Гений места: на урале презентовали книгу о городском художнике-легенде старике букашкине

Грусть короля (1952)

В российских источниках картина носит немного другое название «Грустный король», но от этого она не меняется. Для создания полотна «Грусть короля» Матисс вырезал кусочки бумаги, а его ассистенты придали им более благородный вид, покрасив гуашью. Затем он придал этим кусочкам необходимые формы, которые послужили сюжетом для картины.

Анри Матисс всегда говорил о необходимости эмоций за счет простых средств. Одним из таких средств для художника стал цвет, а другим – форма. Картина Матисса напоминает детскую простоту, с которой дети рисуют фигуры. Матиссу, для того, чтобы его картина оказалась лучшей из лучших, не понадобилась даже кисточка.

Последние годы жизни

Уже в 1920-е годы  Матисс приобрел всемирную известность: выставки проводили в Европе и США, его начинали узнавать. Примерно в то же время у Анри заболела жена и требовалась помощница, которая могла бы ухаживать за ней. На пороге их дома появилась Лидия Делекторская — русская эмигрантка, чья семья погибла во время гражданской войны.

Мадам Матисс нисколько не переживала, что молодая особа работала в их доме. С Лидией у них сложились прекрасные отношения: девушка была аккуратна, скромна, внимательно относилась к женщине. К тому же, светловолосая Лидия не была во вкусе Матисса — ему нравились невысокие брюнетки южной внешности. Долгое  время он ее даже не замечал. Но однажды Лидия сидела рядом с кроватью Амели, сложив руки на спинке стула и облокотив голову, внимательно слушая ее. Матисс задержал на ней свой взор и попросил не двигаться. Он сделал пару зарисовок, после чего стал чаще писать ее портреты.

Лидия Делекторская Портрет Лидии Делекторской

Жена была недовольна таким поворотом, хотя явной измены или проявления отношений между Матиссом и Делекторской не было. Но боялась Амели другого: раньше она была единственной его музой, источником вдохновения, его поддержкой. Теперь Матисс светился лишь рядом с Лидией. В скором времени брак между Амели и Анри распался, после чего Матисс провел с Делекторской более 20 лет. Она стала его секретарем и помощницей. Она ухаживала за ним во время болезни, смешивала краски, раскрашивала бумагу. Между ними никогда не было физической связи, их любовь была платонической и очень благотворной. «Каждый раз, когда я скучаю я сажусь за портрет госпожи Лидии — и тоски как не бывало» — говорил Матисс.

Дикари живописи

На Осеннем салоне 1905 года группа молодых художников представила свои «революционные» картины широкой публике.  На нем Анри Матисс с Андре Дереном и Морисом де Вламинком выставили свои произведения из летней поездки в Кольюре, рыбацкой деревни на Средиземном море. Их картины выделили яркие, неестественные цвета, небрежно распределенные по холсту краски, пренебрежение правилами композиции и схематично обозначенная перспектива. На произведения обрушился шквал критики.

Камиль Моклер сравнивал их картины с «горшком краски, брошенным в лицо общественности». Картину Матисса «Женщина в шляпе» некоторые посетители пытались даже сорвать или испортить. Критик Луи Воксель посвятил им разгромную статью «Донателло среди дикарей!», в которой едко прозвал художников дикими зверями или фовистами — от французского les fauves. Так и закрепилось за живописцами название течения, во главе которого был Анри Матисс.

Картины фовистов бросали вызов смотрящему, условностям, заставляли вступить в диалог, удивиться. От них нельзя было отмахнуться или притвориться, что ты их не заметил. Они не пытались обмануть: это воздействие было абсолютно искренним и честным

Своими экспрессивными полотнами они обратили внимание на условность восприятия мира. Действительность преображалась до абсурда, словно творцы нарочито упрощали до первозданного, убирая лишние детали и нюансы, которые прежде веками надстраивались в сознании человека

Салон 1905 года оказался переломным моментом в творчестве Матисса — наконец воплотились его мечты о цвете, о которых говорил первый наставник Моро. Движение фовистов имело неформальный характер: не было ни манифеста, ни программы, и интерес к ним поддерживался на протяжении двух-трех лет. Несмотря на это, фовисты оказали существенное влияние на дальнейшее развитие искусства ХХ века, ошеломив академически закаленную публику игрой цвета и формы. Зеленые портреты, алые пейзажи и вибрирующие натюрморты не укладывались ни в какие рамки существующих канонов.

Натюрморт с ананасами, 1940

На творчестве Матисса условное исчезновение движения фовистов никак не сказалось. У него стали появляться поклонники среди меценатов, что позволило ему продолжить свои исследования стиля.

Гертруда Стайн стала первой меценаткой, которая разглядела в произведениях Матисса талант и не побоялась приобрести скандальные картины. Будучи знаменитой писательницей и имея прекрасный художественный вкус, Стайн увлекалась коллекционированием произведений молодых художников. «Женщина в шляпе», вопреки возмущениям и язвительной критике, казалась Гертруде совершенно естественной.

Радость жизни (1905-1906)

«Радость жизни» в свое время была встречена зрителями очень бурно, шумно. Небезразличных к ней не было: одни отводили глаза, другие довольствовались буйством красок. Чересчур смелая и ярка картина Матисса стала новым событием в мире изобразительного искусства. Художник начал работать над ней во Франции, где организовал уютную мастерскую в одном монастыре.

В сюжете картины – обнаженные фигуры, нежащиеся на природе. Все они распределены на холсте равномерно, стоит сделать от него несколько шагов назад, как приходит понимание, насколько гармонично составлена картина, хотя Матисс не приветствовал законы перспективы. Сам художник с любовью назвал картину «Моя Аркадия», подразумевая свой взгляд на идею-утопию абсолютной гармонии человека с природой.

Матисс — преподаватель

Заручившись поддержкой целого ряда спонсоров, включая всё семейство Стайнов, Матисс основал в Париже собственную Академию. Академия Матисса торжественно распахнула свои двери в 1908 году. До её закрытия в 1911 году художник сам преподавал в ней. За это время из заведения выпустилось около сотни французских и иностранных студентов; среди них было небывало высокое для того времени количество женщин. Преподавание велось на некоммерческой основе. Основной задачей Матисс ставил получение учениками базовой подготовки: раз в неделю он водил из в музеи и велел копировать классические работы. Рисование с натуры начиналось только после освоения студентами техники копирования.

Из Академии вышло небывалое количество художников, ставших впоследствии настоящими звёздами. Многие из них составили костяк так называемой «парижской школы».

Красные рыбки (1912)

Сокращая пространство до пределов, Анри Матисс изображает на холсте круглый стол с рыбками в аквариуме. Кажется, что рыбки двигаются, плывут одна за другой. Растения тоже выглядят оживленными. Фоном для картины служит сад, а центральная роль достается столу и рыбкам. Отражение рыбок в воде было несложно изобразить расплывчатыми пятнами. Стол изображен на картине так, будто бы художник рисует его сверху, но ножка, пририсованная к нему, в то же время создает ощущение, что рисование происходило сбоку. В картине преобладает круглая фигура, что задает полотну определенный ритм и вызывает умиротворение.

1906–1917

Многие из лучших работ Матисса были созданы в течение десятилетия после 1906 года, когда он разработал своеобразный строгий стиль, подчеркивающий плоские формы и декоративный узор. В этот период художник много путешествует, что отражается в его произведениях. В 1906 году он отправился в Алжир изучать африканское искусство, воплотившее лучшие образцы примитивизма.

После осмотра большой мюнхенской выставки 1910 года на тему исламских искусств Матисс бросился в Испанию и два месяца там изучал мавританское творчество. Он дважды в течение 1912–1913 годов побывал в Марокко и провел там семь месяцев, результатом которых стали многочисленные рисунки и около 24 картин. Занимаясь живописью в Танжере, художник внес несколько изменений в свой стиль, в том числе относительно применения черного цвета. Его восточные мотивы были частыми темами также и для более поздних картин, например, целой серии одалисок.

С 1906 по 1911 год художник создает свои выдающиеся полотна: «Голубая обнаженная», «Красный Тюрбан», «Предметы роскоши II», «Музыка», первый вариант «Танца» и второй, написанный по заказу русского коллекционера Сергея Щукина.

«Красные рыбки» Анри Матисса, как и «Танец II», признаны мировыми шедеврами. После 1910 года во многих произведениях художника цветовая гамма тяготеет к зеленому, синему, серо-голубому и фиолетовому тону. Композиции становятся строже, а линии четкие, почти как в рисунке, что заметно в таких знаменитых картинах 1910–1917 годов, как «Натюрморт с геранью», «Разговор», «Окно в Танжере», «Зора на террасе», «Сидящий Рифайн», «Портрет жены художника».

Пикассо: дружба или конкуренция?

Познакомившись в парижском салоне Стайн, Матисс и Пикассо поняли, что никто другой не понимает так друг друга, как они. Матисс был старше Пикассо на двенадцать лет и к тому моменту его имя гремело на всю Францию. Испанский молодой художник был лишь в начале своего пути, плохо говорил по-французски и увидел в Матиссе соперника за звание главного художника современности.

Несмотря на разный подход в живописи — Пикассо был увлечен формой, а Матисс — цветом — каждый был способен подтолкнуть друг друга к неожиданному решению. И это неудивительно: их объединяло то, что искусство обоих выходило за рамки. Пикассо говорил: «Мы должны как можно больше общаться друг с другом. Когда кто-то из нас умрет, другой просто не сможет обсудить некоторые вопросы больше ни с кем». Они не только анализировали картины друг друга и дискутировали насчет преимуществ и недостатков, но и обменивались полотнами.

Поиски собственного стиля

В начале ХХ века изобразительное искусство существовало по законам классической школы — строгим канонам живописи, отсылающим к римскому классицизму и искусству эпохи Возрождения. Будучи одним из учеников Моро, молодой художник успел заявить себе в академическом обществе и многие видели в нем большой потенциал. Несмотря на нарастающий успех, Матисса впечатляли более прогрессивные работы Мане, смелые произведения Ван Гога, экзотическая живопись Гогена, революционные картины Сезанна и изящные японские гравюры.

Судьбоносным для Матисса стало знакомство с Джоном Расселом — австралийским художником, который вскоре стал его наставником. Благодаря Джону, Матисс вернулся к размышлениям о цвете и его роли на полотне. Он вспоминал :«Расселл был моим учителем, он разъяснил мне теорию цвета». В работах Матисса того периода уже можно обнаружить влияние импрессионистов и намек на собственное видение: тогда появились его первые пейзажи «Булонский лес» и «Люксембургский сад».

Анри Матисс, Булонский лес, 1902 Люксембургский сад, 1869-1954 Посуда и фрукты. Желто-сиреневый натюрморт, 1901 Фрукты и кофейник (Натюрморт), 1900

Уже в этих работах Матисс не боялся размашистых мазков, пренебрегал формой и перспективой в пользу контрастности и яркости, упрощал фигуры, лишая их теней, но одновременно с этим прибавляя им объем за счет насыщенных цветов.

Как Матисс изменил искусство ХХ века и повлиял на творчество других

Осознать масштаб влияния Матисса сложно: выразительные формы, открытые им, окружают нас везде в повседневности. Цветовые палитры, приемы и техники закрепились в прикладном дизайне, и более того: стали его отправной точкой. Его «декупажи» с понятными формами и цветами, упрощенными до основы, имели графический характер. Матисс одним из первых осознал декоративную силу живописи, которая доступна каждому, кто чувствует красоту, а не только избранным ценителям. Живопись, способная воздействовать только линиями и красками, образующими единую симфонию красоты.

Пионерами современного искусства принято считать Пикассо, Поллока или Ротко. Но раньше всех них Матисс отказался от традиционной живописи, что прибавило смелости будущим поколениям художников. Он дал негласное разрешение творить так, как хочет сам живописец, не бояться критики и выражать себя.

Приемы Анри можно узнать в работах многих уважаемых художников. Сочетание ярких красок и плоские силуэты, условно обозначающие объект, искаженная перспектива, люди, написанные синим и коралловым цветом, — все эти особенности можно увидеть в работах Милтона Эвери. Если же вам довелось познакомиться с картинами Дэвида Хокни, то в его пестрых пейзажах непременно можно уловить влияние фовизма. Вибрирующие и праздничные полотна Мириам Шапиро также отсылают к известным приемам француза. Влияние послевоенного стиля декупажей заметен в работах Эллсворта Келли и в инсталляциях Джуди Пфафф.

Знаменитую улитку Матисса дизайнеры и модельеры использует практически как настольную книгу. Например, Пол Смит делился, что часто обращается к ней в поиске вдохновения: бери оттуда любые цвета и они будут прекрасно сочетаться друг с другом.

Улитка, 1953

Поразительно, насколько этот великий художник был одержим своей главной идеей на протяжении всей жизни: «чем проще средство — тем сильнее выражено чувство». Он никогда не переставал открывать новое и искать способы упрощения формы до ее естественного состояния.

Не требует долго копаться в себе, чтобы понять, какое воздействие оказывают на нас работы Матисса — эти чувства абсолютно искренние. Удивительно, что более 100 лет спустя они остаются источником вдохновения для многих людей и отголоски его идей можно увидеть повсюду.

Матисс окружает нас во всем.

Интересные факты:

• Каждый год Матисс дарил Делекторской по одному портрету. Так у Лидии их скопилась целая коллекция. Многие картины она дарила Советскому Союзу, куда ей так и не удалось вернуться.
• Не кажется ли вам узор скатерти из «Красной комнаты» знакомым? А если представить его в голубом цвете? Картина изначально была в тех же тонах, что и «Натюрморт с голубой скатертью». Накануне выставки Матиссу полотно показалось недостаточно декоративным, и он перекрасил его в красный.
• Пабло Пикассо очень бережно относился к картинам, подаренным Матиссом: каждое полотно он относил для сохранности в сейф.
• При поддержке семьи Стайнов Матисс основал свою Академию искусств. Молодые и амбициозные художники ринулись туда, в надежде научиться писать как Матисс — так же смело и революционно. Однако к своему удивлению обнаружили все тот же классический подход, что был в остальных школах и академиях. Матисс был убежден: без прочной академической основы настоящего художника быть не может.
• В  1920 году  по заказу известного театрального деятеля Сергея Дягилева Матисс стал автором эскизов костюмов и декораций для балета «Песнь Соловья»
• За два дня до кончины Матисс пережил микроинсульт. Делекторская вспоминала, как зашла к нему накануне смерти в спальню и произнесла: «В другой день Вы бы сказали: давайте карандаш и бумагу» на что он ответил: «Давайте карандаш и бумагу»

Наследие и память

Анри Матисс сумел прожить чрезвычайно долгую и насыщенную событиями жизнь, успев объездить пол света и оставив после себя колоссальное наследие. Он скончался 3 ноября 1954 года в пригороде Ниццы в возрасте 84 лет.

Если верить легенде, Пикассо, услышав о смерти художника, тотчас воскликнул: «Как же я теперь буду работать?!» Потеряв своего заклятого друга, Пикассо потерял значительную часть мотивации.

Матисс оказал основополагающее влияние на целые поколения художников, во многом определив вектор развития французского, европейского, мирового искусства. По словам живописца и скульптора Фернана Леже, он занял центральное место во французской живописи и «ушёл, осуществив всё в своём творчестве».

Сегодня Матисс стабильно держится в топе рейтингов самых дорогостоящих живописцев планеты. В 2007 году его знаменитая картина «Одалиска. Голубая гармония» была продана на аукционе Christie’s за рекордные 33  641 000 долларов.

Художник фигурирует в таких художественных фильмах, как «Полночь в Париже», «Модильяни», «Прожить жизнь с Пикассо». О нём также были сняты документальные ленты «Мировое искусство: Анри Матисс» и «Матисс».

Также в честь живописца был назван кратер на Меркурии.

Урок №2. Придумайте собственные правила

Анри Матисс у себя дома. Фото Анри Картье-Брессон. Ванс, Франция, 1944

С раннего возраста Матисс был бунтарем. В 1892 году он бросил школу и начал рисовать. Вскоре после этого он отказался от своих занятий, которые вели традиционные академические художники и заставляли его рисовать классические натюрморты и пейзажи. В 1898 году после того, как его представили Импрессионизму, Матисс решил на протяжении года рисовать то, что ему хотелось.

Эта «страсть к Цвету», конечно же, превратилась в фовизм. Вместе с Андре Дереном, Морисом де Фламинком и другими художниками Матисс бесстрашно применял яркие пигменты для своих пейзажей и портретов, получая негативные реакции от мира искусства до своей первой выставки работ – сначала в 1905 году в «Осеннем салоне» в Париже, а после в 1913 году на Арсенальной выставке в Нью-Йорке и Чикаго (одна из американских газет использовала заголовок «Анри Матисс виноват в каждом художественном грехе в календаре».)

Несмотря на отрицательную реакцию, Матисс придерживался своего мнения. В 1912-м году на вопрос о том, почему он нарисовал на холсте голубые томаты, он сказал: «Потому, что я так их вижу, и я ничего не могу поделать с тем, что другие не видят так же».

Матисс продолжал поражать своей оригинальностью на протяжении своей карьеры, особенно в использовании цвета. Например, в отличие от большинства импрессионистов, за которыми он и его сверстники следовали, он часто использовал черную краску для своих полотен.

В своего оригинальной книге заметок и размышлений «Джаз», которая вышла в 1947 году, Матисс призывал всех к уничтожению всех художественных приемов:

Как Матисс стал пуантилистом

В 1904 году прошла первая выставка Анри Матисса, однако в художественном сообществе она осталась незамеченной. Но не для Анри — там он познакомился с пуантилистом Полем Синьяком. Вскоре они вместе уехали  в Сент-Тропе за свежими идеями и новыми впечатлениями. Стиль пуантилизма, для которого характерны яркие точечные мазки, вдохновил Матисса. Из поездки он вернулся со своим первым шедевром «Роскошь, покой и наслаждение»

Однако примкнуть к направлению пуантилистов Матиссу было не суждено: довольно скоро он отказался от этой техники в пользу энергичных мазков и смелых цветов.

Уже тогда Анри осознал: цвет совсем не обязательно использовать, чтобы выразить действительность наиболее реалистично.. Он способен выразить отношение, состояние, образ и чувства, которые испытывает сам художник. Матисс говорил: «если бы я хотел получить точное изображение, я позвал бы фотографа». В его палитре появились бирюзовый, красный, оранжевый — все те цвета, которые художники не рисковали использовать и прятали за тщательной растушевкой. Краски на его полотнах наконец начали обретать голос.

Роскошь, покой и наслаждение, 1904 Попугайные Тюльпаны, 1905

Важным моментом в становлении Матисса как независимого художника стала его встреча с женой. Анри и Амели познакомились на свадьбе у друга. Уже тогда молодые люди поняли, что влюбились друг в друга. Трогательные письма, долгожданные встречи, букеты фиалок. Амели первая поверила в талант Матисса и убедила его в том, что он должен продолжить заниматься искусством, искать свой стиль. Матисс перед свадьбой признался Амели, что хотя он и любит ее, живопись он всегда будет любить больше. Она приняла эту правду, став его главной музой жизни. Амели родила ему двоих сыновей и воспитала его внебрачную дочь, которая была у Матисса от его модели Каролины Жобло.

Анри Матисс. Анри и Амели Матисс, 1913

В трудные периоды, когда заработка едва хватало на обеспечение семьи, жена открыла свой салон шляпок, на заработок с которого они долгое время существовали. Терпеливая, сочувствующая и бесконечно верящая в своего мужа — такой была Амели.

Танец (1910)

Матисс считал, что для понимания живописи не требуется специальное образование или соответствующий кругозор. В его картинах делается упор на простые формы. По его мнению, глядя на картину, зритель должен испытывать покой и расслабление. Картина «Танец» была написана от впечатлений художника от национальных танцев.

Однажды воскресным днем художник отправился в Мулен де ла Галлет. «Я просто смотрел, как танцуют. Особенно мне понравилась фарандола (хоровод). К слову говоря, художник часто изображал на своих полотнах хороводы. Вернувшись домой, Матисс повторил увиденный танец на картине 4-метровой длины.

Посуда и фрукты на красно-черном платке (1906)

Работа была создана в 1906 году в Коллиуре, о чем свидетельствует пурро – испанский винный сосуд, который мы видим на полотне художника. Автор работал над картиной летом. Весной 1906 Матисс путешествовал по Северной Африке, откуда кроме впечатлений, привез еще и керамику, и восточные ткани. Эти элементы стали неоднократно появляться в полотнах художника.

Красно-черный ковер, который ранее по ошибке назывался платком, фигурировал также и в других произведениях Матисса: «Красный ковер» и «Натюрморт с гипсовой статуэткой». Яркий коврик занимает почти все полотно, являясь украшением для посуды и фруктов. Только стеклянный сосуд показывает свою независимость.

Пять фактов о Матиссе к 150-летию художника

1.Отец художника был успешным торговцем зерна и имел свою лавку. Он рассчитывал, что Анри продолжит семейное дело, но мальчик пошел своей дорогой. Сначала его привлекает юриспруденция. Закончив учебу в Школе юридических наук, он работает клерком у присяжного поверенного. Но вдруг с юношей случается приступ аппендицита, из-за чего он вынужден находиться в больнице целых два месяца. Чтобы Анри не скучал, мать приносит ему принадлежности для рисования. Так Матисс впервые начинает рисовать, копируя цветные открытки. Занятие настолько увлекает мальчика, что он решает стать художником и начинает готовиться к экзаменам в Школу изящных искусств.

2.Матисс пробовал работать в разных техниках, он даже изобрел собственное направление — фовизм. Принято считать, что отправной точкой фовизма стала картина «Роскошь, покой и наслаждение», написанная в 1904-1905 годах. Эта работа выполнена в технике дивизионизма, или пуантилизма (манера письма, когда картина складывается из раздельных мазков правильной формы). Однако на этом поиски не заканчиваются. В 1932 году Матисс впервые применяет для создания картин цветную бумагу, из которой вырезает нужные формы. Это происходит при создании панно Танец II. А уже на склоне лет Матисс, опираясь на предыдущий опыт работы с бумагой, создает собственную технику: из бумажных обрезков мастер составляет картины. Матисс придумал это для экономии собственных сил.

3.Русский купец Сергей Иванович Щукин был одним из первых, кто оценил талант французского мастера. Коллекционер пригласил Анри Матисса в Россию. Так художник посетил Москву и Петербург. Матисс отзывался о России с восхищением, особенно его вдохновила трогательная простота икон. В 1909 году Щукин заказал для своего особняка два полотна. Сейчас «Музыка» и «Танец» хранятся в Эрмитаже. Матисс закончил эти произведения в 1910 году, выставив работы на Осеннем салоне. Сюда приехал и Щукин. Ни один критик кроме Гийома Аполлинера не признал произведения Матисса успехом. Щукин уехал домой, отказавшись забирать полотна. Однако через двое суток послал Матиссу телеграмму с признанием своей слабости и просьбой прислать произведения.

4.А еще Анри Матисс делал эскизы декораций и костюмов. В 1920 году Сергей Дягилев, русский театральный и художественный деятель, обратился к Матиссу с просьбой создать эскизы костюмов и декораций для балета «Песнь соловья». Музыка была написана Игорем Стравинским, поставил балет Леонид Мясин. Первый показ состоялся 2 февраля 1920 года в Гранд-опера в Париже. Через 17 лет к Матиссу снова обращаются с просьбой сделать эскизы декораций и костюмов. На этот раз для балета «Красное и черное» на музыку Дмитрия Шостаковича в хореографии Леонида Мясина.

5.Матисс делал также книжные иллюстрации. Он написал сцены из Одиссеи для известного романа Джеймса Джойса «Улисс». А первой книгой, выпущенной с иллюстрациями художника, стал сборник поэзии Стефана Малларме.

Кстати

Юбилей художника Государственный Эрмитаж отмечает выставкой книги «Джаз» — самой знаменитой и необычной книги мастера. Это единственное произведение, которое Матисс не только оформил, но и написал.

— Работа над книгой началась в 1943-1944 годах, когда художник сделал серию декупажей, сюжеты которых навеяны «воспоминаниями о цирке, о народных сказках или путешествиях». В 1946 году Матисс написал небольшой текст, своеобразный аккомпанемент к изображениям, и переписал его тушью, очень крупным почерком, — рассказывают в музее.

«Джаз» был выпущен осенью 1947 года тиражом всего 270 экземпляров. В книгу вошло 20 цветных композиций и около 70 страниц с текстом.

Неоимпрессионизм

С 1899 года можно заметить, как Матисс значительно упрощает форму изображения, обозначая ее сильными широкими мазками или контрастными контурами, все чаще используя локальные, лишенные оттеночных вариаций цвета. Это особенно заметно в пейзажах «Аркуэль», «Нотр Дам», «Мост Сен-Мишель» и серии автопортретов 1900 года, натюрмортах. С 1903 года в произведениях Анри Матисса появляется много изображений обнаженных и ярко костюмированных моделей, которых Анри предпочитает изображать в полный рост, но пробует себя также и в портретном жанре.

Летом 1904 года для работы в естественных условиях Анри уехал в Сен-Тропе вместе с Полем Синьяком, который с 1889 года работал точечными мазками в технике пуантилизма (дивизионизма). Отказ от смешения красок на палитре, когда визуальный эффект объема и тонального перехода достигался только путем нанесения основных цветов мелкими раздельными мазками, вдохновил Матисса.

Он пробует себя в подобной технике и в 1904–1905 годах создает ряд работ, среди которых лучшей считается «Роскошь, покой и наслаждение». Его живопись этого периода яркая, но разбавленные белилами цвета менее интенсивные и создают ощущение прозрачности. Увлеченность Анри пуантилизмом совершенно проходит через пару лет, он находит свой собственный стиль, которому следует до конца жизни. Однако в период 1897–1905 годов художник создал свои самые яркие, колоритные и жизнерадостные произведения.