Плавильный котёл США
Несмотря на короткую историю американского искусства, диапазон получился широченный. Среди американских художников есть и импрессионисты (Сарджент), и магические реалисты (Уайет), и абстрактные экспрессионисты (Поллок), и зачинатели поп-арта (Уорхол).
Что ж, американцы любят свободу выбора во всем. Сотни конфессий. Сотни наций. Сотни направлений искусства. На то он и плавильный котёл Соединенных Штатов Америки.
*Тонализм – монохромные пейзажи серых, голубых или коричневых оттенков, когда изображение находится словно в тумане. Тонализм считается ответвлением импрессионизма, так как передаёт впечатление художника от увиденного.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Печать США [ править ]
Мемориальный выпуск Уинслоу Гомера 1962 года
Съемка порогов реки Сагеней , незаконченная. (1910)
В 1962 году почтовое отделение США выпустило памятную марку в честь Уинслоу Гомера. Знаменитая картина Гомера « Ветерок» , которая сейчас висит в Национальной галерее в Вашингтоне, была выбрана в качестве изображения для оформления этого номера. [ требуется полная ссылка ] 12 августа 2010 года Почтовая служба выпустила памятную марку стоимостью 44 цента с изображением мальчиков Гомера на пастбище на выставке марок APS в Ричмонде, штат Вирджиния.
Эта марка стала девятой из серии под названием «Сокровища Америки». Оригинальная картина является частью коллекции Хайдена в Музее изящных искусств в Бостоне. На нем изображены два мальчика из Белмонта, штат Массачусетс — Джон Карни и Патрик Кинан, которые позировали художнику за 75 центов в день.
Влиять
Девушка-рыбак , 1894 год
Гомер никогда не преподавал в школе или в частном порядке, как Томас Икинс , но его работы сильно повлияли на последующие поколения американских художников за их прямую и энергичную интерпретацию стоического отношения человека к часто нейтральной, а иногда и суровой пустыне. Роберт Анри назвал творчество Гомера «целостностью природы».
Американский иллюстратор и учитель Говард Пайл уважал Гомера и поощрял своих учеников изучать его. Его ученик и коллега-иллюстратор, NC Wyeth (а через него Эндрю Уайет и Джейми Уайет ), разделяли влияние и признательность, даже следуя за Гомером в Мэн за вдохновением. Уважение старшего Уайета к своему прошлому было «сильным и абсолютным», и его можно проследить в его ранней работе « Косить» (1907). Возможно, суровый индивидуализм Гомера лучше всего отражен в его увещевании художникам: «Смотрите на природу, работайте самостоятельно и решайте свои собственные проблемы».
Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)
Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.
Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.
Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).
Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.
Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».
Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г. Музей д’Орсе, Париж
Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.
Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.
Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.
Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.
На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.
Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.
Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.
Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.
Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон
Тонализм, как и близкий ему импрессионизм, в середине 19 века публику тоже не впечатлял. Слишком далеко от популярного на тот момент реализма.
Но Уистлер успеет дождаться признания. Под конец жизни его работы начнут охотно покупать.
Его основные работы
Офорт по картине « Восемь колоколов» (1887 г.), Бостонская публичная библиотека .
… и оригинальное полотно, созданное в 1886 году в галерее американского искусства Аддисон (in) .
- Дом, милый дом (1863)
- Парусный спорт на катере (1875)
- Осень (1877)
- Больной цыпленок (1874)
- Девушка с граблями (1878)
- Incoming Tide, Скарборо, Мэн (1883)
-
Мост жизни (1884), Художественный музей Филадельфии , Филадельфия
- Летняя ночь , 1890, Музей Орсе , Париж.
- Хороший выстрел, Адирондак (1892)
- Гончая и охотник (1892)
- Солевой чайник, Бермудские острова (1899 г.)
- Вест-Пойнт, шея Праута (1900), Институт искусств Кларка , Уильямстаун
- Надвигающаяся буря (1901)
- Тяга якоря (1903)
- Рыболовные лодки, Ки-Уэст (1903)
- Справа и слева (1909)
Американская школа. Натурализм
Американский художник Уинслоу Хомер (1836–1910) перенял реалистичный подход к живописи у своих европейских коллег. Но, творчески переосмыслив их приемы, он создал собственную художественную школу. Сюжеты для своих картин Хомер черпал в обыденной жизни, а самые знаменитые его работы — морские пейзажи («Сигнал тумана», «Летняя ночь»).
Не менее крупный вклад в развитие американского реализма внес Томас Икинс (1844–1916). Он прославился как портретист и мастер многофигурной композиции.
Томас Икинс «Портрет Уолта Уитмена» (1888). Поэт считал этот свой портрет самым лучшим
Томас Икинс «Клиника доктора Гросса» (1875). Многих шокировало изображение на картине хирургической операции
К 1870-м годам в реализме начинают выделяться два направления — натурализм и импрессионизм. Натуралисты (от лат. nаturа — природа) добивались абсолютного сходства своих картин с действительностью, а главными героями их полотен стали в основном крестьяне и рабочие. Натуралисты стремились изобразить повседневную жизнь своих моделей с документальной точностью.
Живописцы-натуралисты настолько много внимания уделяли деталям, что их работы сравнивают подчас с кадрами из кинофильмов. Таковы, например, известные картины «Выдача жалованья жнецам» Леона-Огюстена Лермита, «Окликая паромщика» Даниэля Риджуэя Найта, «Октябрь. Сбор картофеля» Жюля Бастьен-Лепажа.
Даниэль Риджуэй Найт «Пастушка из Рольбуаз» (1896). Не совсем обычное полотно для художника, любившего яркие, красочные пейзажи
Поделиться ссылкой
Норман Роквелл (1894-1978 гг.)
Норман Роквелл. Автопортрет. Иллюстрация к выпуску журнала «The Saturday Evening Post” от 13 февраля 1960 г.
Сложно представить более популярного художника при жизни, чем Норман Роквелл. Несколько поколений американцев выросло на его иллюстрациях. Любя их всей душой.
Ведь Роквелл изображал обычных американцев. Но при этом показывая их жизни с самой позитивной стороны. Роквелл не хотел показывать ни злых отцов, ни равнодушных матерей. Да и несчастных детей вы у него не встретите.
Норман Роквелл. Всей семьей на отдых и с отдыха. Иллюстрация в журнале Evening Saturday Post от 30 августа 1947 года. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США
Его работы полны юмора, сочных цветов и очень умело схваченных из жизни выражений лиц.
Но это иллюзия, что работы давались Роквеллу легко. Чтобы создать одну картину, он мог сначала сделать до сотни фотографий со своими моделями, чтобы уловить верные жесты.
Работы Роквелла оказывали колоссальное влияние на умы миллионов американцев. Ведь он часто высказывался с помощью своих картин.
Во время Второй Мировой войны он решил показать, за что борются солдаты его страны. Создав в том числе картину «Свобода от нужды». В виде дня благодарения, на которой все члены семьи, сытые и довольные, радуются семейному празднику.
Норман Роквелл. Свобода от нужды. 1943 г. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США
Через 50 лет работы в Saturday Evening Post Роквелл ушёл в более демократичный журнал «Look», где смог выражать свои позиции о социальных проблемах.
Самая яркая работа тех лет – «Проблема, с которой мы живём».
Норман Роквелл. Проблема, с которой мы живем. 1964 г. Музей Нормана Роквелла, Стокбридж, США
Это реальная история чернокожей девочки, которая пошла в школу для белых. Так как был принят закон о том, что люди (а значит и учебные заведения) больше не должны разделяться по расовому признаку.
Но гневу обывателей не была предела. По дороге в школу девочку охраняла полиция. Вот такой «рутинный» момент и показал Роквелл.
Если хотите узнать жизнь американцев немного в приукрашенном свете (какой они сами хотели ее видеть), обязательно смотрите картины Роквелла.
Пожалуй, из всех представленных в этой статье живописцев, Роквелл – самый что ни на есть американский художник.
Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)
Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк
В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.
Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.
Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.
Эндрю Уайет. Мир Кристины. 1948 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)
На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.
Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.
Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.
Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.
Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.
Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция
Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.
Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.
Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.
Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.
Англия [ править ]
Три девушки- рыбаки, Тайнмут, бумага, акварель, 1881, Национальная галерея искусств , Вашингтон, округ Колумбия
Гомер провел два года (1881–1882) в английской прибрежной деревне Каллеркоутс , Нортумберленд . Многие из картин в Cullercoats изображали рабочих мужчин и женщин и их повседневный героизм, пропитанные солидностью и сдержанностью, которые были новы для искусства Гомера, предвещая направление его будущей работы. Он писал: «Женщины — рабочие пчелы. Крепкие, выносливые создания». Его работы этого периода — почти исключительно акварель. Его палитра стала сдержанной и трезвой; его картины крупнее, амбициознее, задуманы и выполнены более осознанно. Его сюжеты более универсальные и менее националистические, более героические в силу его несентиментального изображения. Хотя он отошел от спонтанности и яркой невинности американских картин 1860-х и 1870-х годов, Гомер нашел новый стиль и видение, которое перенесло его талант в новые области.
Биография Уинслоу Хомера
Уинслоу Хомер родился в Бостоне 24 февраля 1836 года в семье из среднего класса, периодически испытывавшей финансовые затруднения. Оба родителя, Чарльз Сиведж Хомер старший и Хенриетта Бенсон Хомер, происходили из старейших семей Новой Англии. Уинслоу Хомер был вторым из трёх сыновей.
Когда ему было шесть лет, семья переехала в Кембридж, где его отец держал магазин. Мать Хомера была художницей-любительницей (акварель), стала первым учителем сына и до своей смерти в 1884 году была человеком, оказывавшим на него наибольшее влияние.
В 1854 году, в возрасте 18 лет, Уинслоу Хомер принял решение не идти в университет. Вместо этого он, не имея формального образования, поступил в ученики в одну из самых известных гравировальных компаний в США, Баффордс в Бостоне. Там он работал до 1859 года. Этот период совпал с наибольшим расцветом иллюстрированных журналов в США.
Поэтому начиная с 1857 года, Уинслоу Хомер рассматривал возможности, позволившие бы ему стать художником. В 1859, 1860 и 1863 годах он посещал занятия в Национальной академии дизайна, ведущем учебном художественном заведении США того времени.
Кроме того, в 1861 году он брал частные уроки у художников Фредерика Рондела и Томаса Сира Каммингса.
В 1860 году акварель Хомера «Катание на коньках в Центральном Парке» была выставлена в Национальной академии дизайна.
Хотя неизвестно, почему Хомер решил отказаться от получения формального художественного образования, известно, что в 1860 году он очень хотел отправиться в Европу, уровень живописи в которой в это время многократно превосходил американский. Эти планы были отложены из-за Гражданской войны.
Заслуги барбизонцев
Деревушка Барбизон под Парижем попала в историю искусств совершенно случайно: именно здесь в 1830– 1860-х годах предпочитала творить группа художников, применивших новый подход к изображению природы и жизни людей.
Предвосхищая многие принципы реализма, группа барбизонцев изображала скромные виды французской глубинки «как она есть», без всяких драматических эффектов или романтического накала. Художники барбизонской школы отказались от величественного академизма, потому что его слишком строгие каноны мешали им свободно реализовывать свои замыслы. Пейзажи барбизонцев подготовили почву для появления импрессионизма.
Самые известные мастера этой школы — Теодор Руссо (1812–1867) и Жан-Франсуа Милле (1814–1875).
Жан Франсуа Милле «Веяльщик» (1848). Сам художник называл себя «не более чем крестьянином»
Работает
Его работа была частью в художественном конкурсе на в 1932 летних Олимпийских играх . В отличие от многих художников, которые были известны тем, что работали только в одной художественной среде , Уинслоу Гомер был заметен в различных художественных средствах массовой информации, как в следующих примерах:
Пасторальные пейзажи и образ жизни (см. Пасторальство ) — это жанр литературы, искусства и музыки, который изображает пастухов, пасущих скот на открытых участках земли в зависимости от времени года и меняющейся доступности воды и пастбищ. Пастырской является произведением этого жанра.
На картинах Уинслоу Гомера часто изображались морские пейзажи. Позже, когда Уинслоу Гомер провел годы между 1881 и 1882 годами в деревне Каллеркоатс, Тайн и Уир, его картины, изображающие берега и прибрежные пейзажи, изменились. На многих картинах с английского побережья изображены работающие мужчины и женщины этого района.
Ранняя жизнь [ править ]
Купальщицы , гравюра на дереве, Harper’s Weekly , 1873 г.
Гомер родился в Бостоне , штат Массачусетс, в 1836 году. Он был вторым из трех сыновей Чарльза Сэвиджа Гомера и Генриетты Бенсон Гомер, оба из длинных линий жителей Новой Англии. Его мать была одаренным акварелистом-любителем и первым учителем Гомера. У них с сыном были близкие отношения на протяжении всей их жизни. Гомер перенял многие ее черты, в том числе тихий, волевой, немногословный, общительный характер; ее сухое чувство юмора; и ее художественный талант. Гомера было счастливое детство, он рос в основном в тогдашнем сельском Кембридже, штат Массачусетс . Он был средним учеником, но его художественный талант проявился еще в ранние годы.
Отец Гомера был непостоянным, беспокойным бизнесменом, который всегда стремился «убить». Когда Гомеру было тринадцать, Чарльз бросил хозяйственный магазин, чтобы разбогатеть во время золотой лихорадки в Калифорнии . Когда это не удалось, Чарльз оставил свою семью и отправился в Европу, чтобы собрать капитал для других схем быстрого обогащения, которые не окупились.
После окончания средней школы Гомер увидел объявление в газете и устроился на ученичество. Гомера ученичество в возрасте от 19 до JH Bufford , Бостонском коммерческого литографу , был формирующим но «беговой дорожке опыт». Он много раз работал над обложками нот и другой коммерческой работой в течение двух лет. К 1857 году его карьера внештатного сотрудника началась после того, как он отклонил предложение присоединиться к сотрудникам Harper’s Weekly . «С тех пор, как я оторвал нос от этого литографического камня, — сказал позже Гомер, — у меня не было и никогда не будет».
Карьера Гомера как иллюстратора длилась почти двадцать лет. Он предоставил иллюстрации о жизни в Бостоне и сельской жизни Новой Англии для таких журналов, как Ballou’s Pictorial и Harper’s Weekly в то время, когда рынок иллюстраций быстро рос, а причуды и мода быстро менялись. Его ранние работы, в основном коммерческие гравюры на дереве городских и деревенских социальных сцен, характеризуются чистыми очертаниями, упрощенными формами, драматическим контрастом света и тьмы и живыми группировками фигур — качества, которые оставались важными на протяжении всей его карьеры. Его быстрый успех был в основном связан с глубоким пониманием графического дизайна, а также с возможностью адаптации его рисунков к гравюре по дереву.
До переезда в Нью-Йорк в 1859 году Гомер со своей семьей жил в Белмонте, штат Массачусетс. Особняк его дяди в Бельмонте, дом Гомера 1853 года, был источником вдохновения для ряда его ранних иллюстраций и картин, в том числе нескольких его картин крокета 1860-х годов. Дом Гомера, принадлежащий Бельмонтскому женскому клубу, открыт для посещений.
Творчество Хомера
Получил начальное образование в Кембридже в школе Вашингтона, хотя никогда не был прилежным учеником. К этому периоду относятся его первые опыты в рисовании. Рисунки описывают городскую жизнь Бостона, позже Нью-Йорка, хотя городские сюжеты после начала 1860-х годов полностью и навсегда исчезают из творчества Хомера.
В 1859 году Хомер переехал в Нью-Йорк и начал выполнять работу в качестве иллюстратора журналов, по разовым договорам.
До 1875 года он выполнил около 200 иллюстраций в ведущих журналах. Тем не менее, в то время работа иллюстратора и гравёра рассматривалась как менее престижная, чем живопись.
Большинство исследователей рассматривают Хомера как крупнейшую фигуру в американском искусстве XIX века, оказавшую влияние на всё последующее развитие американской живописи.
Живопись американского художника Уинслоу Хомера сформировала взгляд нации на себя.
Творчество Хомера разделяется на два заметно отличающихся периода: до начала 1880-х годов, когда он живёт в основном в Нью-Йорке, и в живописи преобладают светлые солнечные пейзажи и сцены, и с середины 1880-х годов, в штате Мэн, после двухлетнего перерыва, который художник провёл в Англии. Для последнего периода больше характерны тёмные тона и сцены насилия и трагедии.
В 1849 году отец будущего художника, Чарльз Хомер, бросил свой бизнес и на два года отправился в Калифорнию участвовать в «золотой лихорадке», после чего провёл несколько лет в Лондоне и Париже, и, потратив все деньги, в 1854 году вернулся в Кембридж.
До конца своей жизни он существовал на денежную помощь семей его сыновей.
Финансовые неудачи отца также оказали серьёзное влияние на художника, который всю свою карьеру заботился о финансовой состоятельности, и до 1875 года работал иллюстратором, хотя в это время он уже был известным художником и вполне мог себя прокормить занятиями живописью.
Влияние [ править ]
Девушка-рыбак , 1894 год
Гомер никогда не преподавал в школе или в частном порядке, как Томас Икинс , но его работы сильно повлияли на последующие поколения американских художников за их прямую и энергичную интерпретацию стоического отношения человека к часто нейтральной, а иногда и суровой пустыне. Роберт Анри назвал работу Гомера «целостностью природы».
Американский иллюстратор и учитель Говард Пайл уважал Гомера и поощрял своих учеников изучать его. Его ученик и коллега-иллюстратор, NC Wyeth (а через него Эндрю Уайет и Джейми Уайет ), разделяли влияние и признательность, даже следуя за Гомером в Мэн за вдохновением. Уайет-старший относился к своему предшественнику «интенсивно и безоговорочно», и это можно увидеть в его ранней работе « Косить» (1907). Возможно, суровый индивидуализм Гомера лучше всего отражен в его увещевании художникам: «Смотрите на природу, работайте независимо и решайте свои собственные проблемы».
Студия Гомера [ править ]
Пленные с фронта (1866; Метрополитен-музей, Нью-Йорк ).
В 1859 году он открыл студию в Студийном здании на Десятой улице в Нью-Йорке , художественной и издательской столице Соединенных Штатов. До 1863 года он посещал занятия в Национальной академии дизайна и недолго учился у Фредерика Ронделя, который научил его основам живописи. Всего за год самообучения Гомер выполнил отличные масляные работы. Его мать пыталась собрать семейные средства, чтобы отправить его в Европу для дальнейшего обучения, но вместо этого Харпер отправил Гомера на передовую во время Гражданской войны в США (1861–1865 гг.), Где он зарисовал сцены сражений и лагерной жизни, тихие моменты, а также хаотичные. Его первоначальные наброски были изображены лагерем, командирами и армией знаменитого офицера Союза генерал-майора Джорджа Б. Макклеллана на берегу реки Потомак в октябре 1861 года.
Лонг-Бранч, Нью-Джерси (1869; Музей изящных искусств, Бостон ).
Хотя рисунки в то время не привлекали особого внимания, они отмечают расширение навыков Гомера от иллюстратора до художника. Как и в своих городских сценах, Гомер также иллюстрировал женщин во время войны и демонстрировал последствия войны на внутреннем фронте. Военная работа была опасной и утомительной. Вернувшись в свою студию, Гомер восстановит свои силы и перефокусирует свое художественное видение. Он приступил к работе над серией картин, связанных с войной, по его эскизам, среди которых « Снайпер на пикете» (1862 г.), « Дом, милый дом» (1863 г.) и « Пленные с фронта» (1866 г.). Он выставлял картины на эти предметы каждый год в Национальной академии дизайна с 1863 по 1866 год. Дом, милый домбыл показан в Национальной Академии с особым одобрением критиков; он был быстро продан, и художник был впоследствии избран ассоциированным академиком, а затем академиком в 1865 году. В это время он также продолжал продавать свои иллюстрации периодическим изданиям, таким как « Наша молодежь» и «Уголок дымохода» Фрэнка Лесли .
После войны Гомер обратил свое внимание в первую очередь на сцены из детства и молодых женщин, отражающие ностальгию по более простым временам, как его собственным, так и нации в целом. Переход через пастбище (1871–1872; Музей американского искусства Амона Картера ).
Переход через пастбище (1871–1872; Музей американского искусства Амона Картера ).
Визит старой хозяйки (1876; Смитсоновский музей американского искусства ).
Гомера также интересовала послевоенная тема, которая передавала безмолвную напряженность между двумя сообществами, стремящимися понять свое будущее. Его картина маслом «Визит старой госпожи» (1876 г.) показывает встречу между группой из четырех освобожденных рабов и их бывшей любовницей. Формальная эквивалентность постоянных цифр предполагает баланс, который нация надеялась найти в трудные годы Реконструкции. Гомер написал эту картину по наброскам, сделанным им во время путешествия по Вирджинии.
Ближе к началу своей живописной карьеры 27-летний Гомер продемонстрировал зрелость чувств, глубину восприятия и мастерство техники, что сразу же было признано. Его реализм был объективным, естественным и эмоционально контролируемым. Один критик писал: «Уинслоу Гомер — один из тех немногих молодых художников, которые производят решительное впечатление о своей силе с самого первого вклада в Академию … Сейчас он лучше владеет карандашом, лучше моделирует, лучше раскрашивает, чем многие другие. кого, если бы это не было неприлично, мы могли бы упомянуть как постоянных сотрудников Академии ». И дома, милый домв частности: «В этом нет никакой ловушки для хлопков. Тонкость и сила эмоций, царящие в этой маленькой картине, не превзойдены на всей выставке». «Это произведение подлинного чувства, солдаты в лагере слушают вечерний оркестр и думают о далеком женах и любимых. В нем нет напряженного эффекта, нет сентиментальности, но есть сердечная, домашняя действительность, широко, свободно, и просто получилось. »
