7 женщин-художников, покоривших живописный эверест

Предпосылки в раннем христианстве

Книгу Юдифи приняли Джером как канонические и принятые в Вульгата и упоминался Климентом Римским в конце первого века (1 Климент 55), и поэтому изображения Юдифи были столь же приемлемы, как и изображения других библейских женщин. Однако в раннем христианстве изображения Юдифь были далеки от сексуальных или жестоких: ее обычно изображали как «прообраз молящейся Девы или церкви, или как фигуру, которая топчет сатану и сеет ад», то есть таким образом, чтобы не предавал сексуальной амбивалентности: «фигура самой Джудит оставалась неподвижной и нереальной, отделенной от реальных сексуальных образов и, таким образом, защищенной».

Луиза Буржуа (1911–2010)

Wiki­me­dia Com­mons / Sonya92 / gill­mar / Shut­ter­stock / Горящая изба

Француженка Луиза Буржуа — одна из главных творческих деятельниц ХХ века. В своих работах она часто обращалась к теме феминизма и места женщины в современном обществе. На её творчество повлияла семейная трагедия, которую Луиза пережила в детстве. 

Юные годы Луиза провела в провинции. Она стала свидетельницей того, как её отец открыто изменял матери с гувернанткой. Мама об этом тоже знала, но предпочитала терпеть, чтобы не разрушать семью. Для Луизы это стало настоящей травмой, которую она позже воплотила сразу в нескольких работах. Когда в 1932 году мама умерла, Луиза хотела покончить жизнь самоубийством, чтобы не жить с отцом-предателем. 

Буржуа училась в Сорбонне на технической специальности, но брала художественные уроки. Её первыми шагами в мире искусства стала живопись. Одна из первых работ, Femme Mai­son, — серия картин, посвящённых размышлениям Луизы о роли женщины в семье. 

К скульптурам Луиза перешла благодаря своему учителю кубисту Фернану Леже. Поначалу в её работах чувствовалось его влияние, но позже она нашла собственный стиль. Знаковой работой Луизы стала скульптура «Разрушение отца» — структура с изображением жертвенной плиты и разбросанной по ней частям тела. В ней Луиза выразила всю ненависть, которую испытывала к родителю. 

Главная работа, которая прославила Луизу Буржуа, — серия огромных скульптур пауков, которую она назвала «Мама». В прочтении Луизы пауки символизируют собой материнское терпение. В 1999 году за этот проект она получила «Золотого льва» на 48‑й Венецианской биеннале.

Изображения эпохи Возрождения

Кристофано Аллори, Юдифь с головой Олоферна (1613)

Юдифь и Олоферн, знаменитая бронзовая скульптура Донателло, несет в себе подразумеваемый аллегорический подтекст, неизбежный во Флоренции раннего Возрождения, — подтекст мужества коммуна против тирании.

В конце эпохи Возрождения Юдифь значительно изменилась, изменение, описанное как «отпадение от благодати» — от образа Мэри она превращается в фигуру канун. На изображениях Юдифи в раннем Возрождении она изображается полностью одетой и лишенной сексуальности; Помимо скульптуры Донателло, это Юдифь из Сандро Боттичеллис Возвращение Юдифи в Ветилью (1470–1472), Андреа Мантеньяс Юдифь и Олоферн (1495 г., с оторванной головой), а в углу Микеланджелос Сикстинская капелла (1508–1512). Художники позднего Возрождения, в частности Лукас Кранах Старший, который своей мастерской нарисовал не менее восьми Юдифь, показал более сексуализированную Джудит, «соблазнительницу-убийцу»: «Сама одежда, которая была добавлена ​​в иконографию, чтобы подчеркнуть ее целомудрие, становится сексуально заряженной, поскольку она показывает окровавленную голову шокированному, но очарованному зрителю», по словам искусствовед Джонатан Джонс. Этот переход от десексуализированного образа Добродетель более сексуальной и агрессивной женщине, Джорджонес Джудит (около 1505 г.): «Джорджоне демонстрирует героический пример, триумф победы, когда Юдифь наступает на отрубленную, разлагающуюся голову Олоферна. Но эмблема Добродетели ошибочна, так как одна обнаженная нога, появляющаяся через специальный разрез в платье, вызывает эротизм. , указывает на двусмысленность и, таким образом, является первым намеком на будущие перевороты Джудит от Марии к Еве, от воина к роковая женщина.» Другие итальянские художники эпохи Возрождения, написавшие эту тему, включают: Боттичелли, Тициан, и Паоло Веронезе.

Особенно в Германии вырос интерес к женскому «»и героини, чтобы соответствовать традиционным мужским декорациям. Сюжеты, сочетающие секс и насилие, также были популярны среди коллекционеров. Лукреция, Юдифь была предметом непропорционально большого количества отпечатки старых мастеров, иногда показан обнаженным. Бартел Бехам выгравированы три композиции сюжета, а другая — «Маленькие мастера»сделал еще несколько. Якопо де Барбери, Джироламо Мочетто (по дизайну Андреа Мантенья), и Пармиджанино также сделал оттиски предмета.

Рим (1620-1626 гг.)

Следующие десять лет Артемизия провела сначала в Риме, потом в Венеции.

В свой родной город женщина вернулась знаменитой художницей. Она открыла свою мастерскую и завоевала общественное признание своего профессионализма в Риме.

Артемизия ссорится с отцом: он не одобряет ее поведения, а она все еще помнит старые обиды из-за судебного процесса (именно по инициативе отца начались скандальные разбирательства). Дочь и отец помирились только в Лондоне в 1638 году, незадолго до смерти Орацио.

Брак Артемизии постепенно распадается. В 1624 году они мирно и спокойно расстаются с мужем. Женщина становится свободной и зарабатывает сама.

Несмотря на то, что она была признанным художником и портретистом, большинство крупных значимых работ заказывали художникам- мужчинам. От такого гендерного неравенства Артемизия страдала всю жизнь. И ее заработки были намного меньше возможных.

Симон Вуэ. Портрет Артемизии Ломи Джентилески, ок. 1623—1626

В Риме тоже была академия искусств (Академия Святого Луки). Туда также принимали женщин.

Папа Римский Урбан VIII был важным покровителем творческих женщин, среди которых значились художницы Вирджиния да Веццо и Маддалена Корвини, а также архитектор Плавтилья Бриччи.

Сама Артемизия не поступила в Римскую академию, возможно, потому, что она недолго оставалась в городе перед отъездом в Венецию.

Фрида Кало (1907-1954 гг.)

Фрида Кало с фигуркой ольмеков. 1939 г. Фото Николаса Мурая. Rutage.com.

Что приходит в голову при упоминании имени Фриды Кало?

Темпераментная натура, брак с художником Диего Ривера, тяжёлая авария, сквернословие и, конечно, знаменитая монобровь…

За интересной биографией порой теряется само творчество. Но только не у Фриды. Ее картины столь же яркие и неповторимые, как она сама.

Больше всего Кало прославилась автопортретами. Причём почти всегда они были отражением её внутренних переживаний.

Картина «Диего и Я» – не исключение.

Фрида Кало. Диего и я. 1949 г. Частная коллекция. Pinterest.ru.

Фрида считала, что знакомство с Диего было одним из двух несчастий ее жизни. Он всегда был в её мыслях. Поэтому частые измены мужа были для неё крайне болезненными. Оттого мы и видим слёзы на глазах.

Вторым несчастьем Кало считала аварию, в которую попала. Она получила очень тяжёлые травмы: автобус, в котором ехала девушка, врезался в трамвай.

Она долго восстанавливалась после этого. Но до конца здоровье так и не вернулось. Она всю жизнь мучилась от постоянных болей, а ещё так и не смогла стать матерью.

Для Кало рисование было арт-терапией. Поэтому ее тело на полотнах то утыкано гвоздями, то покрыто алыми шрамами. Боль настоящая перерождалась в символы боли на картинах.

«Сломанная колонна» – тоже психотерапевтическая для Фриды работа.

В 1940-х ее ждало еще одно серьезное испытание. Когда-то сломанный в нескольких местах позвоночник не выдерживал нагрузок.

Врачи заставили Фриду носить полгода (!) стальной корсет. Это было невообразимо сложно и мучительно.

Фрида Кало. Сломанная колонна. 1944 г. Музей Долорес Патиньо в Мехико. Artchive.ru.

И вот Фрида рисует свой больной позвоночник в виде разрушающейся древнеримской колонны. В собранном состоянии ее удерживает только пресловутый стальной корсет. 

Фриду не интересовало, что от женщины ждали эстетичной живописи. Для неё это была возможность хоть как-то ужиться со своей болью и предчувствием смерти.

В результате Кало выработала уникальный стиль. Что-то среднее между сюрреализмом и фолк-артом. Она стала художником, чью кисть узнают сразу, даже без базовых знаний живописи.

Источники и анализ

Эпизод, в котором Юдифь обезглавливает Олоферна, взят из второканонической книги Библии . Эпизод из апокрифической Книги Юдифи в Ветхом Завете , который пересчитывает убийство из ассирийских общих Олоферно со стороны Израильской героиней Джудит . Джентилески опирается на самую кульминационную часть Книги Юдифи, где происходит обезглавливание.

Считалось, что «Джудит, убивающая Олоферна » связана с темой « Власть женщины» . Историк Сьюзан Л. Смит определяет «силу женщины» как «репрезентативную практику объединения по крайней мере двух, но обычно большего числа известных персонажей из Библии, древней истории или романов, чтобы проиллюстрировать группу взаимосвязанных тем, которые включают Коварство женщины, сила любви и испытания брака. Джентилески играет на «женских хитростях» в своей картине, буквально изображая Джудит в главной точке ее господства над мужчиной. Юдифь изображена как красивая женщина, которая соблазнил Олоферна, а также как жестокую героиню .

Картина безжалостно физична, от широких струй крови до энергии двух женщин, исполняющих акт. Усилие женской борьбы лучше всего представлено тонким лицом служанки, которая моложе, чем в других обработках той же темы, которую схватывает огромный мускулистый кулак Олоферна, отчаянно борющегося за выживание. Джудит, убивающая Олоферна, использует более глубокие основные цвета по сравнению с флорентийской версией. Юдифь изображена в кобальтово-синем платье с золотыми вставками, а ее служанка — в красном. У обеих женщин закатаны рукава. Как последовательница Караваджо, Артемизия Джентилески использует светотень в картине с темным фоном, контрастирующим со светом, сияющим прямо на сцене, где Юдифь обезглавливает Олоферна.

Юдифь, обезглавливающая Олоферна

Самая известная художница 17-го века Джентилески была первой женщиной входившей в состав Академии художеств во Флоренции. Картинами с яркими, порой жестокими, библейскими сюжетами восхищались как другие члены академии, так и коллекционеры. Данная композиция на тему Юдифь не единственная. Две наиболее известные версии находятся в Каподимонте  и Уффици.

На художественный стиль Джентилески повлиял популярный на тот момент караваджизм, а так же основатель этого направления — Караваджо, который являлся другом отца художницы, а также создал собственную работу на тему данной библейской истории.

Считается, что в молодости, женщина была изнасилована одним из помощников своего отца — Агостино Тасси (1578-1644), который был жестоким, неприятным человеком. Некоторые источники утверждают, что мужчина был виновен в изнасиловании своей сестры и убийстве жены. Однако, за заслуги в области живописи, был помилован герцогом Тосканы, после двенадцати месяцев тюрьмы. Поэтому, многие арт-критики рассматривают «Усекновение головы Олоферна» как автобиографический эпизод.

Описание работы

Юдифь Караваджо

Данная картина основана на ветхозаветном сюжете, в котором главная героиня представляет традиционный пример добродетели и целомудрия. Юдифь обезглавливает Олоферн, одержимая желанием отмщения за город и народ. Мотив мести перекликается с эпизодом из биографии художницы. Популярный, среди барочных художников, сюжет показывает женщину, торжествующую над тираном. Джентилески использовала себя в качестве модели для Юдифь, а Тасси лег в основу фигуры Олоферна.

В отличие от аналогичной работы Караваджо, Джентилески создает гораздо более бурную, болезненную и драматичную сцену, будто героиня борется за жизнь и прикладывает максимум физических усилий, чтобы убить врага. Работа полна жесткости и насилия. Ужаса атмосфере предает реалистичность, достигающаяся за счет изображения потоков крови и мечу, который будто в действительности проходит сквозь хрящи и вот-вот распилит позвоночник.

Картина запоминается также благодаря богатому исполнению одежд и постельного белья. Джентилески мастерски использует светотень, которая придает объем всем фигурам

Светлые части акцентируют внимание на ключевых деталях полотна

Считается, что картина была написана для Козимо II Медичи (1590–1621), человека, который помиловал Тасси, и была завершена в Риме. Благодаря своей природе, работа была спрятана в тихом уголке дворца Питти, а через восемь лет после создания переехала в Неаполь.

Клара Петерс (1594-1657 гг.)

Клара Петерс. Суета сует (автопортрет). 1620. Частная коллекция

О нидерландке Кларе Петерс мы знаем очень мало. Даже даты ее жизни спорны. А многие работы были ошибочно приписаны другим малым голландцам. Словно и не было такой художницы…

Это можно объяснить. Женщине, даже очень талантливой, было легко затеряться среди многочисленных художников. В 17 веке в Голландии творили 6000 мастеров! 

Но не была бы она женщиной, если бы не придумала одну хитрость.

На одной своей картине она изобразила себя (смотрите первую картину). Хотя жанр натюрморта этого не позволял.

Портретист из неё был неважный, но зато она смогла увековечить свой облик. А ещё она иногда «выбивала» своё имя на ножах, изображённых на картинах.

Клара Петерс. Накрытый стол (деталь). 1615 г. Прадо, Мадрид

Клара писала завтраки и сервированные столы. Прекрасный тому пример – «Натюрморт  с цветами и золотым бокалом».

Клара Петерс. Натюрморт с цветами и золотым бокалом. 1611 г. Музей Прадо, Мадрид

Гиперреалистичность и сочетание цветов просто поражают!

Давайте сравним ее работу с картиной современника, замечательного художника Яна Хема.

Слева: Клара Петерс. Натюрморт с золотым бокалом. Справа: Ян Давидс Хем. Стол. Первая половина 17 века. Музей Прадо, Мадрид

Обратите внимание, насколько чувствуется женская рука! На столе Клары гораздо больше порядка, даже чересчур. Золотой бокал стоит точно по центру

И четкость рисунка выше, чем у Хема.

У последнего все-таки воздуха в картине побольше. Но все равно очевидно, что школа у Клары была очень серьёзная. 

Над «Натюрмортом со свечой, бокалом и кубком» искусствоведы до сих пор ломают головы.

Клара Петерс. Аллегория свадьбы. 1607 г. Частная коллекция

Кто-то видит в нем собрание мрачных аллегорий. Муха – символ смерти. Свеча – быстротечности времени, кольцо – бренности бытия.

А кто-то говорит, что работа, наоборот, запечатлела счастливое событие – бракосочетание художницы. Поэтому иногда картину называют «Аллегорией свадьбы».

Так что Клара угодила всем: и пессимистам, и оптимистам

Сегодня работы Петерс выставляются в самых известных музеях мира. В 2017 году, например, музей Прадо устроил выставку ее работ.

Но ее имя все равно НЕ на слуху: оно известно лишь настоящим ценителям голландского натюрморта. Петерс стала ещё одной несправедливо упущенной из виду женщиной-художником.

Неаполь (1630- 1654 гг.) и Лондон (1638-1639 гг.)

В 1630 году Артемизия с дочерью переехала в Неаполь и там провела остаток своей жизни, за исключением поездки в 1638-1639 годах в Лондон, где ее отец был придворным художником английского короля Карла I.

А.Джентилески. Автопортрет в образе аллегории Живописи. около 1638-1639

Ее автопортрет «Аллегория живописи» был частью коллекции Чарльза, сына короля.

Артемизия приезжает в Лондон по просьбе отца помочь закончить роспись потолка в Гринвиче, королевской резиденции. После смерти Орацио она возвращается в Неаполь.

А.Джентилески.Аллегория Мира и Искусств под английской короной. около 1638-1639.совместно с Орацио Джентилески, отцом художницы

К этому времени, как она писала Галилею, ее «почитали все цари и правители Европы, которым я посылала свои сочинения». Она не отступала от прямого утверждения своего таланта. Надеясь получить комиссионные от Франческо I д’ Эсте, герцога Моденского, она прислала образец работы и письмо, в котором отмечала: «я служила всем главным правителям Европы, которые высоко ценят мою работу… это послужило бы доказательством моей славы… Поэтому прошу простить мой дерзкий, но честолюбивый поступок».

В Неаполе Артемизия также открыла свою мастерскую и успешно вела свой бизнес.

В 17 веке Неаполь был испанским городом. Большинство заказов поступало от испанцев, отличающихся своими пожеланиями и требованиями.

И стиль местных художников не походил на итальянский. У Артемизии постепенно меняется манера живописи: художественные приемы становятся более мягкими, позы фигур более изящные, очаровательные лица, красивые композиции, спокойные цвета.

Артемизия уходит от драматической и контрастной манеры изображения. Она сотрудничает с местными художниками, с которыми создает несколько картин.

Например, полотно «Купание Вирсавии» написано совместно с живописцами Бернардо Каваллино, Джованни Франческо Барбьери и, возможно, другими.

А.Джентилески. Купание Вирсавии. около 1636-1638

В этот поздний период работы Артемизии включали в себя множество женских обнаженных изображений, таких как «Клеопатра» и «Давид и Вирсавия».

А.Джентилески.Клеопатра. около 1633-1635

Всегда внимательная к практическим аспектам ведения бизнеса, она жаловалась, что нахождение подходящих моделей для этой работы «очень дорого» и «большая головная боль».

«Когда я нахожу хороших, они обирают меня, а в другое время приходится терпеть мелочность с терпением Иова».

А.Джентилески.Давид и Вирсавия. 1645-1650

К этому времени спрос на ее искусство превысил возможности художницы. Часть работ, которые она брала на заказ, выполнялись, как это было принято в тот период, работниками ее мастерской с надписью «Артемизия», хотя ее собственного участия, возможно, почти не было.

Картины художницы пользовались большой популярностью, и некоторые Артемизия повторяла на заказ. Так появилось несколько Клеопатр, Юдифий, Магдалин.

А.Джентилески.Юдифь и её служанка с головой Олоферна. около 1645-1650

Когда дело касалось маркетинга, Артемизия была жестким переговорщиком. В 1649 году она написала Дону Антонио Руффо, известному коллекционеру, отказывая ему в скидке: «я была оскорблена, услышав, что вы хотите вычесть одну треть… Я не могу согласиться на сокращение, как из-за ценности картины, так и из-за моей большой нужды». Она была «недовольна тем, что во второй раз со мной обращаются как с новичком». В последующем письме она не отступала, написав, что Руффо «найдет дух Цезаря в этой женской душе».

Артемизия преодолела барьеры, мешающие женщинам получить профессию, обучаясь в доме своего отца. Но она хорошо осознавала, что рискует подвергнуться не столь достойному обращению из-за своего пола.

Как-то, получив от нее рисунок, один меценат нанял для этой работы художника-мужчину. Артемизия негодовала. «Если бы я была мужчиной, — писала она, — я не могу себе представить, чтобы все так обернулось».

А.Джентилески.Мадонна с младенцем и чётками. около 1650-1651

Последней картиной великой художницы считается в настоящее время «Мадонна с младенцем и чётками».

Артемизия умерла в 1654 году, оставив более 100 произведений. К сожалению, не все сохранились до наших времен.Кроме того авторство многих картин тех веков все еще исследуется. В средние века не было принято подписывать картины. Лишь 17 полотен Артемизии имеют ее подпись.

В заключение

Такие разные, удивительные, неповторимые женщины-творцы стали яркими символами своих эпох:

Артемизия Джентилески – это барокко XVII века;

Клара Петерс – натурализм малых голландцев того же XVII века;

Элизабет Виже-Лебрен – рококо XVIII века;

Мэри Кассат – импрессионизм XIX века;

Наталья Гончарова – русский авангард XX века;

Джорджия О’Кифф – модернизм XX века;

Фрида Кало – сюрреализм того же XX века. 

Не все имена, к сожалению, у любителей живописи на слуху. Но сейчас мы постепенно вспоминаем их. Ведь они покорили-таки живописный Эверест.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.