Антагонистичность Самсона Карраско
Если хочешь узнать, каков человек, необязательно смотреть на его друзей. Куда больше тебе скажут враги. И здесь образ Карраско полностью описывает Дон-Кихота. Злобный, мстительный и насмешливый студент выглядит в контрасте с Рыцарем Печального Образа еще ниже, чем есть на самом деле.
Его желание навредить главному герою, его отвратительный характер подчеркивают для нас благородство Дон-Кихота. Ведь в итоге Самсон сам заигрывается в предлагаемых обстоятельствах и становится этаким темным отражением главного героя. Ведь именно в образе Рыцаря Луны он побеждает Дон Кихота, тем самым… признавая его победу. В том, что повергнуть безумца можно только по его собственным правилам.
Иллюстрации к классике
В советские годы художник проиллюстрировал произведения А. С. Пушкина «Капитанская дочка» и «Медный всадник». Поэма «Медный всадник» была задумана иллюстратором как законченный книжный ансамбль, так как именно такой подход был принят у мирискусников.
Бенуа выбрал для этого цикла сдержанную цветовую гамму, да и сами графические средства были довольно скупыми: художник избегал мелких деталей, но дал волю фантазии. Иллюстрации точно воссоздают мрачную атмосферу пушкинской поэмы. Безумный Евгений, словно тень, бродит по сумрачному мистическому Петербургу, его преследует призрак конной статуи. Этот цикл стал своеобразным синтезом экспрессионизма и модерна.
Человек силы
Однако вечный образ Дон-Кихота заключается не только в романтике и странствиях, не только в этих двух нежных чертах человека. Ведь к вопросу можно подойти и с другой стороны, если увидеть в герое Сервантеса еще и силу.
Да-да, именно в этом немощном и старом мечтателе. В середине него живет бесконечное мужество, и это, пожалуй, главное, что Дон-Кихот почерпнул из рыцарских романов
Вспомните, он хоть раз ныл, стонал, восклицал? Из историй о благородстве странствующих воинов Дон-Кихот взял самое важное
И пускай идеалы его и неверны, и пускай он душевнобольной, но образ Дон-Кихота навсегда будет окутан мужественностью и силой, непоколебимой волей бороться за свои идеалы. Он в том числе и революционер, умеющий до конца сражаться во имя своего образа жизни.
Интересные факты
- Мигель Сервантес планировал свою книгу как пародию, а сам герой Дон Кихот придумывался для высмеивания. Но именитый философ Фридрих Ницше отметил, что значение романа является самым горьким из всех за всю историю человечества.
- Актер театра и кино Владимир Зельдин получил премию Советского Союза за главную роль в мюзикле «Человек из Ламанчи».
- 25 июня 1994 года зрители увидели балет под названием «Дон Кихот, или Фантазии безумца». Либретто написал Борис Эйфман.
- Хоть книга Мигеля де Сервантеса и стала мировым бестселлером, материальному положению автора можно было только посочувствовать.
Иероним Босх. Загадочный и таинственный.
Жак ле Бук. Портрет Иеронима Босха. 1550.
Полулюди-полумутанты, громадные птицы и рыбы, невиданные растения и толпы обнаженных грешников… Всё это перемешано и сплетено в многофигурные композиции.
Иероним Босх очень узнаваем. И самая известная его работа – триптих «Сад земных наслаждений».
Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Фрагмент. 1505-1510. Музей Прадо, Москва.
Нет другого такого художника, который использовал бы столь много деталей для выражения идей. Каких идей? На этот счёт нет единого мнения. Босху посвящали диссертации и книги, искали толкования его персонажей, но к какому-то одному мнению так и не пришли.
У “Сада земных наслаждений” правая створка посвящена Аду. Здесь мастер ставил своей целью напугать и крестьянина, и образованного современника гнетущими видениями, ожидающими после смерти. Что ж… Босху это удалось. Даже нам чуток не по себе…
Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Правая створка триптиха “Ад”. 1505-1510. Музей Прадо, Мадрид.
Но Босх эволюционировал в течение своего творческого пути. И к концу жизни многофигурные, масштабные работы сменились очень близким приближением к героям. Так что они еле влезают “в кадр”. Такова работа “Несение креста”.
Иероним Босх. Несение креста. 1515-1516. Музей изящных искусств, Гент, Бельгия. Wga.hu.
Вне зависимости от того, рассматривает Босх своих героев издалека или вблизи, его посыл один. Показать людские пороки. И достучаться до нас. Помочь нам спасти наши души.
Пит Мондриан в Нью-Йорке
В честь Пита Мондриана назван язык программирования Piet. Дизайнер Ив Сен Лоран создал коллекцию нарядов с цитатами из его картин. Один из самых великих и узнаваемых живописцев прошлого века нашел свой стиль не сразу. Сначала, в свободное от преподавания в начальной школе время, он изображал родные просторы: поля, мельницы, реки. Постепенно в его работах начинает прослеживаться тяга к ясным цветам и четкой геометрии. Он даже издает манифесты о необходимости строгого порядка в искусстве.
Тяга к упорядочиванию была определяющей чертой характера голландского абстракциониста. Устав от непонимания и однообразия у себя на родине, Мондриан переезжает в Париж, где сознательно начинает ограничивать выразительные средства: создает полотна без малейшего намека на сюжет и пространственную глубину. Вместо композиции он расчерчивал холст сеткой, на которой закрашивал квадраты с помощью основных цветов спектра.
Нью-Йорк — источник вдохновения Пита Мондриана
После переезда в Нью-Йорк, “голландский философ с кистью в руке”, как он сам себя называл, обрел долгожданное единение со средой. Он оборудовал студию на Манхэттене, где стоило ему перевести взгляд с холста на окно, повсюду находил источники вдохновения — правильные квадраты кварталов, круги светофоров, параллельные прямые небоскребов, бесчисленные прямоугольники окон…
Мондриан передает свое восхищение городом с помощью самых правильных по его мнению выразительных средств — четких и ясных форм, прямых линий, первичных тонов. Он, восхищавшийся большими городами и организованной жизнью, почувствовал небывалый прилив творческой энергии в Нью-Йорке. Художник как никогда ощущал близость воплощения сверхзадачи, которую он поставил перед собой еще в молодости: осмысление мировой души и ее воплощение самой правильной форме.
25.
Мона Лиза, автор Леонардо да Винчи
Возможно, некоторые работы из этого списка вам были неизвестны, но уж «Мона Лизу» Леонардо да Винчи знают точно все. Это самая известная, самая обсуждаемая, самая воспеваемая и самая посещаемая картина в мире. Гениальный мастер написал ее в 1503-1506 годах, а позировала для холста Лиза Герардини, жена торговца шелком Франческо дель Джокондо (Lisa Gherardini, Francesco del Giocondo). Знаменитая своим загадочным выражением лица Мона Лиза – гордость Лувра, старейшего и богатейшего музея Франции и мира.
Картинки и фото
21 июля, 2017
19 437 просмотров
Леонардо да Винчи. Великий и могучий.
Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512. Королевская библиотека в Турине, Италия.
Работы этого художника, изобретателя, музыканта, анатома и вообще «универсального человека» удивляют нас до сих пор.
Благодаря его картинам мировая живопись вышла на новый качественный уровень. Он двигался в сторону реализма, постигая законы перспективы и разбираясь в анатомическом строении человека.
Леонардо да Винчи. Витрувианский человек. 1490. Галерея Академии, Венеция.
Идеальные пропорции он изобразил в рисунке «Витрувианский человек». Сегодня он считается одновременно и художественным шедевром, и научным трудом.
Самая же узнаваемая работа гения – «Мона Лиза».
Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519. Лувр, Париж.
Здесь мы можем увидеть главное достижение Леонардо в живописи. Сфумато, то есть размытую линию и наложенные тени в виде дымки. Отсюда такой живой образ. И ощущение, что Мона Лиза сейчас заговорит.
Сегодня имя загадочной Джоконды жестоко истреплено карикатурами и интернет-мемами. Но от этого она не стала менее прекрасной.
О работах мастера читайте в статье “5 шедевров Леонардо да Винчи”.
Также читайте о недавно найденном шедевре мастера в статье «Спаситель мира» Леонардо. 5 интересных деталей картины».
Внутренний романтик
Что видят романтики, читая шедевр «Дон-Кихот»? Анализ произведения начинается с рассуждения о том, насколько сильно главный герой совпадает с их внутренним миром. Ведь для них уже сам по себе образ рыцаря является неотъемлемой частью философии. А тут «герой меча и щита» еще и отвергнут, не понят, изгнан из общества.
Какой романтик не воздвигнет этот образ себе на флаг! Ведь каждый из них уверен в том, что мир мечтаний – истинно реален, и собственную фантазию вперемешку с чувствами надо ставить выше чего-либо. Борьба Дон-Кихота – это плевок в лицо реальности — жестокой, грязной и грубой; это сражение с ветряными мельницами во имя общего добра. Это заранее проигранная война, но ведь надо вдохновляться тем, что умер Рыцарь Печального Образа счастливым!
Клод Моне. Красочный и воздушный.
Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886. Частная коллекция.
Моне считается самым ярким представителем импрессионизма. Он всю свою долгую жизнь был предан этому стилю. Когда главные герои – свет и цвет, линии исчезают, а тени вполне могут быть голубыми.
Его «Руанский собор» показывает, как изменяется предмет, если глядеть на него сквозь солнечные лучи. Собор трепещет, живёт в лучах.
Клод Моне. Руанский собор. Закат. 1892-1894 гг. Музей Мармоттан-Моне, Париж
Моне много экспериментировал с мазками, чтобы передать не столько натуру, сколько впечатления от неё. И именно в этом он видел правду. Зачем фотографически повторять пейзаж или предмет?
В последние годы старый художник писал свой сад. Мы тоже можем взглянуть на один из самых живописных уголков этого сада на картине “Белые кувшинки”. Она хранится в Пушкинском музее в Москве.
Клод Моне. Белые кувшинки. 1899. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки XIX и XX веков), г. Москва.
Рембрандт. Реальный и поэтичный.
Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669. Национальная Лондонская галерея.
Рембрандт изображал мир таким, какой он был. Без прикрас и лакировок. Но получалось у него это очень душевно.
На полотнах Рембрандта – полумрак, из которого, подсвеченные золотым светом, выступают фигуры. Красивые в своей естественности. Именно такие герои его картины “Еврейская невеста”.
Рембрандт. Еврейская невеста. 1662. Рейксмузеум, Амстердам.
Судьба величайшего голландского живописца похожа на трамплин – из неизвестности вознестись до богатства и популярности, чтобы потом низвергнуться вниз и умереть в нищете.
Он не был понят современниками. Которые предпочитали красивые бытовые сценки с милыми, тщательно прописанными деталями. Рембрандт же писал человеческие чувства и переживания, что было совсем не модно.
Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1668. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Arthistory.ru.
Это большое чудо, что самые известные работы, такие как «Возвращения блудного сына», находятся в России, в Эрмитаже. Куда можно прийти, чтобы полюбоваться, понять, почувствовать.
О картине читайте в статье “Возвращение блудного сына” Рембрандта. Почему это шедевр?”
Сказки братьев Гримм, иллюстрации Дэвида Хокни
«Откапывая стекло». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
О сказках
Это сборник народных немецких сказок, которые собрали лингвисты Якоб и Вильгельм Гримм. Они входили в кружок гейдельбергских романтиков, которые стремились возродить интерес к немецкому фольклору.
Братья ездили по Германии, общались с крестьянами и записывали с их слов сказки. Среди них известные «Гензель и Гретель», «Рапунцель», «Золушка», «Красная шапочка», «Бременские музыканты», «Мальчик с пальчик» и другие. Первое издание вышло в 1812 году.
О художнике
Дэвид Хокни (род. 1937) — британско-американский художник, представитель британского поп-арта: его яркий стиль ориентирован на язык рекламы.
Особенно известны его портреты и «калифорнийская серия», созданные в 1960-е годы. Самый узнаваемый мотив Хокни — бассейн с водой лазурного цвета. Последние десять лет художник использует новые технологии. Например, в 2021 году он создал 116 изображений на iPad, а затем распечатал их — в увеличенном виде на этих работах заметны все штрихи.
Об иллюстрациях
Хокни прочитал все сказки из сборников братьев Гримм — а их более 200. Он отобрал шесть из них, и в 1969 году создал к ним 39 иллюстраций в технике офорта. В 1970 художник выпустил книгу «Six Fairy Tales from the Brothers Grimm».
Иллюстрации Хокни чёрно-белые. Художник специально отказался от красок, ведь сказки братьев Гримм сами по себе зловещие, даже жестокие, герои встречают опасности, и не всегда добро в конце побеждает. Эту недетскую интонацию сказок и отражают мрачные рисунки Хокни.
«Мальчик, спрятанный в рыбе». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«В замке». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«Ведьма с маленькой Рапунцель». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
Художник использовал либо тёмный, либо белый фон
В первом случае все внимание сосредоточено на персонажах, их светлые лица и руки зловеще «подсвечиваются». А светлый пустой фон создаёт ощущение одиночества и неуютности, голого пространства
Иногда состояние тревожности Хокни передаёт просто через неровные линии, проведённые как будто в спешке. Например, жуткое впечатление производит лежащий на верстаке нож с кривым контуром или колючий вихрь из соломы, который заполняет всё пространство комнаты.
«Прыжок чёрной кошки». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«Верстак, нож и огонь». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«Разыскиваемая принцесса». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
«Комната, наполненная соломой». Иллюстрация: Дэвид Хокни / иллюстрация к сказкам Братьев Гримм
Изучайте также эти материалы для вдохновения:
- 8 атмосферных фильмов
- 7 мультфильмов с красивой графикой
- 2 подборки книг с потрясающими иллюстрациями: одна и вторая
Свобода превыше всего
Важную тему в романе нашли европейцы эпохи Просвещения. Для них проблемы произведения заиграли новым красками.
Дело в том, что философы и писатели того времени не ставили ничего выше свободы. Для них это была главная ценность, главный критерий оценки счастья. Причем, как заметно из названия самого периода времени, распоряжаться свободой они обязывались в рамках получения новых знаний.
Само собой, что через эту призму они и смотрели на Дон-Кихота. Вечно странствующий рыцарь, ищущий правды и не скованный никакими рамками, был для них буквально находкой. Он тут же был объявлен погибающим за право выражения человеком свободы, которому противостоит глупое и непонимающее общество.
Несмотря на то что именно в эпоху Просвещения образ героя (Дон-Кихот) был окутан аурой трагизма и отрешенности, все же тогда он все еще воспринимался как комедийный персонаж. А если разбираться во взаимоотношениях рыцаря и оруженосца Санчо, можно найти еще более глубокую и интересную теорию.
Винсент Ван Гог. Сумасшедший и сочувствующий.
Винсент Ван Гог. Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой. Январь 1889. Цюрих Кунстхаус музей, Частная коллекция Ниархоса. Wikimedia Commons.
Он не только поскандалил с Гогеном и отрезал себя мочку уха. Ван Гог – гениальный художник, оценённый только после своей смерти.
Он был человеком, не ведающим таких понятий, как “золотая середина” и компромисс. Когда он был пастырем, то отдавал последнюю рубашку бедняку. Когда стал художником, то работал сутки напролёт, забывая о еде и сне. Вот почему за 10 лет он создал такое колоссальное наследие (800 картин и 2 тысячи рисунков).
Сначала картины Ван Гога были мрачными. В них он выражал безграничное сочувствие к бедным людям. И первым его шедевром была именно такая работа – «Едоки картофеля».
На ней мы видим уставших от тяжкого и монотонного труда людей. Настолько уставших, что они сами стали похожи на картошку. Да, Ван Гог не был реалистом и гипертрофировал черты людей, чтобы передать суть.
Винсент Ван Гог. Едоки картофеля. 1885. Музей Ван Гога, Амстердам.
Но зрители любят Ван Гога за яркие чистые цвета. Его картины стали красочными после знакомства с импрессионистами. С тех пор он написал немало букетов, летних полей и цветущих деревьев.
Никто до Ван Гога так не выражал свои эмоции и чувства с помощью цвета. А вот после него – многие. Ведь именно он – главный вдохновитель всех экспрессионистов.
Даже удивительно, как мастер, пребывающий в глубокой депрессии, которая приведёт его к самоубийству, написал такое жизнерадостное произведение как «Подсолнухи».
Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888. Национальная галерея Лондона.
10.
Писающий мальчик, авторство неизвестно
«Маннекен-Пис» или «Писающий мальчик» – это небольшая бронзовая скульптура, ставшая настоящей достопримечательностью фонтана в центре Брюсселя. Первоначальное авторство произведения неизвестно, но в 1619 году ее доработал бельгийский скульптор Жером Дюкенуа (Jerome Duquesnoy). Визитная карточка города, «Маннекен-Пис» предположительно был установлен в память о событиях гримбергенской войны, во время которой писающий младенец по одной версии мочился на солдат, а по другой – потушил вражеские боеприпасы, угрожавшие уничтожению целого города. На праздники скульптуру наряжают в тематические костюмы.
Василий Кандинский в Мюнхене
Василий Кандинский, создавший первое в истории абстрактное произведение, своим примером подтверждает поговорку “лучше поздно, чем никогда”. То, что живопись — это дело его жизни, он понял достаточно поздно, уже будучи доцентом юридической кафедры МГУ. В тридцатилетнем возрасте он посетил выставку импрессионистов в Москве, которая произвела на него столь глубокое впечатление, что он решился на радикальные перемены: отказался от многообещающей карьеры профессора, переехал в Мюнхен и посвятил свою жизнь искусству.
Именно в Германии мечты о творческой карьере крепнут и воплощаются в жизнь. Он начинает обучение в престижной частной школе югославского художника Антона Ажбе, где получает первые навыки в построении композиции. Кандинский учится с большим усердием и прогрессирует столь стремительно, что вскоре “перерастает” школу и поступает в мюнхенскую художественную академию. Профессорам не нравится склонность Кадинского к ярким цветам, и они заставляют его целый год писать черно-белые картины, чтобы “изучить форму как таковую”.
Мюнхен — место творческого расцвета русского художника Василия Кандинского
Расцвет творчества художника приходится на годы, когда он сам начинает преподавать на летних курсах при мюнхенской художественной школе. После мучительного черно-белого периода он вырабатывает новаторский стиль “ритмического использования цвета”, организует “Новое мюнхенское художественное сообщество”, затем арт-группу “Синий всадник” и проводит персональную выставку. В своем творчестве Кандинский, впервые надолго отдалившийся от родины, ищет вдохновение в русских сказках и былинах, создает завораживающие образы. С помощью своей неумной фантазии превращает в зримое загадочные предания о славянских деревянных городах.
Позже он переезжает во Францию, где получает получает новое гражданство и продолжает радикально обновлять представление об искусстве. Однако, как пишет Лакост, “ни в какое другое время живопись Кандинского не развивалась так стремительно, как в мюнхенские годы”. Именно в Мюнхене Кандинский стал основоположником абстракционизма и центром притяжения всего интеллектуального, неспокойного, ищущего, что было в творческой среде того времени.
Работы «голубого» периода (1901-1904)
«Завтрак слепого» 1903
«Суп» 1902
«Мать и дитя» 1903
«Любительница абсента» 1901
«Гладильщица» 1904
«Нищий старик с мальчиком» 1903
«Жизнь» 1903
«Две сестры (Свидание)» 1902
«Голубая комната (Ванна)» 1901
«Гурман» 1901
«Сидящая женщина в капюшоне» 1902
В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.
Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)
«Фермерша» 1908
«Голова мужчины» 1907
«Купальщица» 1909
«Натюрморт с чашей и кувшином» 1908
«Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)» 1907
«Портрет Мануэля Пальяреса» 1909
«Три фигуры под деревом» 1907
«Бокалы и фрукты» 1908
«Бюст человека (Спортсмен)» 1909
«Женщина» 1907
В аналитическом периоде Пикассо пришел к осознанию того, что нужно полностью сосредоточиться на объеме и форме предметов, отодвинув на задний план цвет. Таким образом отличительной чертой аналитического кубизма стала монохромность. Так же стоит отметить структуру работ этого периода — художник словно дробит предметы на мелкие фрагменты. Между разными вещами пропадает грань и все воспринимается как единое целое.
Происхождение художника и начало творчества
Пабло Пикассо родился в 1881 году в городе Малага в Испании. Рисовать его научил отец, который сам был художником и учителем рисования. Интересно, что свою первую серьезную картину, «Пикадор», Пабло нарисовал уже в восемь лет и очень ей дорожил впоследствии. В 14 он сдал экзамен в школу искусств в Барселоне. На тот момент Пикассо был слишком молод для поступления, но его вступительная работа не оставила ни у кого сомнений в таланте молодого художника.
Мне нравится33Не нравится7
В 1900 году, отучившись в Мадриде и изучив коллекцию музея Прадо, Пикассо со своим другом Карлосом Касагемасом, тоже художником, переезжает в Париж.
Энди Уорхол
Уорхол — графический дизайнер по образованию. Он родился и вырос, как раз когда эта профессия вполне официально появилась, а индустрия печатной рекламы расцвела.
Поп-арт Уорхола — это переосмысление эпохи потребления. В некоторых работах он перерисовывал от руки образы, тиражируемые в массовой культуре. Например, это холсты с супом Campbell.
, 1962 год. Изображение: Энди Уорхол / Wikimedia Commons
Начинал карьеру Уорхол не как деятель современного искусства, а как коммерческий иллюстратор — он создавал рекламную графику и обложки для журналов. Особенно известны его изображения туфель: он долго сотрудничал с обувным брендом I.Miller, а потом делал рекламу для Dior.
Реклама туфель I.Miller на развороте Harper’s Bazaar, 1960 год. Изображение: Энди Уорхол / Harper’s Bazaar / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Реклама туфель I.Miller, 1958 год. Изображение: Энди Уорхол / Oxford Art Journal
Иллюстрация для Vogue, 1957 год. Изображение: Энди Уорхол / Vogue / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Обложка журнала The Week, 1959 год. Изображение: Энди Уорхол / The Week / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Став известным деятелем поп-арта, Уорхол работал в разных техниках: рисовал, фотографировал, делал инсталляции, снимал кино, а также продолжал принимать заказы на рекламу и дизайн для журналов.
Отдельное направление работы Уорхола — дизайн обложек музыкальных пластинок. Например, он создал известную обложку с бананом для дебютного альбома The Velvet Underground. Оригинальная обложка была интерактивной. Она выходила с наклейкой в виде жёлтого банана в кожуре, которую можно было снять — и увидеть розовый очищенный банан.
Также ему принадлежит одна из самых необычных музыкальных обложек — для The Rolling Stones. На ней изображены брюки с настоящей молнией, расстегнув которую, можно увидеть эмблему группы. За эту работу Уорхол был номинирован на «Грэмми».
Смерть и наследие
Александр Бенуа скончался в 1960 году, не дожив нескольких месяцев до своего девяностолетия. В 1965 году в СССР вышла монография М. Эткинда о художнике. Это была едва ли не первая книга о русском художнике, чей жизненный и творческий путь завершился за рубежом.
Аполлон и Дафна, 1908
Известно, что к творчеству автора обращались кинематографисты. Его образы оживают в некоторых фильмах. Особенно это касается сцен, где действие происходит в пейзажных парках.
При воссоздании «парковых эпизодов» в кино, особенно если надо было воспроизвести Версаль, режиссеры нередко ориентировались на его произведения. В фильме Э. Лотяну «Анна Павлова», где есть сцена заседания кружка «Мир искусства», роль живописца сыграл известный актер Анатолий Ромашин (1931—2000).
Детство и юность
Будущий мастер родился в 1870 году в семье академика архитектуры Николая Леонтьевича Бенуа. Эта знаменитая династия дала России многих известных деятелей искусства. Юный Александр учился рисованию у своего брата Альберта. В течение нескольких месяцев он посещал вечерние классы Академии художеств в 1887 году.
Китайский павильон «Ревнивец»
Его важным периодом творчества стали гимназические годы. Он учился в известной гимназии Карла Мая в Петербурге, а затем на юридическом факультете Петербургского университета (в 1890-1894). Гимназические годы А. Бенуа были отмечены дружбой с С. П. Дягилевым, Д. В. Философовым, В. Ф. Нувелем и К. А. Сомовым. Эти дружеские отношения надолго сохранились и сыграли важную роль в судьбе живописца.
Парижская школа на Монпарнасе
«Улей» (La Ruche). 1918 год
История Парижской школы напрямую связана с Монпарнасом. В начале XIX века этот район только застраивался и был существенно дешевле артистического Монмартра, где к тому же оставалось не так много свободных помещений под мастерские. На южной окраине Монпарнаса построили ставший вскоре знаменитым «Улей» (La Ruche) — сейчас бы мы назвали его арт-резиденцией. В этом круглом здании можно было снять мастерскую за символическую плату. К дешевому жилью относились дома с садиками и большими окнами — более провинциальный вариант. Были полутора-двух-трехэтажные мастерские — правда, не очень обустроенные. Чуть дороже стоила удобная мастерская в только что построенном доме.
Любое жилье на Монпарнасе означало доступ к дешевым качественным материалам, бирже моделей, художественным академиям, выставкам, и главное — к невероятно активному сообществу, которое формируется вокруг знаменитого перекрестка Вавен, вокруг кафе, где знакомятся, общаются и бесконечно спорят об искусстве художники, музыканты, писатели.
Кто и зачем придумал термин «Парижская школа»
В 1910-е годы художники-эмигранты в Париже — это скорее вольное артистическое сообщество. То есть направление уже существует, но его еще так не воспринимают. Огромную роль в жизни этого сообщества играет салон баронессы Эттинген. Она и ее кузен Серж Фера (Сергей Ястребцов) фактически не только художники, но и меценаты, поддерживавшие развитие всей артистической среды и лично Гийома Аполлинера, которому они подарили журнал «Парижские вечера». Журнал стал во многом законодателем вкусов для тех, кто вскоре окажется главными действующими лицами Парижской школы.
Сам термин придумали в 1920-х, когда уже многих мастеров Парижской школы не было в живых, как, например, Модильяни. А, скажем, Пикассо успел стать художником, которого невозможно определять только Парижской школой, хотя в начале своего пути молодой, ищущий славы каталонец, конечно, был ее типичным представителем. Первым термин «Парижская школа» сформулировал журналист Андре Варно, и потом его дочь Жанин стала одним из главных специалистов по этому направлению. Такая замечательная история преемственности.
Почему это понятие было сформулировано именно тогда? Дело в том, что 1920-е — это пик коммерческой состоятельности, привлекательности феномена интернационального художественного братства на Монпарнасе. В эти годы Париж становится крупным туристическим центром, таким, каким, наверное, мы его сегодня более или менее привыкли воспринимать. Кончилась Первая мировая, в город потекли зарубежные коллекционеры, американские туристы с желанными долларами в карманах. И все хотели участвовать в этом прекрасном мифе, быть первооткрывателями. Артистический Монпарнас становится как бы частью «турпакета», он неотделим от образа города.
Второстепенные персонажи
| Простая крестьянка из соседней деревушки, Альдонсо Лоренсо, хорошенькая девушка, получила из уст Дон Кихота почетный титул благородной дамы, и звучное имя Дульсинея Тобосская. Именно во славу этой прекрасной особы, Рыцарь Печального Образа должен был совершать свои подвиги, и бросать к ее ногам поверженных противников, а Дульсинея должна была решать их участь. Является для Дон Кихота символом прекрасной дамы, платоническая любовь к которой и движет его благородными помыслами. | |
| Молодая племянница странствующего рыцаря. Очень любит и уважает Дон Кихота, с нетерпением ждет его возвращения домой. Дон Кихот завещает Антонии все свое имущество с наказом, что она получит его только в том случае, если выйдет замуж за человека, который не имеет никакого отношения к рыцарям и рыцарским романам. Искренне переживает болезнь и смерть благородного рыцаря. | |
| Верная и преданная служанка Дон Кихота, искренне любящая своего безрассудного хозяина. Занимается хозяйственными делами. Дон Кихот уважает и ценит свою экономку, находясь при смерти, он особо указывает в своем завещании, чтобы экономке была выплачена вся сумма полностью, за все время ее службы, и помимо этого, Дон Кихот, выдает ей дополнительные деньги на платье. | |
| Цирюльник, близкий товарищ Дон Кихота, разумный и рассудительный человек. Он переживает за благородного рыцаря, старается своими советами отговорить того от безрассудных идей и поступков. | |
| Бакалавр, один из верных и преданных друзей рыцаря Печального образа. Сильно переживает о состоянии Дон Кихота, находится с ним рядом в его последние часы жизни. | |
| Трактирщик, посвятивший Дон Кихота в рыцари. Увидев перед собой такого странного постояльца, и услышав его речи, он охотно согласился совершить обряд посвящения. Подумав, что этот человек рехнулся, он решил подыграть ему, выполнив все его пожелания, для того, чтобы повеселиться от души. Видя доверчивость и простодушие Дон Кихота, он взял свою амбарную книгу, сделал вид, что читает, хлопнул мечом по плечу идальго, и объявил его рыцарем, в надежде, что этот чудак быстро покинет его постоялый двор. |
В романе Сервантеса использовано более шестисот персонажей, представляющих различные сословия общества, начиная от мелких мошенников, и до высокопоставленных представителей знати. Здесь дана краткая характеристика лишь нескольких героев «Дон Кихота» для читательского дневника.
Предыдущая
СочиненияГлавные герои «Лесной царь» характеристика персонажей баллады Жуковского
Следующая
СочиненияГлавные герои «Илиада» характеристика персонажей поэмы Гомера списком для читательского дневника
