Работы Фриды Кало
Непростая жизнь этой прославившейся на весь мир мексиканской художницы, ее переживания и страхи сохранены на полотнах. В 6 лет будущая художница тяжело перенесла полиомиелит, из-за чего осталась хромой, а через 12 лет попала в автокатострофу. Девушка в течение года была прикована к постели. Тяжелой для Фриды стала новость, что после этого трагического инцидента она не сможет иметь детей. Именно в этот период мексиканка начала писать картины в стиле сюрреализм.
Художница Фрида Кало в молодости, ч/б фотография
Волнения и страхи на полотнах Фриды Кало передаются через тревожные образы – она часто создавала автопортреты, на которых изображена в мучениях.
Одна из самых известных работ – «Две Фриды» – написана в 1939 году после развода с мужем. Слева изображена женщина в европейской одежде, которую художница носила до брака. Справа она в традиционном мексиканском платье – так художница выражает с помощью смены наряда приверженность новым идеям национализма, которые были важны для ее супруга.
Картина «Две Фриды»
Самокритичный гений
Общепризнанный король представителей сюрреализма, Дали относился к своему творчеству в своеобразной манере, которая содержала большую долю юмора. Свою популярность он тоже воспринимал подобным образом. Порою он подходил к чистому холсту, делал на нем несколько мазков различными цветами, а потом говорил: «Ну, все! Я могу продать эту картину за пару тысяч долларов».
То же самое произошло и во время одной из его встреч со знаменитым рок-музыкантом Элисом Купером, когда он показал певцу свою новую скульптуру. Это был вылепленный из гипса мозг знаменитого американца. На вопрос Элиса: «Я могу это взять себе?» Сальвадор сказал: «Конечно же, нет! Это стоит миллионы долларов».
Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)
Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк
В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.
Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.
Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.
Эндрю Уайет. Мир Кристины. 1948 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)
На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.
Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.
Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.
Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.
Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.
Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция
Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.
Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.
Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.
Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.
Сюрреализм — «Божественное безумие».
Сюрреализм, направление в искусстве, в котором разум чужд, оно берет начало из «до»-разумного, подсознательного начала. Сюрреализм зародился во Франции к началу 1920-ых годов.
Суть философии сюрреалистов в том, что бы отказаться от заранее продуманного плана и устранить препятствия для самостоятельного роста произведения, в результате этого может возникнуть нечто чудовищное с точки зрения непосвященного человека, но, преодолев предубеждения, зритель включится в предложенную художником игру фантазии, погрузиться в его сновидческий мир.
Зигмунд Фрейд доказывал, что при ослаблении контроля со стороны бодрствующего сознания в цивилизованном человеке просыпается дикарь или ребенок. На этом основании сюрреалисты заявляли, что бодрствующий разум не способен к художественному творчеству. В их представлении разум может лишь добывать научные знания, но искусство возникает только из «до»-разумного, подсознательного начала.
Некоторые представители данного искусства, например Де Квинси, принимали опиум, что бы подавить рассудок и дать простор воображению. Сюрреалисты во всяком случае с не меньшим рвением стремились достичь таких психологических состояний, при которых выходит на поверхность то, что обычно скрывается в глубинах нашей души
Существовали эксперименты с воссозданием сновидений в живописи, и это заслуживает внимание. Во сне нередко появляется странное ощущение, что объекты возникают и исчезают, прорастают друг в друга
Собака может оказаться одновременно и нашим начальником, а соседний парк – пустыней. Эти наплывы и взаимопревращения объектов передавал в своей живописи один из ведущих представителей сюрреализма Сальвадор Дали. Проживал он в Соединенных Штатах Америки, но по происхождению он был испанцем. В произведениях Дали обрывки реальности наслаиваются таким образом, что в кажущемся безумии проступает какой-то смысл.
Подобные картины могут послужить дополнительным комментарием к вопросу о причинах неудовлетворенности художников задачей «писать, что видит глаз». Они знают, что нельзя «изобразить» реальную вещь, если просто смотреть на нее широко открытыми глазами. Начинать приходится с другого – взять краски и, вооружившись набором известных форм, выстроить требуемый образ. Эта простая истина часто ускользает от нас потому, что в изобразительном искусстве прошлого каждая красочная форма соответствовала только одному элементу натуры: коричневые вертикали – древесные стволы, зеленые точки – листья. Картины Дали, где одна и та же форма служит изображением одновременно нескольких предметов, наглядно демонстрируют исходную многозначность красочных конфигураций на плоскости – точно так же, как удачный каламбур демонстрирует многозначность слова и зависимость его значения от употребления в контексте.
И все же, как велики, при всем сходстве методов, его отличия от созданий современного искусства. Можно было бы сказать, что образы Дали возникли из грез, но то были коллективные грезы целого народа, видение судьбоносной силы, властвующей над племенем.
Зарождение литературного сюрреализма
До начала Первой мировой войны искусство контролировалось и контролировалось господствующей политикой. Фактически, это был способ поддержания порядка и предотвращения революций в Европе.
По этой причине сюрреалисты были заинтересованы в создании движения, которое освободило бы искусство от ограничений, которые оно имело до этого момента. Однако его революционный интерес был направлен на радикальные изменения, но в позитивном и творческом плане.
С другой стороны, хотя они и были противниками политического строя того времени, их интересы носили чисто художественный, а не политический характер.
Это движение было направлено на освобождение людей в психологической и духовной сферах. Однако разразилась Вторая мировая война, в которой писатели-сюрреалисты стали своей политической и военной целью.
По этой причине во время зарождения и развития нацизма и фашизма писатели-сюрреалисты были вынуждены отправиться в изгнание в поисках убежища в Америке. Этот факт позволил его идеям распространиться и выйти за пределы этого континента.
По этой причине, несмотря на то, что само движение закончилось, сюрреализм сохранился во многих более поздних литературных произведениях.
Его идеи и поэтические техники продолжают использоваться даже сегодня авторами, которые стремятся освободить разум и пригласить читателей к трансценденции и размышлениям.
Сюрреализм в моде: Природа и Фантазия
Сам мир природы предлагал сюрреалисту множество символических объектов. Некоторые решили исказить существующие символы и метафоры, такие как нетрадиционная русалка Рене Магритта; в то время как другие решили создать свои собственные эксцентричные ассоциации, прекрасным примером является ассоциация Дали с лобстером и женскими гениталиями. Одержимость Дали влиянием омара повлияла на легендарное «платье лобстера» Скиапарелли – нарисованный лобстер, преднамеренно размещенный в передней части платья над паховой областью женщины. Сюрреалисты проявляли особый интерес к фантазии и мирам в воображении. Они любили сливать вещи в природе с человеческим телом.
Рене Магритт «Вероломство образов»
«Это не трубка», 1928, Рене Магритт. Находится в музее Лос Анджелеса LACMA
Картина «Вероломство образов», написанная во второй половине 1920-х годов, изображает курительную трубку, кажущуюся чересчур реальной — тонкие линии изгиба, блики и тени. Вероятно, произведение не вызвало бы бурного обсуждения в художественном мире, если бы не одна деталь: выведенная словно детским аккуратным почерком надпись «Ceci n’est pas une pipe», что в переводе с французского означает «Это не трубка».
В этом весь : наше видение (в данном случае воплощенное на холсте) и реальный объект не тождественны. Как можно быть уверенным, что мы видим действительно то, что видим? Вспомните, как однажды ошиблись, приняв в темноте предмет за то, чем он не является — вдруг мы допускаем эту оплошность постоянно?
В 1966 году Магритт создаёт работу под названием «Две загадки», где вновь фигурирует курительная трубка. Художник предлагает развитие своих ранних идей: если мы не уверены, что наше восприятие соответствует действительности, то как мы можем подтвердить истинность этого суждения, не попадая в свою же ловушку?
«Две тайны», 1966, Рене Магритт. Находится в частной коллекции
Подобная концепция оказала влияние на дальнейшее развитие искусства и литературы. Например, известный философ Мишель Фуко написал эссе «Это не трубка», где подробно анализировал и дополнял идеи Магритта. Более того, формулировка «Это не…» была взята на вооружение маркетологами. Самой оригинальной является рекламная кампания страховой фирмы Allianz, где на плакатах с изображениями курительной трубки, молотка, и банановой кожуры, соответственно, находятся надписи «Это не трубка — Это загрязнитель бронхов», «Это не молоток — Это вечный расплющиватель пальцев», «Это не кожура банана — Это злостный вредитель спине».
Рекламная кампания Альянса по мотивам произведения Рене Магритта — «Это не банановая кожура» Рекламная кампания Альянса по мотивам произведения Рене Магритта — «Это не молоток» Рекламная кампания Альянса по мотивам произведения Рене Магритта — «Это не черепица»
Луи Арагон
Луи Арагон родился в Париже в 1897 году и умер в 1982 году. В 1917 году он поступил на медицинский факультет в Париже, где познакомился с Андре Бретоном.
В 1919 году Bretón y Aragón выпустил первый номер журнала «Литература», Относящиеся к течению дадаистской литературы.
Однако позже Арагон сосредоточил свое внимание на сюрреализме, в рамках которого он отличался защитой автоматического письма. Он объяснил, что это был способ выразить свои мысли на бумаге естественным и плавным образом
Арагон был приверженцем коммунистических идей, что видно в его сериале «Le Monde Reel». Это была серия сюрреалистических книг о политике, в которых социальный реализм используется для нападок на буржуазные литературные и культурные нормы.
После войны Арагон написал серию научно-популярных произведений, монографий, переводов и книг по истории, политике, искусству и культуре. Всего за свою жизнь он опубликовал более 100 книг, не считая посмертных публикаций.
Плавильный котёл США
Несмотря на короткую историю американского искусства, диапазон получился широченный. Среди американских художников есть и импрессионисты (Сарджент), и магические реалисты (Уайет), и абстрактные экспрессионисты (Поллок), и зачинатели поп-арта (Уорхол).
Что ж, американцы любят свободу выбора во всем. Сотни конфессий. Сотни наций. Сотни направлений искусства. На то он и плавильный котёл Соединенных Штатов Америки.
*Тонализм – монохромные пейзажи серых, голубых или коричневых оттенков, когда изображение находится словно в тумане. Тонализм считается ответвлением импрессионизма, так как передаёт впечатление художника от увиденного.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Сальвадор Дали и Рене Магритт – самые известные сюрреалисты
Хотя сюрреализм распространился во многих областях, он наиболее известен работами своих визуальных художников. Главными фигурами, ответственными за создание золотого века движения, были испанские художники Хуан Миро и Сальвадор Дали; Немецкий художник Макс Эрнст и бельгийский художник Рене Магритт. В изобразительном искусстве сюрреализм нашел чрезвычайно популярный метод. Это увлечение зрителя убедительными образами, которые разоблачают психологическую правду или лишают обычные объекты смысла, связанного с ними. Среди прочего, художники-сюрреалисты рисовали расстраивающие, нелогичные сцены с фотографической точностью и создали странных существ из повседневных предметов. Сальвадор Дали и Рене Магритт — самые известные деятели движения, Картина Дали «Стойкость памяти» и «Предательство образов Магриты» — самые известные произведения сюрреализма.
Сальвадор Дали
Макс Эрнст «Слон Целебеса»
«Слон Целебеса», 1921, Макс Эрнст. Находится в Современной галерее Тейт
«Слон Целебеса» — первое масштабное произведение Макса Эрнста, ставшее одним из ключевых для сюрреализма. Созданная после Первой мировой войны работа стремится выразить весь ужас милитаризма. Сам художник писал: «1 августа 1914 года Макс Эрнст умер. Он воскрес 11 ноября 1918 года молодым человеком, который стремился обнаружить мифы своего времени». Вероятно, здесь он пытается разрушить веру в человеческую рациональность — как можно полагаться на разум, если он привёл к войне?
Целебес — остров в Индонезии (сейчас Сулавеси), который своими очертаниями напоминает слона. Эрнст также говорил, что название ему навеяла неприличная считалка немецких школьников, где есть фраза «слон с Целебеса, похожий на беса».
Эрнст рассказывал, что композиция картины пришла ему в голову, когда он увидел в антропологическом журнале фотографию большой корзины для зерна, используемой племенами в Южном Судане. Это объясняет и ритуальные столбы, изображённые на картине. Возможно, художник хотел сказать, что божества, перед которыми благоговели и которым поклонялись люди на заре человечества, никуда не ушли, а лишь переродились в другие, милитаристско-технические, формы.
Механический слон, вызывающий в памяти образы танка, противогаза, печи, кажется огромным по сравнению со светлой женской фигурой на первом плане, которая словно зовёт его за собой неестественно повёрнутой рукой. У женщины нет головы — означает ли это, что творение может погубить своего же творца?
Читайте материалы о других художниках, работавших в стиле магического реализма, на Losko. Например, об и его архитектуре одиночества или и его картинах-загадках.
Живопись Рене Магритта
Бельгийский художник Рене Магритт к психоанализу в творчестве относился негативно. На его полотнах мы видим привычные предметы, однако под новым углом. Одна из главных целей творчества, по мнению живописца, – заставить зрителей думать. Как сделать это с помощью искусства? Например, превратить картину в головоломку, оставив под обычным на первый взгляд изображением неожиданную подпись «это не он».
Сюрреализм Рене Магритта называют «парадоксальным» – простые вещи с его картин наталкивают на тревожные и пугающие мысли. Если присмотреться повнимательнее, то начинают открываться новые смыслы и тайны, бережно скрытые в его работах.
Часто на полотнах Рене Магритта можно увидеть мужчину в котелке. Кто же этот таинственный незнакомец? Существует две основных версии:
- Кто-то считает, что это – просто автопортрет художника.
- Часть критиков придерживается мнения, что так в творчестве художник показывает источник своего вдохновения, который кроется в обыденных вещах, и в незамысловатых образах.
Рене Магритт “Силуэт”
Одна из самых популярных работ художника называется «Влюбленные». Картина написана в 1928 году. На полотне сохранен необычный поцелуй – лица влюбленных укрыты тканью. К большинству картин Рене Магритт давал свои комментарии, однако эту работу решил никак не объяснять.
Картина “Влюбленные”
Поклонники творчества живописца дали немало интерпретаций. Например, предположили, что так передана любовь, которая, как известно, слепа. По другой версии – люди остаются загадками друг для друга даже в моменты близости. По третьей – на картине изображен серьезный разлад в отношениях, когда каждый в паре сосредоточен на самом себе.
Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)
Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.
Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.
Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).
Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.
Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».
Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г. Музей д’Орсе, Париж
Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.
Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.
Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.
Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.
На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.
Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.
Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.
Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.
Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон
Тонализм, как и близкий ему импрессионизм, в середине 19 века публику тоже не впечатлял. Слишком далеко от популярного на тот момент реализма.
Но Уистлер успеет дождаться признания. Под конец жизни его работы начнут охотно покупать.
Основные идеи сюрреализма
На формирование и развитие этого течения серьезное значение оказал психоанализ Зигмунда Фрейда. Для понимания сюрреализма лучше сперва познакомиться с анализом сновидений.
Картина Сальвадора Дали «Искушение святого Антония»
Выделяют два направления. Первое – это новый процесс создания произведений искусства, своеобразный эксперимент. Второе – отражение на полотнах оторванных от реальности картин, которые созданы подсознанием. Законы, привычные в академической живописи, не нарушаются – например, художники также передают игру света и тени, однако не боятся экспериментировать, создавая фантастические абстракции.
Ограниченной реальности противопоставляют мир внутренний, который не знает рамок. Художники сюрреалисты пробуют необычные сочетания форм и цветовых решений. Новый подход переносит зрителей в мир, живущий по собственным законам, – зыбкий, словно сон или размытое видение. Представители сюрреализма в живописи 20 века хоть и работали в одном направлении, но создавали совершенно непохожие работы – авторство многих картин можно угадать с легкостью.
Отдельные части тела
Тело видится не как нечто цельное: человек разорван на части либо фетишистским взглядом смотрящего, либо
физическим насилием. Но нередко часть тела (например, рука, палец, глаз или рот) становится самодостаточной
и начинает
жить как улитка или ракообразное: свободно передвигается в пространстве, а также обретает собственное лицо
и характер.
Ман Рэй запускает в небо губы своей любимой модели Ли Миллер, Дора Маар соединяет руку манекена с раковиной
наутилуса,
а Жак-Андре Буаффар, иллюстрируя эссе Жоржа
Батая Жорж Батай (1897–1962) — французский философ и теоретик искусства, который исследовал иррациональные стороны жизни общества.
«Большой палец ноги», превращает часть тела в почти портретное изображение.
Джексон Поллок (1912-1956 гг.)
Джексон Поллок. 1950 г. Фото Ханса Намута
Джексона Поллока невозможно обойти стороной. Он перешёл определённую черту в искусстве, после чего живопись не могла быть прежней. Он показал, что в искусстве вообще можно обойтись без границ. Когда положил холст на пол и забрызгал его краской.
А начал этот американский художник с абстракционизма, в котором все же прослеживалось фигуративное. В его работе 40-х годов «Стенографическая фигура» мы видим очертания и лица, и рук. И даже понятные нам символы в виде крестиков и ноликов.
Джексон Поллок. Стенографическая фигура. 1942 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)
Его работы хвалили, но покупать не спешили. Он был беден, как церковная мышь. И безбожно пил. Несмотря на счастливый брак. Его жена преклонялась перед его талантом и делала все для успеха мужа.
Но Поллок изначально был личностью надломленной. С самой юности по его поступкам было понятно, что ранняя смерть – его удел.
Эта надломленность в результате и приведёт его к смерти в 44 года. Но он успеет совершить революцию в искусстве и прославиться.
Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США
А получилось у него это в период двухлетней трезвости. Он смог плодотворно работать в 1950-1952 годах. Он долго экспериментовал, пока не пришёл к капельной технике.
Раскладывая огромный холст на полу своего сарая, он ходил вокруг него, находясь как бы в самой картине. И разбрызгивал или просто лил краску.
Эти необычные картины у него начали охотно покупать за невероятную оригинальность и новизну.
Джексон Поллок. Синие столбы. 1952 г. Национальная галерея Австралии, Канберра
Поллок был оглушен славой и провалился в депрессию, не понимая, куда ему двигаться дальше. Смертельная смесь алкоголя и депрессии не оставила ему шансов на выживание. Однажды он сел за руль сильно пьяным. В последний раз.
