Андеграунд - что это такое: стиль, музыка

Музыка

Именно поэтому любое произведение русский менталитет воспринимает не иначе, как текст. Музыка андеграунд для нас – текст, изобразительное искусство – текст. Если на Западе всегда было в ходу такое понятие, как саунд, то для России звук, а точнее качество звука оказывалось не столь важным, в музыке мы хотели найти прежде всего текст, смысл, откровение, правду. Здесь борьба Востока и Запада всегда понималась как борьба между принципом содержания и принципом формы. Отсюда и постоянные дискуссии о «немузыкальности» русского языка и музыкальной вторичности русского рока.

Но дело как раз в том, что русский рок 70–80-ых и не ставил себе задачу быть музыкальным – он действовал, как бы это парадоксально ни звучало, не на уровне слуха, а на уровне слова, того литературного текста, который не слушают, а слышат, чтобы впитать в себя целиком и полностью. Тот русский рок и нёс смысл, откровение, истину. Тот русский рок и был для СССР тем литературоцентричным андеграундом, интеллектуальным протестом официозу. А «музыкальность» у нас никогда бы не прижилась, это всё внешнее.

Внешний протест, протест формы – как раз прерогатива для США – Ирвин Вельш, Вильям Берроуз, Кустурица, Хантер Томпсон, «Sеx Pistols», «Velvet Underground» – эпатаж, стеб, атрибутика для андеграунда, рассчитанного сугубо на эстетический шок. Впрочем, для субкультуры, противопоставляющей себя всего лишь условностям культуры буржуазной, и не требуется большего, чем плодить условности иного порядка. Наше же подполье не только противопоставляло себя условностям строя и не искало способов бегства от общества, оно боролось. Андеграунд всегда выступает как оппонент массовой, общепринятой или официальной культуры, но при этом сам пытается занять её место.

Как правило, общество опять не устраивает такое положение дел и борьба начинается заново. Так было с джазом, затем с роком, затем дошла очередь и до андеграунд хип-хопа и рэп андеграунда. Отвергая старое, новое время требует для искусства нового языка. Советский же андеграунд парадоксален. Во-первых, он уже был массовым. Во-вторых, не принёс новых форм – только переосмысленное содержание. В-третьих, он так и не стал мейнстримом. Он легализовался, но легализовавшись – просто исчез.

Отличительные черты

Последователи направления считали свои работы «творчеством будущего». В них явно читалось презрение к старым правилам и законам, стремление и инновациям и экспериментам. По содержанию творчество было очень разнообразным. Основные особенности футуризма были неоднократно определены и подчёркнуты его последователями. Среди них:

стремление к исследованию новизны в искусстве;
отрицание старых норм и традиций;
эксперименты с формой произведения, акцентирование внимания на ней;
широкое применение неологизмов (новых слов, сочетаний, значений);
бунтарство, воспевание войн и революций как способа «омолодить общество»;
стремление создать ощущение грядущего переворота;
антиэстетизм, отрицание искусства как чего-то прекрасного;
прославление новых технологий, культ города.

В поэзии и литературе

Главной особенностью футуризма в литературе стал практически полный отказ от привычных правил орфографии, грамматики и стилистики. Авторы стремились создать свой индивидуальный стиль, экспериментируя со словоформами, речевыми конструкциями, ритмом и интонацией. Таким образом, футуризму в литературе свойственны такие черты:

необычные формы стихотворения, эксперименты с рифмой и стихотворными формами;
акцент на речетворчестве, создание новой, «заумной» речи за счёт создания новых словоформ, суффиксов, речевых оборотов и соединений;
широкое использование авторских неологизмов;
эксперименты с графическим восприятием текста — к примеру, поэмы, написанные наискосок, вверх ногами, с разными шрифтами и размерами букв;
сочетание поэтического с обыденным;
использование деловой, газетной, плакатной, жаргонной лексики;
пренебрежительное, иногда ненавистное отношение к «старому» языку, его намеренное искажение (например, «поэзы», «грамата»).

https://youtube.com/watch?v=j-aqpvVWMLA

В изобразительном искусстве

Как и литература, изобразительное искусство в стиле футуризма базировалось на отказе от традиций. Его отличительные черты:

работы, посвящённые технологиям и урбанизации, картины машин, самолётов, электропроводов, сложных научно-фантастических механизмов;
изображение 3D-объекта с нескольких сторон одновременно;
интенсивные, яркие, контрастные цветовые решения;
динамичные формы;
раздробленные на фрагменты рисунки;
зигзаги и спирали как основные фигуры;
передача движения путём наложения;
динамика;
использование вырезок, металлических вставок, фрагментов таблиц, шестерёнок как элементов картины-коллажа;
попытки передать шумы и звуки средствами изобразительного искусства.

Звездная ночь над Роной (1888)

Чем знаменита эта картина?

Когда люди говорят о «Звездной ночи», они обычно имеют в виду первую картину в этом списке, но они вполне могут иметь в виду Звездная ночь над Роной вместо. Подобно поразительна в изображении ночного неба (хотя и с меньшим количеством спиралей), эта картина дает немного более умиротворяющее ощущение, чем ее аналог, но имеет классическую цветовую палитру, которой стал известен Ван Гог.

Какая предыстория?

Ван Гог, кажется, был особенно очарован ночным небом и газовым освещением, видимым через воду в Арле. Он был достаточно взволнован этой картиной, чтобы передать ее своему другу, художнику Эжену Боху, эскизом, и эта работа была публично выставлена в 1889 году в Société des Artistes Indépendants в Париже.Он также описал картину почти с любовью в деталях в одном из многих писем, которые он написал своему брату Тео, описывая его как «… Звездное небо, нарисованное ночью, фактически под струей газа. Небо аквамариновое, вода королевского синего цвета, земля розовато-лиловая. Город синий и фиолетовый. Газ желтый, а отблески — красно-золотистые, переходящие в зелено-бронзовые. На аквамариновом поле неба Большая Медведица — искрящийся зелено-розовый, чья сдержанная бледность контрастирует с брутальным золотом газа. На переднем плане две красочные фигурки влюбленных ».

«Монохромная белая картина», Ли Юань Чиа

Цена: предположительно $100 тыс.

Источник фото

Ли Юань Чиа — один из самых известных китайских художников XX века. Он работал в сфере живописи, скульптуры и мебели. Свою «Монохромную белую картину» он создал в 1963 году. На первый взгляд она представляет собой чистую белую поверхность. Однако, если приглядеться, можно разглядеть нюансы.

В частности на холсте расположены четыре картонных круга. Два больших находятся слева, а два маленьких – ближе к центру. Круги, разумеется, покрыты той же белой краской, что и вся остальная поверхность картины. Чиа описал эти круги как «космические точки». Художник считал их началом и концом всего сущего. А также был уверен, что они свзаны с положением вещей в безграничном пространстве Вселенной.

Бренды, выпускающие наряды протестного направления

Сегодня многие именитые производители с удовольствием выпускают предметы гардероба в стиле гранж для женщин. Одни из них давно известны в мире моды и заслужили авторитет выпуском разнообразных стильных коллекций. Другие появились совсем недавно, но прочно обосновались в первых строчках рейтингов популярных брендов.

К последним относится сравнительно молодая американская марка GEORGINE. Ее коллекции содержат изделия, сочетающие в себе элементы гламура и гранжа. Ее фирменная «фишка» — декор на платьях и других нарядах в виде паутины.

Наряд в стиле гранж американского бренда GEORGINE выдержан в традиционных для направления оттенках

Культовые бренды, такие как Chanel, Kimberly Ovitz, Eleven Paris, Alexander McQueen также не остались безучастны к экспериментам с гранжевыми образами. Их линейки одежды демонстрировали креативный подход к самой идее направления и воплощение ее в стильных луках. Соблюдая главные стилевые принципы, модные дизайнеры щедро вносили в аутфиты яркие и броские акценты.

Тоталитарный стиль

История возникновения

Тоталитарный стиль дизайна — консервативное реалистическое направление, которое было эстетически близко вождям и понятно жителям. Стиль использовался прежде всего для визуальной агитации. Он доходчиво объяснял общественные ценности, декларировал идеи. В его основе стоят классические идеалы: строгость, торжественность, антропоцентричность, воспевание человеческого тела и силы, преклонение перед имперскими символами.

Особенности стиля

В тоталитарном стиле применяется фигуративная реалистическая живопись: атлетические человеческие фигуры, лица вождей, народ, изображённый в виде сверхлюдей, — одухотворённый, сильный, красивый. Шрифт лишён элементов абстракции, он выдержанный и строгий.

Постер к фильму Лени Рифеншталь «Олимпия»
Агитационный плакат. СССР, 1941 годИзображение: Виктор Корецкий / коллекция Пермской художественной галереи
Счёт за товары. Германия, 1944 год. Название магазина набрано шрифтом Phosphor. Он часто использовался в немецких типографиях в 1930–1940-х годахФото: Florian Hardwig / Fonts in use
Здание Palazzo della civiltà del lavoro — Дворец цивилизации труда, или Квадратный Колизей. Построено и открыто во время правления Бенито МуссолиниФото: Wikipedia Commons

Современные стилевые тенденции: смягчение позиций

Сегодня модная концепция стиля в гранж женской одежде слегка изменилась и проявилась в появлении подстилей, которые не столь ярко демонстрируют бунтарское отрицание и протестные настроения. Некоторые из них допускают тандемы с элементами модных трендов. Появились течения, возникшие на совершенно взаимоисключающих идейных платформах.

Современный гранж слегка смягчил бунтарские позиции и допускает появление в аутфитах трендовых вещей

Grunge гламур, к примеру, допускает использование в аутфитах малиновых или ярко-красных вещей с пайетками. Возможно включение в сеты элементов из темно-бордового бархата. Кризисные тенденции слегка потеснились, уступив место эффектным гламурным ноткам.

В луках изначально антагонистичного подстиля гранж-гламур присутствуют и велюровые платьица, и грубоватые ботинки, и традиционные рубахи в клетку

Сегодняшний стиль гранж в одежде для девушек образы предлагает рафинированные и чуточку богемные. В них принято включать яркие и удобные самодостаточные элементы, формирующие немного вызывающий и провокационный внешний вид. Эти тенденции раздвинули возрастные рамки и привлекли более широкую аудиторию приверженцев.

Обувь – неотъемлемая компонента ансамблей grunge

Особое внимание уделяется обуви. Это могут быть массивные ботинки, оригинальные берцы, обувь на толстой подошве

Подойдут к образу и легендарные кеды Chuck Taylor от Converse. Обувь должна быть объемной. Лучший выбор — пары типа Dr.Martens или милитари.

Обувь в стиле гранж отличают толстая подошва, грубые шнуровка и пряжки, объем и некая брутальность

Софт предполагает менее тяжелую обувь в стиле гранж – на фото с модных подиумов появляются небольшие ботиночки. Хотя беспроигрышным вариантом при составлении гранжевого лука по-прежнему будут:

сапоги с широким голенищем;
обувь на тракторной подошве со шнуровкой;
камелоты с крупной металлической фурнитурой.

Любая из разновидностей — идеальное дополнение легкого ансамбля с шифоновым платьем или джинсовыми шортами.

Наряду с сапогами с широким голенищем, массивными полуботинками в луках в стиле гранж появляются элегантные ботильоны и мартинсы

Обувь в стиле гранж на фото из современных модных журналов стала немного элегантней, чем в первоначальной стилевой версии. Она приобрела светлые оттенки. Хотя основные акценты по-прежнему сделаны на поношенности и потертости.

Изменения в общей концепции стиля гранж отразились на обуви – в сетах стали использоваться модели светлых оттенков

Гранжевые сумки: стильное дополнение аутфитов

Элегантные, аккуратные и изысканные дамские сумочки в создании гранжевых образов будут совершенно неуместны. Для формирования образов по все правилам создания таких луков используют сумки из фактурной кожи, торбы, бесформенные рюкзаки. Это могут быть также крупные клатчи из грубой натуральной и искусственной кожи.

Сумки, которыми дополняют аутфиты в стиле гранж, должны быть бесформенными, грубоватыми, напоминать мешковатые торбы

Стиль гранж в одежде для девушек предполагает в качестве дополнения модных капсул сумки в темной, мрачной цветовой гамме. Стилевая концепция допускает характерный декор в виде шипов, металлических молний, заклепок. Своеобразными украшениями служат массивные застежки, грубые длинные ремни.

Простая форма сумок в стиле гранж дополняется металлическими заклепками, накладными пряжками, грубыми ремнями

Вольности, которые допускают гранжевые разновидности софт и пост, воплощаются в дополнительных деталях фасона. Простые модели зачастую выполняются из винтажной кожи с эффектом старения. В качестве украшения используются плетение из кожи, ручки из дерева, разнообразные нетривиальные аппликации.

Психоделические рисунки, обилие заклепок, множество ручек – сумки в стиле гранж, как и луки в одежде, перегружены деталями

Подсолнухи (1888)

Чем знамениты эти картины?

подсолнухs — это не просто одна картина, а две целые серии из нескольких картин с подсолнухами. Чаще всего, когда кто-то ссылается на «Подсолнухи» Ван Гога, они говорят о сериале, который он создал в Арле, состоящем из четырех начальных версий и трех повторений одной и той же идеи.Менее известны «Парижские подсолнухи», которые он создал, когда жил со своим братом в Париже между 1886 и 1888 годами. Эти подсолнухи, менее торжествующие и не полностью распустившиеся, тем не менее впечатляют, и их можно найти в музеях, в том числе в Метрополитене. в Нью-Йорке, музей Креллер-Мюллер и (конечно же) музей Ван Гога в Амстердаме.

Какая предыстория?

Сам Ван Гог, кажется, был в абсолютном восторге от подсолнухов, что отражается как в огромном количестве картин на основе подсолнечника, которые он создал, так и в его описаниях в письмах, которые он писал своему брату и друзьям.В 1888 году Ван Гог писал: «Я рисую с энтузиазмом марсельцев, поедающих буйабес, что вас не удивит, когда речь идет о рисовании больших подсолнухов». По сути, он любил рисовать подсолнухи, и все это знали. В том же письме он объяснил, как он мечтал работать в студии вместе со своим другом Полем Гогеном и что он планировал создать украшения для стен, состоящие из огромных картин с подсолнухами.Можно предположить, что сам Гоген, вероятно, тоже был поклонником подсолнухов, особенно тех, которые нарисовал Ван Гог. В 1889 году Гоген «потребовал» одну из картин подсолнечника в обмен на некоторые из своих собственных работ, которые он оставил Ван Гогу, к великому разочарованию Винсента:«Я определенно держу под вопросом свои подсолнухи. У него их уже двое, пусть это его держит. И если он не удовлетворен обменом, который он сделал со мной, он может забрать свой маленький холст с Мартиники и свой автопортрет, который он прислал мне из Бретани, одновременно вернув мне мой портрет и два подсолнечника. холсты, которые он привез в Париж. Так что, если он когда-нибудь снова поднимет эту тему, я уже сказал вам, как обстоят дела ».

Где Подсолнухи Ван Гога?

Вы можете найти знаменитые картины Ван Гога о подсолнухах в разных местах по всему миру: Мет в Нью-Йорке Музей Креллера-Мюллера в Оттерло Музей Ван Гога в Амстердаме, Музей изящных искусств в Берне, Национальная Галерея В Лондоне, Художественный музей Филадельфии, Японский художественный музей Сомпо в Токио и Новая пинакотека в Мюнхене.

Данте и Вергилий в аду: Вильям Бугро, 1850

Полотно написано на сюжет знаменитой «Божественной комедии» Данте. Итальянского автора эпохи Возрождения. Бугро, один из основоположников французского романтизма, изображает экспрессиуню, яростную борьбу двух душ, которые были прокляты.

Данте и Вергилий в адуАдольф Вильям Бугро

Эта душа Джанни Скикки, который попал в ад за обмен с целью личного обогащения, и алхимик-еретик Капоккио. Анализируя картину, следует отметить гармоничное и пропорциональное строение хорошо сложенных мужских тел, в соответствии с канонами классической живописи. Один мужчина в отчаянии грызет и кусает второго. Основной мотив картины — отчаяние и ярость.

Разнообразие техник

Если верить Леонардо Да Винчи, то техники живописи неисчерпаемы. Они – это все, что создает природа, время и человек. Существуют десятки направлений, но говорить следует только про основные виды:

Масляная. Для произведений используют масляную краску. Особенность техники – многослойность. В качестве основы художники чаще выбирают холст, покрытый грунтом.
Темпера. Это сухой порошковый пигмент, смешиваемый на основе эмульсии. Технику применяют в иконописи. Темпера позволяет наносить как тонкие полупрозрачные мазки, так и густые, пастозные.
Акварельная. Акварельную технику отличает использование красок, не содержащих белил. Они создают на бумаге легкий слой, через который просвечивает основное полотно. Акварель использовали для создания воздушных картин.
Тушь. Тушь – материал черного цвета на основе сажи. Художники использовали его для зарисовок и эскизов. Преимущество туши в высокой стойкости к размытию, даже спиртом.
Пастель. Пастель – это техника рисования масляными или пастообразными карандашами.
Акрил. Акриловые краски были разработаны в середине XX века. Особенность материала – стойкость и высокая скорость высыхания.
Аэрография. Современная техника. Предполагает нанесение жидкой или порошкообразной краски распылением из баллончика или аэрографа.

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Питер Брейгель родился предположительно между 1525 и 1530 годами (точная дата неизвестна). Местом его рождения чаще всего называют город Бреда (в современной нидерландской провинции Северный Брабант) или деревушку Брёгел около этого города.

Свою творческую биографию он начал как график. К середине 1540-х годов он попал в Антверпен, где обучался в мастерской у Питера Кука ван Альста, придворного художника императора Карла V. В мастерской Ван Альста Брейгель работал до самой смерти своего учителя в 1550 году.

В 1551 году Брейгель был принят в антверпенскую гильдию живописцев и поступил на работу в мастерскую к Иерониму Коку, печатавшему и продававшему гравюры. В мастерской Кока художник увидел эстампы с картин Босха, которые произвели на него такое впечатление, что он нарисовал собственные вариации на темы великого художника.

В 1552—1553 годах по предложению Кока Брейгель совершил путешествие во Францию, Италию, Швейцарию, чтобы сделать серию рисунков итальянских пейзажей, предназначенных для репродукции в гравюре. Был потрясён древними памятниками Рима и шедеврами Возрождения, морскими стихиями и живописными гаванями Средиземноморья. Предположительно в Риме он работал с миниатюристом Джулио Кловио.

В 1563 году Брейгель женился на дочери своего учителя Ван Альста, Марии (Майкен).

В 1556 году Брейгель работал в Антверпене для печатной мастерской «Четыре ветра», принадлежавшей нидерландскому издателю Иерониму Коку. По рисункам Брейгеля здесь были изготовлены гравюры «Большие рыбы поедают малых» и «Осёл в школе». Желая угодить вкусам богатых заказчиков, Кок даже не гнушался подделывать подписи на гравюрах. Так, гравюра «Большие рыбы поедают малых» была продана с подписью знаменитого нидерландского художника Иеронима Босха.

В 1557 году Брейгель написал цикл гравюр, иллюстрирующий семь смертных грехов.

В 1563 году переселился с семьёй в Брюссель.

В 1565 году была написана серия «Картины месяцев или времён года», от которой сохранилось всего пять произведений. В позднесредневековых иллюстрированных молитвенниках для знати религиозным текстам часто предшествовал календарь, где на каждый месяц приходилось по страничке. Смена сезонов изображалась чаще всего через призму занятий, соответствующих каждому месяцу. Но у Брейгеля в смене времён года основную роль играет природа, а люди, так же как и леса, горы, вода, животные, становятся лишь частью необозримого ландшафта.

«Возвращение стад. Осень», «Охотники на снегу. Зима» и «Сенокос» — одинакового формата и, возможно, выполнены для одного заказчика. Две другие — «Жатва. Лето» и «Сумрачный день. Весна». Карел ван Мандер называет заказчиком всей серии «Месяцев» богатого антверпенского купца Николаса Йонгелинка, который затем, срочно нуждаясь в крупной сумме денег, отдал все эти картины в залог и так и не выкупил их.

Питеру Брейгелю было около сорока, когда армия испанского герцога Альбы с приказом уничтожить еретиков в Нидерландах вошла в Брюссель. В течение последующих лет Альба приговорил к смерти несколько тысяч нидерландцев. Последние годы жизни прошли в атмосфере террора, насаждаемого Альбой. Об одной из последних работ Брейгеля, «Сорока на виселице», ван Мандер пишет, что: «он завещал жене картину с сорокой на виселице. Сорока означает сплетников, которых он хотел бы увидеть повешенными». Виселицы ассоциировались с испанским правлением, когда власти начали приговаривать к позорной смерти через повешение предикантов, а сам террор Альбы держался почти исключительно на слухах и доносах.

Картина «Избиение младенцев» содержит изображение зловещего человека в чёрном, наблюдающим за исполнением приказа царя Ирода; этот человек очень похож на Альбу; значит, короля Филиппа II художник сравнивает с Иродом.

Художник умер 5 сентября 1569 года в Брюсселе. Похоронен в брюссельской церкви Нотр-Дам де ла Шапель.

Из всех сохранившихся картин Брейгеля около трети находятся в Музее истории искусства в Вене. В России произведений Брейгеля нет.

Монстр с воронкой

Иероним Босх. Искушение святого Антония. Фрагмент левой створки триптиха. 1500 г. Национальный музей старого искусства в Лиссабоне, Португалия

Один из самых известных монстров Босха. Горбун-карлик без рук. На коньках. С воронкой на голове, из которой торчит сухая ветка. Большие длинные уши. Длинный кривой клюв. В клюве письмо со словом “Жирно”.

Я больше склоняюсь к версии, что этот монстр создан Босхом для осуждения нечистоплотных церковников. А именно тех, которые продавали для собственной наживы индульгенции (грамоты, обладание которыми якобы отменяло кару за грехи).

Причём Босх смело приравнивает их к мошенникам. Воронку вместо шляпы Босх уже однажды использовал для обозначения шарлатана. На картине “Извлечение камня глупости”. Ведь такое лже-врачевание – это и есть чистой воды мошенничество.

Иероним Босх. Извлечение камня глупости. Фрагмент. 1475-1480 гг. Музей Прадо, Мадрид

Коньки означают “пойти по скользкому пути”. Недаром у Босха часть грешников и бесов в Аду на картине “Сад земных наслаждений” катаются на коньках. Именно таким он и видит путь тех, кто продаёт индульгенции ради личной выгоды.

Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Фрагмент правой створки триптиха. 1505-1510 гг. Музей Прадо, Мадрид

Швейцарский интернациональный стиль

История возникновения

Швейцарский стиль дизайна появился в Европе в двадцатых-тридцатых годах XX века и обозначил рождение нового века информации, с его быстрым обменом идеями и огромным потоком новостей. Сейчас это направление — одно из самых распространённых в дизайне.

В основе стиля — простота, удобство, читаемость. Его эстетика подчинена идее Баухауса — «форма следует за функцией». Можно сказать, что направление родилось из авангардного конструктивизма с его преклонением перед строгими пропорциями и отсутствием декоративных элементов. Творцы следовали правилу превалирования контекста и разрабатывали дизайн, исходя из содержания произведения, а не из стремления сделать «красиво».

Особенности стиля

Основной метод, применяемый в швейцарском стиле дизайна — невидимая сетка, по которой располагаются декоративные элементы произведения. Это структурирует основу, выравнивает текст, вносит порядок в художественный хаос. Часто используются фотографии — как строгий документ эпохи. Шрифт — простой, хорошо читаемый, функциональный.

«Крик»

Перечисляя самые страшные картины художников мира, невозможно не вспомнить знаменитое творение Эдварда Мунка. На своей картине ему удалось отобразить самую суть ужаса и сопутствующие ему безнадежность, отчаяние, одиночество. Существует мнение, что выбор подобного сюжета был вызван болезнью художника — маниакально-депрессивным психозом.

Картина выполнена в стиле экспрессионизм, поэтому большую роль в ней сыграла цветовая гамма. Кровавые оттенки красного придают «Крику» схожесть с адом, и это впечатление только усиливается при взгляде на фигуру человека, чьё лицо исказила гримаса боли и ужаса. Сегодня картина очень популярная. Она стала настоящим брендом и активно используется в средствах массовой информации, рекламе, кино.

Кроме «Крика» у Мунка были и другие работы, тоже не слишком радостные, например, картина «Поцелуй». Больше напоминает не романтическое свидание, а «Сайлент Хилл» какой-то!

История возникновения

Основоположником направления считают итальянского поэта Филиппо Маринетти. Его стих «Красный сахар» — первое произведение нового направления. После него, в 1909 году писатель выпустил манифест течения в газете «Фигаро». Там он кратко и понятно определил отличительные черты футуризма, описав их как культ будущего и отказ от прошлого. Послание было ориентировано на молодых творцов.

Позже к нему присоединились такие творцы, как Балла, Боччони, Руссоло, Карло Карра, Джино Северини, Франческо Балилла Прателла. К 1912 году направление получило довольно широкое распространение, и в одном из музеев Парижа состоялась первая выставка художников-футуристов.

В России течение начало приобретать популярность в 1910—1911 годах. Оно пришлось по душе бунтарскому народу, совпало с недовольными современностью настроениями толпы. Последователи нового течения создали несколько литературных организаций со своими кодексами и уставами.

Расцвет футуризма был коротким, но ярким. Первые футуристы быстро добились славы и довольно скандальной известности, но очень скоро ушли на покой. Уже в 1914 году футуризм начал давать сбои и направление пережило кризис. Но его представители уже успели выполнить свою историческую роль и преподать нужный урок.

После Октябрьской революции и победы большевиков футуризм окончательно угас. Некоторые из деятелей направления умерли, другие сбежали из страны, третьи решили попробовать себя в других стилях. Последние последователи течения издавали свои произведения под маркой «ЛЕФ». Их самые поздние работы датируются 1920-ми годами.

Американский панк

История возникновения

У панков, одной из самых распространённых молодёжных субкультур второй половины ХХ века, была сильно выраженная концептуальная идея — «No future». В этом пессимистическом настрое, связанном с политическими и социальными реалиями времени, воплотилась и особая эстетическая норма. Рождённая в Британии, она дошла до американского континента и здесь трансформировалась в новый дизайнерский стиль.

Американский панк входит в широкое понятие постмодернизма. В его сути лежит стремление художника иронически переосмыслить наследие прошлого, отринуть правила и расширить формальные границы. Постмодернизм не стремится ни к функциональности, ни к эстетичности. По сути, это бесконечный эксперимент по переосмыслению художественности.

Это не самый распространённый стиль в дизайне, его можно назвать антитрендовым, андеграундным, но изображения в этом стиле всегда привлекают внимание. Американскому панку и концептуально, и эстетически тождественен гранж — «мусорный» стиль, нарочито неопрятный до уродства, альтернатива гламуру и искусственной красоте, пропагандируемой в массмедиа

Американскому панку и концептуально, и эстетически тождественен гранж — «мусорный» стиль, нарочито неопрятный до уродства, альтернатива гламуру и искусственной красоте, пропагандируемой в массмедиа.

Особенности стиля

В основе американского панка лежит примитивизм и брутальность изображения, подчёркнутая безыскусность. Демонстративно «не умеющие рисовать» мастера применяли дадаистские приёмы нарочито неумелого коллажа с журнальными вырезками портретов поп-звёзд. Шрифты могли быть разными, допускалось совмещение разных гарнитур в одном произведении.

Значение для развития мирового искусства

Готика стала логичным этапом в развитии живописи. Картины легко узнать, благодаря ярким, выразительным особенностям. Произведения мастеров живописи осмыслены, повествовательны, наполнены динамикой и действиями. Мастерам этого стиля удалось объединить реалистичность и мистицизмом, светскость и религиозность.

Период развитой или «придворной» готики стал вратами Ренессанса. Особенно, влияние помпезной, вычурной, роскошной готики заметно в работах художников Северного Возрождения.
Благодаря полотнам в готическом стиле, искусствоведы и историки могут понять психологию и мировоззрение человека периода Средних веков.

«Ахром», Пьеро Мандзони

Цена: $5,2 млн

Источник фото

Пьеро Манцони известен своим ироничным отношением к искусству. Его величайшая работа называлась «Дерьмо художника» — девяносто банок, наполненных экскрементами художника. Каждая банка продана за золото аналогичного веса. Помимо этого художник расписывался на телах добровольцев и выдавал им сертификат подлинности, раздавал посетителям выставки вареные яйца с отпечатком собственного пальца и делал еще множество вещей, которые были в лучшем случае эксцентричными.Впрочем, у него были и более традиционные работы.

«Ахромы» — серия монохромных картин, которые изготавливались путем помещения холста в жидкий каолин

Полное отсутствие цвета должно было сосредоточить внимание зрителя на материальных качествах объекта. Морщины и складки возникали в процессе изготовления и сушки холста, и к ним не прикасалась рука художника

Ближе к концу серии Манцони перестал использовать холст и начал использовать хлопок, акриловую смолу, стекловолокно и раскрашенные булочки.

Жанр художественного стиля – драма

Драма – род литературы, предназначенный для сценического действия, поэтому одновременно охватывает и театр, и литературу.

От эпоса драма отличается тем, что имеет форму диалога, а не повествования

А в отличие от лирики, где основное внимание сконцентрировано на эмоциях автора, драма отражает внешние события по отношению к автору

В основе драматического произведения лежит конфликтная ситуация, которая и определяет весь сюжет: это и характеры персонажей, и их действия, поступки, чувства, слова.

Драма делится на сценические эпизоды.

К драматическим произведениям относятся: трагедия, драма, пьеса, комедия, трагикомедия, мелодрама, водевиль.

Разновидности и примеры драматических произведений

Из всех стилей речи, художественный – самый многообразный, разносторонний, неповторимый стиль, который каждый автор может подстроить “под себя” и создать свой уникальный шедевр.

История появления понятия «андеграунд»

Слово андеграунд (с англ. буквально «подполье») используется потому, что существует история движений сопротивления при жестких режимах, когда термин «подполье» использовался для обозначения необходимой секретности участников сопротивления.

Например, Подземная железная дорога представляла собой сеть тайных маршрутов, по которым африканские рабы в Соединенных Штатах ХIХ века пытались вырваться на свободу. Фразу «подземная железная дорога» вспомнили и применили в 1960-х годах. В то время так называли большую сеть групп консультирования по призыву и дома, которые использовались для оказания помощи уклонистам от призыва во Вьетнам, сбежавшим в Канаду. Фраза применялась и в 1970-х годах – ей обозначали тайное перемещение американских индейцев и товаров в оккупированные земли резерваций коренных американцев и из них.

С тех пор термин стал обозначать различные субкультуры, такие как культура моды, культура хиппи, панк-культура, техно-музыка/рейв-культура и андеграундный хип-хоп.

Исторически андеграунд как термин стал особенно заметным в 1960-х годах как ярлык для радикальной культуры хиппи и для определенных вариантов популярной культуры, таких как рок-музыка.

Очевидно, что андеграунд представляет собой противоположность и противоречит мейнстриму. Другая информационная ссылка объясняет андеграунд или контркультуру как социальную группу или движение, чьи ценности и образ жизни в какой-то степени противоречат основному течению общества.

Этот термин часто используется специально для обозначения сочетания альтернативных стилей жизни и практик, которые распространились в США и других западных странах в 1960-х годах. Они включали в себя обязательства по обеспечению мира и гражданских прав, с одной стороны, и эксперименты с наркотиками, мистическими практиками и общинной жизнью, с другой

Что здесь важно, так это сильная связь таких андеграундовых культур с музыкой и, в более общем плане, с самим искусством

Изначально основная сила андеграунда была представлена хиппи и их идеологиями. Это было первое реальное движение, выступившее против ценностей корпоративной системы и ее стремления к успеху, прогрессу любой ценой. Движение в основном состояло из молодых людей среднего класса (в основном, американцев), которые благодаря образованию осознали свое недовольство.

После 1960-х годов андеграундовые движения и инициативы возникли в других социальных условиях и обществах, с различными ценностями и опытом в области искусства, эстетики и образа жизни. Однако все они сохранили общее правило: не присоединяться к идеологиям и эксплуатации ведущих классов.

Зарождение и развитие стиля

Периодом формирования стиля стало развитое Средневековье, XII века в странах Западной Европы, в XIII – XVI веках — в Центральной Европе. Грандиозность стиля граничит с устрашением, которое способны вызывать работы живописцев и архитекторов этого периода.

Готическая живопись отличается специфической композицией, обилием цветов и оттенков, динамичностью изображения, напряженностью сюжета. В рамках изучения творений живописцев стоит рассмотреть книжную миниатюру, как репрезентативное направлении в искусстве.

Родиной стиля является Франция, где в XII веке. Оттуда готика распространилась в Германию, Испанию, Англию, Австрию. В следующем столетии готические влияния стали заметны в Италии, где сформировалось местное самобытное ответвление стиля. В период раннего нового времени стиль оформился в интернациональный формат. Дольше всего влияния готики были заметны в странах Восточной Европы.
Готика в живописи в Средние века появилась в искусстве создавать витражи.