Западная живопись: самые популярные произведения мирового искусства
Картинная галерея Эрмитажа хранит работы западных мастеров кисти, написанные с XIII по XX вв. Здесь представлены английские, старонидерландские, фламандские, итальянские, испанские, германские и французские картины. Итальянская коллекция — всегда на слуху. Она интересна произведениями художников эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Тициан, Рафаэль, Джорджоне). Здесь также выставлены картины Рафаэля Санти и других знаменитых мастеров.
Часть работ выкупалась покупалась для Эрмитажа по личным императорским приказам. Многие картины передавались в музей безвозмездно. Во время прихода к власти коммунистов многие экспонаты были проданы, что нанесло определённый ущерб величию музея. Среди проданных полотен — работы Тициана, Боттичелли, Рафаэля. Всего их — 48. Ущерб оценивать трудно, да и не нужно, ведь здесь остались картины, ради которых приезжают любители искусства со всего мира!
Леонардо да Вичи. Мадонна Литта
Настоящая гордость Эрмитажа. У художника 19 работ, и целых 2 находятся здесь. Сотрудники музей были крайне заинтересованы в приобретении этой картины у семьи итальянских аристократов ещё в XIX веке. Представитель семейства был подданным России, и за полвека до покупки полотно уже побывало в наших краях, но успело вернуться на родину. Сейчас на него любуются посетители петербургского музея.
Размеры картины небольшие — всего 41х32 см. Но если хорошенько присмотреться — можно увидеть столько мельчайших деталей, что о размере думать не приходится. Это произведение — вне времени и рамок.
Женщина смотрит на младенца, устремившего грустный взгляд в сторону зрителя. История этой сцены: за 5 минут до этого события Богородица решила отучить ребёнка от кормления грудным молоком и зашила специальные вырезы. Но дитя так плакало, что пришлось разорвать зашитый вырез. Эта картина может считаться символом материнского милосердия и любви.
Рембрандт. Возращение блудного сына
Произведение конца XVII века представляет сцену прощения отцом своего блудного сына, промотавшего всё наследство. Атмосфера полумрака придаёт картине особый интерес. Полотно создано по сюжету из Евангелия от Луки. Покупкой этой картины была заинтересована сама императрица Екатерина Великая. Это произошло в 1766 году. Около данного экспоната в Эрмитаже всегда многолюдно. Интересно, что это последняя работа Рембрандта.
Гейнсборо. Дама в голубом
Этот шедевр поражает своей красотой. Изящный образ дамы и потрясающие оттенки голубого — смотреть на картину можно бесконечно. Она была передана Эрмитажу даром. Гейнсборо не был любителем портретной живописи, но зарабатывал ею на жизнь. И слава пришла к нему как раз благодаря портретам. Произведение поражает своей лёгкостью, мимика изображённой девушки передана идеально. В каждом мазке прослеживается утончённость и мастерство великого голландского художника.
Матисс. Танец
Одно из ключевых произведений в стилистике модернизма. Оно изображает людей, радующихся прогрессу, развитию культуры, искусства. Поначалу в обществе слишком критично отнеслись к этой работе французского художника, но потом её отнесли к категории великих. В Россию полотно попало, благодаря купцу Щукину. Как и картину, его ругали за странные вкусы. Сначала он отказался от покупки, но потом изменил решение и извинился перед Анри Матиссом.
Мы рассмотрели только 4 работы, а в музее их тысячи. Коллекция живописи Эрмитажа включает работы Рафаэля, Гогена, Караваджо и других величайших художников. Маршрут по музею построить крайне трудно из-за количества экспонатов. Поэтому лучше наслаждаться произведениями в компании с гидом.
Рисунки цветными карандашами
Автор Марчелло Баренжи (Marcello Barenghi)
Главная тема художника гиперреалиста Марчелло Беренжи — это окружающие нас предметы.
Нарисованные им картины настолько реальны, что кажется можно взять в руки нарисованный пакет чипсов, или собрать нарисованный кубик Рубика.
Для создания одной картины, Марчелло тратит до 6 часов кропотливой работы.
Еще один интересный факт — это то, что сам художник снимает на видео весь процесс создания рисунка и потом выкладывает в сеть 3-минутный ролик.
Итальянский художник Marcello Barenghi рисует 50 евро
http://kulturologia.ru/blogs/080818/40035/http://www.znaikak.ru/kaksozdautsyakartinivstilegiperrealizmahttp://www.infoniac.ru/news/Eto-NE-fotografiya-kartiny-12-i-luchshih-hudozhnikov-giperrealistov.html
Каналетто (1697-1768).
Каналетто. Автопортрет. XVIII век. Частная коллекция.
Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.
Такой подход к пейзажу был в новинку в те времена. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников.
Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры.
Вот, к примеру, полотно «Гранд-Канал».
Каналетто. Гранд-Канал. 1730. Галерея Уффици, Флоренция.
Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы.
А здания вокруг – это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени! Ну как тут не вспомнить об импрессионистах?
Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне. И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении.
Каналетто. Вестминстерское аббатство. 1749. Музей Вестминстера.
Но художник не всегда точно переносил на холст изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу».
В 1746 году Каналетто переехал в Англию, где быстро завоевал любовь публики.
На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная. Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится.
Но зато сколько за счёт этой свободы появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто!
Посмотрите ещё на одну знаменитую картину художника «Скуола Сан-Марко».
Каналетто. Скуола Сан-Марко. 1765. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.
Художник подбирает необычный, драматичный цвет неба. Здание написано невероятно тонкой линией. Рассветные лучи мягко обволакивают Скуолу. Потрясающее сочетание красоты природы и архитектуры. В этом весь Каналетто!
В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей.
25.
Мона Лиза, автор Леонардо да Винчи
Возможно, некоторые работы из этого списка вам были неизвестны, но уж «Мона Лизу» Леонардо да Винчи знают точно все. Это самая известная, самая обсуждаемая, самая воспеваемая и самая посещаемая картина в мире. Гениальный мастер написал ее в 1503-1506 годах, а позировала для холста Лиза Герардини, жена торговца шелком Франческо дель Джокондо (Lisa Gherardini, Francesco del Giocondo). Знаменитая своим загадочным выражением лица Мона Лиза – гордость Лувра, старейшего и богатейшего музея Франции и мира.
Картинки и фото
21 июля, 2017
19 437 просмотров
Вчера и сегодня
Творчество не стоит на месте, представители искусства постоянно ищут новые формы. Какой он – современный сюрреализм? На смену ему пришли новые направления – такие как реализм, неосюрреализм и виженари арт.
Запоминаются оригинальные работы Олега Шупляка. Каждый созданный им портрет – это иллюзия. Если подойти поближе к полотну и присмотреться, то становится понятно, что в одной картине скрыто две истории.
Олег Шупляк за работой
Картины сюрреалистов – это монологи художников на полотнах, в которых они приоткрывают зрителям свое видение мира, делятся страхами, сомнениями и болью.
Художник-сюрреалист Сергей Лайск. Картина “Я&R”
Представители этого направления уделяют большое внимание быстротечности человеческой жизни и душевным переживаниям, которые находят в искусстве особое воплощение. Живописцы учат зрителей искать новые смыслы и разгадывать тайны, ограниченные рамками, но невероятно глубокие по смыслу
Читайте далее:
Почему постимпрессионизм называют «размышлением с кистью в руках»?
Магия и геометрия: как в живописи 20 века появился кубизм
Импрессионизм и магические трюки художников-импрессионистов
Художник Владимир Любаров и его «Деревенский астрал»
Художница Марселла Каспар
Изящество в серебре – украшения дизайнера Юли Диди
Работы Фриды Кало
Непростая жизнь этой прославившейся на весь мир мексиканской художницы, ее переживания и страхи сохранены на полотнах. В 6 лет будущая художница тяжело перенесла полиомиелит, из-за чего осталась хромой, а через 12 лет попала в автокатастрофу. Девушка в течение года была прикована к постели. Тяжелой для Фриды стала новость, что после этого трагического инцидента она не сможет иметь детей. Именно в этот период мексиканка начала писать картины в стиле сюрреализм.
Художница Фрида Кало в молодости, ч/б фотография
Волнения и страхи на полотнах Фриды Кало передаются через тревожные образы – она часто создавала автопортреты, на которых изображена в мучениях.
Одна из самых известных работ – «Две Фриды» – написана в 1939 году после развода с мужем. Слева изображена женщина в европейской одежде, которую художница носила до брака. Справа она в традиционном мексиканском платье – так художница выражает с помощью смены наряда приверженность новым идеям национализма, которые были важны для ее супруга.
Картина “Две Фриды”
15.
Моаи, авторство неизвестно
Статуи Моаи – это массивные каменные монолиты, обнаруженные на острове Пасхи в Тихом океане, Западная Полинезия. Изваяния также известны как Головы острова Пасхи, но на самом деле у всех у них есть тела, скрытые под землей. Статуи Моаи датируются примерно 1400 – 1650 годами и предположительно были вытесаны из камня аборигенами, жившими когда-то на острове Рапа-Нуи (Rapa Nui, местное название острова Пасхи). Всего в этом районе обнаружено около 1000 таких исполинских шедевров древности. Загадка их перемещения по острову до сих пор остается неразгаданной, а самая тяжелая фигура весит около 82 тонн.
Передвижники
Рассказывая о развитии исторического жанра в России, отдельно следует упомянуть передвижников. Русские живописцы отказались от классического академизма и поставили своей целью отображение только настоящей реальности. Бытовой и исторический жанр, а также портреты, стали основополагающими в их искусстве. Причем вдохновлялись художники так называемым «народничеством». Они рассказывали в своих полотнах о простых людях, их быте, труде, силе воли, угнетениях, изображая всю правду в своих работах.
Великий русский художник И. Е. Репин смешивал жанровую и историческую живопись, придавая особое значение отдельным портретам в общей массе. Остросоциальные картины «Бурлаки на Волге», «Крестный ход в Курской губернии», «Не ждали», «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» можно разглядывать часами, раскрывая в каждом отдельном человеке свою, неповторимую историю.
И. Е. Репин. Крестный ход в Курской губернии.
Исторический жанр стал главным и в творчестве русского художника-реалиста В.И. Сурикова. Со школьной программы всем знакомы работы «Боярыня Морозова», «Взятие снежного городка», «Переход Суворова через Альпы в 1799 году», «Покорение Сибири Ермаком», «Степан Разин», «Утро стрелецкой казни». Он воспевал обычный русский народ как движущую силу истории.
В.И. Суриков. Боярыня Морозова.
Русский исторический жанр в картинах передвижников часто смешивался с былинами и сказками. В этом направлении, например, работал. В.М. Васнецов. Он писал не только чисто исторические картины – «Царь Иван Васильевич Грозный», «После побоища Игоря Святославовича с половцами». Но и такие, как «Аленушка», «Витязь на распутье».
В.М. Васнецов. Витязь на распутье.
Многие передвижники работали не только над реальными картинами и событиями. Никуда не уходили и религиозные темы, которые были неразрывно связаны с историей русской культуры.
В. Д. Поленов. Христос и грешница.
И. Н. Крамской очень трепетно относился к изображению отдельных личностей. Причем не только своих известных современников («Портрет художника И. И. Шишкина», «Портрет Л. Н. Толстого», «Портрет Ф. А. Васильева»), но и над библейскими сюжетами («Христос в пустыне»), а также изображал обычных людей («Неутешное горе», «Неизвестная»).
И. Н. Крамской. Неизвестная.
Для передвижников характерна не только настоящая реальность, а больше ее драматизм, эмоции, идейная направленность. Тем и сюжетов в их работах очень много, но все они направлены на одно – рассказать людям всю правду о прошлой и настоящей жизни.
Источники
Детская энциклопедия для среднего и старшего возраста. Том 10: Литература и искусство / Д.Т. Благой, Л.И. Тимофеев, В.Н. Шацкая. – М.: Издательство Академии Педагогических наук РСФСР, 1961 г.
Справочник школьника. История мировой культуры / сост. Ф.С. Капица, Т.М. Колядич. – М.: Филолог. Об-во «Слово», Центр гуманитарных наук при факультете журналистики МГУ им. М.В. Ломоносова, ТКО «АСТ», 1996. – 207-209 с.
Энциклопедия импрессионизма и постимпрессионизма / сост. Т.Г. Петровец. – М.: Издательство «Олма-Пресс», 2001 г., — 320 с.
Энциклопедия для детей. Искусство. Том 7, часть 1 / Гл. ред. М. Аксенова. – М.: Издательство Аванта +, 1998 г. – 688 с.
Энциклопедия для детей. Искусство. Том 7, часть 2 / Гл. ред. М. Аксенова. – М.: Издательство Аванта +, 2000 г. – 656 с.
Гарриет Уайт
Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.
Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.
Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.
Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.
Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.
Поп-арт
Англ. pop art, от popular art — популярное искусство. Направление в искусстве Западной Европы и США с конца 1950-х годов. Расцвет поп-арта пришелся на бурные 60-е годы, когда во многих странах Европы и Америки вспыхнули бунты молодежи. Молодежное движение не имело единой цели — его объединял пафос отрицания.
Молодые люди готовы были выбросить за борт всю прошлую культуру. Все это нашло отражение в искусстве.
Отличительная черта поп-арта сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково безобразно, одинаково достойно или не достойно. Пожалуй, только рекламный бизнес основан на таком же бесстрастно-деловитом отношении ко всему на свете. Не случайно именно реклама оказала огромное влияние на поп-арт, а многие его представители работали и работают в рекламных центрах. Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на кусочки и соединить в нужной им комбинации стиральный порошок и известный шедевр искусства, зубную пасту и фугу Баха. Точно также поступает и поп-арт.
Мотивы массовой культуры эксплуатируются поп-артом по-разному. В картину вводятся посредством коллажа или фотоснимков реальные объекты, как правило, в неожиданных или совершенно абсурдных сочетаниях (Р. Раушенберг, Э. Уор Хол, Р. Хэмилтон). Живопись может имитировать композиционные приемы и технику рекламных щитов, картинка комикса может быть увеличена до размеров большого полотна (Р. Лихтенстейн). Скульптура может сочетаться с муляжами. Например, художник К. Олденбург создавал подобия витринных муляжей пищевых продуктов огромных размеров из необычных материалов.
Между скульптурой и живописью часто нет границы. Художественное произведение поп-арта нередко не только имеет три измерения, но и заполняет собой целиком выставочное помещение. В силу таких преобразований исходный образ объекта массовой культуры преобразуется и воспринимается совсем иначе, чем в реальном бытовом окружении.
Основной категорией поп-арта является не художественный образ, а его «обозначение», избавляющее автора от рукотворного процесса его создания, изображения чего-либо (М. Дюшан). Этот процесс был введен с целью расширения понятия искусства и включения в него нехудожественной деятель-ности, «выхода» искусства в область массовой культуры. Художники поп-арта были инициаторами таких форм, как хэппенинг, предметная инсталляция, энвайромент и других форм концептуального искусства. Аналогичные течения: андеграунд, гиперреализм, оп-арт, реди-мейд и др.
Сергей Гета
Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве. К гиперреализму пришел, вдохновившись искусством фотографии.
Картина называется «Солнечный день»
Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах. Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет
Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.
Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.
Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.
Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.
картина
черты
Классицизм и реализм
Классицизм был одной из тенденций, использованных художниками эпохи Возрождения для определения метода своих работ.
Классицизм был техникой, которая защищала приверженность классическому искусству, стремилась создавать простые произведения, эстетически сбалансированные, ясные для глаз и использующие традиции Запада..
Кроме того, в работах отстаивался физический реализм, фундаментальная черта гуманистической философии.
манерность
Когда эпоха Возрождения подходила к концу, художники начали отказываться от классицизма и привязались к маньеризму.
Эта техника стремилась выразить немного больше сложности в работах, поэтому физические формы предметов имели тенденцию быть нарисованными более искаженными, чем это было принято в начале движения.
католицизм
Одна из причин, по которой так много произведений искусства со сценами католицизма, заключается в том, что в этот период католическая церковь доверила несколько картин итальянским художникам..
Движение ренессансной живописи характеризовалось наличием нескольких аллегорических произведений католической религии.
представители
Основными художниками эпохи Возрождения были итальянцы. Однако по мере расширения движения по всей Европе появились другие важные фигуры, особенно в Нидерландах и Испании..
Леонардо да Винчи
Возможно, самый признанный художник эпохи Возрождения сегодня. Да Винчи создал уникальные произведения, которые стали важными наследиями человечества, такими как Мона Лиза или Тайная вечеря.
Кроме того, он был одним из самых важных фигур эпохи Возрождения, чтобы обеспечить инновационные знания в различных областях науки и общественных наук.
Сандро Боттичелли
Боттичелли был одним из ведущих художников начала эпохи Возрождения. Он был из школы во Флоренции и был частью Золотого века итальянских художников шестнадцатого века. Он посвятил себя живописи мифологических и религиозных работ.
Miguel Angel
Микеланджело был итальянским художником, скульптором и архитектором, возможно, одним из авторов эпохи Возрождения, сохранившим лучшие произведения с тех пор..
Он создал такие работы, как Страшный суд и он нарисовал одно из самых внушительных художественных произведений в истории: потолок Сикстинской капеллы.
Брейгель
Питер Брейгель был голландским художником и одним из ведущих представителей живописи эпохи Возрождения в своей стране. Он посвятил себя созданию пейзажей и сцен изо дня в день, представляя различные повседневные сцены и времена года.
Эль Греко
Эль Греко был греко-латиноамериканским художником, который подписывал свои картины на греческом языке. Он был главным и самым важным представителем испанского Ренессанса, и он использовал драматический и экспрессионистский стиль. Он считается предшественником как кубизма, так и экспрессионизма..
Основные работы
-Поклонение Агнцу Божьему, Юбер и Ян Ван Эйк, 1430.
-Свадьба Арнольфини, Ян Ван Эйк, 1434
-весна, Сандро Боттичелли, 1470-е годы.
-Тайная вечеря, Леонардо да Винчи, 1496.
-Потолок Сикстинской капеллы, Микеланджело, 1510 г..
-Школа Афин, Рафаэль, 1511.
Сальвадор Дали «Постоянство памяти»
«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства
«Постоянство памяти» Сальвадора Дали доказывает, что для создания шедевра не всегда нужны годы плодотворной работы — Дали понадобились всего два часа. Когда его жена Гала увидела картину, то произнесла: «Тот, кто увидел её один раз, не забудет уже никогда».
В шутку Дали называл свое произведение «камамбером времени», рассказывая, что он решил написать картину, когда увидел тающий на солнце сыр, который они с Галой не доели за обедом.
Работа состоит из символов: три плавящихся циферблата — отказ от линейности времени, делимого на прошлое, настоящее и будущее; спящее животное на первом плане — автопортрет в профиль; муравьи на оранжевых часах — символ распада и гниения; скалы вдалеке — отсылка к родной для художника Каталонии; излюбленное яйцо, которое Дали использовал на протяжении всей творческой карьеры, — жизнь. Везде соседствует реальность и сон: сухое дерево и тающие часы, море и огромное прямоугольное зеркало, муха и её человекоподобная тень. Художник стремился показать, что в человеческом восприятии переплетаются действительность и наши представления о ней.
Многие высказывали догадки, что в «Постоянстве времени» Дали опирался на теорию относительности Эйнштейна, показав взаимосвязь и изменчивость пространства и времени. Однако сам художник говорил, что был вдохновлён древнегреческим философом Гераклитом, утверждавшим, что «невозможно войти в одну и ту же реку дважды», потому что всё изменчиво: река сейчас и река через полчаса — это две разные реки, а не одно и то же, как может показаться нам.
Реверс трёхмерных изображений
Alexa Meade
В то время как анаморфоз старается сделать двумерные объекты похожими на трёхмерные, реверс трёхмерных изображений пытается сделать так, чтобы трёхмерный объект стал похож на двумерный рисунок.
Alexa Meade
Наиболее заметным художником в этой области является Алекса Мид из Лос-Анджелеса. В своей работе Мид использует нетоксичную акриловую краску, с помощью которой она заставляет своих ассистентов стать похожими на неодушевлённые двумерные картины.
Alexa Meade
Эту технику Мид начала разрабатывать ещё в 2008-м году, а публике она была представлена в 2009-м году.
Alexa Meade
Работы Мид, это, как правило, человек, сидящий у стены, и окрашенный таким образом, чтобы у зрителя возникла иллюзия того, что перед ним — обычный холст с обычным портретом. Чтобы создать такое произведение, может потребоваться несколько часов.
Alexa Meade
Другой значимой фигурой в этой области является Синтия Грейг, художник и фотограф из Детройта. В отличие от Мид, Грейг использует в работе не людей, а обычные бытовые предметы. Она покрывает их углём и белой краской для того, чтобы они со стороны выглядели плоскими.
Cynthia Greig Cynthia Greig Cynthia Greig
ссылки
- Ренессанс, Энциклопедия Раннего Современного Мира, 2004. Взято с encyclopedia.com
- Итальянские художники эпохи Ренессанса и художники эпохи Возрождения, веб-сайт Renaissance Art, n.d. Взято с renaissanceart.org
- Искусство Ренессанса и Архитектура, Оксфорд Арт, (н.д.). Взято с oxfordartonline.com
- Ренессанс, Западная скульптура; Энциклопедия Британика, (н.д.). Взято с brittanica.com
- Скульптура эпохи Возрождения, Essential Humanities, 2013. Взято с essential-humanities.net
- Ренессанс Архитектура, Британская энциклопедия, (н.д.). Взято с brittanica.com
- Живопись эпохи Возрождения, Основные гуманитарные науки, 2013. Взято с essential-humanities.net
- Ренессанс Архитектура, Основные гуманитарные науки, 2013. Взято с essential-humanities.net
- Названия произведений искусства, даты и художники взяты из Википедии ru Español — wikipedia.org
Чем рисуют
Материалы, с которыми работают гиперреалисты, могут быть совершенно разными. Большой популярностью пользуются работы, выполненные маслом или акрилом. Сочность красок позволяет художнику создавать контрастные, яркие и действительно привлекательные картины.
Но есть и другие материалы, которыми настоящие таланты создают работы в стиле гиперреализм. Карандашом, например, чаще всего выполняют портреты. Он позволяет четко прорисовать морщинки на лице, мельчайшие элементы радужки глаза, волосы и так далее. Цветными карандашами художники-гиперреалисты создают невероятно солнечные и яркие портреты.
Акварель больше подходит для рисования пейзажей в стиле гиперреализм. Картины получаются легкими и воздушными – полупрозрачная краска позволяет лучше передать пространство. Несмотря на то, что художники нередко рисуют городские пейзажи, леса, озера и бурные реки, они нечасто выходят для творчества из дома. Практически все картины срисовываются гиперреалистами с фотографий, которые они сами же зачастую и делают.
Сюрреализм в России
Самые известные современные художники-сюрреалисты в России – Вячеслав Иванов и Борис Индриков. Вячеслав Иванов родился на родине Марка Шагала – в Витебске. Он создает удивительные работы, в которых фантастические сюжеты мастерски вписываются в реальность, открывая новые смыслы.
Вячеслав Павлович Иванов “Ветер странствий”
Картины в стиле сюрреализм создает и Борис Индриков, который поражает воображение не только своими запоминающимися работами, но и фразами, отражающими суть творчества. «Картина – это дверь в параллельный мир. Мир, где всё по-другому. Другие законы, другие линии и формы, – пишет Борис Индриков. – Это мой мир. Возможно, я из него пришел и в него вернусь».
Стилистика работ Бориса Индрикова
Картины масляными красками
Автор Педро Кампос (Pedro Campos)
Педро Кампос является испанским художником, проживающим в Мадриде, Испания. Все его картины невероятно похожи на фотографии, но на самом деле все они нарисованы масляными красками.
Начиналась карьера талантливого художника в творческих мастерских, где, будучи еще очень юным, он оформлял ночные клубы и рестораны. После этого он работал в рекламных агентствах, но любовь к гиперреализму и живописи, вероятно, пришла тогда, когда он занимался реставраторством.
В 30 лет он начал серьезно думать о профессии независимого художника. На сегодняшний день ему за сорок, и он является признанным мастером своего дела. Работы Кампоса можно увидеть в популярной лондонской художественной галерее «Plus One».
Для своих картин, художник выбирает предметы со своеобразной текстурой, например, блестящие шарики, искрящаяся стеклянная посуда и т.д. Всем этим, на первый взгляд, обычным неприметным предметам, он дает новую жизнь.
