Сочинение по картине Завтрак — Диего Веласкес
Испанский художник Диего Веласкес родился и вырос в Севилье. Его первые произведения — к ним принадлежит и эрмитажный «Завтрак» — написаны в этом городе.
Испанское искусство долго было сковано рамками религиозных сюжетов. На рубеже XVI и XVII столетий появляются картины, герои которых-не персонажи священных писаний, а обычные люди.
Большое распространение получают так называемые Бодегонес — изображения сцен в темном интерьере, освещенном только узко направленным пучком света, с одинокой или немногочисленными фигурами и обязательным натюрмортом.
В творчестве Веласкеса севильского периода этот жанр занял ведущее место.
«Завтрак» — одно из наиболее ранних произведений молодого мастера. В нем чувствуется увлечение натурой, стремление передать сцену как можно реальнее. Веласкесу позировали хорошо знакомые люди, их изображения встречаются во многих работах художника.
Так, старик слева повторяется в сходном варианте Будапештского музея. Мальчика, находящегося в центре нашей картины, можно видеть в «Музыкантах» , в «Приготовлении яичницы» и «Севильском продавце воды» .
Что касается фигуры справа, то существует предположение, что это автопортрет Веласкеса. Несмотря на желание художника сделать сцену непринужденной, персонажи выглядят позирующими. Здесь еще нет той свободы, артистичности исполнения, которые свойственны произведениям Веласкеса зрелого периода.
С большой тщательностью выполнен натюрморт. Художник старается воспроизвести фактуру вещей. Он любуется игрой вина в стакане, красной мякотью и коричневой кожурой граната.
В этой детали видно наивное восхищение молодого художника беспредельными возможностями живописи.
«Завтрак» — одна из тех работ, которые не только помогают понять истоки независимого и по-особенному свежего творчества живописца, но одновременно представляют интерес и для общего понимания истории испанского искусства в один из переломных и самых значительных ее этапов, в период становления реализма XVII века.
Картина Веласкеса принадлежит к наиболее ранним приобретениям Эрмитажа; поступила до 1772 года.
(1
Влияние
Триумф Вакха получил ряд довольно большой и тщательно продуманных идеализированные процедуры в искусстве эпохи Возрождения, из которых Тициан «S Вакх и Ариадна , а затем в испанской королевской коллекции , был творческий вариант. Обычно Вакх находился в колеснице, запряженной леопардами, со свитой из сатиров и гуляк, включая его опекуна Силена . Использование названия для картины Веласкеса почти иронично, учитывая совсем другую трактовку здесь.
Одним из источников вдохновения для Веласкеса является трактовка Караваджо религиозных предметов, сочетающая центральные фигуры в традиционных иконографических одеждах с второстепенными фигурами в современной одежде, а также натуралистические портреты Риберы фигур из древности, иногда изображаемых как нищие . Развлечения, устраиваемые Вакхом, появляются как случайный предмет в искусстве начиная с эпохи Возрождения и далее, как один из типов более широкого предмета праздника богов в искусстве : около 1550 года Таддео Цуккари нарисовал большой праздник на свадьбе Вакха и Ариадны фреской в Villa Giulia , Рим, некоторые картины показывают Вакха с гуляк в современной современной одежде, как и в проиллюстрировал Frangipane.
Марк Уоллинджер утверждал, что Триумф Вакха был прообразом Лас Менинас, и заявил: «Веласкес представляет нам сложность фокусных точек. Взгляд , направленный на зрителя, проходит сквозь 350 срезов. лет самым обескураживающим образом. Как бы их ни описали, мы оказываемся соучастниками в смысле работы ».
Севилья
Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (исп. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez) появился на свет в городе богатом и славном, но не Мадриде, а столице Андалусии Севилье. Происходил из небогатой еврейской семьи переселенцев из Португалии. Его отца звали Хуан Родригес де Сильва, а мать – Херонима Веласкес. Официально Диего имел двойную фамилию, но в истории искусства остался под родовым именем матери. Первое, что начал писать Веласкес, – бодегоны. Бытовые сценки, которые разворачиваются в таверне или харчевне, в погребке или на кухне. Здесь весело распивают вино. Спорят. Побренькивают на гитаре. И снова сближают кружки. Здесь старая кухарка жарит яичницу, а молодая толчет в ступке специи и чеснок. Кто-то однажды заметил: в бодегонах для Веласкеса натюрморты важнее портретов. Люди у него – прекрасные, но как будто застывшие. А вот вещи, все эти глиняные кувшины, обливные чашки, латунные ступки, селёдки и луковицы – точно живые. В то время влияние Караваджо распространялось по Европе, как лесной пожар: оно было столь же стремительным и так же оставляло после себя зрелище, в котором преобладали черный и коричневый, а ярких красок не оставалось совсем. Испания оказалась в «зоне поражения». Творчество Веласкеса севильского периода находится под безусловным воздействием Караваджо – и по мрачности колорита с резкими контрастами света и тени, и по склонности выбирать для изображения сцены не просто будничные, а и подчеркнуто приземлённые. Шокирующие грубостью и простотой.
Не все готовы были принять такое искусство. Веласкеса упрекали за недостаточно возвышенный строй мыслей. Он возражал: «Предпочитаю быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном». Его убеждённость в собственной правоте подкупала.
Франсиско Пачеко, учитель Веласкеса, после 6-ти лет учебы составил своему выпускнику характеристику: «Благовоспитанный, образованный и элегантный, он обладает множеством моральных достоинств, сильным характером и оригинальным способом мышления». Этот панегирик, похоже, больше всего загипнотизировал самого почтенного Пачеко, потому что следом он сосватал за 19-летнего Веласкеса свою дочку Хуану Миранду, которой не минуло и 16-ти.
Через год в семье Диего Веласкеса родилась дочь Франсиска. Еще через два – Игнасия, которая не проживет и трёх лет. А вот Франсиска лет 20 спустя отзеркалит судьбу своей матери: её мужем станет ученик Веласкеса – художник Хуан Батиста дель Масо.
В том же 1618 году, когда Диего и Хуана Миранда обвенчались, интеллектуала и добряка Пачеко позвали в Мадрид, цензурировать живопись от имени Священной Инквизиции. А он, конечно же, постарался перевезти в столицу и своего перспективного зятя. Это оказалось непросто и удалось лишь к 1623 году, когда в дело пошли старые связи: Пачеко встретился при дворе со своим земляком и другом юности, который теперь являлся вторым человеком в государстве после короля – графом Оливаресом.
Фаворит и первый министр Филиппа IV, Гаспар де Гусман Оливарес слыл выдающимся реформатором. Он, например, почти истребил проституцию и коррупцию. Он же «сосватал» Веласкеса во дворец.
«Завтраки» Диего Веласкеса: еда как символ
Диего Веласкес, чье творчество пришлось на «золотой век» испанской живописи, был придворным художником Филиппа IV и любимым мастером жестокого, но щедрого графа Оливареса, в руках которого более 20 лет была фактически сосредоточена власть. Именно поэтому творчество художника носит светский характер, что совсем не характерно для его ярких современников, например, Мурильо и Сурбарана, создававших картины преимущественно религиозного характера.
В испанской литературе того времени был очень популярен плутовской роман, возникший в пику средневековому рыцарскому роману.
Плут и мошенник, от лица которого чаще всего ведется повествование, – это рыцарь не только без страха и упрека, но и без каких-либо моральных принципов.
Тем не менее и читатели, и зрители проникались к нему симпатией, хотя жертвами его проделок становились не только чиновники, алчные купцы и самодовольные аристократы, но и добропорядочные обыватели.
Диего Веласкес. Завтрак. ГЭ, Петербург
Этот жанр был настолько популярен, что большое число исследователей склонно интерпретировать работу Веласкеса, которому на тот момент не было и 20 лет, как иллюстрацию к одному из эпизодов такого романа. Эта картина носит название «Завтрак»: три человека сидят в харчевне за накрытым скатертью столом.
На нем нехитрая еда: два граната, хлеб, вино, тарелка с мидиями, в руках старика – корень пастернака, забытого овоща, который теперь даже на рынке не всегда можно найти в отличие от имбиря или маргеланской редьки. Отдаленно он напоминает белую морковь и, хотя очень полезен, за свой резкий запах не очень любим.
Некоторые исследователи, правда, полагают, что это мог бы быть кальмар или каракатица, но в Музее изобразительных искусств в Будапеште хранится более поздний вариант «Завтрака», близкий по своей композиции с эрмитажной работой. Вместо юноши в центре – молодая девушка с кувшином вина.
Она наполняет им бокал, за которым тянется старик, увлеченный беседой, в то время как корень пастернака в забвении лежит у края стола.
Тем не менее, герои этой картины, мальчик, держащий вино, и юноша, сидящий справа в желтом кафтане, больше похожи на искусных шарлатанов, которые решили поживиться за счет почтенного идальго.
Он, не желая запачкать за завтраком свой белоснежный воротник, повесил его вместе со шляпой на крюк, и уже готов был попробовать дары моря, когда за его стол, накрытый на одного человека, подсели молодые люди. И вот уже графин вина у смеющегося мальчугана, и вряд ли молодые люди собираются за это вино платить.
Диего Веласкес. Завтрак. МИИ, Будапешт
Но есть у этой работы, на первый взгляд довольно прозаичной, и более интересная трактовка.
Стол, накрытый на одного, три персонажа разных возрастов, еда, имеющая символическое значение: вино – Кровь Христова, хлеб – его Тело, гранаты как традиционный символ воскресения.
При желании можно действительно отнестись к работе Веласкеса как к изображению Троицы, особенно учитывая то, что на более поздней работе вместо мидий на картине художник изображает рыбу, которая стала символом Иисуса Христа еще у первых христиан.
Художник, который часто играет со зрителем, то оставляя зашифрованные послания на полотне, то строя композицию так, что ее можно читать по-разному и поражаться многоплановости работы, вполне может использовать символическое значение обыденных вещей.
Еда как неотъемлемая часть жизни становится инструментом в его руках, позволяющим не только продемонстрировать свое мастерство рисовальщика или усадить героев за накрытый стол, выстроив композицию будущего шедевра, но и почувствовать себя тем самым трикстером, плутом, и если не обвести нас вокруг пальца, то заставить поломать голову за бокалом вина.
Любовь Лебедева
Анонс новостей в нашем канале Я.Дзен
Предмет
На картине изображен момент, когда бог Аполлон , опознаваемый по лавровой короне на его голове, посещает Вулкана , который делает оружие для войны. Бог Аполлон говорит Вулкану, что его жена Венера имеет роман с Марсом , богом войны. По этой причине другие фигуры в комнате с удивлением смотрят на только что появившегося перед ними бога, некоторые из них даже открывают рты в знак удивления.
На создание этого произведения Веласкеса вдохновила гравюра Антонио Темпеста , которая значительно изменила ее и сосредоточила повествовательное действие о прибытии Аполлона в стиле классического барокко . Он подчеркивает современный интерес к обнаженным фигурам под влиянием греко-римской скульптуры и классического движения Гвидо Рени . Фриз -стиль метод композиции может также исходить от Рени. С другой стороны, четкие оттенки фигуры Аполлона напоминают Гверчино .
Это произведение было создано в Риме без комиссии по просьбе художника Питера Пауля Рубенса, который также посетил Испанию в 1629 году. Веласкес написал два больших полотна в доме испанского посла. Эти два полотна составили пару и были привезены в Испанию с его багажом: Туника Иосифа и Аполлон в Кузнице Вулкана .
Анализ
Сюжет взят из римской мифологии , в частности из « Метаморфоз » Овидия . Веласкес интерпретировал сцену в строго человеческом варианте с современными фигурами. Аполлон носит тогу, из которой видно его торс. Вулкан на этой фотографии — всего лишь кузнец, как и его помощники, люди из деревни, знающие свое дело. Вулкан смотрит на него с удивлением после того, как услышал известие о прелюбодеянии его жены с богом Марсом, для которого он выковывает доспехи в этот самый момент. Пещера, в которой бог-кузнец выковывает оружие для других божеств на этой картине, изображена как кузница, похожая на те, что Веласкес мог видеть в Испании или в Риме. Обладая характерным мастерством, Веласкес также нарисовал множество предметов, которые обычно можно найти в кузнице .
Интерес Веласкеса к обнаженной натуре неудивителен, и свидетельства этого появляются уже после его прибытия в Мадрид в 1623 году, хотя их появление в его работах усилилось после его первого визита в Италию в 1629–1631 годах.
Во время своего итальянского путешествия на него также повлияла венецианская живопись, что можно увидеть в его использовании цвета, например, в яркой оранжевой тоге Аполлона. Путешествуя по Риму, Микеланджело оказал на него влияние, создав чрезвычайно большие и сильные фигуры. Мускулатура Вулкана и других фигур, окружающих его, немаловажна; это спортивные фигуры, которые демонстрируют свою силу без скромности, даже стоя в позициях, которые демонстрируют свои мускулы с большим эффектом.
С другой стороны, Веласкес всегда был одержим достижением глубины в своих работах. В этом случае он начал использовать так называемое «сэндвич с пространством», то есть ставить одни фигуры перед другими, чтобы в умах зрителей возникло ощущение глубины. Таким образом, он изображает глубину, а не просто использует вид из окна в задней части комнаты. Как и во многих его работах, фотографическое качество объектов (в основном металлических: доспехи, наковальня, молотки и само раскаленное железо), которые появляются на картине, демонстрируют реалистичность, доведенную до крайности. Сзади, в правом верхнем углу, на полке можно увидеть различные предметы , которые сами по себе образуют натюрморт , что характерно для ранних работ Веласкеса.
Как испанский художник, его персонажи — обычные люди, а не идеализированные, как в итальянских произведениях. Вулкан можно даже назвать довольно уродливым, и лицо Аполлона, несмотря на то, что оно окружено аурой, которая отличает его от остальных, также не идеализировано.
Малярные материалы
Часть пигментов, использованных Веласкесом в этой картине, изменила свой цвет, поэтому холст потерял свой первоначальный цветовой баланс. Венок Аполлона изначально был окрашен в зеленый цвет путем смешивания (синего) азурита , желтого озера и желтой охры . Озерный пигмент не очень стабилен, поэтому нынешний цвет венка почти синий. Цвет набедренной повязки изменился на ровный темно-коричневый, в то время как телесный цвет, содержащий в основном желтую охру, киноварь и азурит, остался неизменным.
Источник
Картина Веласкеса Триумф Вакха
ВЕЛАСКЕС
Веласкес. Триумф Вакха – «Пьяницы».
Картина написана, или, во всяком случае, закончена Веласкесом в 1629
году. В этой картине обнаруживается яркая творческая самостоятельность
художника. Его замысел смел и необычен. Картина, написанная на
мифологический сюжет совсем не похожа ни на произведения Рубенса с их
бурной, чувственной стихией, ни на овеянные светлой поэзией вакханалии
Николя Пуссена.
Веласкес изображает на фоне горного ландшафта пирушку испанских бродяг в
компании античного бога Вакха. Бог вина и веселья здесь изображен как друг
и помощник бедняков. Вакх венчает венком вставшего на колени солдата,
который, вероятно, заслужил такую награду за такое пристрастие к выпивке.
Полуобнаженный, как и его спутник сатир, бог сидит на бочке с вином
скрестив ноги. Один из участников пирушкиподносит к губам волынку, чтобы
ознаменовать музыкой этот шутливо-торжественный момент. Но даже хмель не
может прогнать из их сознания мысль о тяжелых трудах и заботах. Но особенно
обаятельно открытое и прямодушное лицо крестьянина в черной шляпе с чашей в
руках. Его улыбка передана необычно живо и естественно. Она горит в глазах,
озаряет все лицо, делает неподвижным его черты.
Обнаженные фигуры Вакха и сатира, написаны как и все прочие, с натуры, с
крепких деревенских парней. Веласкес запечатлел здесь представителей
социальных низов, передав правдиво и ярко и хвыразительный облик,
огрубевшие под знойным солнцем лица, полные простодушного веселья, но в то
же время отмеченные печатью сурового жизненного опыта. Но это же не просто
пьяная пирушка: в картине есть ощущение вакхической стихии. Художника
интересует не собственно мифологическая сторона домысла, а возникающая
благодаря введению мифологических пресонажей атмосфера общей приподнятости
образов, как бы приобщение к силам природы.
Художник находит такие формы характеристики, которые не разделяют
«возвышенное» и «низменное». В его изображении Вакх – плотный юноша, с
мирным простодушным лицом – приобрел чисто человеческие качества. В то же
время, окружающие его бродяги, в облике которых он не скрывает черт
низменности, лишены вульгарности. В их образах, исполненных удали,
душевного размаха, грубоватого веселья, есть что-то крупное и значительное. Колорит отличается теплыми тонами, стремление передать единство
красочного многообразия мира. Переход (слева направо) от античности к
реальности. Условный пейзажный фон, не связанный с фигурами первого плана.
Аполлон в кузнице Вулкана — Apollo in the Forge of Vulcan
Аполлон в кузнице Вулкана ( исп . Apolo en la Fragua de Vulcano ), иногда называемой кузницей Вулкана , представляет собой картину, написанную маслом Диего де Веласкеса после его первого визита в Италию в 1629 году. Критики соглашаются, что работа должна быть датирована до 1630 года, в том же году, когда его товарищ писал «Тунику Иосифа» . Похоже, что ни одна из двух картин не была заказана королем, хотя обе стали частью королевских коллекций в течение короткого времени. Картина стала частью коллекции Музея Прадо в Мадриде в 1819 году.
Аполлон в кузнице Вулкана был назван одной из самых важных работ со времен первой поездки Веласкеса в Италию и «одной из его самых успешных композиций с точки зрения единого, естественного взаимодействия фигур».
«Завтрак» Веласкеса : Мир искусства
June 17, 2012
Реалистическая направленность искусства Веласкеса (1599–1660) ярко проявилась и в его жанровых работах. Подобные картины приверженцы религиозной живописи презрительно именовали «бодегонес» («кабачок»). Эрмитажный «Завтрак», написанный молодым Веласкесом,– один из нескольких вариантов его картин на эту тему.
Проста, но выразительна композиция: фигуры расположены в пространстве, по сторонам от стола, накрытого белой скатертью. Лица людей, изображенных за трапезой (представителей трех возрастов – разных этапов человеческой жизни), портретны и встречаются в ряде произведений Веласкеса.
Возможно, молодой человек, иронически смотрящий на нас,– это сам Веласкес, которому было в то время около восемнадцати лет
Обращает на себя внимание натюрморт с отдельно расположенными предметами
Висящие сверху на стене шляпа и воротничок (их снимали во время еды), а также оружие, какое носили в Испании простые свободные люди – идальго, дополняют жизненную достоверность запечатленной Веласкесом сценки.
В картине сказалось известное влияние Караваджо (несколько тяжелая и плотная живопись, подчеркнутая объемность вещей, темный фон, резкие контрасты света и тени). Творчество последнего великого испанского живописца XVII века Бартоломе Эстебана Мурильо (1617–1682) представлено в Эрмитаже тринадцатью произведениями.
В искусстве этого мастера отразилось характерное для многих художников середины и особенно конца XVII века стремление к идеализации и декоративности. Однако лучшие работы Мурильо пленяют лиричностью и мягкой задушевностью, меткая наблюдательность сочетается в них с поэтической одухотворенностью. Это можно почувствовать, в частности, в ряде детских образов, созданных художником.
Музей Шерлока Холмса
Кроме того, потомки писателя были категорически против музея, посвященного его вымышленному персонажу, отказались
Старая Пинакотека
Отличительная особенность этого музея состоит в том, что среди его экспонатов нет ни произведений скульптуры, ни графики,
Музей Орсе
Работы – «Завтрак на траве» (1863) и «Олимпия» (1863), – когда-то вызвавшие бурю негодования публики
Багровые языки пламени, непроглядный мрак подземного царства, фантастические фигуры уродливых дьяволов – все
«Венера» Веласкеса
Настоящая известность «Венеры с зеркалом» началась с выставки испанской живописи, устроенной Королевской Академией
Описание
Никколо Франжипан (ум. 1597, приписывается) Вакханалия . Здесь Вакх тоже принес единственного спутника из мира мифологии.
В произведении Бахус изображен как человек в центре небольшого праздника, но его кожа бледнее, чем у его товарищей, что делает его более узнаваемым. Необычно то, что остальная часть группы, за исключением обнаженной до пояса фигуры за спиной бога, одета в современные костюмы бедняков Испании 17-го века. Работа представляет Вакха как бога, который награждает или дарит людям вино, временно освобождая их от их проблем. В литературе барокко Вакх считался аллегорией освобождения человека от рабства повседневной жизни.
Триумф Вакха , римская мозаика из Африки Проконсоларис , датированная III веком нашей эры, сейчас находится в Археологическом музее Суса , Тунис.
Сцену можно разделить на две половины. Слева изображена очень светлая фигура Вакха, его доминирующая, но расслабленная поза несколько напоминает поза Христа во многих сценах Страшного суда , которого часто изображают сидящим и обнаженным до пояса. Вакх и стоящий за ним персонаж представлены в традиционных свободных одеждах, используемых для изображения классического мифа. Идеализация лица бога подчеркивается ясным светом, который освещает его в более классическом стиле. На правой стороне, однако, представлены пьяницы, люди с улицы, которые приглашают нас присоединиться к их вечеринке, с очень испанской атмосферой, похожей на стиль Хосе де Риберы . В их больших измученных лицах нет идеализации, хотя фигура, стоящая на коленях перед богом, моложе и лучше одета, чем другие, с мечом и высокими сапогами. С этой стороны нет света, который освещает Вакха; фигуры показаны светотенью и имеют гораздо более темную кожу.
В этой работе Веласкес применил реалистическую трактовку мифологического сюжета, тенденцию, которую он продолжил развивать в последующие годы.
В этой работе присутствуют различные элементы натурализма , такие как бутылка и кувшин, которые появляются на земле у ног бога; Веласкес использовал контраст яркого тела бога, чтобы придать рельефность и текстуру бутылке и кувшину, создав нечто похожее на натюрморт . Эти кувшины очень похожи на те, что изображены на картинах, созданных Веласкесом во время его пребывания в Севилье, а сочетание натюрмортных элементов натуралистических жанровых фигур связано с сюжетами винных погребов, которые он там рисовал.
Слуги и художник
Справа и слева от инфанты находятся её фрейлины. Одна из них протягивает девочке сосуд с напитком. Неподалёку находятся охранник и компаньонка. Особый интерес вызывают два карлика, присутствующие на картине. В те времена они служили в качестве шутов и здесь также, несомненно, должны были развлекать инфанту.
Кстати, присутствие карликов на картине было достаточно редким явлением (тем более, на полотне придворного художника). «Менины» – картина, которая содержит и автопортрет Веласкеса. Да-да, тот самый человек, стоящий у холста с кистью и красками – это художник, написавший полотно, что перед нами.
Достаточно редкое явление – присутствие на картине придворного живописца карликов
И здесь заметна маленькая “слабость” живописца. Он решил изобразить не себя “настоящего”, а несколько идеализированный образ. Но, согласитесь, кому из нас не хочется выглядеть на портретах ярче и интереснее, чем в реальности?
На груди художника можно заметить красный крест – это орден Святого Сантьяго. Что примечательно, в рыцари данного ордена живописец был произведен уже после смерти короля, хотя Филиппа IV мы видим рядом с ним на полотне.
Автопортрет Веласкеса, вписанный в картину Менины
