Скандальная классика: третьяковская галерея показывает «отвергнутые шедевры»

Постоянная коллекция

Tate Britain — национальная галерея британского искусства с 1500 года до наших дней. Таким образом, это самая важная галерея такого рода в мире. В музее также представлены работы более современных художников, таких как Дэвид Хокни, Питер Блейк и Фрэнсис Бэкон . Некоторые из работ, выставленных в Тейт Британия:

Ньютон де Уильям Блейк
Лошадь , атакованная львом Джорджа Стаббса
Джованна Баччелли , Томас Гейнсборо
Эскиз замка Хэдли Джона Констебла
Великий день Его гнева Джона Мартина
Ла Дама де Шалот де Джон Уильям Уотерхаус
Офелия де Джон Эверетт Милле
Смерть Чаттертона автора Генри Уоллис
« Блаженная Беатрикс », Данте Габриэль Россетти
Золотая ветвь Дж. М. У. Тернера
Воскресение, Кукхэм Стэнли Спенсера
Кастильо де Норам де Дж. М. У. Тернер
Три этюда для фигур на основании распятия Фрэнсиса Бэкона
Грязевые ванны Дэвида Бомбрега
Ноктюрн: Синий и золотой — Старый мост Баттерси Джеймса Макнила Уистлера

Британское искусство 16-го и 17-го веков : в этот период преобладают портреты. Самая старая картина в музее, «Человек в черном плаще », написанная Джоном Беттесом в 1545 году, свидетельствует о влиянии Ганса Гольбейна , который представил Британии эпоху Возрождения. Его дотошный линейный стиль отражен во многих работах. Одним из первых гениев, родившихся и получивших образование в Англии, был Николас Хиллиард, представленный в галерее одним из его редких портретов Елизаветы I в натуральную величину. В 17 веке под влиянием сэра Антониса ван Дейка возник новый стиль. портретной живописи, прекрасными примерами которой являются « Леди из семьи Спенсеров » Ван Дейка и Эндимион Портер ., Уильям Хобсон. Два других шедевра — «Игра обезьян и спаниелей » Франсиаса Бралоу , ранняя картина на тему животных, и « Пейзаж с радугой в Хенли-на-Темзе » Яна Сиберехтса , знаменующий собой рождение английской пейзажной традиции.

Британское искусство 18-го века : Наряду с коллекцией начала 18-го века, Галерея Тейт также предлагает прекрасные образцы «разговорных произведений» (неформальные композиции фигур), такие как « Семья Джеймса» Артура Дэвиса и «Семья Строде за завтраком » Уильяма Хогарта, выдающийся деятель британского искусства 18 века, известный своими сатирическими произведениями. В конце этого века Великий Стиль Джошуа Рейнольдса можно сравнить с тщательностью исполнения портретов его соперника Томаса Гейнсборо. Работы Ричарда Уилсона того же периода показывают, что «большой стиль» в пейзажах, в то время как Джордж Стаббс хорошо представлен сельскими картинами и лошадьми удивительной красоты.

Британское искусство XIX века : в галерее Тейт находится большое количество работ Уильяма Блейка, а также некоторых его учеников, в том числе Сэмюэля Палмера , чьи интимные пасторальные сцены пронизаны мистической интенсивностью. Также представлены два великих художника-пейзажиста века: работы Тернера (в галерее Клор) превосходят по численности работы Джона Констебла, но у него есть хороший выбор масел и эскизов, таких как Flatford Mill . Есть также пейзажи из Кроума, Котамна, Бонингтона и других. Коллекция раскрывает разнообразие стилей в викторианском искусстве, начиная от очень сентиментального Слепого скрипача Уилки , смерть которого увековечена в « Мире » Тернера, до видения Дня Дерби .Уильяма Фрита и буйства красок и сильных эмоций художников-паррафаэлитов.

Галерея Clore : Когда Дж. М. У. Тернер (1775–1851) завещал свои работы нации, он сделал это при условии, что они будут храниться вместе. В 1910 году для его картин маслом был создан ряд комнат, но только когда в 1987 году открылась галерея Клора, все наследие было выставлено полностью, включая тысячи эскизов. В галерее также представлены акварели Тернера, такие как «Город на закате реки », часть его проекта «Великие реки Европы».

Что такое «золотой век»?

С «золотым веком» своей культуры сталкивалась не только Россия. Похожий период проходили все страны и культуры. Это период, когда были созданы основные произведения, задавшие новую планку в искусстве и культуре страны. В Италии «золотым веком» была эпоха Ренессанса, когда создавали свои произведения Микеланджело, Тициан, Рафаэль, в основном XV и XVI век, эпоха Высокого Возрождения. А для Голландии таким «золотым веком» стал XVII, эпоха Северного Возрождения, лицом которой были Халс, Рембрандт, Рубенс. В России такой век пережили гораздо позднее, уже в XIX столетии.

На это были свои причины — в этом, собственно, и заключается такая самобытность нашей художественной традиции, которая развивалась примерно в эпоху Древней Руси и, конечно, связывается у нас в сознании с такой фигурой, как Андрей Рублев, и его знаменитой «Троицей», которая является шедевром XV века. И, конечно, если в это время уже в Италии Леонардо да Винчи создает свою «Джоконду», как вы понимаете, то у нас это еще сугубо религиозное искусство, которое совершенно не знает еще никаких светских портретов, не знает таких развитых жанров, которые уже появляются в Италии в это время.

Переориентирование российской культуры в сторону Европы происходит в XVIII веке. Связан этот период с реформами Петра I, который просто поднимает Россию на дыбы.

Но проблема была в том, что, хоть Петр и развернул Россию в сторону Запада, у нас своих ресурсов еще было недостаточно для развития всех сфер — художественных, научных и так далее. Поэтому Петр приглашает огромное количество иностранцев к себе на службу в Россию, в Санкт-Петербург прежде всего. И вот это явление, когда иностранные художники работают у нас, называется «россика». Это понятие довольно часто встречается и объединяет в себе всех иностранцев, которые работали у нас в России.

Петр, опять же смотря на коллекции европейских монархов, начинает активно коллекционировать произведения искусства, археологические произведения, в частности скифское золото. Все это он сначала себе в Кунсткамеру свозит, потом у него появляются галереи художественные в его дворцах, в Петергофе в частности. То есть уже появляется новая мода на создание художественных коллекций, которая до этого была, в общем-то, на Руси не очень известна. Да, он коллекционировал все что угодно. Вы наверняка знаете, что в Кунсткамере вот эти уродцы знаменитые в банках с формалином, которых он выкупил тоже у голландского коллекционера и прямо вот такой целостной коллекцией привез в Россию.

Дело Петра продолжила его дочь, Елизавета Петровна. Она сделала очень важный шаг под влиянием своего фаворита Ивана Шувалова: она подписывает указ об основании Академии художеств

Почему это так важно? Потому что на самом деле в Европе вовсю уже давным-давно, еще с конца XVI века, такие художественные образовательные учреждения уже были. Первое появилось еще в Болонье в конце XVI века, это Академия братьев Карраччи, где любой человек мог получить полноценное художественное образование

Но у нас такое образовательное учреждение появилось только в середине XVIII века. До этого будущие художники обучались на частной основе у иностранных мастеров.

Фотографий

Франс Хальс , Виллем Хейтуйсен (1634).

Портретная живопись была на подъеме в Нидерландах в 17 веке, так как большой класс купцов стремился заказать портреты; по оценкам, общий объем производства достиг от 750 000 до 1 100 000 портретов. Рембрандт наслаждался своим лучшим периодом финансового успеха в качестве молодого портретиста в Амстердаме, но, как и другим художникам, ему наскучила эта картина, заказанная буржуазией: «Художники шли по этому пути без удовольствия», по словам ван Мандера.

Другим великим художником-портретистом того периода является Франс Хальс , чья знаменитая подвижная манера письма и способность изображать модели расслабленными и игривыми добавляют интереса к еще менее многообещающим предметам, хотя крайне небрежная поза примера слева исключительна: «Ни один другой портрет не этого периода так неформальна». Томас де Кейзер , Бартоломеус ван дер Хелст , Фердинанд Бол и другие, в том числе многие упомянутые ниже как исторические или жанровые художники, сделали все возможное, чтобы оживить более традиционные работы.

На рубеже веков существует мода на показ моделей в костюме, который является полукостюмом, начиная с Англии Ван Дейка в -х годах , известного как «живописный» или «римский» костюм. Аристократические или гражданские модели милиции позволяли себе больше свободы в яркой одежде и дорогой обстановке, чем буржуа.

Особым типом живописи был трони , в котором сочетались элементы портрета, рассказа и жанровой сцены. Обычно это было поясное изображение одной фигуры с необычным выражением лица или настроением. Фактическая личность модели не имела значения, но они могли изображать историческую личность, исторический или экзотический костюм. Среди тех, кто развивал этот жанр, были Ян Ливенс и Рембрандт, многие автопортреты которых также были трони (особенно в гравюрах).

Групповой портрет , в значительной степени голландское изобретение, был очень популярен среди многих гражданских ассоциаций, заметной части голландской жизни, таких как городское гражданское ополчение, советники и регенты гильдий и благотворительных фондов и тому подобное. Особенно в первой половине века портреты были очень формальными и жесткими по композиции. Группы часто сидели за столом, каждый лицом к зрителю

Большое внимание уделялось деталям одежды, а по возможности и обстановке и другим признакам положения человека в обществе. Позже группы стали живее, а цвета светлее.

Франс Хальс , портрет группы гражданского ополчения, Офицеры Сан-Андреса (1633 г.); шириной 3,3 метра.

Ученые часто позировали с инструментами и объектами своего исследования вокруг себя. Врачи иногда позировали вместе вокруг трупа на так называемом «Уроке анатомии», самым известным из которых был «Урок анатомии» Рембрандта: «Урок анатомии доктора Николаеса Тулпа» ( 1632 г. ). Советы директоров предпочитали образ строгости и смирения, позируя в темной одежде, часто сидя за столом с торжественным выражением лица. Семьи часто фотографировались в своих роскошных домах. Большинство групповых портретов гражданского ополчения (голландский: schutterstuk ) были заказаны в Харлеме и Амстердаме .. Здесь натурщики предпочитали образ власти, статуса или даже праздничного духа. Размещение вокруг стола в последующие годы привело к более динамичной композиции, наиболее ярким примером которой является знаменитая работа Рембрандта « Ополченческая рота капитана Франса Баннинга Кока », более известная как «Ночной дозор» ( ).

«Звездная ночь», 1889

«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889

Художник

Нидерландский художник с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы. Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.

Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.

История

В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.

Стиль

Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти отточного изображения предметов иотимпрессионистской фиксации момента. Для них напервом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет иформы. Точность визображении реальных объектов теперь тоже была необязательна— главным стало выразить идею.

Вслучае скартиной Звездная ночь сам Ван Гог никак непояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают крелигиозным чувствам: размышлениям оконце бытия, овечности

Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога виюле 1889 года: возможно онтворил всостоянии обостренного восприятия

Интересные факты

Хотя картина стала одним изизвестнейших полотен Ван Гога, онвпереписке схудожником Эмилем Бернаром назвал её провалом. Ван Гог стремился писать снатуры иизбегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
Самая яркая звезда накартине, расположенная справа откипарисов,— Венера, которая, помнению исследователей, действительно была таковой втовремя вПровансе.

использованная литература

Альперс, Светлана . Искусство описания: голландское искусство семнадцатого века , Чикаго: University of Chicago Press , 1 983
«Эккарт»: Руди Эккарт и Квентин Бювело (редакторы), Голландские портреты, Эпоха Рембрандта и Франса Хальса , Mauritshuis / National Gallery / Waanders Publishers, Зволле, 2007, ISBN 978-1-85709-362-9
Франитс, Уэйн, голландская жанровая живопись семнадцатого века , Йельский университет, 2004, ISBN 0-300-10237-2
Фукс, Р. Х., голландская живопись , Темза и Гудзон, Лондон, 1978, ISBN 0-500-20167-6
Ингамеллс, Джон, Коллекция Уоллеса, Каталог картин, Том IV, голландский и фламандский , Colección Wallace, 1992, ISBN 0-900785-37-3
Кристофер Ллойд, Очарование глаз, Голландские картины Золотого века , Публикации Королевской коллекции, 2004, ISBN 1-902163-90-7
Макларен, Нил, Голландская школа, 1600–1800, Том I , 1991, Catálogos de la National Gallery de Londres, ISBN 0-947645-99-3
Прак, Маартен, «Гильдии и развитие арт-рынка во время Золотого века Голландии». En: Simiolus: Ежеквартальный журнал по истории искусства Нидерландов , том. 30, нет. 3/4. (2003), стр. 236-251.
Джеральд Рейтлингер; Экономика вкуса, Том I: Взлет и падение цен на картины 1760–1960 , Барри и Роклифф, Лондон, 1961 г.
Шама, Саймон , Смущение богатством: интерпретация голландской культуры в Золотой век , 1 987
Десмонд Шоу-Тейлор и Скотт, Дженнифер, от Брейгеля до Рубенса, Мастера фламандской живописи , Publicaciones de la Royal Collection, Лондон, 2008, ISBN 978-1-905686-00-1
Слайв, Сеймур, голландская живопись, 1600–1800 гг. , Йельский университет, 1995 г., ISBN 0-300-07451-4

«Постоянство памяти», 1931

«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства

Художник

Полотно написал испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали

Он сдетства был эксцентричным и притягивающим ксебе всеобщее внимание. За85 лет онсоздал около 1500 произведений, включая сюрреалистические картины, иллюстрации, скульптуры

Сальвадор Дали был известен при жизни. Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип Chupa-Chups, работал сУолтом Диснеем над мультфильмом Destino, участвовал всоздании фильмов Луиса Бунюэля иАльфреда Хичкока. Также Дали создал всвоем доме вПорт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся восновном своими сновидениями, самоанализом итеориями Фрейда.

История

Постоянство памяти— небольшое полотно, которое Сальвадор Дали создал всего запару часов, пока его жена Гала была сдрузьями вкино. Сам художник непошел, сославшись намигрень. Изначально Дали писал мыс Креус, новтот день онвзглянул накартину ипонял, что полотну нехватает какой-то идеи, смысла. Онуснул иперед ним предстал образ мягких часов, стекающих светви высохшей оливы. Сам Дали говорит, что наобразы текучих часов его навел мягкий сыр камамбер, которым они ужинали накануне.

Небольшая картина была очень личной для художника. Позже Дали вспоминал, как показал её Гале: Янаблюдал затем, как она разглядывает картину икак отражается наеелице очаровательное удивление. Так яубедился, что изображение производит эффект, ибо Гала никогда неошибается.

Стиль

Постоянство памяти относится к сюрреализму. Мягкие часы выражают основную мысль, озарившую Дали— идею оботносительности времени и его нелинейности. Часы текут вразные стороны, демонстрируя то, как легко вернуться впрошлое или повлиять набудущее. Художник осознавал хрупкость иискусственность привычного понимания времени, очем говорят изображенные накартине твердые часы, поедаемые муравьями, которые символизируют конечность, смертность, разложение.

Однако понятие времени неразрушается полностью— это подтверждают образы яйца, лежащего на берегу, атакже зеркало, будто объединяющее море инебо. В глазах художника время противоречиво иотносительно, нопри этом все равно может существовать исоздавать полотно мира.

Интересные факты

Сам Сальвадор Дали дал лишь два комментария ккартине: отом, что намягкость часов его навели мысли о камамбере, иотом, что при написании ондумал одревнегреческом философе Гераклите иего высказывании Все меняется, все течет.
Через несколько дней после написания работы еекупил американец Джулиан Леви, уверяя Дали, что Постоянство памяти непринесет коммерческого успеха ибудет просто висеть унего дома.

Почитайте другие материалы об искусстве на . Например, нашу подборку о сюрреализме в живописи, или о самом дорогом художнике современности .

La Primavera выражает любовь к садоводству

Это одно из самых известных произведений Боттичелли в галерее Уффици во Флоренции. La Primavera также одна из самых загадочных картин Боттичелли. Из-за того, что на ней изображена группа женщин, которые ходят по небу, как по лугу, эксперты по-прежнему утверждают, что у картины есть аллегорический смысл.

Но есть одна теория, выделяющаяся из всех остальных своей доказательностью и странностью, которая утверждает, что картина — о садоводстве.

Эта версия выглядит правдоподобной из-за умопомрачительной скрупулезности, с какой автор выписывает каждое растение. По официальным оценкам, на картине изображено, по крайней мере, 500 тщательно отрисованных различных растений почти 200 различных видов.

Некоторые полагают, что это были все растения, которые произрастали в 15-м веке во Флоренции и цвели с марта по май. Другие утверждают, что эти растения Боттичелли придумал сам, специально для этой картины.

Роль истории в русской культуре

Золотой век богат переменами, которые были продиктованы предыдущей стратегией развития Российской империи. Иными словами, всё то, что было запланировано ранее, теперь приводилось в действие. Границы государства постоянно расширялись и превратили его территорию в необъятную страну.

Значительную роль в этом деле играло присоединение Средней Азии и Северного Кавказа. Размах царя не знал жалости и промедления. Не заставили себя ждать и нововведения, которые, по мнению Петра Великого, приведут империю к успеху. Но, несмотря на запал военачальника, народ воспринимал указы с опаской и нехотя шагал в новое время. Это и стало главной причиной неравномерного развития страны.

Духовные особенности русской культуры 19 века стали настоящей сенсацией и подарили мировое признание произведениям отечественных писателей. Высшую ценность в глазах зарубежных критиков приобрели результаты трудов Льва Николаевича Толстого и Фёдора Михайловича Достоевского. Их романы «Война и мир», «Дурак», «Преступление и наказание» и в наше время пользуются популярностью во всем мире. Откровенные рассказы о культуре, быте, боли, страданиях, радости и печали простого русского человека — творческий неисчерпаемый клондайк для всех, кто ищет вдохновение.

Наибольший прогресс наблюдался именно в сфере культурно исторического развития России середины 19 века. В экономической, материальной и социально-политической отраслях государству не удалось достичь ошеломляющего успеха. Но и на месте никто не стоял, достигнув некоторых результатов:

зарождение отечественного машиностроения;
прогресс в изготовлении паровых двигателей;
появление первого парохода (1815 год);
стала действовать первая железная дорога (1851 год), её путь лежал между Санкт-Петербургом и Москвой.

Благодаря своим природным ресурсам Урал стал центром развития металлургической промышленности. Стремительный прогресс в этой области позволил строить новые заводы и расширить возможности производства. Это дало толчок к запуску и развитию текстильной промышленности. Появившиеся рабочие места и доступ к новой продукции стали привлекательны для населения. Многие люди переезжали в города, чтобы быть ближе к комфорту и заработку.

Отмена крепостного права в 1861 году позволила дышать глубже, но не устранила факторы, сдерживающие скорость развития. Эта реформа не стала спасением, которого так ждал народ. Её действие оказалось ограниченным, поскольку не происходило никаких изменений в политической сфере. Люди поняли, что перемены возможны. Это стало стимулом для требования изменений в пользу улучшения жизни народа.

События XIX века привлекли внимание к стране не только своими культурными достижениями, но и тяжёлыми последствиями:

Отечественная война;
восстание декабристов;
период крепостничества;
отмена крепостного права.

Эти явления стали доказательством того, что люди, живущие в Российской империи, — настоящие патриоты. Они не стали бежать и приняли боем всех, кто хотел использовать страну в своих интересах. Однако народ умел защищать не только государство и правительство, но и своё мнение. Вместе с защитой границ люди добились улучшения положения и дали понять, что хотят создавать собственные законы на своей территории.

Характерные черты

Рогир ван дер Вейден. Пейзаж на триптихе семьи Брак. Около 1450. Лувр. Париж В XV веке при дворах герцогов бургундских в Дижоне, Брюгге и Турне появилась собственная художественная школа, сочетавшая готику и Ренессанс. Некоторые историки искусства видят её корни во французско-фламандской книжной миниатюре, например, в творчестве Жана Пюселя или братьев Лимбург.

Эти произведения живописи резко отличаются от своих готических предшественников почти фотографическим реализмом. Импульс, полученный от раннего и зрелого итальянского Возрождения, в соединении с местными традициями привёл к формированию самостоятельного, абсолютно нового художественного языка

Нидерландское внимание к природе выразилось в пейзажной живописи. Сначала золотой фон средневековых картин сменили реалистичные ландшафты, а затем пейзаж стал самостоятельным жанром в искусстве

Точность в наблюдении явлений природы распространилась и на изображение человеческого тела. Изображение обнажённых Адама и Евы на Гентском алтаре Яна ван Эйка отличает естественность, невиданная с античных времён. В отличие от итальянских художников, увлекавшихся в своих изображениях обнажённой натуры анатомическими деталями, Ян ван Эйк изучал поверхность и движение человеческого тела и отражал до мельчайших подробностей в своих работах.

Новизна ранней нидерландской живописи заключалась, с одной стороны, в детализированном описании поверхностей предметов, а с другой стороны, в пластичности, достигаемой за счёт точно подмеченных и удачно применяемых световых эффектов. В основу нового стиля легла новая живописная техника — масло.

До Робера Кампена и ван Эйков и нидерландская и фламандская живопись ориентировались на интернациональную готику, которую чаще называют «прекрасным» или «мягким стилем». Даже самые крупные мастера ещё долгое время не могли полностью освободиться от этого влияния, вытянутые фигуры и богатые складками одеяния явно свидетельствуют о более древних живописных традициях. В общем ранней нидерландской живописи до XV века в настоящее время уделяется мало внимания. Картины считаются провинциальными и второразрядными, во многих публикациях по истории искусства ранняя нидерландская живопись рассматривается только начиная с Флемальского мастера.

У истоков ранней нидерландской живописи, понимаемой в узком смысле, стоит Ян ван Эйк, который в 1432 году закончил работу над своим главным шедевром — Гентским алтарём. Ещё современники считали работы Яна ван Эйка и других фламандских художников «новым искусством», чем-то совершенно новым. Хронологически старонидерландская живопись развивалась приблизительно в одно время с итальянским Ренессансом.

С появлением портрета светская, индивидуализированная тема стала впервые главным мотивом живописи. Жанровые картины и натюрморты совершили свой прорыв в искусстве лишь в период нидерландского барокко XVII века. Буржуазный характер ранней нидерландской живописи говорит о наступлении Нового времени. Всё чаще заказчиками помимо дворянства и клира выступала богатая знать и купечество. Человек на картинах больше не идеализировался. Перед зрителем предстают настоящие люди со всеми своими человеческими недостатками. Морщины, мешки под глазами, — всё без прикрас натурально изображалось на картине. Святые больше не обитали исключительно в храмах, они входили и в дома горожан.

Источники

История мировой живописи. Голландская живопись XVII века. Том 10. Издательство Белый город. Год выпуска: 2008. ISBN 978-5-7793-1556-2 (рус.)
«Очерки по истории и технике гравюры», М, «Изобразительное искусство», 1987, раздел «Голландский офорт 17 века»
Сборник «Русское искусство первой четверти 18 века. Материалы и исследования», под ред. Т. В. Алексеевой, М., «Наука», 1974, статья «Из истории гравюры петровского времени»
Поль Декарг. Рембрандт — Молодая гвардия, 2000
Мелисса Рикетс. Рембрандт — Айрис-Пресс, 2006.
Фехнер Е. Ю. Якоб ван Рейсдаль и его картины в Государственном Эрмитаже., Л., 1958
Сененко М. С. «Франс Хальс», М., 1965
Линник И. «Франс Хальс», Л., 1967
Лазарев В. Н. Франс Гальс в книге «Старые европейские мастера». М., 1974, с. 119 — 55
Линник И. В. «Голландская живопись 17 века и проблема атрибуции картин», Л., «Искусство», 1980

Картины голландской школы живописи — картины в картинах

Голландский золотой век живописи уступает, пожалуй, только итальянскому Возрождению. Как и в другие эпохи, в это время также были свои собственные причуды в моде и в живописи, одной из которых стало то, что художники рисовали «картины в картинах».

Эти «картины в картинах» рисовали не только Вермеер и его товарищи по кисти. Некоторые считают, что такие картины содержат специальный символьный код. Одним из примеров такого стиля является картина «Тапочки» Самуэля ван Хугстратена.

На первый взгляд, на картине показан пустой зал с двумя парами тапочек, которые лежат посреди него. На стене зала висит картина Каспара Нетшера «Отец отчитывает свою дочь».

На первый взгляд, ничего необычного. Но современным ценителям голландского искусства известно, что картина Нетшера была нарисована в борделе. По-видимому, эти тапочки принадлежат мужчине и женщине, но так как зал пуст — возможно, они ушли заниматься сексом.

В других случаях код был тоньше. На картинах «Мужчина, пишущий письмо» и «Женщина, читающая письмо» (на фото) Габриэль Метсю изобразил молодого человека, пишущего письмо своей возлюбленной, и его прочтение.

На второй картине изображение корабля в бушующем море символизирует бурную природу их дальнейшей связи. На картине «Любовное письмо» Вермеера корабль под зловещими тучами внушает мысль о возможных плохих новостях.

Вы можете найти сотни примеров таких голландских картин «внутри картины», которые тонко изменяют смысл основного изображения.

XIX век — пик русского искусства

XIX век начинается с очень сильного влияния европейского течения, которое называется романтизм. Это совершенно новая художественная струя. Романтизм, в отличие от классицизма, опирается не на разум, а на чувства, и все романтические произведения были призваны выразить некие эмоциональные аспекты человеческой души. И мы знаем много литературных произведений, созданных в рамках этого направления, тот же Байрон, да и, в общем-то, наш Пушкин, тоже были не чужды вот этого влияния романтизма, которое захлестнуло абсолютно всю Европу и Россию.

Что поменялось в портрете?

Если раньше главными героями портретов были аристократы, императоры и самая верхушка общества, то сейчас героем портрета становится поэт. Но это не значит, что отменили императоров: их, конечно, будут изображать. Но параллельно появляются новые герои, как, например, Александр Сергеевич Пушкин.

К тому же меняется подход к композиции портрета. Герой больше не смотрит на зрителя, он глядит в сторону, как будто погруженный в свои мысли, а зритель словно подглядывает за ним.

И тема стихии была очень любима всеми романтиками. То есть желание подчеркнуть, поэтому любили очень романтики изображать всякие пограничные состояния природы, когда буря какая-нибудь на море разыгралась или гроза, что-то такое, что внушает нам определенный страх, даже ужас иногда и в то же время показывает нам то, на что мы не можем повлиять, несмотря на то что мы люди, у нас есть разум и всякие разные средства, мы все равно в зависимости от этой стихии, которая может все разрушить в один миг.

типы краски

Un tronie de Frans HalsLa gitana , 1628-30.

Отличительной чертой того времени по сравнению с предшествующей европейской живописью была редкость религиозной живописи . Голландский кальвинизм запретил его использование в церквях, и, хотя библейские темы принимались в частных домах, производилось относительно немного. Были историческая живопись и портретная живопись, но этот период более примечателен большим разнообразием других жанров, подразделяемых на многочисленные специализированные категории, такие как сцены из крестьянской жизни, пейзажи, городские пейзажи или пейзажи с животными, морские пейзажи , цветы и натюрморты различные виды. . Большое влияние на развитие этих жанров оказали голландцы 17 века.

Иерархия жанров » в живописи побудила многих художников создавать исторические картины , хотя их было труднее всего продать, как обнаружил сам Рембрандт. Многие были вынуждены писать более легко продаваемые портреты или жанровые сцены, но не отказывались от концепции иерархии.

Большинство картин были небольшими, за исключением групповых портретов . Настенная живопись почти не культивировалась, так как предпочитали размещать холсты в рамах, когда нужно было украсить стену общественного здания.

Тайная вечеря / Леонардо да Винчи (1495-1498)

Эта фреска является одной из самых знаменитых работ Леонардо да Винчи и тоже таит в себе много тайн. Самая интересная загадка скрыта на поверхности — в изображениях Иисуса и Иуды.

Художник с легкостью написал остальные образы, но эти два лица давались ему сложнее всего. Для лика Иисуса он искал воплощение добра, и ему повезло — в церковном хоре он встретил юного певчего. А вот последним ненаписанным пятном оставался Иуда, и да Винчи часами просиживал в забегаловках, чтобы подобрать идеальное воплощение зла. И, наконец, ему повезло — в канаве он обнаружил пьяницу, который едва стоял на ногах. С него он и написал образ Иуды, но в конце был удивлен.

Этот мужчина подошел к нему и сказал, что они уже встречались. Несколько лет назад он был певчем в хоре и уже позировал Леонардо для этой картины. Так, один мужчина стал олицетворять добро и зло.

Аристократизация искусства в конце XVII века

Рембрандт. «Андрис де Греф»
Геррит ван Гонтгорст. «Фредерик Гендрик, герцог Оранский, с семьей».
Рембрандт. «Агата Бас».
Франс Халс. «Виллем Хейтхейзен»

Корнелис Трост. Забавы в парке.

Саймон Питерс Верелст. «Принц Руперт». Элементы аристократизации присутствовали в искусстве Голландии и раньше, но не доминировали. Эти черты присущи и ранним портретам Рембрандта и произведениям менее одарённых художников. Даже Франс Халс изображает обогатившихся предпринимателей и торгашей как аристократов. Особенно заметны тонкие, аристократические черты в портретах местных и иностранных вельмож (и новых богачей, что покупали себе дворянские титулы). Тип парадного, репрезентативного портрета стал складываться ещё в Италии 16 века — портреты римских пап, портреты правителей мелких итальянских княжеств, венецианских аристократов. Особенно заметными были черты аристократизма в искусстве Фландрии (герцогство Брабант), а художники-фламандцы Рубенс и Годфри Неллер, а особенно Антонис ван Дейк способствовали развитию и становлению репрезентативного портрета в Италии и Англии. Великобритания стремительно развивалась и становилась новой супердержавой Западной Европы, вытесняя из сфер влияния Нидерланды, Испанию, Францию. Антонис ван Дейк настолько повлиял на композиции и образный строй репрезентативного портрета, что те стали образцами. Над развитием находок ван Дейка стал работать и ряд голландских художников. Старую и новую аристократию в Голландии тоже обслуживают в основном портретисты, среди которых —

Бартоломеус ван дер Гельст (1613—1670)
Геррит ван Хонтхорст (1590—1656)
Абрахам Ламбертсон ван ден Темпель (1622—1672)
Саймон Питерс Верелст (1644—1721)
Адриан Ханнеман (1604—1671).

Богачи на портретах конца 17 в. демонстрируют модные платья и шляпы с перьями, ценное оружие, принимают горделивые позы. Голландец Адриан Ханнеман настолько совершенно подражает образам ван Дейка, что его портреты принимают за произведения самого фламандца. Саймон Питерс Верелст пишет немецкого принца Руперта в манере аристократа-интеллектуала французского образца, игнорируя и его жестокость, и воинственность, и безнравственность. Черты аристократизма настолько преобладают в искусстве Голландии на рубеже 17-18 вв., что влияют и на жанровую живопись, которая (как и голландский портрет) теряет демократические черты (Корнелис Трост, «Забавы в парке», «Портрет Иеронима Тоннемана с сыном»).