Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)
Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.
Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.
Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).
Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.
Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».
Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г. Музей д’Орсе, Париж
Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.
Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.
Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.
Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.
На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.
Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.
Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.
Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.
Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон
Тонализм, как и близкий ему импрессионизм, в середине 19 века публику тоже не впечатлял. Слишком далеко от популярного на тот момент реализма.
Но Уистлер успеет дождаться признания. Под конец жизни его работы начнут охотно покупать.
Нужен был этот воздух: «Она приходила в музей каждый день»
Я пришла в музей в 1981 году, мне было 22. Меня поселили в отдел передвижных выставок, в комнату, где шесть человек сидели как селедки в бочке. И там в предбанничке был стол, за которым работала машинистка. И туда приходила Аладова – она приходила в музей каждый день, чтобы выпить чашку кофе с Юрием Александровичем Карачуном, он ей отчитывался, рассказывал новости, хотя жили они на одной лестничной площадке. А потом она садилась на диванчик и просто смотрела, как бегает молодежь, которая ее уже не знает.
Ей нужен был этот воздух. Воздух ее музея.
Перепечатка материалов CityDog.by возможна только с письменного разрешения редакции. Подробности здесь.
Фото: Сергей Гудилин.
Еще по этой теме:
Дама, удобная в быту: смотрите, активисты запустили проект, который вам может понравиться
Позвольте ему плакать. 12 пунктов для тех, кто хочет воспитать сына феминистом
«С дедушками о феминизме лучше не разговаривать – не ровен час поколотят». Как объяснить пожилым людям, что такое ЛГБТ, феминизм и криптовалюта
Бунт по-восточноевропейски
«Царит приторное счастье. Никто не хочет дурачиться, все серьезны, сумрачны, мертвы. Жизнь куда-то исчезла…» Эта выдержка из манифеста польских художников Ежи Рышарда (Юри) Зелинского и Яна Добковского (Добсона) «Нео-нео-нео» хорошо отражает подрывной характер их творчества. Зелинский, один из немногих восточноевропейских художников, проявивших интерес к поп-арту в период его активности, выказал немалую смелость, противопоставив поп-эстетику насаждавшемуся из СССР социалистическому реализму.
Без бунта. Ежи Рышард «Юри» Зелински. 1970 год. Зелинский подражал в своих картинах упрощенной плоскостной эстетике восточноевропейского плаката.
Вызвавшая широкий резонанс картина Зелинского «Без бунта» (1970), вопреки своему ироничному названию, ярко демонстрирует бунтарский характер искусства и жизни художника. Он изобразил сверхкрупным планом часть лица с закрытыми глазами и высунутым языком, который свисает за пределы холста. При ближайшем рассмотрении этот «портрет» четко выражает взгляды Зелинского на свободу и бунт. Глаза имеют форму двух орлов на фоне закатного солнца (таков символ основания Польши, который лег в основу герба страны). Проступающая в солнцах зелень выявляет негативный подтекст картины, как и гвоздь, которым прибит к полу ярко-красный язык, сделанный из подушки. Эта ясно читающаяся метафора выражает острый политический посыл работы Зелинского, который выступил с открытым художественным обвинением в адрес социалистической Польши. Если большинство произведений, рассмотренных в этой главе, являются лишь репликами по поводу политических событий, то картина «Без бунта» является примером политического орудия, призывающего к реальному действию.
Джон Сарджент (1856-1925 гг.)
Джон Сарджент. Автопортрет. 1892 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Джон Сарджент был уверен, что всю жизнь будет портретистом. Карьера складывалась удачно. Аристократы выстраивались в очередь, чтобы сделать ему заказ.
Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».
Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.
Джон Сарджент. Мадам Х. 1878 г. Метрополитен музей, Нью-Йорк
Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.
Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.
К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.
Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».
Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.
Джон Сарджент. Гвоздика, лилия, лилия, роза. 1885-1886 гг. Галерея Тейт, Лондон
В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.
Джон Сарджент. Белые корабли. 1908 г. Бруклинский музей, США
Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.
Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.
Аладова увела коллекцию у Третьяковской галереи
Она же «увела» коллекцию Лидии Руслановой (с которой, кстати, была очень дружна), которая была отсужена у Третьяковской галереи. Русланова была этапирована в ГУЛАГ по делу ее мужа генерала Владимира Крюкова – по делу «заговора военных». Поскольку Русланова могла «поднять шум на всю страну», ее тоже арестовали. Русланова пробыла в лагерях 6 лет. После смерти Сталина Жуков ее освободил, но картины – 132 из ее прекрасной коллекции – были арестованы НКВД и переданы на хранение в Третьяковскую галерею. Третьяковский музей посчитал, что Русланова уже не вернется на свободу, поэтому вся коллекция была оформлена на баланс музея. Когда же она вернулась, ей пришлось через суд забирать свою коллекцию. И какие-то вещи ей не отдали – например, работу Васнецова. Конечно, она рассердилась и стала на принципиальную позицию: ничего не продавать Третьяковке. И тут появляется Елена Аладова и покупает 37 произведений у Руслановой в коллекцию Национального художественного музея. Среди них, например, Брюллов, Кустодиев, Репин и другие.
Третьяковская галерея часто ставила препоны. Например, Аладова добыла дипломную работу Сурикова. Но Третьяковка не отдала ее, а забрала себе.
Кстати, некоторые работы Елена Аладова добывала хитростью. Например портрет Екатерины Второй кисти, как тогда считали, Рокотова. С одной стороны, Екатерина II для белорусских земель – это такая злобная тень. Но в их советские времена Екатерина II считалась великой императрицей. «Екатерину» она «вырвала» интересным способом: зашла в Русский музей, увидела ее на реставрационном столе и восхитилась портретом. А замдиректора Русского музея был ее однокурсником. Директор в тот самый день оказался в командировке – значит, у замдиректора было право подписи. И она говорит: «Отдайте!» Он взял и подписал приказ о передаче этого портрета музею в Минске. Она быстро упаковала работу, села в поезд и в тот же день выехала в Минск. На следующий день директор Русского музея вернулся из командировки – был жуткий скандал. Но ему сказали: «Аладова уже на подъезде к Минску, что ж вы, будете скандал такой устраивать?» И Екатерина прибыла к нам.
Абсолютно авантюристская история, невозможная в наши дни!
Абано Терме: Роберт Капа. Фотографии после войны
Франция, Ницца. Август 1949 года. Анри Матисс в своей студии. Магнум Фото
Портрет Матисса в его студии в Ницце и портрет Пикассо на пляже. Его отношения с Хемингуэем и Стейнбеком, с которыми он отправился в путешествие в Россию после Второй мировой войны, описаны в знаменитом «Русском дневнике» 1948 года.
А также актеры, режиссеры и дивы, увековеченные на съемочных площадках великих фильмов, от «Ноториуса» Альфреда Хичкока (1946) с Ингрид Бергман до «Ризо Амаро» с Сильваной Мангано.
Менее известный Капа, портретист и постановочный фотограф — главный героем выставки «Роберт Капа. Фотографии после войны», с сотней или более снимков на вилле Басси-Ратгеб в Абано Терме.
До 5 июня
Венеция: Аниш Капур в Галерее Академии и Палаццо Манфрин
С 20 апреля по 9 октября 2022 года в Венеции пройдет крупная выставка, посвященная Анишу Капуру (Мумбаи, Индия, 1954), куратором которой является Тако Диббитс, в Галерее Академии и Палаццо Манфрин. Ретроспектива проследит самые значительные моменты карьеры знаменитого художника. Впервые на выставке будут представлены инновационные работы, использующие углеродные нанотехнологии, а также последние картины и скульптуры, свидетельствующие об актуальности современного творчества мастера.
Капур, благодаря своим оригинальным и глубоким исследованиям цвета, света, перспективы и пространства, идет к истокам принципов живописи эпохи Возрождения в Венето, исследует ее суть и устанавливает интимный диалога на идеальном — можно даже сказать, концептуальном — уровне с работами Джованни Беллини, Джорджоне, Тициана, Веронезе и Тинторетто.
С 20 апреля по 9 октября
А что потом?
А потом Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол направили поп-арт на путь истинный и пустили в открытое плавание. Но прежде, конечно, вывели искусство на новый уровень. Их главной целью было размытие границ высокого и низкого искусства.
Лихтенштейн писал оммажи Пикассо, Ван Гогу и Матиссу, работал с комиксами. Раушенберг превращал в искусство различные объекты. Он – автор “комбинированных картин”. Об Уорхоле можно говорить бесконечно. Картины с изображением банок супа Кэмпбелл или разноцветные портреты Мерилин Монро стали иконами поп-арт искусства.
Энди Уорхол. «32 банки супа Кэмпбелл»
Художников, которые работали в стиле поп-арт, много критиковали: за бессмысленность, поверхностность, плагиат. За первое больше критиковали последователи абстрактного экспрессионизма, для которых искусство было сравнимо с метафизическим существом. В них играла обида – поп-арт художники переняли взгляды на себя.
За второе критиковали потому, что в основе поп-арт работ лежит уже готовый сюжет. Художники описывают происходящее вокруг, но это происходящее – потакание рынку, обществу, масс-медиа. Происходит вытеснение своего “Я” из души картины. Это неправда: вдохновляться текущими ситуациями – не значит повторять концепт предыдущих.
Милан: Тициан и образ женщины
Грация, красота, сила обольщения, элегантность: образ женщины в венецианской живописи XVI века приобретает уникальную роль и значение, не имеющее аналогов в истории искусства. Эта тема будет проиллюстрирована, как никогда ранее, на выставке «Тициан и образ женщины», где с 23 февраля будут представлены 15 картин венецианского мастера наряду с работами его самых известных современников. От Джорджоне до Лотто, от Пальма иль Веккьо до Веронезе и Тинторетто.
Портреты реальных женщин и идеализированные портреты «венецианских красавиц», героинь и святых, Венер и мифологических фигур заполнят восемь разделов выставки, представляющей широкий спектр тем, связанных с женским образом, глазами Тициана и других художников того времени. Работы художников расскажут о социальных и культурных причинах центрального положения женщин в венецианской школе, а также о моде того времени, о которой можно судить по роскошным тканям, жемчугу, украшениям и прическам, представленным на картинах.
До 5 июня
Выставки
В 1962 году в Конюшенной галерее Элеоноры Уорд прошла первая персональная выставка Роберта Индианы в Нью-Йорке. Его представляли Галерея Пола Касмина в Нью-Йорке и Галерея Гмуржинска в Европе.
С 4 июля по 14 сентября 2008 года работы Индианы были предметом грандиозной многоуровневой выставки «Роберт Индиана в Милане», основная выставка которой проходила в Padiglione d’Arte Contemporanea (Павильоне современного искусства) в городе. , с другими работами, выставленными на публичных площадях.
В 2013 году Музей американского искусства Уитни организовал ретроспективу его работы под названием «Роберт Индиана: за гранью любви», эта выставка побывала в Художественном музее МакНея в Сан-Антонио, штат Техас .
Топографика Аладовой: «Нельзя сказать, что у них была легкая жизнь»
– Елена Аладова со своим мужем Николаем Аладовым, известным белорусским композитором и первым ректором Белорусской консерватории, сначала жили в квартире на улице Ульяновской, затем – на Янки Купалы, в доме, который смотрит на цирк. Это дом со множеством памятных досок.
Когда речь заходит о таких домах и семьях, нам кажется, что они жили как-то особенно, на широкую ногу. Но это не так. Представьте, в квартире на Купалы жили не только ее родственники, но и родственники Николая Аладова, их трое детей, а еще студенты консерватории. Там был настоящий табор – 15 человек. Есть история о том, как Николай Аладов писал музыку. Он садился за фортепиано, накрывался пиджаком, чтобы не слышать детских криков и шума, и таким образом писал свои знаменитые кантаты.
Так что нельзя сказать, что у них была легкая жизнь.
Потом Елена Аладова переехала в квартиру на улице Карла Маркса. Окна этой квартиры выходили на Купаловский театр.
И наконец, третий ее дом – самый главный – это музей, который она построила в 1957 году.
Джексон Поллок (1912-1956 гг.)
Джексон Поллок. 1950 г. Фото Ханса Намута
Джексона Поллока невозможно обойти стороной. Он перешёл определённую черту в искусстве, после чего живопись не могла быть прежней. Он показал, что в искусстве вообще можно обойтись без границ. Когда положил холст на пол и забрызгал его краской.
А начал этот американский художник с абстракционизма, в котором все же прослеживалось фигуративное. В его работе 40-х годов «Стенографическая фигура» мы видим очертания и лица, и рук. И даже понятные нам символы в виде крестиков и ноликов.
Джексон Поллок. Стенографическая фигура. 1942 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)
Его работы хвалили, но покупать не спешили. Он был беден, как церковная мышь. И безбожно пил. Несмотря на счастливый брак. Его жена преклонялась перед его талантом и делала все для успеха мужа.
Но Поллок изначально был личностью надломленной. С самой юности по его поступкам было понятно, что ранняя смерть – его удел.
Эта надломленность в результате и приведёт его к смерти в 44 года. Но он успеет совершить революцию в искусстве и прославиться.
Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США
А получилось у него это в период двухлетней трезвости. Он смог плодотворно работать в 1950-1952 годах. Он долго экспериментовал, пока не пришёл к капельной технике.
Раскладывая огромный холст на полу своего сарая, он ходил вокруг него, находясь как бы в самой картине. И разбрызгивал или просто лил краску.
Эти необычные картины у него начали охотно покупать за невероятную оригинальность и новизну.
Джексон Поллок. Синие столбы. 1952 г. Национальная галерея Австралии, Канберра
Поллок был оглушен славой и провалился в депрессию, не понимая, куда ему двигаться дальше. Смертельная смесь алкоголя и депрессии не оставила ему шансов на выживание. Однажды он сел за руль сильно пьяным. В последний раз.
Поп-иконоборцы
Прямую художественную атаку на поп-арт предприняли русские художники Виталий Комар и Александр Меламид, придумавшие направление «соц-арт» — причудливый гибрид поп-арта и социалистического реализма. Задуманный с целью протеста против пропагандистской направленности и эстетической косности советского искусства, соц-арт, как недавно отметил Виталий Комар, был для самих художников — его основателей «крайне необходимым средством освобождения от гипноза советской пропаганды — в первую очередь средством самоочищения».
Пост-арт No 1 (Уорхол). Виталий Комар и Александр Меламид. 1973 год. Комар и Меламид принимали участие в знаменитой ныне Бульдозерной выставке 1974 года в Москве. Произведения, выставленные художниками на улице, были сочтены властями слишком дерзкими и разгромлены с применением тяжелой строительной техники.
биография
Роберт Кларк, который позже возьмет псевдоним Роберт Индиана, родился в Нью-Касле ( штат Индиана , США ) в 1928 году. Сначала он учился в различных учебных заведениях или художественных школах США ( Индианаполис , Ютика , Чикаго и т. Д.). , до получения образования в Колледже искусств в Эдинбурге , затем в Лондоне . Роберт Индиана путешествует по Мексике , Европе и США. Он переехал в Нью-Йорк в 1958 году.
В 1961 году он появился на выставке «Студия танца», а в следующем году — на исторической выставке «Новые реалисты», которая затем объединила большое количество художников со всего мира, которые утверждали, что являются поп-артом , языком, типично северным. Американец. В 1962 году в США была организована его первая персональная выставка. Ключевой художник поп-арта Роберт Индиана выставляется повсюду, принимает участие во всех проявлениях движения ( Монреаль , Сан-Паулу , Дюссельдорф , Нью-Йорк, Чикаго и др.). В 1990 году он будет присутствовать в КСИИ в Париже .
Роберт Индиана является частью второй волны американских художников поп-арта, которая пришла после Роберта Раушенберга , Джаспера Джонса , Джона Чемберлена и т. Д. Как и многие художники поп-арта, Индиана будет развиваться в собственном направлении. Пройдя некоторые пути, открытые другими, он будет использовать для выражения себя неоновые лампы освещения , геометрические фигуры ( круги , звезды , пятиугольники ) в однородных цветах на плоских участках и с четкими границами.
Номера в Индианаполисе .
Любовь , испанская скульптура в разбитом зеркале в Валенсии (Испания).
Ахава ( (he) = אהבה), стальная скульптура COR-TEN, Музей Израиля в Иерусалиме (1977).
Роберт Индиана восхищается Эдвардом Хоппером и художником Чарльзом Демутом , одним из предшественников представления об американской индустриализации; в 1963 году он отдал дань уважения последнему, выпустив знаменитую «Американскую мечту Демута» — композицию, основанную на числе 5 и наборе звезд. Роберт Индиана работает над знаком. Вскоре художник начинает использовать только буквы и цифры. Его знаменитая «Любовь» с наклонной буквой «О» станет эталоном поп-арта, изображением, от которого художник будет постоянно отказываться, навязчивым образом, который вторгнется в мир Северной Америки. Карьера Роберта Индианы, который стал почти человеком одного образа, отражает дух поп-арта, дух, который поддерживает по крайней мере неоднозначные отношения, ненависть и лесть с обществом потребления .
Необычный персонаж Роберт Индиана поселился в 1978 году в Винальхейвене на острове Мэн (США); Затем он прекращает рисовать, отклоняет просьбу, чтобы посвятить себя только скульптуре (стволы деревьев, собранные в варварских идолов). Во время ретроспективы, организованной в Ницце в 1998 году, он, тем не менее, рассмотрел седьмой вариант «Американской мечты», на этот раз посвященный трем американкам, переехавшим во Францию ( Жозефине Бейкер , Айседоре Дункан и Грейс Келли ).
Плавильный котёл США
Несмотря на короткую историю американского искусства, диапазон получился широченный. Среди американских художников есть и импрессионисты (Сарджент), и магические реалисты (Уайет), и абстрактные экспрессионисты (Поллок), и зачинатели поп-арта (Уорхол).
Что ж, американцы любят свободу выбора во всем. Сотни конфессий. Сотни наций. Сотни направлений искусства. На то он и плавильный котёл Соединенных Штатов Америки.
*Тонализм – монохромные пейзажи серых, голубых или коричневых оттенков, когда изображение находится словно в тумане. Тонализм считается ответвлением импрессионизма, так как передаёт впечатление художника от увиденного.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Год Кановы
Антонио Канова, «Спящая нимфа», 1820 год. Музей гипсотеки, Поссаньо
2022 год будет годом Антонио Кановы: двухсотлетие со дня смерти величайшего скульптора своего времени, высоко ценимого Папами Римскими, принцами и даже Наполеоном.
Празднование памяти автора величайших мраморных чудес в истории искусства, таких как «Амур и Психея» или «Три грации» уже началось: в музее Mart в Роверето выставка «Канова между невинностью и грехом» сравнивает 14 его шедевров с работами скульпторов и фотографов XX и XXI веков (до 18 апреля).
В Национальной пинакотеке в Болонье открылась выставка «Антонио Канова и Болонья». Выставка «Antonio Canova e Bologna. Alle origini della Pinacoteca», открытая в декабре, подчеркивает связь между венецианским скульптором и Болоньей, ее учреждениями и художниками.
До 21 ноября
Мэри Кассат (1844-1926 гг.)
Мэри Стивенсон Кассат. Автопортрет. 1878 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Мэри Кассат родилась в богатой семье. Она могла беззаботно прожить всю жизнь. Выйти замуж и родить детей. Но она выбрала другой путь. Дав себе обет безбрачия ради занятий живописью.
Она дружила с Эдгаром Дега. Попав в среду импрессионистов, навсегда увлеклась этим направлением. И ее «Девочка в синем кресле» – первая импрессионистская работа, которую увидела публика.
Мэри Кассат. Маленькая девочка на синем кресле. 1878 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Но картина особо никому не понравилась. В 19 веке детей изображали в виде послушно сидящих ангелочков, с накрученными локонами и розовыми щечками. А тут ребёнок, которому явно скучно, сидит в слишком непринуждённой позе.
Но именно Мэри Кассат, никогда не имевшая своих детей, чуть ли не первой начала их изображать естественными, какие они есть.
Для того времени у Кассат был серьёзный «недостаток». Она была женщиной. Она не могла позволить себе пойти одной в парк писать с натуры. Тем более пойти в кафе, где собирались другие художники. Сплошь мужчины! Что ей оставалось?
Мэри Кассат. Чаепитие. 1880 г. Музей изящных искусств в Бостоне, США
Писать монотонные женские чаепития в гостиных с мраморными каминами и дорогими чайными сервизами. Жизнь размеренная и бесконечно скучная.
Мэри Кассат так и не дождалась признания. Сначала ее отвергали за ее импрессионизм и якобы незаконченность картин. Потом, уже в 20 веке, она резко «устарела», так как в моде был ар-нуво (Климт) и фовизм (Матисс).
Мэри Кассат. Спящий ребенок. Пастель, бумага. 1910 г. Музей искусств в Далласе, США
Но она осталась верна своему стилю до конца. Импрессионизм. Мягкая пастель. Матери с детьми.
Ради живописи Кассат отказалась от материнства. Но ее женское начало все чаще проявлялось именно в таких нежных работах, как «Спящий ребёнок». Жаль, что консервативное общество поставило ее когда-то перед таким выбором.
Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)
Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк
В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.
Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.
Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.
Эндрю Уайет. Мир Кристины. 1948 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)
На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.
Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.
Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.
Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.
Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.
Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция
Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.
Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.
Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.
Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.
биография
Роберт Индиана родился Робертом Кларком в Нью-Касле, штат Индиана , и был усыновлен в младенчестве графом Кларком и Кармен Уоттерс. После того, как его родители развелись, он переехал в Индианаполис, чтобы жить со своим отцом, чтобы он мог учиться в Средней технической школе Арсенала (1942–1946), которую он окончил как прощальный в своем классе.
После трех лет службы в ВВС США Индиана училась в Чикагском институте искусств (1949–1953 гг.), Школе живописи и скульптуры Скоухеган в штате Мэн (лето 1953 г.), а также в Эдинбургском университете и Эдинбургском колледже искусств (1953 г.). –1954). Он вернулся в Соединенные Штаты в 1954 году и поселился в Нью-Йорке .
В Нью-Йорке любовник Индианы Эллсуорт Келли , с которым он познакомился в 1956 году, помог ему найти чердак на Coenties Slip . На Coenties Slip он встретил соседних художников, таких как Джек Янгерман , Агнес Мартин и Сай Твомбли , с которыми он какое-то время делил свою студию.
Карьера Индианы началась в начале 1960-х годов после того, как Альфред Х. Барр-младший купил «Американскую мечту» 1 для Музея современного искусства .
В 1964 году Индиана переехала из Coenties Slip в пятиэтажное здание на Spring Street и Bowery . В 1969 году он начал арендовать верхний этаж мансардного зала Odd Fellows Hall в викторианском стиле под названием «Звезда надежды» в островном городке Винальхейвен, штат Мэн , в качестве сезонной студии фотографа Элиота Элисофона . Полвека назад Марсден Хартли сбежал на тот же остров. Когда Элисофон умер в 1973 году, Индиана выкупила домик за 10 000 долларов из его имения. Он переехал на полный рабочий день, когда лишился права аренды на Бауэри в 1978 году.
В последние годы Индиана стал затворником. Он умер 19 мая 2018 года в своем доме в Винальхэвене , штат Мэн , от дыхательной недостаточности в возрасте 89 лет. За день до его смерти был подан иск по иску о том, что его опекун изолировал его от семьи и друзей и был маркетинг несанкционированного воспроизведения его работ.
