Клара петерс биография строительная площадка и использованная литература

Развитие в России

Несмотря на отсутствие притягательности к стилю среди российских художников, направление просматривает в полотнах, посвященных каноническим сюжетам. Первым художником, который начал развивать стиль на территории России стал Хруцкий Иван Трофимович (1810-1885). Известность к нему пришла благодаря написанию групповых портретов и натюрмортов.

Хруцкий работал в академическом стиле. В 1832 году он пишет два самых известных натюрморта: «С вазой» и «С птичкой». В XIX веке он становится самым «покупаемым» мастером в империи.

В начале XX века жанр в России получает необыкновенную популярность. Именно тогда этот стиль становится равноправным среди всех направлений. Буквально за 15 лет жанр проходит тернистый путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества. Многие художники смогли отличиться в этом направлении:

Николай Сапунов (1880-1912): «Цветы и вазы на розовом фоне» (1910), «Вазы, цветы и фрукты» (1912). Творца постигла внезапная смерть вследствие утопления на Финском заливе.
Петр Кончаловский (1876-1956): «Поднос и зеленая картонка» (1912), «Сирень» (1951).
Кузьма Петров-Водкин (1878-199): «Черемуха в стакане» (1932), «Натюрморт с письмами» (1925).
Игорь Грабарь (1871-1960): «Хризантемы» (1950), «Неприбранный стол» (1907). Несмотря на склонность автора к импрессионизму, Грабарь старался найти новые художественные приемы и усложнить композиции и технику исполнения.
Илья Машков (1881-1944), яркий представитель постимпрессионизма. Из ярких работ можно выделить: «Клубника и белый кувшин» (1943), «Фрукты с сельскохозяйственной выставки» (1939), «Снедь московская. Хлебы» (1924).

Во второй половине XX века появляется еще несколько интересных творцов. Например, Владимир Вейсберг (1924-1985), который на своих полотнах отображает предметы обыкновенной формы, а цветовые решения доводит до минимума: «Натюрморт с двумя серыми вазами и белой бутылкой» (1970), «Натюрморт с чайником и лимоном» (1958).

Сергей Андрияка, рожденный в 1958 году творит по сегодняшний день. Является членом Российской академии искусств и пишет акварелью. У него много интересных и очень известных работ: «Восточный натюрморт» (1991), «Домашние пироги» (2001), «Чайники» (2002).

Тональный натюрморт. Питер Клас и Виллем Клас Хеда

Для современников были актуальны и понятны символы, которыми насыщен традиционный голландский натюрморт. Картины по содержанию были подобны многостраничным книгам и особенно ценились за это. Но существует понятие, в не меньшей степени впечатляющее и современных знатоков, и любителей живописи. Его называют «тональный натюрморт», и главное в нем – высочайшее техническое мастерство, удивительно изысканный колорит, потрясающее мастерство в передаче тонких нюансов освещения.

Этим качествам всемерно соответствуют полотна двух ведущих мастеров, картины которых относят к лучшим образцам тонального натюрморта: Питера Класа и Виллема Клас Хеда. Они выбирали композиции из небольшого количества предметов, лишенных ярких красок и особой декоративности, что не мешало им создавать удивительные по красоте и выразительности вещи, ценность которых не уменьшается со временем.

«Любительница абсента»

Жизнь Пикассо началась очень необычно. По легенде, он родился слабым младенцем, и акушерка даже подумала, что он мертв. Однако дым от сигары дяди, который стоял рядом, пробудил ребенка.

Картина «Любительница абсента» – портрет души Пикассо. Художник постоянно преодолевал различные испытания: нищету, отсутствие заказов, смерть близкого друга. Именно поэтому тема одиночества и опустошенности отражена во многих его картинах. На время написания «Любительницы абсента» у художника даже не было денег на холст. Для этого Пикассо взял старую работу, закрасил ее и воспользовался обратной стороной. Цвета получились приглушенными, а героиня – зажатой и усмиренной тоской. Она настолько погружена в себя, что безразлична к происходящему. Абсент на столе – это портал в мир забвения, где нет тревог, болезней и страхов.

Жизнь [ править ]

Натюрморт , 1607 год, подпись «CLARA P 1607», также с П-образным кренделем.

Подробности жизни Пеэтера неясны. Ученые в целом согласны с тем, что ее работа указывает на то, что она уроженка Антверпена . В городских архивах Антверпена хранится запись о Кларе Петерс, дочери Жана (Яна) Петерса, крестившейся 15 мая 1594 года в церкви Св. Вальбурга в Антверпене. Второй документ указывает на брак между Кларой Петерс и Хенрикусом Йоосеном 31 мая 1639 года в одной церкви. Однако и Клара, и особенно Петерс были обычными именами в Антверпене. Крещение в 1594 году означало бы, что ее картины, датированные 1607 годом, были написаны, когда ей было 12 или 13 лет. Некоторые ученые сомневаются, что эти ранние работы могли быть написаны таким молодым человеком, и утверждают, что она родилась в 1580-х годах.

Петерс была основана в Амстердаме в 1611 году и задокументирована в Гааге в 1617 году. Некоторые предполагают, что в свете отсутствия каких-либо очевидных работ Петерс после 1621 года она перестала рисовать после замужества, как, например, фактически сделала Джудит Лейстер. . Из-за количества очевидных копий ее работ, сделанных разными руками, некоторые предполагают, что она, возможно, возглавляла небольшую школу художников. Никаких записей, указывающих дату смерти Петерса, обнаружено не было; однако ученые предполагают разные даты: 1621 год или позже; после 1654 г .; после 1657 г .; 1659 и 1676 гг.

«Сцена на рынке»

В XVI веке, придя на смену религиозным сюжетам, в жанровую живописи Нидерланд пришла еда — на столе, на рынке, на кухне. Питер Артсен, вошедший в историю мировой живописи как один из основоположников этого жанра, стал бытописателем повседневной жизни простолюдинов, крестьян, слуг, торговцев. Из картины в картину зритель попадает то в «Мясную лавку» (1551) или на «Обильную кухню» (1570), где столы ломятся от огромных окороков и рыбин, разделанных туш, коровьих голов и колбас, монументальных сырных голов и пирамид из овощей и фруктов; то на «Крестьянский праздник» (1951), где танцуют «Яичный танец» (1552), полный скрытых символов и смыслов; то в «Блинную» (1960) или к «Кухарке» (1559), осанкой, статью и взглядом похожую на императрицу и нанизывающую на вертел туши с видом величественным и грозным.

Рынок, со всеми его персонажами — продавщицей с овощами, торговцем дичью, мясником — отдельная тема Артсена, позволяющая бесконечное количество раз обыгрывать любимые сюжеты и сцены. Во всех его лавках и рынках всевозможная снедь занимает большую часть пространства и «играет» главную партию, в то время как человеческие персонажи отходят на второй план.

Подсолнухи в желтой вазе

Импрессионисты тоже экспериментировали с vanitas и его мрачными смыслами — стоит вспомнить хоть натюрморты с черепами, которые рисовал Сезанн. Но в творчестве ван Гога (Vincent Willem van Gogh), несмотря на весь трагизм жизненных обстоятельств художника, доминируют светлые жизнерадостные оттенки и предметы. Художник часто писал натюрморты, но визитная карточка мастера — знаменитые «Подсолнухи» в золотистой вазе.

Композиция пронизана светом и словно сама излучает его — яркий, солнечный, полный радости и ожидания чуда. Ван Гог обожал подсолнухи — для него эти цветы символичны и были исполнены глубокого смысла. В общей сложности он рисовал их около десятка раз — шедевры вошли в два цикла работ. Самый знаменитый букет подсолнухов написан в Арле, в 1888 году.

Источники

https://krasivodel.ru/articles/kartiny-izvestnyh-hudozhnikov-natyurmorty.html
https://Hudognik.net/artists/Still_life/
https://art-dot.ru/natyurmort/
https://www.culture.ru/materials/120418/natyurmorty-risuem-to-chto-pod-rukoi
https://www.wm-painting.ru/Ob_iskusstve/p2_articleid/1603
https://www.gastronom.ru/text/samye-izvestnye-kartiny-c-edoj-1012066
https://zen.yandex.ru/media/tochka_art/eda-kak-na-kartinke-top10-znamenityh-natiurmortov-i-receptov-k-nim-5ed0c6cc9217f57f7c9a8a42
https://veryimportantlot.com/ru/news/obchestvo-i-lyudi/top-5-samyx-prekrasnyx-i-znamenityx-natyurmortov

Жизнеописание[ | код]

По предположениям, родилась в городе Антверпен, герцогство Брабант, Южные Нидерланды (ныне Бельгия). Найдены свидетельства о её крещении в Антверпене в 1594 году. Происходила из богатой семьи, так как делала натюрморты с изображениями ценной посуды (золотые бокалы, фарфор, драгоценные бокалы из стекла, недешевые сыры и выпечка). Наиболее раннее произведение Клары датировано 1607 годом.

Не сохранено свидетельств о годах учёбы и её учителях, поскольку часть документов о гильдии Св. Луки в Антверпене была утрачена. Клара Петерс не имела собственного историографа и многие страницы её жизни остались неизвестными.

Замуж вышла в 1639 году в Антверпене. Её судьба — судьба типичной эмигрантки, что перебралась из испанских Южных Нидерландов в Голландию; она жила и работала в городах Амстердам и Гаага. Её последний натюрморт датирован 1657 годом. Точная дата смерти не установлена, условно принимают 1657 год или сразу после него.

Принадлежала к забытым мастерам первой половины XVII века и из-за значительного количества художников в это время, и из-за женского пола, потому что заинтересованности в женщинах-художницах не было из-за значительной конкуренции среди нидерландских художников. Часто её произведения относили к творчеству других мастеров вроде фламандца Осиаса Беерта-старшего (по причине ошибочно прочитанной подписи или ошибочно трактуемого стиля).

Работа

Натюрморт с орехами, конфетами и цветами , 1611 год, с неоднократным отражением художника в металлических изделиях.

Петерс подписала тридцать одну работу «CLARA PEETERS» или «CLARA P.» и датировала многие из них, что оставляет сильные записи о ее работах с 1607 по 1621 год. Восемнадцать из них были завершены к тому времени, когда ей исполнилось восемнадцать. Кроме того, предполагается, что еще семьдесят шесть работ относятся к ее творчеству, хотя документации не хватает, чтобы утвердительно отнести их к Петерсу. На нескольких ее картинах, в том числе на двух, изображенных здесь, есть подпись в виде выгравированной надписи на боковой стороне рукоятки того же украшенного ножа. У ножа есть две обнаженные женские фигуры на основной стороне рукоятки, которая видна, и он типичен для своего рода «ножа невесты» ( bruidmessen ) антверпенских серебряных дел мастеров, произведенных примерно в 1595–1600 годах. Они могут представлять собой настоящий нож, принадлежащий Петерсу, или просто вымышленный.

Петерс был одним из первых художников-специалистов по натюрмортам и цветам, которые работали, когда этот жанр еще только зарождался. Менее десяти картин с изображением цветов и менее пяти изображений еды, произведенных в Нидерландах, могут быть датированы 1608 годом, когда она написала свою первую записанную работу. Она нарисовала набор из четырех натюрмортов большего размера (все 50 × 51 × 71 × 73 см), три из которых датированы 1611 годом, которые в следующем веке хранились в королевской коллекции Испании (теперь в Прадо ). В набор входит самый ранний натюрморт с мертвыми птицами , за исключением знаменитого « Натюрморта с куропаткой и рукавицами» Якопо де Барбари (1504 г., ныне Мюнхен) из совсем другой традиции. Группа Прадо была разделена между испанскими дворцами в 18 веке, а самая ранняя инвентаризационная запись для любого существа относится к 1734 году, когда один был спасен в огне, уничтожившем Королевский Алькасар в Мадриде . Ее картины с рыбами и дичью 1611 года появляются задолго до того, как другие художники использовали аналогичные сюжеты.

Натюрморт с позолоченной серебряной таззой

В своих работах до 1620 года Петерс была особенно очарована падением света на металлические предметы — монеты, кубки, оловянную посуду и т. Д. — и их отражения. Она изобразила себя в отражении кубков и позолоченных чашек многих своих картин — обычай в искусстве Нидерландов, уходящий корнями в вековую историю , как это видно в таких произведениях, как « Дева с младенцем» Яна ван Эйка с каноником ван дер Паэле (1434–1436). .

Ресурсы интернета

Brief biography of Clara Peeters
«Peeters, Clara» in Gaze, Delia, ed. Dictionary of Women Artists. 2 vols. Chicago: Fitzroy Dearborn, 1997.
Example of Clara’s work
Stilleven met een Venetiaans glas, een roemer en een brandende kandelaar, 1607, Kunsthandel Hoogsteder & Hoogsteder, Den Haag , Nederland
Stilleven met vissen, oesters en garnalen, 1607, Rijksmuseum Amsterdam, Amsterdam, Nederland
Stilleven met fruit en bloemen, ten vroegste 1608/9, The Ashmolean Museum of Art and Archaeology, Oxford , Verenigd Koninkrijk
Stilleven met vis, 1611, Museo del Prado, Madrid, Spanje
Stilleven met rozijnen, 1611, Museo del Prado, Madrid, Spanje
Stilleven met bloemen en bokalen, 1612, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Karlsruhe (stad)|Karlsruhe, Duitsland
Stilleven met bloemen, 1612, privécollectie
Bloemen in een glazen vaas, 1615, Pasadena. R. Stanton Avery Collection
Stilleven met kazen, artisjok en kerzen (недоступная ссылка), ca. 1625, Los Angeles County Museum of Art (LACMA), Los Angeles, Verenigde Staten
Vanitas, 1640, privécollectie
Stilleven met olijven, 1640, Museo del Prado, Madrid, Spanje
Stilleven met kat en vis, National Museum of Women in the Arts, Washington D.C., Verenigde Staten

Феде Галиция, Натюрморт (ок. 1610 г.)

Феде Галиция, Натюрморт, около 1610 года. Частное собрание.

Что, если бы мы начали с того, что вернули немного справедливости в историю искусства? Это может показаться сюрпризом, учитывая место, оставленное женщинам в художественной эпопее последних нескольких столетий, но появление натюрморта как самобытного стиля в основном является результатом неистовой женской воли .

Девушка? Нет, женщины . Именно в начале 17 века расцвели первые настоящие эксперименты с натюрмортами в современном понимании этого слова (вдали от старой суеты) , означающем композиции из неодушевленных предметов, как правило, фруктов, продуктов питания, посуды и животных.

Феде Галиция, Натюрморт с яблоками на майоликовой тазце, с медалями и белой смородиной , ок. 1612. Неизвестная локализация.

В то время натюрморты не обесценивались, а сосуществовали с другими традиционными жанрами: мифологическими и религиозными картинами , портретами или пейзажами . Однако художники в основном писали портреты (потому что им за это платили), затем мифологические и религиозные картины (потому что это сделало их знаменитыми) и постепенно отказывались от суеты, натюрморты и пейзажи, которые не принесли им ни славы, ни богатства. Европа находится в полном художественном возбуждении, от Нидерландов до Италии, через Францию, многие художественные места кипят талантами всех мастей. Среди этих художников три женщины оторвутся от здравого смысла и посвятят большую часть своего творчества реализации натюрмортов .

Но кто эти Крутые девчонки из натюрмортов?

Сначала в Милане (Италия) Fede Galizia создает серию вкусных фруктовых корзин. В нескольких тысячах километров отсюда одна из ее современниц, Клара Петерс , живущая в Антверпене (Нидерланды), расцветает на сотнях натюрмортов, представляющих столы, накрытые для обильных и изысканных блюд. Наконец, несколько лет спустя, около 1630 года, французская художница Луиза Муайон также создала многочисленные натюрморты в духе Феде Галиции.

Клара Петерс, Натюрморт с позолоченной серебряной таззой , 1613 г. Частное собрание.

Эти три женщины, несомненно, популяризировали этот жанр по всей Европе, как среди коллекционеров, так и среди других художников. Однако именно их коллеги-мужчины, прибывшие позже, получают место в истории искусства. Давайте отдать должное этим трем женщинам, которые были несправедливо забыты, несмотря на их новаторскую работу, и заслуживают того, чтобы их заново открыли .

Луиза Муайон, Натюрморт с корзиной фруктов и спаржей, 1630 год. Институт искусств Чикаго.

Если реабилитация женщин-художников в истории искусства близка вашему сердцу, ознакомьтесь с нашими специальными статьями: 4 необычайно крутые женщины, изменившие (очень патриархальную) историю искусства, и 4 женщины-художницы, омраченные славой своего мужа .

Натюрморт в мясной лавке

Питер Артсен. Мясная лавка, или Кухня со сценой бегства в Египет. 1551 год

Изображение мясной лавки традиционно связывалось с идеей физической жизни, персонификацией стихии земли, а также с чревоугодием. На картине Питера Артсена Питер Артсен (1508–1575) — голландский художник, также известный как Питер Длинный. Среди его работ — жанровые сцены на евангельские сюжеты, а также изображения рынков и лавок. почти все пространство занимает ломящийся от яств стол. Мы видим множество видов мяса: убитую птицу и разделанные туши, ливер и ветчину, окорока и колбасы. Эти образы символизируют неумеренность, обжорство и привязанность к плотским удовольствиям

Теперь обратим внимание на задний план. С левой стороны картины в оконном проеме помещена евангельская сцена бегства в Египет, которая резко контрастирует с натюрмортом на переднем плане. Дева Мария протягивает последний ломоть хлеба нищей девочке

Заметим, что окно расположено над блюдом, где крест-накрест (символ распятия) лежат две рыбы — символ христианства и Христа. Справа в глубине изображена таверна. За столом у огня сидит веселая компания, выпивает и ест устриц, которые, как мы помним, ассоциируются с похотью. Рядом со столом висит разделанная туша, указывающая на неотвратимость смерти и мимолетность земных радостей. Мясник в красной рубахе разбавляет вино водой. Эта сценка вторит основной идее натюрморта и отсылает к Притче о блудном сыне Вспомним, что в Притче о блудном сыне есть несколько сюжетов. Один из них повествует о младшем сыне, который, получив от отца имение, продал всё и спустил деньги на распутную жизнь.. Сцена в таверне, равно как и мясная лавка, полная яств, говорит о праздной, распутной жизни, привязанности к земным наслаждениям, приятным для тела, но губительным для души. В сцене бегства в Египет герои практически повернуты к зрителю спиной: они удаляются вглубь картины, подальше от мясной лавки. Это метафора бегства от распутной жизни, полной чувственных радостей. Отказ от них — один из способов спасти душу.

Эдуард Мане, Букет из спаржи и спаржи (1880)

Эдуард Мане, Букет из спаржи , 1880. Музей Вальрафа-Рихарца, Кельн, Германия.

Вот нетрадиционная история в мире искусства и забавный анекдот, который светит в обществе. Эти два натюрморта — одно и то же, и они больше известны историей своего создания, чем чисто эстетическими качествами.

Давным-давно, в 1880 году, жил коллекционер произведений искусства и хороший друг импрессионистов: Чарльз Эфрусси . Он решил поручить своему любимому художнику, Эдуарду Мане, нарисовать натюрморт, изображающий гроздь спаржи. Он предложил ему 800 франков за картину . Мане принял, раскрасил спаржу и отправил результат своему покровителю. Получив его, это изумление: Чарльз Эфрусси любит картину , он был в восторге от этой великолепной связки спаржи и дает Мане 1000 франков (то есть на 200 франков больше, чем ожидалось). Затем художник решил предложить этому щедрому покровителю еще один натюрморт — «Спаржу» — со следующим комментарием: « В вашей группе не хватало одного». .

Эдуард Мане, Веточка спаржи , 1880. Музей Орсе, Париж, Франция.

Это все, что требовалось для того, чтобы внешне незначительное произведение искусства стало легендой в истории современного искусства. Сегодня эти два произведения искусства разделены: одно находится в Музее д’Орсе в Париже, другое — в Городском музее Кельна, но поскольку они оба так тесно связаны, мы всем сердцем надеемся, что они однажды появятся. вместе .

4. Поль Сезанн, Натюрморт с черепом (ок. 1898 г.)

Поль Сезанн, Натюрморт с черепом , около 1898 года. Фонд Барнса, Филадельфия.

Как можно говорить о самых известных натюрмортах в истории искусства, не упоминая бесспорного мастера этого стилистического упражнения: странного и завораживающего Поля Сезанна . Этот художник, влюбленный в юг Франции, за свою карьеру реализовал несколько сотен натюрмортов, одни из которых были более возвышенными, чем другие.

Для Василия Кандинского Сезанн «поднял натюрморт до такой степени, что он перестал быть неодушевленным. Он рисовал эти вещи как человеческие существа, потому что получил способность угадывать внутреннюю жизнь всего» . Прекрасная дань уважения этому страстному художнику, который посвятил себя анализу картины через призму математики.

Поль Сезанн, Корзина яблок, ок. 1892. Художественный институт Чикаго.

Если яблоки Сезанна так завораживают, то это потому, что он видел их как сферы и цилиндры, а не как простые объекты для представления. Если его композиции настолько естественны, то это потому, что они созданы не из линий и форм, а благодаря алхимии контрастов. Форма создается за счет точного сочетания тонов, и если это сочетание гармонично, то картина создается сама собой . На языке художников «моделирование» означает прежде всего «модулирование» . Творчество Сезанна является неотъемлемой частью истории искусства, предвосхищая основные художественные тенденции 20-го века, особенно кубизм .

5. Жорж Брак, скрипка и подсвечник (1910)

Жорж Брак, скрипка и подсвечник , 1910 год. Музей современного искусства Сан-Франциско.

Именно с Пабло Пикассо Жорж Брак стал соучредителем кубизма , доминирующего художественного стиля двадцатого века. Кубизм — это художественное направление, которое характеризуется в основном отказом от классической перспективы , разделением форм на различные геометрические грани (что создает впечатление «кубиков») и независимостью различных плоскостей композиции. Чтобы понять смысл своих исследований, Брак и Пикассо должны были создавать произведения искусства в соответствии с этими процессами: Брак сначала создавал пейзажи, затем он приступил к деконструкции традиционной темы натюрморта .

Скрипка и подсвечник , безусловно, самый известный кубистический натюрморт в истории искусства . Созданный в 1910 году, он является частью первой фазы кубизма, широко известного как аналитический кубизм . Здесь элементы композиции представлены простыми формами с использованием нескольких точек зрения в чисто монохроматическом стиле: художник использовал только разные тона одного цвета. С Браком и Пикассо искусство становится логическим и математическим упражнением .

Жорж Брак, Натюрморт со стеклом и буквами, 1914. МоМА, Нью-Йорк.

Избранные произведения[ | код]

«Натюрморт с цветами и золотым бокалом», 1611, Прадо, Мадрид

«Натюрморт», 1608, Амстердам
«Натюрморт с цветами и фруктами», 1608, Музей Ашмола, Оксфорд, Великобритания
«Натюрморт с цветами и золотым бокалом», 1611, Прадо, Мадрид
«Натюрморт с изюмом», 1611, Прадо, Мадрид
«Натюрморт с рыбой», 1611, Прадо, Мадрид
«Натюрморт с цветами», 1612, прив. сборник
«Цветы в стеклянной вазе», 1615, Пассадена, США
«Натюрморт с рыбой, устрицами и креветками», Государственный музей (Амстердам)
«Натюрморт с венецианским стеклом, стеклянным бокалом рёмер и свечой», Гаага.
«Завтрак», Полтавский художественный музей им. Ярошенко, Полтава, Украина
«Натюрморт с сырами, артишоком и вишнями», Лос-Анджелес, США
Автопортрет в картине «Манота мартнот»
«Натюрморт с сырами и выпечкой», Амстердам
«Натюрморт с цветами», Кунстхалле, Карлсруэ, Германия
«Суета сует», 1640
«Натюрморт с оливками», 1640, Прадо, Мадрид
«Натюрморт с котом и рыбами», Вашингтон, США

«Натюрморт с сырами, артишоком и вишнями», Лос-Анджелес, США

Цветочный натюрморт

Вплоть до XVIII века букет цветов, как правило, символизировал бренность, ведь земные радости так же преходящи, как красота цветка. Символика растений особенно сложна и неоднозначна, и уловить смысл помогали популярные в Европе XVI–XVII веков книги эмблем, где аллегорические иллюстрации и девизы сопровождались пояснительными текстами. Цветочные композиции было непросто интерпретировать: один и тот же цветок имел множество значений, иногда прямо противоположных. Например, нарцисс указывал на самовлюбленность и одновременно считался символом Богоматери. В натюрмортах, как правило, сохранялись оба значения образа, и зритель был волен выбрать один из двух смыслов или совместить их.

Цветочные композиции часто дополнялись плодами, мелкими предметами, изображениями животных. Эти образы выражали основную мысль произведения, подчеркивая мотив быстротечности, увядания, греховности всего земного и нетленности добродетели.

Ян Давидс де Хем. Цветы в вазе. Между 1606 и 1684 годом

На картине Яна Давидса де Хема Ян Давидс де Хем (1606–1684) — голландский художник, известный своими цветочными натюрмортами. у основания вазы художник изобразил символы бренности: увядшие и сломанные цветы, осыпавшиеся лепестки и засохшие стручки гороха. Вот улитка — она ассоциируется с душой грешника Среди других таких отрицательных образов — рептилии и земноводные (ящерицы, лягушки), а также гусеницы, мыши, мухи и другая живность, ползающая по земле или живущая в грязи.. В центре букета мы видим символы скромности и чистоты: полевые цветы, фиалки и незабудки. Их окружают тюльпаны, символизирующие увядающую красоту и бессмысленное расточительство (разведение тюльпанов считалось в Голландии одним из самых суетных занятий и к тому же недешевым); пышные розы и маки, напоминающие о недолговечности жизни. Венчают композицию два крупных цветка, имеющие положительное значение. Синий ирис олицетворяет отпущение грехов и указывает на возможность спасения через добродетель. Красный мак, который традиционно ассоциировался со сном и смертью, из-за своего местоположения в букете сменил трактовку: здесь он обозначает искупительную жертву Христа Еще в Средневековье считалось, что цветы мака выросли на земле, орошенной кровью Христа.. Другие символы спасения — это хлебные колоски, а бабочка, сидящая на стебле, олицетворяет бессмертную душу.

Ян Бауман. Цветы, фрукты и обезьяна. Первая половина XVII века

Картина Яна Баумана Ян (Жан-Жак) Бауман (1601–1653) — живописец, мастер натюрморта. Жил и работал в Германии и Нидерландах. «Цветы, фрукты и обезьяна» — хороший пример смысловой многослойности и неоднозначности натюрморта и предметов на нем. На первый взгляд, сочетание растений и животных кажется случайным. На самом деле этот натюрморт тоже напоминает о быстротечности жизни и греховности земного существования. Каждый изображенный предмет транслирует определенную идею: улитка и ящерица в данном случае указывают на смертность всего земного; тюльпан, лежащий возле миски с плодами, символизирует быстрое увядание; раковины, разбросанные на столе, намекают на неразумную трату денег В Голландии XVII века было очень популярно коллекционирование разного рода «диковинок», в том числе раковин.; а обезьяна с персиком указывает на первородный грех и порочность. С другой стороны, порхающая бабочка и плоды: гроздья винограда, яблоки, персики и груши — говорят о бессмертии души и искупительной жертве Христа. На другом, иносказательном уровне представленные на картине фрукты, плоды, цветы и животные обозначают четыре стихии: раковины и улитки — воду; бабочка — воздух; плоды и цветы — землю; обезьяна — огонь.