Путеводитель по третьяковской галерее

Александр Иванов. Явление Христа народу (Явление Мессии) (1837–1857)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Двадцать лет на одну картину, можете себе представить! А фактически даже больше. Художника не случайно называют мастером одного шедевра. Задумав грандиозное полотно на евангельский сюжет, Иванов написал огромное количество этюдов с натуры. Только в Третьяковской галерее их больше 300. Идущий к людям Иисус, указывающий на него Иоанн Креститель, будущие апостолы Иоанн, Петр, Андрей и Нафанаил, множество других персонажей… Для одного из них художнику даже позировал Гоголь.

И вот долгожданную картину привозят из Италии в Россию и представляют публике. Вместо триумфа – странное разочарование. То ли ждали большего после впечатляющих этюдов, то ли российские умы были слишком заняты предстоящей отменой крепостного права. К тому же обнаружились «недоделки»: к примеру, старик слева одет в светлую повязку, а в отражении он красная.

Вскоре после презентации художник умер от холеры. Уже после его смерти император купил картину, дав указание построить для нее отдельный павильон в Румянцевском музее. Кстати, в Третьяковке, куда «Явление Мессии» попало в 1920-м, для нее тоже пристроили отдельный зал к зданию в Лаврушинском переулке.

Дизайн технического прогресса

К восьмидесятым мечты дизайнеров устремились к звёздам, а классовый разрыв — как это было в начале и середине века — становится не таким заметным. Поэтому большинство вещей в этой части экспозиции делятся на два типа: «обычные» и «фантастические». Заполнять пропасть между ними нечем, ведь нет и самой пропасти — предметы быта и объекты мечты существуют в двух параллельных вселенных.

Фотография: Ольга Кондратова / Skillbox Media

Этот период представлен работами ВНИИТЭ — Всероссийского научно-исследовательского института технической эстетики. Институт решал серьёзные задачи — именно в его стенах рождались прототипы беспроводных телефонов, домашние радиокомплексы, напоминающие сложные ЭВМ.

Рассказ о ВНИИТЭ, его дизайнерах и проектах читайте в нашем материале.

Художественный музей в Краснодаре

Краснодарский Художественный музей имени Федора Коваленко расположен на Пушкинской площади в самом начале Красной улицы. Это один из старейших музеев в Кавказском регионе, но долгое время он представлял собой картинную галерею Ф.Коваленко, который выставлял ее в разных домах Екатеринодара.

Художественный музей имени Коваленко в Краснодаре

Картина Морской бой (Айвазовский, 1855) в Художественном музее Краснодара

В советские годы художественный музей стал государственным, но его директорам удалось существенно расширить коллекцию за счет новых очень ценных картин и экспонатов. В наши дни в музее можно посмотреть очень интересные коллекции Русской живописи 17-19 веков, древнерусской иконописи, акварели, японской ксилографии и зарубежной живописи.

Михаил Врубель. Сирень. 1900.

Михаил Врубель. Сирень. 1900. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Поступила из музея И. Остроухова в 1929 г.

На картине Врубеля мы видим поразительно красивую сирень. Она написана мастихином*, поэтому грозди соцветий похожи на объёмные кристаллы необыкновенного цвета: от светло-голубого до фиолетового. Вообще этих цветов на картине так много, что можно ощутить запах сирени.

На фоне куста выступают очертания девушки — души сирени. Мы видим только большие темные глаза, густые волосы и изящные руки. Девушка в отличие от сирени написана кистью. Это подчеркивает ее ирреальность.

Картина может вернуть нас в детство. Ведь именно тогда мы были склонны видеть потустороннее. Вот идёшь по тропинке среди сиреневых кустов в поздние сумерки и вглядываешься в зелень. А воображение рисует нам неведанное: чьи-то глаза или силуэты. Врубель в отличие от обычного человека сохранил это особое видение на всю жизнь. В своём воображении он погружался в иные миры и потом демонстрировал их нам. В виде демонов, серафимов или душ деревьев.

Но однажды он не нашёл дороги назад. Вскоре после написания «Сирени» у Врубеля начало прогрессировать психическое расстройство. Он медленно угасал в плену других миров и скончался в 1910 г.

О другой картине мастера читайте в статье «Демон» Врубеля. Почему это шедевр».

В Третьяковке так много шедевров русской живописи, что мне было сложно выбрать только семь картин. Наверняка кому-то не угодила. Ведь я не включила в статью самые раскрученные шедевры вроде «Утра в сосновом лесу». А ещё не рассказала о Верещагине и Саврасове.

Руководствовалась собственным вкусом, выбирая те работы, которые мне очень импонируют. Если вы их раньше не замечали, надеюсь, что смогли сделать для себя новые открытия.

* Тонкая лопаточка, которую художники используют для нанесения грунта на холст (основа под красочный слой картины). Иногда этот инструмент используется и для нанесения красок.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Социальный запрос XXI века

Конфликта мечты и реальности меньше всего в зале дизайна XXI века. Но это легко объяснимо: оценить в перспективе можно лишь прошлое. Находясь в 2022 году, сложно сказать, что для нас — устоявшаяся повседневность, а что мы не вспомним уже через пару десятков лет. Можно обозначить лишь тренды.

Фотография: Ольга Кондратова / Skillbox Media

В витринах — утончённые часы «Гравитация» от дизайнера Майи Прохоровой, деревянные игрушки для детей от Ксении Шишковой, ткань на основе арт-принтов художницы Алисы Иоффе. Всё это вещи не массового производства, но именно такой хотели бы видеть повседневность современного человека дизайнеры.

Читайте интервью с Майей Прохоровой о работе российского промышленного дизайнера и победах в международных конкурсах.

В этом разделе экспозиции пока что можно показывать только стремления. Однако часто эти стремления следуют социальным трендам. Так, например, обувь от Андрея Жакевича, хоть и выглядит как самые обычные кожаные кеды, сделана из виноградного жмыха, а Миша и Таня Репины (Aotta studio) делают звукоизоляционные панели из отходов древесного производства — еловых иголок. Всё это ответ на экологический запрос. Медицинские же маски, выполненные молодыми дизайнерами, отвечают стремлению к уникальности в мире, где всех уравняла пандемия.

Фотография: Ольга Кондратова / Skillbox Media

В течение столетия у общества менялись вкусы, новейшие формы устаревали и уступали место другим новым веяниям. То, что вчера казалось символом прогресса, сегодня отошло на второй план. Неизменно главное — дизайнеры искали и продолжают искать новые ходы и решения. Жизнь же неизбежно диктует собственные условия. И выставка показывает, как дизайн-мосты соединяют берега реальности с берегами далёкой мечты.

Выставка продлится до 27 ноября этого года, а следующая смена экспозиции запланирована на лето.

Адрес Новой Третьяковки: Москва, Крымский Вал, д. 10. Выставка проходит в Западном крыле.

Третьяковская галерея — картины

Музей имеет множество залов. И в каждом можно найти шедевр искусства. Павел Михайлович высоко ценил творчество В.Г.Перова. В 1860-е годы были приобретены несколько его картин, в том числе «Сельский крестный ход на Пасхе» и «Тройка», а также портреты.

В коллекции появляются картины, отражающие русскую историю. Как любитель пейзажей он заказывает картины, в которых хотел видеть правду и поэзию жизни. Приобретаются и портреты, созданные К.П. Брюлловым, В.А. Тропининым, В.Г. Перовым. Создается портретная галерея композиторов, писателей, художников России — А.Н. Островского и Ф.М. Достоевского, И.С. Тургенева и Н.А. Некрасова, В.И. Даля и других известных деятелей искусства.

Третьяков поддерживал образованное в то время Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ). Многие картины были приобретены на этих выставках. В 1870-е годы Павел Третьяков приобрел такие известные картины как «Христос в пустыне» И.Н. Крамского и «Сосновый бор» И.И. Шишкина, «Грачи прилетели» А.К. Саврасова и «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича» Н.Н. Ге. Одной из самых дорогостоящих приобретений Третьякова были работы В.В.Верещагина — коллекция туркестанских картин и этюдов. Позже коллекция пополняется картинами В.И. Сурикова и И.Е Репина, В.М. Васнецова и И.И. Шишкина, И.Н. Крамского и других известных мастеров. В Третьяковской галерее мы увидим работы Репина и Иванова, Куинджи и Брюллова, Крамского и многих других. Порадуются и ценители творчества Врубеля. Одним из самых обсуждаемых экспонатов является «Черный квадрат» Малевича.

История Третьяковской галереи

Датой основания Третьяковки считается 1856 год. Именно тогда Павел Михайлович Третьяков, купец по роду деятельности, приобрел две первые картины русских художников «Искушение» Н.Г. Шильдера и «Стычка с финляндскими контрабандистами» В.Г. Худякова. В конце 50-х годов он пополняет свою коллекцию работами И.И. Соколова и В.И. Якоби, А.К. Саврасова и М.П.Клодта. В это время у Павла Третьякова появилась мечта создать музей, в котором будут представлены работы русских живописцев. Свою коллекцию он начал собирать с нуля. Коллекционер приобретал все лучшее, что было на художественном рынке из работ русских художников. По складу характера Павел Третьяков был не просто коллекционером. Он обладал широкими познаниями в области литературы и живописи, театра и музыки. Как писал про него художник и критик А.Н. Бенуа «…Третьяков по натуре и знаниям был ученый». Он безошибочно выбирал все лучшее, что создавала русская живопись. Как сказал про него художник Крамской: «Это человек с каким-то, должно быть, дьявольским чутьем». Он был на открытии всех выставок в Москве, в Петербурге. Картины еще не развесили в выставочных залах, а он успевал осмотреть их в мастерских и прицениться. Он был впереди всех. Бывали случаи, что даже царь, подойдя к понравившейся картине, читал, что «куплено господином Третьяковым». Он говорил: «Мы работаем для русского народа».

В своем первом завещании в 1860 году, Третьяков оставил 150 тысяч рублей серебром на создание в Москве «художественного музеума или общественной картинной галереи…». Он создавал первый в России музей, отражающий развитие русского искусства и хотел, чтобы музей стал общедоступным. Будучи богатым, он старался не переплачивать посредникам. И считал: «Чем больше средств сэкономишь, тем больше картин произведений искусств можно собрать». Павел Михайлович Третьяков избегал роскоши и излишеств. Он помогал нуждающимся художникам, вдовам и сиротам. Достраивал и расширял музей.

В 1867 году открылась галерея, в которой была представлена коллекция Павла и его брата Сергея. Посетители увидели 1276 картин, 471 рисунок и 10 скульптур русских художников, а также 84 картины иностранных мастеров. Картины Павел Михайлович размещал в своем доме в Лаврушинском переулке. С 1872 по 1874 гг. были построены два музейных зала, которые сообщались с жилыми помещениями. В 1882 году, когда необходимо было разместить Туркестанскую коллекцию, были пристроены 6 новых залов. Дополнительные залы появились также в 1885 и 1892 гг. 1892 год стал для музея знаменательным, в этом году Павел Михайлович Третьяков передал ее в дар городу Москве. Тогда в коллекции было 1287 картин, 518 рисунков и 9 скульптур русских художников XVIII–XIX веков, а также работы западноевропейских мастеров. А через год состоялось официальное открытие Московской городской галереи Павла и Сергея Михайловичей Третьяковых. После смерти Павла Третьякова в 1898 году его дело продолжили другие меценаты.

В 1902–1904 гг. под руководством архитектора А.М. Калмыкова был построен знаменитый Васнецовский фасад, который стал эмблемой Третьяковки. Фасады здания были разработаны архитектором В.Н. Башировым по рисункам художника В.М. Васнецова. 2 апреля 1913 года попечителем музея был избран художник и архитектор Игорь Эммануилович Грабарь. Благодаря ему Третьяковка была сформирована по европейскому типу — по хронологическому принципу. В декабре 1913 года музей был открыт для посетителей. После революции в 1918 году музей стал называться Государственной Третьяковской галереей и был объявлен государственной собственностью Российской Федеративной Советской Республики. Директором музея стал И.Э.Грабарь. Большой вклад в развитие музея, в том числе в его расширение и оснащение, внес академик архитектуры А.В. Щусев. Во время войны большинство экспонатов были эвакуированы в Новосибирск. Само здание пострадало от бомбежки. К 100-летию музея в 1956 году его коллекция насчитывала более 35 000 произведений искусства. Большой вклад в расширение музея внес также Ю.К. Королев, директор музея с 1980 по 1992 гг. В 1989 году был сооружен новый инженерный корпус, где разместились конференц-зал и информационно-вычислительный центр, детская студия и выставочные залы. После реконструкции в музейный ансамбль Третьяковки был включен памятник архитектуры XVII века — храм Святителя Николая в Толмачах. Он был восстановлен, освящен и стал домовым храмом музея.

Павел Федотов. Завтрак аристократа (1850)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Картина маслом – своего рода карикатура, как и многие работы Федотова: сатирические зарисовки из современной жизни. В 1848 году художник прочитал в журнале «Современник» фельетон Ивана Гончарова «Письма столичного друга к провинциальному жениху». Автор «Обломова» прошелся по столичным франтам, которые готовы «два месяца дурно обедать», чтобы надеть в свет «привезенные только третьего дня панталоны известного цвета с лампасами». Ключевым был вопрос: «А пробовал ли ты нечаянно приезжать к таким людям домой и заставать их врасплох?»

Что из этого вышло бы, наглядно продемонстрировал Федотов. Сам он, кстати, называл картину «Не ко времени гость». Этот самый утренний гость и вызвал панику хозяина, который в спешке прикрывает кусок черного хлеба – свой скудный завтрак. Очень это неприлично для светской особы – есть черный хлеб. Аристократам полагался только дорогой, белый, но у молодого человека, судя по вывернутому наизнанку кошельку, совершенно нет денег. При этом он явно любит пускать пыль в глаза: одет в модном восточном стиле, окружил себя предметами роскоши вроде затертого уже персидского ковра, и даже пудель у него подстрижен по моде – «под льва».

Музей изобразительных искусств в Казани

Музей Изобразительных искусств в Казани представляет собой картинную галерею, где выставляются, произведения известных мастеров живописи 19 века, коллекция древнерусского искусства, а также очень интересные картины советских и татарских художников.

Музей Изобразительный Искусств в Казани располагается в особняке 19 века

Картина Ивана Шишкина «Мельница в поле» в Казанском Музее Изобразительных Искусств

Из мастеров 18 века в картинной галерее представлены работы известных портретистов В.Боровиковского, Ф.Рокотова, Д.Левицкого, В.Тропинина. Они писали портреты царей и известных дворян. Особый интерес представляют картины известных мастеров 19 века К.Брюлова, И.Айвазовского, И.Шишкина, В.Серова, несколько работ В.Перова. Несколько залов музея посвящены древнерусскому искусству, иконографике и прикладному искусству.

Как использовать музейные экспонаты

В России существует путаница с законами. Для закона произведение существует сразу в двух вариантах: как объект авторского права и как экспонат музейной коллекции.

Гражданский кодекс определяет срок защиты авторских прав в 70 лет с момента смерти автора.

Закон о Музейном фонде говорит, что выпускать какую-либо печатную, сувенирную и тому подобную продукцию с изображением музейных предметов можно только с разрешения дирекции музеев.

Получается противоречие. В музеях хранятся картины художников, умерших двести, триста, а то и тысячу лет назад — намного больше, чем 70. Получается, что раз они выставлены в музее, то по закону о Музейном фонде охраняются бессрочно. А по ч. 4 ГК РФ вроде бы уже должны были стать общественным достоянием.

Суды в России до сих пор не имеют однозначной позиции по этому вопросу. Вот, например, результаты крупного судебного дела между Эрмитажем и бизнесменом, который без разрешения музея использовал картину Томаса Гейнсборо «Дама в голубом». Художник умер в 1788 году. Предприниматель использовал изображение с картины даже не для продажи, а для дизайна сайта. После трех лет судебных споров Эрмитаж выиграл дело и запретил бизнесмену использовать изображение.

Закон в основном защищает право на использование произведений в коммерческих целях. Кроме того, если музейный экспонат — это основной объект использования, его нельзя использовать без согласия и в некоммерческих целях.

Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу (1889)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Как только не называют эту картину – и «Утро в сосновом бору», и «Мишки в сосновом лесу», и просто «Мишки» Шишкина. Последние два варианта, пожалуй, оттого, что репродукцию печатали на фантиках советских конфет «Мишка косолапый». Правда, считается, что как раз медведей вписал в пейзаж не Шишкин, а его друг Константин Савицкий. А коллекционер Павел Третьяков будто бы распорядился стереть с купленного полотна подпись Савицкого.

Так или иначе, пейзаж великолепен. Рассказывают, что Шишкин три месяца жил в шалаше в брянских лесах, работая над своими картинами, а добавить к готовому пейзажу живых персонажей предложила жена художника. Причем кроме медведей кандидатами были кабаны и лоси.

Схема залов и экспозиции

1 этаж:

• Залы 35, 36, 37: Скульптура и живопись 2-ой половины 19 века (И. Левитан — 37-й, В. Поленов — 35-й зал);
• Залы 38-48: Скульптура и живопись конца 19 -начала 20 века (38-й зал — И. Грабарь, А. Рябушкин, Ф. Малявин; 39-й — М. Нестеров; 40-й — П. Трубецкой, А. Голубкина; 41-42 — В. Серов; 43 — К. Коровин; 44 — З. Серебрякова; 45 — В. Борисов-Мусатов);
• Залы 49-54: Графическая живопись с 18 до начала 20 века (Экспозиция сменная. 2 раза в год выставляются произведения из фонда галереи);
• Зал 55: Сокровищница (Предметы искусства из драгоценных металлов и минералов — ювелирные изделия, шитьё, книги, иконы и проч.);
• Залы 56-62: Древнерусское искусство (56 зал — Домонгольский период, 57 — Ростово-суздальская школа, 58 — Искусство древнего Новгорода и Пскова, 59 — Феофан Грек, 60 — Иконопись Средних веков, 62 зал — Симон Ушаков).

2-й этаж:

• Залы 1-7: Скульптура и живопись 18 века (1 зал — И. Никитин; 2-й — И. Мартос, Ф. Шубин, А. Лосенко; 3-й — А. Антропов, 4-й — Ф. Рокотов, 5-й — Д. Левицкий, 6-й — Ф. Алексеев, 7-й — В. Боровиковский);
• Залы 8-15: Скульптура и живопись 2-й половины 19 века (8-й — Кипренский, Щедрин; 9-й — К. Брюллов; 10,12 — А. Иванов; 13-й В. Тропинин, 14-й — А. Венецианов; 15-й — П. Федотов);
• Залы 16-31: Скульптура и живопись 2-ой половины 19 века (16-й — К. Флавицкий, В. Пукирев; 17-й — В. Перов; 18-й — Ф. Васильев, А. Саврасов; 19-й — И. Айвазовский; 20-й — А. Крамской; 21 — А. Куинджи; 25 — И. Шишкин; 27-й — В. Верещагин; 28-й — В. Суриков; 29-30 — И. Репин; 31 — Н. Ге);
• Залы 32-34: М. Врубель.

«Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин, 1912 год

«Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин, 1912 г.

Кто такой Петров-Водкин?

Кузьма родился в 1878 году в семье горничной и сапожника. Первую картину мальчик нарисовал на консервной банке: сверкающие молнии, лодка и тонущие люди. Художник подписал работу: «Погибший за других. Вечная тебе память!».

Сначала Петров-Водкин хотел создавать иконы и в детстве изучал технику церковных мастеров. Но художнику не было суждено стать иконописцем: батюшки отказывались освящать его работы, потому что те были «слишком живописны». Один монах даже сказал, что изображённая Дева Мария похожа на плясунью. Тогда Петров-Водкин оставил иконопись и принял решение быть художником.

Как появилось «Купание красного коня»?

До Революции и Первой мировой войны «Купание красного коня» считали бытовым сюжетом. Когда в России начались кровопролития, народ и Петров-Водкин осознали: «Красный конь» – это пророчество, а тот, кто его написал – провидец. Как появился конь, как его понимать?

Летом 1912 года Петров-Водкин заметил лошадь с красивой мордой. Несмотря на то, что животное было старым и измученным, оно вдохновило художника на создание картины. Изначально было придумано несколько вариантов композиции — Кузьма упорно стремился детально проработать сюжет и наделить полотно смыслом.

Критики спорили, кого Петров-Водкин изобразил на коне. Из писем художника можно предположить, что это его двоюродный брат. Другие утверждают, что герой не похож на брата Кузьмы, и на картине мы видим собирательный образ.

На первой выставке в 1912 году публика хвалила картину — это был триумф! Полотно разместили над дверью словно знамя — критики утверждали, что оно сплотило всех. Новое начинание, очищение и победы — вот что увидели зрители в картине.

В каком стиле выполнена картина?

«Купание красного коня» — яркий пример символизма в живописи. Художники, работающие в этом направлении, брали за основу объекты реального мира, наделяя их тайным смыслом. В образе, цвете и форме изображенного скрыты библейские сюжеты, легенды, мифы, древние писания.

Интересные факты

• Всадника сравнивают с Георгием Победоносцем, знаменующим триумф добра над злом. Наездник не похож на жителя деревни: у него тонкие черты то ли святого, то ли представителя богемы.
• Красный конь — символ необузданности и величия жизни. Петров-Водкин объединил традиционный цвет иконописи и любимый образ фольклора.
• Розовый берег ассоциируют с райским садом.
• Водоем – это не географический объект. Петров-Водкин написал эфемерное пространство, где встречаются земная жизнь и высшие миры. Художник смешал символичные цвета: зеленый — цвет жизни, синий — образ небесного царства.

Филиалы

Адреса, контакты и режим работы музеев, являющихся филиалами Третьяковской галереи

Новая Третьяковка

Адрес: Крымский вал, д. 10

Единый справочный телефон: +7 (495) 957-07-27

Режим работы:

День недели	Часы работы
Понедельник	закрыто
Вторник	10:00 – 17:00
Среда	10:00 – 17:00
Четверг	10:00 – 20:00
Пятница	10:00 – 20:00
Суббота	10:00 – 20:00
Воскресенье	10:00 – 17:00

На карте:

Инженерный корпус

Адрес: Лаврушинский переулок, д. 12

Единый справочный телефон: +7 (495) 957-07-27

Режим работы:

День недели	Часы работы
Понедельник	закрыто
Вторник	10:00 – 18:00
Среда	10:00 – 18:00
Четверг	10:00 – 21:00
Пятница	10:00 – 21:00
Суббота	10:00 – 21:00
Воскресенье	10:00 – 18:00

На карте:

Музей-мастерская А. Голубкиной

Адрес: Большой Лёвшинский пееулок, д. 12, стр. 1

Касса: +7 (495) 637-56-82

Режим работы:

День недели	Часы работы
Понедельник	закрыто
Вторник	закрыто
Среда	10:00 – 16:00
Четверг	10:00 – 16:00
Пятница	10:00 – 16:00
Суббота	10:00 – 16:00
Воскресенье	10:00 – 16:00

На карте:

Музей-квартира А.М. Васнецова

Адрес: Фурманный переулок, д. 6 (кв. 21-22)

Телефоны:

Режим работы:

День недели	Часы работы
Понедельник	закрыто
Вторник	закрыто
Среда	10:00 – 17:00
Четверг	10:00 – 17:00
Пятница	10:00 – 17:00
Суббота	10:00 – 17:00
Воскресенье	10:00 – 17:00

На карте:

Дом-музей А.М. Васнецова

Адрес: переулок Васнецова, д. 13, стр. 1

Телефон: +7 (495) 681-13-29

Режим работы:

День недели	Часы работы
Понедельник	закрыто
Вторник	закрыто
Среда	10:00 – 17:00
Четверг	10:00 – 17:00
Пятница	10:00 – 17:00
Суббота	10:00 – 17:00
Воскресенье	10:00 – 17:00

На карте:

Залы 1−7. Живопись и скульптура XVIII века

Экспозиция начинается с работ художников и скульпторов XVIII столетия. Здесь вы можете увидеть произведения Ивана Никитина, Дмитрия Левицкого, Владимира Боровиковского, Федота Шубина, Ивана Мартоса и других знаменитых мастеров. В основном это портретная живопись, но в коллекцию входят также пейзажи и сюжетные полотна по мотивам греческих мифов. В этих залах работники музея часто не разрешают подходить близко к картинам и фотографировать их — даже без вспышки и на камеру смартфона.

Неизвестный художник. Портрет Анастасии Яковлевны Нарышкиной с детьми Александрой и Татьяной. Между 1709 и 1715. Государственная Третьяковская галерея, Москва

На портрете неизвестного автора изображена жена московского губернатора Кирилла Нарышкина — Анастасия Нарышкина, урожденная княжна Мышецкая. Картина была создана в самом начале XVIII столетия — между 1709 и 1715 годом. В то время портретная живопись еще во многом опиралась на русские иконописные каноны, именно поэтому художник изобразил фигуры подчеркнуто статичными и двухмерными. Дети же выглядят уменьшенными копиями взрослых: в ту эпоху художники не подчеркивали на портретах особенности детской мимики и анатомии, даже их наряды в точности повторяли обычную взрослую одежду.

Интересен головной убор Анастасии Нарышкиной на этой картине: она одета в высокий чепец-фонтанж по французской моде. Согласно указу Петра I о ношении европейского платья, жены губернаторов, комендантов и других высокопоставленных лиц обязаны были безукоризненно следовать модным веяниям. Анастасия Нарышкина стала одной из первых дам, которые появились на публике в фонтанже.

Антон Лосенко. Прощание Гектора с Андромахой. 1773. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Художник Антон Лосенко написал картину «Прощание Гектора с Андромахой» в 1773 году по заказу Екатерины II. Сюжет он взял из поэмы Гомера «Илиада»: троянский военачальник Гектор отправляется на битву с греками, прощается со своей женой Андромахой и маленьким сыном Астианактом. Лосенко запечатлел героя в момент обращения к богам:

Зевс и бессмертные боги! о, сотворите, да будет
Сей мой возлюбленный сын, как и я, знаменит среди граждан;
Так же и силою крепок, и в Трое да царствует мощно.
Пусть о нем некогда скажут, из боя идущего видя:
Он и отца превосходит! И пусть он с кровавой корыстью
Входит, врагов сокрушитель, и радует матери сердце!

Лосенко не успел завершить картину. Например, был не вполне закончен образ Андромахи: художник прописал ее лицо, но лишь наметил складки одежды, не проработав их детально. Несмотря на это, полотно «Прощание Гектора с Андромахой» более 50 лет считалось эталоном русской исторической живописи в духе классицизма.

Владимир Боровиковский. Портрет Марии Лопухиной. 1797. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Портрет Марии Лопухиной — одна из самых известных работ Владимира Боровиковского. Художник создал полотно по заказу егермейстера Лопухина: тот хотел запечатлеть свою юную супругу, дочь генерала Ивана Толстого.

Боровиковский написал портрет в духе сентиментализма, который был популярен в конце XVIII столетия. Мария Лопухина изображена на фоне традиционного русского пейзажа: за ее спиной виднеются березы, колосья ржи и цветущие васильки. Эти детали перекликаются с нарядом самой героини: белое платье сочетается с березовыми стволами, голубой пояс к нему — с васильками, а золотой браслет на запястье — с золотистой рожью на заднем плане. На картине Мария Лопухина одета по последней моде того времени: платье в стиле ампир подпоясано широким цветным поясом, а глубокий вырез, который был уместен только на балах, прикрыт специальным съемным воротником. В похожих нарядах Боровиковский писал и других своих героинь.

В 1803 году Мария Лопухина умерла от чахотки. Почти век спустя поэт Яков Полонский посвятил ее портрету такие строки:

Она давно прошла, и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье — тень любви, и мысли — тень печали,
Но красоту ее Боровиковский спас.

Русский музей в Санкт-Петербурге

Самый крупный музей русского искусства открыт в Санкт-Петербурге в 1896г и называется «Русский музей Императора Александра III». Основная экспозиция Русского музея располагается в здании Михайловского дворца, который построен великим русским архитектором Карлом Росси в 1819-1825 гг.

Михайловский дворец – главное здание Русского музея

Картина «Бурлаки на Волге», Репин И., Русский Музей

Несмотря на большую известность в мире Третьяковской галереи, как хранилища русской живописи, Русский музей по ценности собрания сравним, а возможно даже превосходит ее. Здесь хранится значительная часть самых известных картин Репина, Перова, Айвазовского, Брюллова, Васнецова, Серова, Сурикова, Левитана. 

Великолепие золотой мечты

Экспозиция отчётливо показывает пропасть между повседневным бытом рядового советского человека и его мечтой о светлом будущем. Это можно проследить на примере эскизов светильников для холлов здания МИДа (автор Абрам Дамской), рядом с которыми стоят обычные керосинки, которыми пользовался советский обыватель первой половины XX века.

Фотография: Ольга Кондратова / Skillbox Media

Мраморные интерьеры общественных пространств с хрусталём и позолотой в Советском Союзе олицетворяли светлое будущее, уже как будто наступившее в настоящем. Любой гражданин мог спуститься в метрополитен и почувствовать себя в королевском дворце. А затем он возвращался в коммуналку с убеждением, что неудобства — лишь временные трудности. Ведь он только что видел осязаемую мечту на расстоянии вытянутой руки. Оригинальные позолоченные керамические венки со станции метро «Октябрьская» авторства Алексея Филиппова на выставке показывают, насколько дотошно архитекторы следовали этой идее даже в мелочах.

Василий Перов. Охотники на привале (1871)

Фото: www.tretyakovgallery.ru

Самая популярная из целой охотничьей серии работ Перова. Он и сам был заядлым охотником, а в персонажах картины современники без труда узнали его знакомых. Одни восхищались и сравнивали «привал» с охотничьими рассказами Тургенева, другие ругали за неестественность и наигранную театральность. Художник применил интересный прием: «подсветил» руки и лица, придав тем самым жестам и мимике особую выразительность. А уж как выписана дичь! Можно сказать, отдельный натюрморт.

В советские времена «Охотники на привале» пользовались какой-то немыслимой популярностью: на каких только стенах не висели ее репродукции. Если человек увлекался охотой, хорошим тоном считалось непременно вручить ему экземпляр в рамочке.