Капелла Ротко в Хьюстоне
Капелла Ротко в Хьюстоне
Единственным полностью соответствующим замыслам художника произведением Марка Ротко остается капелла в Хьюстоне. Художник получил заказ создать росписи для капеллы при католическом Университете Святого Фомы в Хьюстоне в 1964 году. Его заказчиками были коллекционеры и меценаты Джон и Доминик де Менил, французы-католики, эмигрировавшие в США во время Второй мировой. Идея поручить капеллу Ротко пришла им в голову благодаря дружбе с Мари-Аланом Кутюрье, доминиканским монахом, художником и реформатором церковного искусства. Кутюрье был поклонником модернизма и полагал, что и в церкви гениальный атеист лучше, чем бездарный верующий, так как любое настоящее искусство все равно является религиозным. Именно при его участии Матисс создал свою «Капеллу четок», Ле Корбюзье — Нотр-Дам-дю-О в Роншане, а Марк Шагал (как и Ротко, нерелигиозный еврей) — витражи для католических соборов. Живопись Марка Ротко для капеллы в Хьюстоне оказалась еще более радикальным вариантом религиозного искусства. Четырнадцать остановок крестного пути Ротко представил в виде очень темных, почти черных абстракций — трех триптихов и пяти отдельных полотен. Они кажутся почти монохромными. Но чем больше всматриваешься в эту тьму, тем больше различаешь в ней цветов и тем больше чувствуешь, как в глубине этой тьмы начинает брезжить свет. Доминик де Менил, говоря об этих полотнах, вспоминала пословицу: «Самый темный час — перед рассветом». Эффект этот не передается никакими репродукциями. Капелла Ротко — не просто цикл живописных полотен, но тотальное произведение. Само здание строилось при участии художника, и именно в этой капелле ему удалось добиться желаемого освещения. Капелла задумывалась как католическая, но сегодня она официально признана святилищем, открытым для людей любого вероисповедания.
Мортон Фелдман. Капелла Ротко. Дирижер Грег Смит
Для этой удивительной абстрактной церкви была даже написана своего рода абстрактная месса — столь же минималистское, как и полотна Ротко, произведение знаменитого американского композитора Мортона Фелдмана. Открылась капелла в Хьюстоне в 1971 году. Сам художник так и не увидел свое главное произведение законченным. Марк Ротко покончил жизнь самоубийством в 1970 году.
У Ротко были современники-единомышленники. Но вряд ли можно сказать, что у него были последователи-живописцы. После Ротко достичь подобной мощи воздействия при помощи холста и краски вряд ли стоило даже пытаться. Зато он открыл дорогу художникам, работающим с другими медиа, с пространством и светом. Последователями Марка Ротко оказались создатели инсталляций, с середины 1960-х ставших одним из главных художественных форматов искусства. Так, именно Марка Ротко называет своим любимым художником Джеймс Таррелл, позволяющий зрителям переживать совершенно незабываемые опыты при помощи света.
КАК СМОТРЕТЬ КАРТИНЫ:
Эдварда Мунка
Валентина Серова
Ильи Репина
Еврейский музей и центр толерантности
ПАРТНЕРЫ ПРОЕКТА
№12 Якоб ван Рёйсдал (1628-1682)
Творчество Якоба Ван Рёйсдаля, в настоящее время считающееся величайшим из всех голландских художников-реалистов пейзажной живописи, оказало огромное влияние на позднее европейское пейзажное искусство, несмотря на то, что при жизни он был менее популярен, чем художники итальянского стиля. Его сюжеты включали ветряные мельницы, реки, леса, поля, пляжи и морские пейзажи, изображенные с необычайно волнующим чувством, используя смелые формы, плотные цвета и энергичные густые мазки, вместо обычного сосредоточения на тоне. Яков, ученик своего дяди Саломона ван Рёйсдаля, в свою очередь обучал знаменитого Мейндерта Хоббема (1638-1709), и очень восхищался английскими мастерами, как например Томас Гейнсборо и Джон Констебль, а также членами Барбизонской школы.
Знаменитые пейзажи Якоба ван Рёйсдаля:
— «Пейзаж с пастухами и фермерами» (1665), холст, масло, Галерея Уффици
— «Мельница в Вейке около Дуарстеда» (1670), холст, масло, Рейксмузеум
— «Еврейское кладбище в Аудеркерке» (1670), Галерея старых мастеров, Дрезден
«Звездная ночь», 1889
«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889
Художник
Нидерландский художник с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы. Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.
Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.
История
В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.
Стиль
Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти отточного изображения предметов иотимпрессионистской фиксации момента. Для них напервом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет иформы. Точность визображении реальных объектов теперь тоже была необязательна— главным стало выразить идею.
Вслучае скартиной Звездная ночь сам Ван Гог никак непояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают крелигиозным чувствам: размышлениям оконце бытия, овечности
Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога виюле 1889 года: возможно онтворил всостоянии обостренного восприятия
Интересные факты
- Хотя картина стала одним изизвестнейших полотен Ван Гога, онвпереписке схудожником Эмилем Бернаром назвал её провалом. Ван Гог стремился писать снатуры иизбегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
- Самая яркая звезда накартине, расположенная справа откипарисов,— Венера, которая, помнению исследователей, действительно была таковой втовремя вПровансе.
Абстракционизм (лат. abstractio — отвлечение)
Этот стиль подразумевает отвлечение от фигуративной или предметной живописи, поэтому его еще называют беспредметным искусством. Это означает, что абстракционисты не рисуют людей, предметы или природу, поэтому в их картинах часто нет сюжета, а сами работы просто нумеруются, чтобы отличать одну из них от другой. Но и среди таких работ бывают чистые абстракции (полное отсутствие предмета и сюжета) и так называемые предметные абстракции (сюжет все же просматривается сквозь нагромождение непривычных взгляду фигур, линий или точек).
Абстракционисты пошли вразрез с традициями классической школы, сделавшей основной упор на изображении предметов строго по определенным канонам. Они отказались от сходства предмета и изображения в пользу экспериментов с формами и цветами.
Выдающимися деятелями этого стиля считаются В. Кандинский, К. Малевич, М. Ларионов, Н. Гончарова и некоторые другие. Одни из них придумывали свои направления и идеи, а других их развивали. Так, у истоков абстракционизма стоял В. Кандинский, осознавший, что цвета и формы можно изображать без привязки к предмету. К. Малевич придумал отдельное направление супрематизм, которое в дальнейшем подхватили его коллеги (А. Экстер, Л. Попова, И. Чашник и др.). М. Ларионов и Н. Гончарова развивали идеи придуманных Ларионовым лучизма и всёчества, С. Поляков работал с контрастными геометрическими цветовыми пятнами.
История одного шедевра: «№5» Поллока
Сюжет
Картина в серо-коричнево-бело-желтых тонах разбрызгана на огромном куске фиброкартона. Ее название (как и любой другой работы Поллока) ничего не говорит ни о периоде, ни о содержании. Как и техника, имя — лишь абстракция. Впервые она была выставлена в 1949 году. Правда, это была не совсем та картина, которую мы знаем сегодня.
Во время транспортировки покупателю полотно было повреждено. Поллок взялся его исправить. В итоге переписал полностью, заявив, что никто не заметит произошедшего изменения, потому что только он, художник, знает, как правильно смотреть на его картину. Покупатель все же заметил, что полотно стало другим, но то ли искренне, то ли из вежливости заявил, что в таком виде оно нравится ему еще больше.
«Фреска» (1943)
Джексон Поллок придумал две принципиально новые вещи для искусства: он положил полотно на землю и, не касаясь его кисточкой, наносил краску — разливал, разбрызгивал, выдавливал.
Он описывал этот процесс как контакт с картиной: «Я должен чувствовать сопротивление твердой поверхности. На полу легче всего. Я чувствую себя ближе к живописи, её частью, я могу ходить вокруг неё, работать с четырёх сторон и буквально быть внутри неё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».
Контекст
Сегодня при новости об очередной рекордной сумме за полотно Поллока вновь и вновь возникает недоумение. Неужели это и правда столько стоит? И против армии тех, кто «и сам может такое набрызгать», держат оборону искусствоведы, напоминающие, что главная ценность Поллока в том, что он изменил мир искусства, взгляд на него, отношение к живописи и художнику.
«Номер 11» (1952)
Впервые об абстрактном экспрессионизме заговорили в Берлине в 1919 году. Десятилетие спустя этот термин употребляли в отношении работ Василия Кандинского, к тому времени отказавшегося от копирования реальных объектов. К 1940-м явление уже витало в атмосфере Нью-Йорка. Для Поллока абстрактный экспрессионизм был способом вырваться из плена одолевавших его бесов.
Судьба автора
Джексон был пятым ребенком в семье. Родители постоянно переезжали, меняя ферму за фермой: из Вайоминга, где родился Джексон, южнее и западнее. Не особенно интересуясь официальной учебной программой, Поллок наблюдал за жизнью людей, в частности, коренное население Америки.
В 1930-м вместе с братом Джексон переехал в Нью-Йорк. Они начали заниматься в студии Томаса Гарта Бессона, правда, научить их чему-то не удалось. Гораздо сильнее на Поллока повлияла монументальная живопись мексиканца Хосе Давида Альфаро Сикейроса. По иронии судьбы, сторонник коммунистов вдохновил на творчество того, кого впоследствии поднимут на флаг борьбы против соцреализма.
Джексон Поллок
Психическое нездоровье проявлялось с годами все четче. Приступы усугулялись запоями. К концу 1930-х Поллок регулярно посещал психотерапевта Джозефа Хендерсона. Именно он посоветовал Джексону потоковые рисунок как терапию. Кто бы знал тогда, что через несколько лет потоковая живопись сделает Поллока главным американским художником.
В середине 1940-х вместе с женой Поллок переезжает в нью-йоркский пригород и покупает дом. Здесь и была оформлена новаторская техника. На положенной на землю фиброкартон выплеснулись все бесы художника. Многие его работы не закончены. Поллока не интересовал результат — произведение искусства, его интересовал процесс.
Первая выставка его работ в Галерее Бетти Парсонс в 1948-м была сенсацией. Уже через год журналисты «венчали его на царство», назвав величайшим американским художником. Период, который принес Поллоку славу, был довольно коротким — 1947−1950. Последующие работы, выполненные уже в другой манере, не вызывали интереса и воспринимались как упадок.
«Номер 30» (1950)
Уже будучи суперзвездой, периодически художник вел себя в худшем смысле богемного распада: приезжая раз в неделю в Нью-Йорк на прием к психоаналитику, после сеанса Джексон напивается вдрызг и откровенно доставал всех своими грубостями. Тот же алкоголь свел его в могилу. Поллок разбился на машине в 44 года. Он был пьян вдребезги. Это был тот случай, когда популярность художника сыграла против него. За 20 минут до катастрофы его остановил полицейский. Узнав Поллока, он отпустил его.
Макс Зорн
Русского человека упоминание изоленты наводит в первую очередь на мысли об исключительно прикладном применении этого удобного приспособления для скрепления всего и вся. Так и скотч во всем мире воспринимается в качестве того, чем удобно заклеить коробку или что-то где-то зафиксировать. Однако голландец Макс Зорн подошел к этому вопросу с фантазией и нашел липкой ленте лучшее применение.
Житель Амстердама создает удивительные картины, которым не мешает выглядеть потрясающе даже скромная цветовая гамма, диктуемая главными инструментами художника: оргстеклом, заменяющим привычный холст, отточенным скальпелем и скотчем. Напротив, благодаря игре света и тени, которую мастерски создает автор, сюжеты произведений, будь то тропический пейзаж в картине «Парус» или портрет Джона Леннона, приобретают характерный неповторимый налет нуара.
Капельный период (1947-1950): стремительный взлёт, журнал Life и фотограф
Среди исследователей и поклонников творчества Поллока существует красивая история, что художник придумал «капельную технику», случайно пролив краску на разложенный на полу холст. Неизвестно, насколько это правдиво, но картины этого этапа действительно выглядят так, будто бы на них кто-то ненароком разбрызгал краски. Как ни странно, это стало прорывом.
Номер 8, 1948
Первая же выставка картин, выполненных в«капельной технике», привлекла колоссальное внимание публики. Творческое сообщество Америки не могло понять, что это: гениальность или шарлатанство?. Переломным моментом, после которого Джексон Поллок стал всемирно известен, стала статья журнала Life, вышедшая в 8 августа 1949 года под вопросом «Является ли Джексон Поллок величайшим ныне живущим художником Америки?»
Переломным моментом, после которого Джексон Поллок стал всемирно известен, стала статья журнала Life, вышедшая в 8 августа 1949 года под вопросом «Является ли Джексон Поллок величайшим ныне живущим художником Америки?».
Журнал Life, 8 августа 1949 года
Кажется, судьба решила ответить на этот вопрос положительно — Джексон Поллок получил славу, деньги и признание. Его обсуждали на всех модных тусовках, картины продавались за большие деньги, а все, кто раньше смотрел на него свысока, хотели стать его близкими приятелями. В какой-то степени Поллоку повезло родиться в нужное время в нужном месте: подъём его карьеры совпал с подъёмом США как великой державы после Второй мировой войны. Стране был нужен художник, который смог бы вывести национальное американское искусство на мировой уровень и соперничать с европейскими признанными мастерами. Им стал Джексон Поллок и его абстрактный экспрессионизм.
В июле 1950 года в дом Поллоков приехал немецкий фотограф Ганс Намут, чтобы снять фильм о популярном художнике. Джексон согласился под влиянием Ли, которая понимала значимость СМИ для дальнейшей популярности своего мужа. Намут снял около 500 черно-белых фотографий, а также небольшой документальный фильм, который в будущем детально изучался исследователями искусства и критиками.
Джексон Поллок за работой, фотография Ганса Намута
Отношения между фотографом и художником не ладились, потому что первый часто командовал, чтобы поймать хороший кадр. Поллок говорил, что ощущал искусственность происходящего и не мог в полной мере сосредоточиться на процессе, потому что был вынужден постоянно подчиняться приказаниям Намута. Напряжение достигло кульминации, когда холодным ноябрьским вечером Джексон и Ганс вернулись домой после особенно неудачной съёмки. Поллок, который полностью бросил пить после переезда в Спрингс, налил себе стакан бурбона. После этого художник выпил ещё и начал спорить с фотографом. Каждый из них назвал другого фальшивым, после этого пьяный Джексон опрокинул стол с едой на глазах гостивших у Поллоков друзей.
Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)
«Жаклин в студии» 1956
«Жаклин Рок» 1954
«Жаклин Рок» 1954
«Жаклин Рок» 1954
«Фигура Рембрандта Эрос» 1969
«Голуби» 1957
«Насилие над сабинианками» 1962-1963
- «Обнаженная и курильщик» 1968
«Поцелуй» 1969
«Портрет мужчины в шляпе» 1971
«Кавалер с трубкой» 1968
«Залив в Каннах» 1958
«Завтрак на природе (По Мане)» 1961
«Жаклин со скрещенными руками» 1954
«Жаклин в студии» 1956
Как и многие талантливые люди Пабло Пикассо не боялся пробовать себя в разных ипостасьях и помимо вышеупомянутой керамики на протяжении всей своей творческой жизни не раз создавал скульптуры. Но общественности некоторые скульптуры были представлены в 1960 году на выставках в Париже, Нью-Йорке и Лондоне. А затем лишь в 1966 году состоялась полная выставка скульптур известного кубиста, когда Пикассо исполнилось 85 лет.
«Бабуин с малышом» 1951
«Беременная женщина» 1950
Безымянная скульптура Пикассо в Чикаго
«Человек с ягненком» г. Валлорис, юг Франции
«Бокал абсента» 1914
«Голова» 1958
«Голова женщины» 1932
«Голова женщины (Фернанда)» 1909
Всего скульптур насчитывается более 1220: выше представлены лишь некоторые работы. Несмотря на это уже можно сделать вывод о том, насколько разнообразным было творчество Пабло Пикассо, который навсегда вписал свое имя в историю искусства. Все творчество Пикассо оказало огромное влияние на развитие культуры и искусства XX века во всем мире.
Автопортрет с перевязанным ухом (1889)
Чем знаменита эта картина?
Обсуждая с кем-то Ван Гога, неизбежно, что разговор в конечном итоге зайдет о том, что именно произошло с его ухом — изображенном на этой самой картине. Творчество Ван Гога неразрывно связано с его личной жизнью и событиями, которые разворачивались на протяжении его творческой карьеры. Образ Ван Гога с перевязанным ухом — знаковый, а иногда (к сожалению) первый образ, который приходит на ум, когда кто-то думает о Винсенте Ван Гоге.
Какая предыстория?
Живя со своим другом (это предмет споров) и коллегой-художником Полем Гогеном в Париже, Ван Гог оказался далеко не идеальным соседом по комнате. У него с Гогеном часто возникали разногласия, которые иногда становились насильственными. Во время одного из таких разногласий Ван Гог, как полагают, испытал припадок и угрожал Гогену бритвой, прежде чем вместо этого ранить себя, отрезав часть его левого уха и перерезав артерию на собственной шее. В обостренном психическом состоянии Винсент посетил местный бордель и показал мочку своего уха одному из секс-работников. На следующий день его доставили в больницу, и он не помнил о произошедших событиях.
Еще одна вещь, которая может быть интересна (как только будут даны ответы на все вопросы, связанные с ухом), — это частично показанный свиток японской стены на заднем плане.Это основано на подлинном произведении искусства, которое принадлежало Ван Гогу и висело на его стене (на фото слева): Гейши в пейзаже, японский эстамп 1870-х годов, который также показывает, как японское искусство повлияло на его собственные работы.
Появление конструктивизма
«Производственное искусство»
Конструктивизм принято считать русским (советским) явлением, возникшим после Октябрьской революции в качестве одного из направлений нового, авангардного, пролетарского искусства, хотя, как и любое явление в искусстве, он не ограничивается рамками одной страны. Так, провозвестником этого стиля в архитектуре явилась ещё Эйфелева башня, сочетающая в себе элементы как модерна, так и конструктивизма. Как писал В. В. Маяковский в своём очерке о французской живописи: «Впервые не из Франции, а из России прилетело новое слово искусства — конструктивизм…»
Как же возникло это принципиально новое направление?
В условиях непрекращающегося поиска новых форм, подразумевавшем забвение всего «старого», новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства». Отныне искусство должно было служить… производству. Большинство тех, кто впоследствии примкнул к течению конструктивистов, были идеологами так называемого «производственного искусства». Они призывали художников «сознательно творить полезные вещи» и мечтали о новом гармоничном человеке, пользующемся удобными вещами и живущем в благоустроенном городе.
Так, один из теоретиков «производственного искусства» Б.Арватов писал, что «…Будут не изображать красивое тело, а воспитывать настоящего живого гармоничного человека; не рисовать лес, а выращивать парки и сады; не украшать стены картинами, а окрашивать эти стены…»
«Производственное искусство» не стало более чем концепцией, однако, термин конструктивизм был произнесён именно теоретиками этого направления (в их выступлениях и брошюрах постоянно встречались также слова «конструкция», «конструктивный», «конструирование пространства»).
Помимо вышеуказанного направления на становление конструктивизма оказали огромное влияние футуризм, супрематизм, кубизм, пуризм и другие новаторские течения 1910-х годов, однако социально обусловленной основой стало именно «производственное искусство» с его непосредственным обращением к текущим российским реалиям 1920-х.
Рождение термина
Термин «конструктивизм» использовался советскими художниками и архитекторами ещё в 1920 году, однако впервые он был официально обозначен в 1922 году в книге Алексея Михайловича Гана, которая так и называлась — «Конструктивизм». А. М. Ганом провозглашалось, что «…группа конструктивистов ставит своей задачей коммунистическое выражение материальных ценностей… Тектоника, конструкция и фактура — мобилизующие материальные элементы индустриальной культуры». То есть явным образом подчёркивалось, что культура новой России является индустриальной.
Рафаэль Санти
Рафаэль – итальянский график, живописец и архитектор. В его картинах отражались идеалы Возрождения.
Мир стал более чистым и добрым, когда на него стали смотреть глаза изображенных Рафаэлем мадонн: Пасадинской, Сикстинской, Орлеанской, Конестабиле.
Он мастерски воплощал в картинах самые разные эмоциональные оттенки. Рафаэль считался одним из самых «сбалансированных» художников. Мастер умер очень рано, в возрасте 37 лет, но оставил после себя колоссальное художественное наследие.
Известные портреты: «Донна Велата», «Портрет Кастильоне», «Портрет Юлия II», «Портрет папы Льва X с двумя кардиналами».
№7 Альфред Сислей (1839-1899)
Часто называемый «забытым импрессионистом», англо-француз Альфред Сислей уступал только Моне в его преданности самопроизвольному пленэризму: он был единственным из импрессионистов, посвятившим себя исключительно пейзажной живописи. Его серьёзно недооцененная репутация основана на умении запечатлевать уникальные действия света и времён года на широких пейзажах, морских и речных сценах. Особенно запоминается его изображение рассвета и неясного дня. Ныне он не очень популярен, но по-прежнему считается одним из величайших представителей пейзажной живописи импрессионистов. Мог вполне быть бы переоценённым, поскольку, в отличие от Моне, его работы никогда не страдали от недостатка формы.
Знаменитые пейзажи Альфреда Сислея:
— «Туманное утро» (1874), холст, масло, Музей Орсе
— «Снег в Лувесьенне» (1878), холст, масло, Музей Орсе, Париж
— «Мост Моретт в лучах солнца» (1892), холст, масло, частная коллекция
Альбрехт Дюрер
Дюрер – график и живописец из Германии, один из известнейших представителей западноевропейского Ренессанса. Он оставил после себя не только картины, но и трактаты, гравюры.
Альбрехт Дюрер занимался усовершенствованием искусства ксилографии. Он жил в Италии, изучал творческие методы итальянских художников.
Дюрер создал много автопортретов, особенно ему нравилось рисовать себя в молодости. Его творчество пронизывает стремление познать законы природы, а также влечение к идеалу, гармоничной красоте. Оно проникнуто высоким накалом чувств, бунтарским духом.
Известные портреты: «Портрет Эразма Роттердамского», «Портрет Бернарда фон Ризена», «Император Максимилиан I».
