их дал Дюшан, вырвав из контекста обычную вещь и заявив, что это тоже искусство. Своим художественным высказыванием он объявил, что искусством может быть что угодно — его не стоит воспринимать слишком серьезно. И в этом он пошел дальше Малевича.

Представители contemporary art — художники, которые идут под знаменем Малевича и Дюшана, продолжая искать новые формы в искусстве, новый изобразительный язык, проницая актуальную реальность, экспериментируя и вдохновляя других своим творчеством. Среди них — Лучо Фонтана, ЖанМишель Баския, Кит Харинг, Дэмьен Херст.

Марсель Дюшан

Модернизм

Пьер Огюст Ренуар «Париж, набережная Малаке» 1875 г. (импрессионизм)

Пабло Пикассо «Три женщины» 1908 г. (кубизм)

Анри Матисс «Испанка с бубном» 1909 г. (фовизм)

Роберто Матта «На облаках сна» 1956 г. (сюрреализм)

Павленский, какой он есть

Россия десятых – это «Война», Pussy Riot и Павленский. Четвертого имени в списке нет, но и три – немало. В три раза больше, чем одно, и в бесконечное число раз – чем ноль. – Олег Кашин –

Если группировку «Война» и «пусек» мы вспомним добрым словом в следующий раз, то Павленского грех не упомянуть сейчас. Выдающаяся личность, что ни говори. Человек, чьи яйца в прямом смысле стальные. Самый знаменитый «художник» России до поджога двери ФСБ прославился следующими акциями: «Шов» – 23 июля 2012 года художник с зашитым суровой ниткой ртом в течение полутора часов стоял в пикете у Казанского собора, держа в руках плакат с надписью: «Акция Pussy Riot была переигрыванием знаменитой акции Иисуса Христа». На вопросы: «Саша, какого чёрта!?» – он ответил:

Зашивая себе рот на фоне Казанского собора, я хотел показать положение современного художника в России: запрет на гласность. Мне претит запуганность общества, массовая паранойя, проявления которой я вижу повсюду.

Затем была «Туша». Странный общественный протест против подавления гражданской активности, запугивания населения, растущего числа политзаключённых, законов об НКО, законов 18+, цензорских законов, активности Роскомнадзора, закона о пропаганде гомосексуализма. Павленский, а вместе с ним и миллионы ноунеймов до хрипоты готовы были доказывать, что это законы не против криминала, а против людей. В итоге на фоне петербургского Заксобрания он оказался завернутым в многослойный кокон из колючей проволоки. Бедным полицейским пришлось разрезать её садовыми ножницами, чтобы достать молчащего и обездвиженного Павленского. Прыткий ум заметит аллегорию, что из колючей проволоки художник попал в колючие лапы органов.

А потом была легендарная «Фиксация». Безмолвный художник на ледяной ноябрьской брусчатке прибил мошонку к вековым камням. В заявлении виновник торжества написал: «Голый художник, смотрящий на свои прибитые к кремлёвской брусчатке яйца, – метафора апатии, политической индифферентности и фатализма современного российского общества».

Сидение нагишом на заборе института психиатрии им. Сербского в Москве и отрезание мочки уха в протест об использовании психиатрии в политических целях кажется уже вторичным, после Ван Гога. Возникают вопросы: был ли другой способ показать свой протест, и как он не околел, холодно ведь, а он всегда голый. Но если второй можно объяснить мужеством, то первый лишь видением художника и расстройством ума. Самое интересное, что сам художник акционизм к искусству не причисляет:

Я вообще не считаю, что акционизм имеет прямое отношение к современному искусству. Современное искусство противопоставляет себя искусству традиционному, классическому. Акционизм же не может быть классическим или современным. Диоген мастурбировал на площади — Бренер тоже мастурбировал. Если верить христианской мифологии, Иисуса прибивали к кресту – вот и Мавроматти прибивал себя к кресту. Эти жесты вневременные… любое искусство в принципе политично, потому что художник отдает себе отчет, в каком режиме он живет и что в этой связи ему делать или не делать. А акционизм, то есть политическое искусство, подразумевает, что человек осознанно начинает работать с инструментами власти. А цель искусства – это освободительные практики, борьба за воплощение свободной мысли.

Разумеется, слово «герой» в контексте содеянного кажется слишком громким даже для радикальной оппозиции. Это просто явление. Весьма специфичное и смелое. Но если бы Павленский не попросил изменить статью обвинения с вандализма на терроризм, то в его акциях был бы смысл, а позерства хватает и в обычной жизни.

Современное искусство: эмоции и факты

На протяжении многих веков художники работали в парадигме эстетики и гармонии. Вопрос красоты долгое время был основным критерием для признания художественной ценности произведений искусства. Позже к нему добавился вопрос достоверности: художники и критики начали спорить, что важнее в искусстве — красота или правда. Но после Первой мировой войны — с ее масштабом жертв и разрушений — реальность деформировалась.

Это метафизическое страдание ярко отразилось во всем искусстве ХХ века: человек — ничто, он заперт в клетке своей плоти, деформирован — разобран на части, раздавлен обстоятельствами. Такая идея полностью противоположна идеям эпохи Ренессанс, где человек — центр Вселенной, венец творения и демиург. Самыми яркими выразителями идеи деформированной реальности в ХХ веке стали представители авангардных направлений — Лондонской школы (Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд), дадаизма (Ханс Арп, Марсель Янко, Ман Рэй) и сюрреализма (Сальвадор Дали, Рене Магритт, Макс Эрнст): его предтечей называют сюрреалиста XV века Иеронима Босха (ок. 1450–1516), который извлекал фантасмагорические образы из глубин подсознания.

Однако понятие «современное искусство» — contemporary art — появилось только в 70-х годах ХХ века. Хотя мнения теоретиков на этот счет расходятся, в данном случае можно сослаться на авторитет представителей крупнейших аукционных домов. Так, Sotheby’s определяет произведения искусства, датируемые 1945–1970 годами как «ранние современные», а после 1970-го — как «современные». Этим же определением пользуется аукционный дом Сhristie’s, помещая более ранние работы 1950–60-х годов в категорию «искусство XX века».

Это культурное явление не требует «раскладывания» на направления: такой подход убивает спонтанность и игру со зрителем, которые составляют очарование современного искусства. Оно многослойно, имеет серьезный бэкграунд и в то же время открыто для эмоционального восприятия человека с любым уровнем подготовленности, общей эрудиции и эстетического развития.

Эссе на тему “Искусство – неотъемлемая часть нашей жизни”

Люди иногда задаются вопросами, “Картины Дали – искусство? А сонеты Шекспира?”, и без колебаний или сомнений дают положительный ответ на эти вопросы. “А являются ли искусством закаты солнца, сочетающие в себе непередаваемую насыщенность красок? А первая улыбка ребенка?” На эти вопросы у каждого человека свой ответ, потому что каждый из нас имеет собственный взгляд на мир, и мы смотрим на окружающую действительность под разными углами.

По моему мнению, искусство – это образное отражение реальности, главной целью которого является приобщение человека к прекрасному, чувственному, интересному и красивому, порой даже к необъяснимому и противоречивому. Я думаю, что кино, живопись, архитектура и другие виды искусства должны вызывать различные эмоции, чувства и мысли в душе и разуме человека. Несомненно, одно и то же произведение искусства может вызывать совершенно противоположные чувства в душах людей. Например, смотря на фреску Микеланджело, замечательного и талантливого творца эпохи Ренессанса, “Страшный суд” в Сикстинской капелле, одни люди восхищаются красотой переданных образов, другие задумываются над идеей разделения людей на праведников и грешников, третьи размышляют над соотношением добра и зла, и эту последовательность эмоций и мыслей можно продолжать до бесконечности.

Все виды искусства обогащают наш внутренний мир, дают нам новые знания об окружающей действительности. В произведениях искусства мы видим точку зрения автора относительно какой-либо ситуации или обобщенные знания творца, выраженные с помощью художественных образов. Мы можем согласиться или не согласиться с мнением автора, потому что каждый человек имеет собственное видение мира, и нет правильного или неправильного мнения – сколько людей, столько и мнений.

Внимание!

Если вам нужна помощь с академической работой, то рекомендуем обратиться к профессионалам. Более 70 000 экспертов готовы помочь вам прямо сейчас.

Расчет стоимости Гарантии Отзывы

Искусство играет огромную роль в нашей жизни, пока оно заставляет нас задумываться над важными проблемами и вещами, происходящими вокруг нас, пока искусство волнует сознание человека и не оставляет нас равнодушными. Великие классики, такие как Пушкин, Толстой, Достоевский, Булгаков и другие, затрагивали в своих произведениях важные проблемы человечества: любовь и ненависть, войну и мир, вину и раскаяние, талант и бездарность, дружбу и предательство. Я думаю, что драматические сюжеты, описанные в произведениях этих великих авторов, помогут людям переоценить свое отношение к жизни, предостерегут и остановят их от жестоких, необдуманных или несправедливых поступков.

Влияние искусства на людей огромно. Искусство может заставить нас смеяться или плакать, любить или ненавидеть, радоваться или переживать. Оно способно воодушевить или заставить нас собраться с духом, дажекогда мы сломлены духовно и морально. Искусство иногда может быть единственным средством, которое может вдохновить нас на подвиг или поддержать в трудной ситуации. Именно так было в годы войны. Люди были истощены морально и страдали от тяжести пережитых потерь. И когда уже не было сил бороться, и не было сил жить, искусство придавало уверенность людям, вносило в атмосферу разрухи и паники какую-то непередаваемую атмосферу тепла и заботы, открывало “второе дыхание” в людях и заставляло их снова жить, любить и бороться за счастье. Бойцы шли в бой, напевая военные песни о боевых подвигах, о чести, о Родине, о любви и о родном доме, и чувства, вызванные этими песнями, затмевали чувства страха, ужаса и боли.

В заключении следует сказать, что независимо от вида искусства и личностного восприятия искусства человеком, оно занимает очень важное место в нашей жизни. Искусство также является неотъемлемой частью жизни и оказывает непосредственное влияние на нас

Рацио-эмоцио: оси реакции на предмет искусства

Современное искусство работает либо с эмоциональной, либо с интеллектуальной сферами зрителя, или одновременно с обеими. Оно нацелено на то, чтобы вызвать у человека эмоции и, как следствие, размышления об увиденном. Или только эмоции — и это уже шаг к пониманию.

Ярким примером тому служит акционизм: перформанс «Бешеный пес» Олега Кулика, который 23 ноября 1994 года впервые появился перед ошеломленной публикой обнаженным в образе человека-собаки. У названия было поэтическое продолжение: «Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером». Созданный им образ настолько впечатлил зрителей, что фамилию автора знают даже те, кто никогда не интересовался современным искусством. А сам он стал символом времени и медийной персоной. Это еще раз подтверждает: задача современного искусства — вызывать эмоции.

Олег Кулик

То же касается живописи, где на эмоциональное восприятие рассчитаны работы таких художников, как Джексон Поллок, Фрэнсис Бэкон, Марк Ротко. А также Маурицио Каттелана, чьи произведения, хотя и оказываются в центре грандиозных скандалов, высоко ценятся на аукционных торгах. Так, его «Девятый час» — скульптурная композиция, на которой изображена фигура папы римского, пораженного метеоритом, 13 лет назад была продана за 3 млн долларов. Другая не менее известная работа Каттелана — восковая статуя «Молящийся Гитлер» выставлялась в музее в экспозиции классического искусства. Этой работой он стремился показать Германии ее самый большой позор, проведя таким образом шокотерапию с целью изжить комплекс исторической вины.

Такие работы, затрагивая эмоции, заставляют задуматься об этических, религиозных, философских, политических вопросах. Либо просто оказывают сильнейшее воздействие на эмоциональный мир.

Но есть произведения, которые рассчитаны в первую очередь на интеллектуальное воздействие. Понять их непосвященному зрителю сложнее. Чтобы постичь замысел автора, стоит узнать о художнике и его концепции. Иногда эту информацию несут название и аннотация, сопровождающие работу. Например, знаменитая акула Дэмиена Херста была названа «Физическая невозможность смерти в сознании живущего». Работа, проданная за 12 млн долларов, представляет собой настоящую тушу акулы в формалине, заключенную в прозрачный куб. С одной стороны, она неподвижна, с другой — ее широко разинутая пасть как будто устремлена на зрителя и пытается его поглотить. Ее название, глубокое и парадоксальное, отсылает к теме смерти — вечной теме в искусстве. Ее корни уходят в средние века: начиная с «Мертвого Христа» Андреа Мантеньи, все художники Возрождения и более позднего периода писали в разных вариациях снятие с креста, распятие, оплакивание — пьету. К теме смерти обращался в своем творчестве и Рембрандт, создавая картину «Туша быка». Она стала зацепкой для современного художника Фрэнсиса Бэкона, который ее продолжил.

Дэмиен Херст

Другим примером интеллектуальных работ могут служить знаменитые разрезы Лучо Фонтана. Сегодня его цветные полотна можно встретить в любом музее современного искусства, а также на серьезных художественных ярмарках. На отдельных работах сделан всего один надрез, на других — несколько. Его «Пространственная концепция. Ожидание» ушла за 1,5 млн долларов. С одной стороны, кажется странным: в чем смысл и почему они ценятся так высоко? Чтобы понять это, надо познакомиться с концепцией художника. Сам Фонтана называл разрезы concetto spaziale — «пространственный концепт». К слову, такое название имеет большинство его работ. Так он дает понять, что при рассечении плоской поверхности и, следовательно, при переходе на ее обратную сторону возникает новое пространство. Погружение в эту концепцию позволяет открыть новые грани реальности: они понятны благодаря их явному изображению — смысл соответствует контексту. И этим пример Лучо Фонтаны весьма показателен.

Таким образом, погружение в интеллектуальный подтекст работ помогает понять посыл, который хотел донести автор.

Как правило, подтекст, концепция есть практически у всех работ, но большинством произведений современного искусства можно наслаждаться и без глубокого проникновения в смысл. Ведь разрезы Лучо Фонтана выполнены безупречно, а значит, воздействуют на эстетическое восприятие.