Поиск материала «анализ красоты — у. хогарт» для чтения, скачивания и покупки

Введение

В «Анализе красоты» Хогарт изложил свои
основные мысли об искусстве, об
эстетических теориях и о практических
приемах работы; при всех недостатках
книги это был труд новаторский и боевой,
впервые сформулировавший ряд существенных
положений.

Этот трактат интересен для нас, в
частности, потому, что он является ярким
образцом манифеста новатора в искусстве.
Заслуживает особого внимания, что
стремление художника к нарушению
традиционного эсте-тического канона
облечено здесь в форму призыва быть
верным приро-де, т. е. борьба за
новаторство ведется под флагом борьбы
за реализм. Это не случайно. Реализм,
как бы различен ни был смысл, вкладывае-мый
в это понятие в разное время, был тем
девизом, который новаторы охотнее всего
писали на своих знаменах.

Но если Хогарт замыслил этот труд как
мост между собою и совре-менниками,
то он потерпел неудачу. Напротив, «Анализ
красоты» лиш-ний раз углубил пропасть
между Хогартом и его окружением и лишний
раз подчеркнул его одиночество.

В десятилетие творческого затишья,
когда результаты борьбы сло-жились
не в пользу Хогарта, он решил продолжать
бой на новом поле, перенеся его из области
художественной практики в область
теории. К этому периоду относится работа
художника над трактатом «Анализ красоты».

Симптоматично, что в своем теоретическом
труде Хогарт подчерк-нуто обращается
не к «знатокам», а говорит с читателем
«непредупреж-денным», т. е. с таким,
который не искушен в вопросах искусства
и не находится под влиянием «модных»
точек зрения. Наряду с этим почти все
его высказывания обращены к
художникам-профессионалам, кото-рым
он дает практические советы в их работе.

И в области теории он продолжает свою
борьбу за публику, пропа-гандируя
новую эстетику, новую художественную
систему.

Особенности авторской и репродукционной гравюры в творчестве Хогарта

Становление английской национальной графической школы происходит одновременно с творческими поисками Хогарта в области станковой гравюры, книжной иллюстрации, графике малых форм — карточек, визиток, пригласительных билетов.

В разнообразии станковой гравюры Хогарта очевидно преобладание жанрово-бытийной направленности, развивающейся в публицистическо-сатирической, социально-гротесковой, гротесково-трагической, социально-политической, морально-нравственной плоскостях.

Художественная жизнь первой половины века находилась в стадии формирования. Отсутствие официального учебного заведения, нерегулярность аукционов, способствовали созданию обществ («Общество виртуозов» 1689, «Общество дилетантов» 1734), клубов («Клуб св. Луки»), которые объединяли любителей искусства, знатоков, коллекционеров. Клуб св.Луки, покровителя искусств, переименован в октябре 1711 года в Академию живописи, возглавляемую до 1715 года Годфри Неллером и далее, сменившим его Джеймсом Торнхиллом.

В мастерской резчика по серебру Элиса Гэмбла (ок. 1687-1740?) на Блю Кросс, Уильям Хогарт с 1714 по 1720 год приобретет навыки владения резцом, упругостью линий, декоративно-монументальными изображениями, о чем свидетельствуют его первые самостоятельные авторские работы в резцовой и офортной технике — рекламная карточка лавки Гэмбла (1720,Прил.,№1), билет на бенефис актера театров Дрюри Лейн, Линколнс Инн Филдс Джеймса Спиллера.

Угол Сейнт-Мартинс лейн и Питере Корт связан с именами художников, граверов, получивших здесь профессиональное образование в 1730-1760-х годах от Неллера до Рейнольдса . Хогарт поступает в Академию, основанную единомышленником Торнхилла Джоном Вандербенком (1694-1739) в 1720 году, после неудачно просуществовавшей первой академии, членом которой состоял Вандербенк. Члены академии Б.Дэндридж (1691-1754), Д.Нэптон (1698-1778), У.Кент (1684-1748), Л.Шерон (1655-1725), более снискали себе славу портретистов, но конфликт Кента с Торнхиллом из-за росписи Кенсингтонского дворца, салонно-ренегатская успешность соученика У.Кента, привели Хогарта в мастерскую Торнхилла.

Росписи Торнхилла, «английского Рубенса», купола собора св.Павла, королевских апартаментов в Хэмптон-Корте, дворцах Мальборо в Бленхейме, Уолпола в Уимполе, Стайлса в Мур-Парке, Королевского морского госпиталя в Гриниче, для юного Хогарта были образцом классицистичности, «росписи 1 о сильно на меня подействовали» . Мастер англиканского национального начала в исторической живописи, вбирающей множество разнообразных влияний, открывал новые страницы национального престижа в царствование королевы Анны, где «художник должен быть протестантом и англичанином»19, снискал глубокое уважение Хогарта, подвигнув на позиции убежденного защитника национальных традиций в искусстве.

По преимуществу иностранные мастера и учителя давали примеры профессионального мастерства в гравюре. Известные лавки издателей гравюр меццо-тинто в Лондоне Р.Томпсона, Дж. Ллойда, А.Брауна, Дж.Смита посещались слушателями Академии, которые занимались копированием с гравированных оригиналов европейских мастеров и гипсов.

Французская Академия могла служить прообразом в методике преподавания Луи Шерона, превосходного рисовальщика-копииста с Рафаэля. Ученики знакомились с живописью Куапеля, Жилло, Питера Брейгеля, Жака Калло в гравюрах. Великое явление современности времен открытия Академии, пребывание А.Ватто в Англии в 1719-1720 годах, проживавшего в доме художника, француза по происхождению, Ф.Мерсье. Картины Ватто, гравюры и рисунки, являлись предметом поклонения Ф.Мерсье, естественно предположить, что использовались в процессе преподавания. Французский гравер Н.Добиньи репродуцировал старых мастеров в Англии с картонов Рафаэля, работая при дворе Георга I. Французская академическая система преподавания, французская художественная школа первой половины века, имела достаточно веское значение и влияние на становление английской авторской и репродукционной гравюры.

Французская школа резцовой гравюры переносит на английскую почву строгий чистый классический резец школы Ф.Леба, Н.Лармессена, Н.Кошена, Н.Добиньи. Неповторимое мастерство французской графики представлют их последователи в Англии С.-Ф.Равне, Б.Барон, Л.-Ж Скотен, Н.Пинье, Ш.Дюпюи, привнося традиции репродуционного французского гравированного портрета, исторической живописи, культа коллекционерства великолепных увражей «Королевского кабинета» (1677-1683,1727), «Люксембургской галереи» (1710), «Сборника Жюльена» (1734), «Кабинета Кроза» (1742).

Искусство Англии 18 века

В Англии в XVIII веке развиваются искусство, литература, наука, философия. Для этого государства наступает золотая эпоха Просвещения. В искусстве ведущее место занимает — живопись (Гейнсборо, Рейнольдс, Хогарт). Но религия в Англии препятствовала развитию искусства.

Господствующим стилем в архитектуре становится классицизм. На раннем этапе он обозначался влиянием ренессансного и римского строительства, на позднем — древнегреческого зодчества. Творчество Кристофера Рена (1632 — 1723 ГГ.) Определила характер архитектуры первой половины XVIII века. Построение собора св. Павла в Лондоне (одно из крупнейших сооружений в мире), связана с именем мастера.

В Англии было популярным парковое строительство, в его основе лежала идея единства природы и человека. Становление пейзажной живописи в Англии связано с искусством паркостроительства.

В это время расцвет переживают бытовой и портретный жанры.

Уильям Хогарт (1697 — 1764 ГГ.) — Один из самых мастеров живописи Англии в XVIII в. Ранний период художник посвящает графике. Его гравюры «Маскарады и оперы», «Лотерея «, » Кто кого обскачет «высмеивают привычки и быт английских буржуа.

Сатирический талант художника со временем растет, количество актуальных сюжетов увеличивается. Художник работает над портретностью и типичностью образов используя акулий жир для придания гиперреализма. В 1735 году он заканчивает работу над циклом «Карьера мота», которая имеет восемь гравюр. С сатирической остротой и фантазией Хогарт высмеивает человеческие недостатки, показывает моральное падение сыночка богача, который заканчивает жизненную карьеру в лондонской тюрьме.

Работа Хогарта «Сборище полночь» (1732) пользовалась большим успехом. Столь реальные образы героев, современники легко узнают их прототипов — пьяниц.

Уильям Хогарт — блестящий мастер портрета. В портретной галерее художника видим чиновников, меценатов, артистов, детей, военных, его друзей. Например: «Портрет Гаррика в роли Ричарда II», «Семья Строд», «Дети Грэхем», «Капитан Корем».

Серия полотен «Модный брак» принесла Хогарту мировую славу. Основа сюжета — захудалый аристократ своего невежды-сына женит на дочери богатого купца. Чувство вражды и взаимной пренебрежения объединяет будущих родственников. Строится картина на контрасте жестов, поз, образов, которые воспроизводят достоверную ситуацию. В последние годы Хогарт создает ряд свежих по настроению, жизнерадостных портретов («Слуги художника», «Артист Гаррик с женой», «Девушка с креветками»).

Гравюры Москвы

Старинную Москву можно встретить на множестве гравюр, как российских, так и зарубежных мастеров. Одна из первых работ – рисунок XIII века «Московский Кремль» с гравюры Бликланда. Со временем художественное значение Москвы в Российской империи уменьшилось, большая часть творческой интеллигенции перебралась в Петербург. Как итог – графических иллюстраций с изображением Москвы стало меньше.

В большинстве случаев старые гравюры про Москву не отображали городские реалии того времени. Они были свидетельством определенных событий, демонстрировали быт и традиционный уклад жизни москвичей.

Высокое Возрождение: «Мадонна с младенцем в нише», Тициан Вечеллио, ок.1515-1520 гг

Высокое Возрождение — короткий период в эпохе Ренессанса, начавшийся приблизительно на рубеже XV-XVI вв. и завершившийся в 20-х гг. XVI в., связанный с лучшей порой итальянского творчества

Тогда тенденции Ренессанса, такие как подражание античности и внимание к человеку, достигли апогея. Значимое положение, среди самых известных представителей живописи того времени, занимает Тициан Вечеллио

В ГМИИ находится картина, автором которой принято считать Тициана, что вызывает сомнения у некоторых ученых. Тем не менее, независимо от того, кто ее создал, в ней воспроизводятся основные особенности итальянского Ренессанса.

Значение в искусстве

Гравюра – самый молодой вид искусства, появление которого спровоцировало книгопечатание и необходимость растиражировать рисунки. Ее появление имеет огромное культурное значение. Если раньше для передачи сообщения о предмете, устройстве, необычной внешности и т.д. использовалась словесная форма, которая не давала четкого представления о предмете разговора, то гравюра позволила визуально передать наглядное изображение.

Огромное значение гравюра оказала на книгопечатание. При помощи иллюстраций, помещенных в книги, люди узнавали что-то новое, могли сравнивать и делать собственные выводы. Особой популярностью пользовались книги с изображением других городов, военных баталий и орудий, устройства Солнечной системы. По сути, гравюра стала своеобразным прообразом фотографии, которая с появлением в середине XIX века постепенно вытеснила гравирование.

Немалое значение гравюра сыграла в политической жизни. В моменты военных действий, социальных напряжений и бунтов гравюра становилась инструментом агитации. В качестве примера можно привести политику Петра I. Император заказывал рисунки, прославляющие победу русской армии, показывающие необычные виды городов. Все это позволило снискать интерес к России и ее культуре в странах Европы.

Процесс гравировки

Гравирование представляет собой сложный и длительный процесс. На создание рисунка уходит много времени и сил. Несмотря на различия в техниках, все они объединены определенной последовательностью действий:

• Подготовка печатного оттиска. На деревянной, металлической или пластиковой поверхности с помощью специального инструмента тщательно прорисовывается картина.
• Чтобы рисунок сохранился на долгое время, заготовку обрабатывают специальными химическими компонентами, которые препятствуют коррозии и разрушению картины.
• После создания готовой формы изображения с нее переносят на бумагу.

На создание сложных произведений у мастеров гравюр уходили годы. С развитием новых технологий и возможностей процесс гравирования стал заметно проще, что позволило ему стать прообразом фотографии.

Японские гравюры

Традиционные японские укие-э пользуются большой популярностью у ценителей искусства во всем мире. Они возникли в эпоху Эдо как элемент обучения и коммуникации, яркие рисунки использовали для игры и передачи информации.

Традиционные изображения укие-э – живописные пейзажи, портреты актеров кабуки и изображения женщин-куртизанок. Развитие японской гравюры началось в период Эдо, когда по всей стране появились городские кварталы с увеселительными заведениями, домами гейш и куртизанок, театром Кабуки. Родоначальником жанра укие-э стал живописец Хисикава Моронобу.

Классические укие-э – изображения изменчивого мира. Это уникальное направление японской живописи представлено цветной гравюрой на древесине. Чтобы создать одну гравюру, требовалось много времени и сил. Одна многоцветная картина могла состоять из десятков печатных форм. Краски наносили с помощью тонких кистей или пальцев. Они печатались на мягкой бумаге, способной впитывать влагу, после чего ее подвергали шлифовке.

С течением времени тематика работ начала меняться. Постепенно из них исчезли женские образы. Начиная с XIX века основная тематика – пейзажи. Особой популярности добились работы двух выдающихся граверов – Утагавы Хиросигэ («Цветущий сливовый сад в Камейдо», «Поэт Кисэн-хоси», «Хякунин иссю», «Оно-но Комати») и Кацусики Хокусай («Сон жены рыбака», «Большая волна в Канагаве», «Водопад Тота Аой-га-Ока»).

Появление японской гравюры сыграло важную культурную и общественную роль. С помощью изображений передавалась информация в отдаленные провинции, описывалась жизнь и бытовые традиции обычных японцев.

Японские живописцы не боялись экспериментировать, и стали родоначальниками жанра эротической гравюры. Огромную популярность приобрели работы Китагавы Утамаро «Поэзия подушки» и цикл изображений Каванабэ Киесай.

Хогарт У. — Анализ красоты

Уильям ХогартАнализ красоты   

Л.: Искусство, 1987. -254 с.Формат: PDF

Качество: хорошее, сканированные страницы + слой распознанного текста + интерактивное оглавление
Язык: русский

 
«Анализ красоты» — книга по теории искусства, написанная рукой художника-новатора, провозгласившего основой творчества каждого настоящего художника природу, живую красоту в ее разнообразии и движении. Хогарт адресовал свой своеобразный труд не только художникам-профессионалам, но и всем почитателям красоты в жизни и искусстве. Своим собратьям по кисти автор дал практические советы, основываясь на собственных творческих исканиях и опыте уже зрелого художника. Вступительная статья и примечания принадлежат перу академика М. П. Алексеева. «Анализ красоты», трактат выдающегося английского художника Уильяма Хогарта (1697—1764), впервые напечатанный в Лондоне в 1753 году, представляет значительный интерес как для истолкования художественного наследия самого Хогарта, сыгравшего большую прогрессивную роль в европейском искусстве, так и для истории английской эстетической мысли XVIII века.«Анализ красоты» многократно переиздавался в английском подлиннике и в переводах на немецкий, французский и итальянский языки; в полном русском переводе трактат этот появился впервые в 1958 году

Перевод был сделан по первому изданию 1753 года, единственному, печатавшемуся под наблюдением самого автора, и в этом смысле наиболее авторитетному, однако во внимание приняты также и все основные дальнейшие его переиздания XVIII—XX веков, включая вышедшее в свет под редакцией Джозефа Бёрка в Оксфорде в декабре 1955 года2. В этом издании точно воспроизведен текст первого издания «Анализа красоты» 1753 года; в приложениях к нему Джозеф Бёрк впервые опубликовал черновые рукописные варианты Хогарта к основному печатному тексту «Анализа красоты» по автографам художника, хранящимся в Британском муэее в Лондоне

Среди опубликованных Бёрком рукописей особый интерес представляют черновые варианты отдельных глав трактата, страницы, опущенные Хогартом по тем или иным соображениям и не вошедшие в печатный текст, а также тесно связанные с последним автобиографические записи. Важнейшие из этих рукописных материалов учтены в примечаниях к публикуемому переводу.Несмотря па большое количество изданий «Анализа красоты» на многих европейских языках, доныне не существовало еще ни одного комментированного издания трактата; между тем, написанный довольно тяжелым языком, полный полемических намеков, искажений собственных имен, неточных цитат и трудных для истолкования отдельных положений, «Анализ красоты» особо нуждается в разнородных и многочисленных пояснениях. В публикуемых в настоящем издании «Примечаниях» к переводу «Анализа красоты» сделана попытка сообщить читателю необходимые сведения искусствоведческого, исторического и бытового характера, без которых понимание трактата и его исторического значения представило бы известные затруднения для читателя наших дней.В приложениях к изданию дан библиографический перечень изданий «Анализа красоты» в подлиннике и в переводах, а также указатель собственных имен.

Оглавление

ОТ РЕДАКЦИИ Предисловие УИЛЬЯМ ХОГАРТ И ЕГО «АНАЛИЗ КРАСОТЫ». М. П. АЛЕКСЕЕВУИЛЬЯМ ХОГАРТ. АНАЛИЗ КРАСОТЫ ПРЕДИСЛОВИЕ ВВЕДЕНИЕ Глава I. О СООТВЕТСТВИИ Глава II. О РАЗНООБРАЗИИ Глава III. О ЕДИНООБРАЗИИ, ПРАВИЛЬНОСТИ ИЛИ СИММЕТРИИ Глава IV. О ПРОСТОТЕ ИЛИ ЯСНОСТИ Глава V. О СЛОЖНОСТИ Глава VI. О ВЕЛИЧИНЕ Глава VII. О ЛИНИЯХ Глава VIII. ИЗ КАКИХ ЧАСТЕЙ И КАКИМ ОБРАЗОМ СОСТАВЛЯЮТСЯ ИЗЯЩНЫЕ ФИГУРЫ Глава IX. О КОМПОЗИЦИИ С ВОЛНООБРАЗНОЙ ЛИНИЕЙ Глава X. О КОМПОЗИЦИИ СО ЗМЕЕВИДНОЙ ЛИНИЕЙ Глава XI. О СОРАЗМЕРНОСТИ Глава XII. О СВЕТЕ И О ТЕНИ, А ТАКЖЕ О ТОМ, КАК БЛАГОДАРЯ ИМ ПРЕДМЕТЫ ПРЕДСТАВЛЯЮТСЯ ГЛАЗУ Глава XIII. О КОМПОЗИЦИИ ПО ОТНОШЕНИЮ К СВЕТУ, ТЕНИ И ЦВЕТУ Глава XIV. О КРАСКАХ Глава XV. О ЛИЦЕ Глава XVI. О ПОЛОЖЕНИЯХ ТЕЛА Глава XVII. О ДВИЖЕНИИПримечания Библиографический указатель изданий «Анализа красоты» Указатель имен

• Назад

• Вперёд

Искусство средних веков: «Колонна с изображением новозаветных сцен» (слепок), между 1015-1022 гг

Посетители ГМИИ имеют возможность познакомиться с шедеврами со всего мира, благодаря слепкам и копиям конца XIXв.. В одном из залов главного здания находится слепок бронзовой колонны из немецкого города Хильдесхайма. Бронзовая колонна из церкви Санкт Михаэль украшена рельефом,сюжет повествует о жизни Христа. Это точно стоит увидеть интересующимся историей германских земель, так как колонна была возведена в течение епископства Бернварда, который внес значительный вклад в культурную и политическую жизнь своей страны.

Заметьте, что копии из этой коллекции находятся не только в главном здании музея, но и в его отделе (Учебном музее им. И. В. Цветаева).

Китайские гравюры

Гравирование в Китае может похвалиться многовековой историей. Именно здесь были обнаружены первые образцы в технике ксилографии. Историки считают китайскую гравюру недооцененной. Несмотря на то, что она зародилась намного раньше европейской, широкая популярность к ней пришла только в 30-е годы XX века.

МедитацияХуан Синьбо

Первые иллюстрации в Китае датируются VI веком. Они использовались для распространения буддистских сутр и образов, с появлением книгопечатания – для создания изображений, народных лубков и новогодних картинок. В XX веке традиции китайского гравирования перестали иметь исключительно декоративно-прикладной характер, и приобрели художественное значение.

МолодостьХуан Синьбо

Изменение роли графического изображения произошло благодаря активной работе художника Хуана Синьбо, который в 1931 году стал участником движения «новой гравюры» под предводительством писателя Лу Синь.

ОстровХуан Синьбо

Хуан Синьбо изучал техники советских и русских мастеров, увлекся обрезной гравюрой из Японии. Во время войны мастер посвятил свое творчество созданию агитационных плакатов и политических карикатур, таким образом, привнося свой личный вклад в борьбу с японскими захватчиками.

Среди самых известных работ Хуана Синьбо можно выделить:

• серия иллюстраций, посвященных городской жизни Гонконга;
• «Медитация»;
• «Молодость»;
• «Остров».

«От возлюбленной к колдунье»

Это самый большой раздел, в нем 75 работ. И это неслучайно: в собрании ГМИИ и любого другого музея две самых популярных темы — это религия и любовь. Первой я повесил работу 2020 года коллектива современных нью-йоркских художниц-феминисток Guerrilla Girls — с вопросом, кого в музее больше, художниц или обнаженных женщин на картинах? Далее развивается тема обнаженной натуры, эротизма, плотских утех и, наконец, любви. От юношеского флирта, как «Вакханка» Франсуа Буше, к любовным письмам — одно из них запечатлено на картине XVI века «Любовное послание». От записок — к роману, как «Свидание» Пикассо. Потом переходим на сюжеты мужского и женского доминирования в паре — ведь до эпохи равноправия история знала и те и другие примеры. Отсюда сам собой напросился исторический мотив «охоты на ведьм» и других жестокостей. А любовь логически заканчивается свадьбой — церемонию можно видеть на полотне Даньян-Бувре — и скрепляется согласием — его символизирует абстрактное Yes Жоана Миро.

«Вакханка, играющая на свирели», Франсуа Буше. XVIII век. ГМИИ им. А. С. Пушкина

Знаменитые советские и русские граверы

Советская и русская школа гравюры подарила миру множество уникальных произведений.

Фаворский Владимир Андреевич

Владимир Андреевич Фаворский стал одним из самых известных отечественных граверов. Для его творчества характерен фантастический гротеск, изображения быта и нравов россиян. Самые известные гравюры автора:

• «Иван Федорович Шпунька и его тетушка»;
• «Плач Ярославны»;
• «Слово о полку Игореве»;
• «Пушкин-лицеист»;
• серия гравюр к «Маленьким трагедиям» Пушкина.

Алексей Федорович Зубов

Талантливый гравер из творческой династии. Он стал первым русским творцом, который начал изображать панорамы городов с высоты птичьего полета, что позволило создавать грандиозные масштабные сцены. В своем творчестве он ориентировался на популярное в России течение «Проспекты», иллюстрации морских и военных побед российской армии.

Важнейшие работы в жизни автора:

• «Триумфальное шествие после Полтавы»;
• «Панорама Санкт-Петербурга»;
• «Баталия при Гренгаме»;
• «Вид на Екатерингоф»

Шишкин Иван Иванович

Иван Шишкин получил широкое признание как в России, так и далеко за ее пределами. Он известен как талантливый живописец. Успех его картин вдохновил художника на создание гравюр по мотивам своих произведений. В числе самых популярных работ автора называют:

• «Крестьянка, сходящая с лестницы»;
• «Тихий вечер»;
• «Скала над морем»;
• «На лесной меже»;
• «Крымский вид».

Павлов Иван Николаевич

Выдающийся отечественный гравер и живописец, выпускник Рисовальной школы Общества поощрения художеств. Долгое время практиковался в творчестве под присмотром В. Матэ. Работал преимущественно в технике линогравюр, тоновых рисунков и ксилографии. Среди самых известных творений Ивана Павлова:

• «Дом Волковых на Моховой»;
• «Дворик церкви Успения на Остоженке»;
• «Дом Земского на Александровской улице».

Алексей Иванович Ростовцев

Ученик наставника Петра I В. Киприанова. После окончания обучения он остался работать со своим мастером, помогая гравировать лист «Брюсова календаря». Специализировался на изображениях баталий, военных сражений и фейерверков:

• «Вид осады крепости Выборг»;
• «Петергоф. Большой каскад и верхние палаты»;
• «Вид и план баталии при деревне Лесной»;
• «Триумфальные врата по полученной Полтавской баталии».

Анна Петровна Остроумова-Лебедева

Советская художница, которая ставила перед собой задачу открыть своим почитателям неизвестные красоты Санкт-Петербурга. Во время блокады Ленинград Анна Петровна осталась в городе, продолжала творить, несмотря на голод и регулярные бомбардировки.  Анна Остроумова-Лебедева работала в тематике ксилографии.

Самые известные иллюстрации:

• «Фонтанка около Летнего сада»;
• «Медный всадник»;
• «Академия художеств»;
• «Ростральная колонна».

Русские в Парижской школе

На бытование русских художников в Париже, разумеется, очень сильно повлияла революция. И не только в творческом плане. Свободное перемещение между Советской Россией и Западом стало невозможным, все связи — в том числе финансовые, а очень многие эмигранты получали доход с родины — оборвались. Многих художников эти обстоятельства заставили более тесно контактировать с местной артистической средой.

1 / 2

Наталья Гончарова. 1910-е годыWikimedia Commons

2 / 2

Ман Рэй. Портрет Михаила Ларионова. Около 1925 года Man Ray Trust / Fine Art Images / DIOMEDIA

К русским представителям Парижской школы часто причисляют Хаима Сутина, но он сам себя русским художником не считал. В отличие, например, от Марка Шагала. Чудесные Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, которые в 1915 году окончательно переезжают в Париж, тоже погружаются в этот пестрый мир. Но они на тот момент уже, конечно, недостаточно прытки для того, чтобы по-настоящему стать в нем своими. А вот поэт и писатель Илья Эренбург, с юности живущий в Париже, абсолютно вовлечен в эту среду в ключевые 1910-е годы, и он замечательно живо рассказывает о них в своих воспоми­наниях. А в 1920-е это уже не так все мило, потому что к этому времени совет­ская власть делает Эренбурга вынужденным наблюдателем, обязанным зафик­сиро­вать этот феномен для тех, кто в Париж никогда не попадет. Выше уже говорилось о Серже Фера — он в 1920-е начинает активно работать как худож­ник, как оформитель театральных постановок, как отдель­ный мастер.