Академизм

Ведущие художники академизма

Произведения искусства пользовались все большим спросом среди преуспевающих представителей среднего класса. Официальные выставки, арт-дилеры и широкое распространение репродукций способствовали рекламе, а самым популярным стилем оставался академизм. Среди самых знаменитых представителей — автор классических полотен на религиозные и исторические темы Вильям Адольф Бугеро (1825-1905), хотя гораздо больше известны его обнаженные нимфы. Жан-Леон Жером (1824-1904) кроме всего прочего писал портреты и картины с восточной тематикой; Поль Деларош (1797-1856) создавал грандиозные, в натуральную величину, тщательно выписанные изображения легендарных героев прошлого; любимый художник Наполеона III Александр Кабанель (18231899) придерживался классических сюжетов, а Тома Кутюр (1815-1879) был не только живописцем, но и авторитетным преподавателем. Все эти мастера успешно сочетали принципы и подходы неоклассицизма и романтизма, создавая новые интерпретации классических сюжетов. Сентиментальные темы живописных полотен были в то время в моде и вполне соответствовали требованиям академии.

Вильям Адольф Бугеро

Жан-Леон Жером

Поль Деларош

Александр Кабанель

Тома Кутюр

Классицизм в других видах искусства

Литература

В литературе основы направления заложил французский поэт Франсуа Малерб ещё в первой четверти XVII столетия. Позже в том же веке классицизм в трагедии развивал Расин, в комедии – Мольер, в жанре басни – Жан де Лафонтен.

XVIII столетие – расцвет этого стиля в прозе. Вольтер во Франции, Свифт в Британии своими трудами стремились донести идеи общественного строя по канонам классицизма. В России проводниками жанра были Ломоносов, Фонвизин, Сумароков.

Музыка

В музыке эпохой классицизма считают промежуток с середины XVIII по 20-е гг. XIX века. На первых этапах законодателем моды была Франция. В произведениях отмечено единение и, в то же время, противостояние классики и барокко.

Авторы той поры не оставили после себя значимых творений, и поэтому стиль ассоциируют с творцами второй волны. Она происходила уже не во Франции, а в Австрии. В произведениях Гайдна, Моцарта, Бетховена классицистическая музыка достигла своего пика.

Академии истории [ править ]

Первая академия искусств была основана во Флоренции в Италии Козимо I Медичи 13 января 1563 года под влиянием архитектора Джорджо Вазари, который назвал ее Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Академия и Компания искусств в Рисунок), так как он был разделен на две разные оперативные ветви. В то время как Компания была своего рода корпорацией, к которой мог присоединиться каждый работающий художник в Тоскане, Академия состояла только из самых выдающихся творческих личностей двора Козимо, и ей было поручено контролировать все художественное производство штата Медичи. В этом учебном заведении в Медичи студенты изучали «искусство дизайна» (термин, придуманный Вазари) и слушали лекции по анатомии игеометрия . Другая академия, Accademia di San Luca (названная в честь покровителя художников, Святого Луки ), была основана примерно десятью годами позже в Риме . Accademia di San Luca выполняла образовательную функцию и больше интересовалась теорией искусства, чем флорентийской. В 1582 году Аннибале Карраччи без официальной поддержки открыл свою очень влиятельную Академию Дезидерози в Болонье ; В некотором смысле это было больше похоже на традиционную мастерскую художника, но то, что он чувствовал необходимость обозначить ее как «академию», демонстрирует привлекательность идеи в то время.

Академия Сан-Лука позже послужила образцом для Королевской академии искусства и скульптуры, основанной во Франции в 1648 году и впоследствии ставшей Академией изящных искусств . Королевская академия искусства и скульптуры была основана с целью отличить художников, «джентльменов, практикующих свободное искусство», от мастеров, которые занимались ручным трудом. Этот упор на интеллектуальную составляющую художественного творчества оказал значительное влияние на предметы и стили академического искусства.

После того, как в 1661 году Людовиком XIV была реорганизована Королевская академия искусства и скульптуры , целью которой было контролировать всю художественную деятельность во Франции, среди ее членов возникли разногласия, которые доминировали в художественном отношении до конца века. Эта «битва стилей» была спором о том, подходящей ли моделью для подражания был Питер Пауль Рубенс или Николя Пуссен . Последователи Пуссена, которых называли «пуссинистами», утверждали, что линия (конструкция) должна доминировать в искусстве, поскольку она обращается к интеллекту, в то время как последователи Рубенса, называемые «рубенистами», утверждали, что цвет (цвет) должен доминировать в искусстве из-за своей обращение к эмоциям.

Дискуссия возродилась в начале 19 века, в рамках движений неоклассицизма, олицетворяемых произведениями Жана Огюста Доминика Энгра , и романтизма, олицетворяемых произведениями Эжена Делакруа . Также велись споры о том, что лучше изучать искусство, глядя на природу, или учиться, глядя на мастеров искусства прошлого.

Академии, использующие французскую модель, формировались по всей Европе и подражали учениям и стилям французской Академии. В Англии это была Королевская академия . Королевская датская академия изящных искусств , основанных в 1754 году, может быть принята в качестве успешного примера в меньшей страны, которая достигла своей цели создания национальной школы и сокращения зависимости от импорта художников. Почти все художники датского Золотого века примерно 1800-1850 гг. Прошли там обучение, и многие вернулись, чтобы преподавать, и история искусства Дании гораздо менее отмечена напряжением между академическим искусством и другими стилями, чем в других странах. .

Женщины править

Одним из следствий перехода в академии было затруднение обучения женщин-художников , которые были исключены из большинства академий до второй половины XIX века (1861 год для Королевской академии). Это было частично из-за опасений по поводу неприличия, представленного наготой. До 20-го века для студенток иногда принимались специальные меры.

Святые Глеб и Борис

Картина написана в 1942 году. В настоящее время хранится в Государственном Русском Музее Санкт–Петербурга.

На картине изображены русские святые, которые на ладье движутся к русским берегам, чтобы известить воинов Киевской Руси о победе, которую они одержат над шведами.

Воины Света и Духа торжественны. Вокруг них мягкое свечение золотисто-желтого, зеленого цветов. Столь незаметное, что зритель видит непрерывную горную цепь за ними.

Русские князья, убитые в борьбе за престол, в облике святых составляют Духовное братство, которое помогает русским на всех полях брани, где они защищают свое Отечество.

Академи́зм (фр. academisme ) — направление в европейской живописи XVII—XIX веков. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.

Академизм помогал компоновке объектов в художественном образовании, воплощал в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты.

Для русского академизма первой половины XIX века характерны возвышенная тематика, высокий метафорический стиль, многоплановость, многофигурность и помпезность. Были популярны библейские сюжеты, салонные пейзажи и парадные портреты. При сюжетной ограниченности тематики картин работы академистов отличались высоким техническим мастерством.

Карл Брюллов, соблюдая академические каноны в композиции и технике живописи, расширил сюжетные вариации своего творчества за пределы канонического академизма. В ходе своего развития во второй половине XIX века российская академическая живопись включила в себя элементы романтической и реалистической традиций. Академизм как метод присутствует в творчестве большинства членов товарищества «передвижников». В дальнейшем для российской академической живописи стали характерны историзм, традиционализм и элементы реализма.

Понятие академизма в настоящее время получило дополнительное значение и стало использоваться для описания работ художников, имеющих систематическое образование в области визуальных искусств и классические навыки создания произведений высокого технического уровня. Термин «академизм» сейчас часто относится к описанию построения композиции и техники исполнения, а не к сюжету художественного произведения.

В последние годы в западной Европе и США возрос интерес к академической живописи XIX века и к её развитию в XX веке. Современные интерпретации академизма присутствуют в творчестве таких российских художников, как Илья Глазунов, Александр Шилов, Николай Анохин, Сергей Смирнов, Илья Каверзнев и Николай Третьяков.

Академическая подготовка [ править ]

Студенты рисуют «с натуры» в Школе . Снято в конце 1800-х годов.

Молодые художники четыре года проходили серьезную подготовку. Во Франции в школу академии, École des Beaux-Arts, принимали только студентов, сдавших экзамен и имеющих рекомендательное письмо от известного профессора искусств . Рисунки и картины обнаженных тел, называемые «академиями», были основными строительными блоками академического искусства, и процедура их создания была четко определена. Сначала студенты копировали гравюры с классических скульптур, знакомясь с принципами контура, света и тени

Копия считалась важной для академического образования; копируя работы художников прошлого, можно усвоить их методы создания искусства. Чтобы перейти к следующему шагу, и к каждому последующему, ученики представляли рисунки для оценки

Демосфен на берегу моря , рисунок, получивший приз Королевской академии, 1888 год.

В случае одобрения они будут рисовать по гипсовым слепкам известных классических скульптур. Только после приобретения этих навыков художникам разрешалось посещать классы, в которых позировала живая модель. Живопись не преподавалась в Школе изящных искусств до 1863 года. Чтобы научиться рисовать кистью, студент сначала должен был продемонстрировать навыки рисования, которые считались основой академической живописи. Только после этого ученик мог попасть в мастерскую академика и научиться рисовать. На протяжении всего процесса соревнования с заранее определенным предметом и определенным выделенным периодом времени измеряли успеваемость каждого ученика.

Самым известным художественным конкурсом для студентов был Prix de Rome . Победитель Prix de Rome был удостоен стипендии на обучение в школе Французской академии на вилле Медичи в Риме на срок до пяти лет. Для участия в конкурсе артист должен быть французского происхождения, мужчиной до 30 лет и холостым. Он должен был соответствовать вступительным требованиям школы и иметь поддержку известного учителя рисования. Соревнование было изнурительным и включало несколько этапов перед финальным, в котором 10 участников были изолированы в студиях на 72 дня, чтобы написать свои последние исторические картины. По сути, победителю была обеспечена успешная профессиональная карьера.

Как уже отмечалось, успешный показ в Салоне стал знаком одобрения художника. Художники обратились в комитет по подвешиванию с просьбой об оптимальном размещении «на линии» или на уровне глаз. После открытия выставки художники жаловались на то, что их работы «завешиваются» или слишком высоко. Конечным достижением профессионального художника стало избрание в члены Французской академии и право называться академиком.

Тематическая иерархия

Академия не только контролировала профессиональное мастерство художников, но и определяла значимость различных жанров. Наивысшим статусом обладали исторические полотна, к числу которых относились также картины на мифологические и библейские темы

Следующими по важности считались портреты и пейзажи, а самую низшую ступень в этой иерархии занимали натюрморты и жанровые сцены. На протяжении всего XIX века Академия изящных искусств одобряла два основных стиля — неоклассицизм с его четкостью рисунка и романтизм с его выразительностью цвета

Сочетая элементы обоих, студенты могли создавать идеальные, с точки зрения академии, работы.

Исторический

Жан-Жак Шеррер , Жанна д’Арк, победившая англичан, возвращается в Орлеан и приветствуется населением (1887 г.), Орлеанский музей изящных искусств .

Королевской академии живописи и скульптуры была создана в 1648 году, по инициативе Лебрен , который , чтобы избежать опеки корпорации поставил себя под защиту короля Людовика XIV . Академия пропагандирует радикально новый метод преподавания изящных искусств. Неформальному обучению у начальника и наиболее часто наследственной передаче членства в корпорации он противопоставляет формализованное теоретическое и практическое образование и систему конкурсных экзаменов. Его доктрина приравнивает живопись и скульптуру к гуманитарным наукам и ставит в качестве образца произведения греко-римской античности. Его сила проистекает из монополии на королевские ордена.

Академия состоит из двух частей: Академии живописи и скульптуры и Академии архитектуры. Анатомия, геометрия, перспектива и изучение живой модели легли в основу подготовительного обучения живописи и скульптуре.

Поражение и эволюция академизма

Александр Кабанель , один из главных французских художников-академиков около 1865 года.

Вильям Бугро , Рождение Венеры (1879), Париж , Музей Орсе .

Такой тотальный контроль со стороны Академии, жюри которой отклоняет любые работы, не соответствующие канонам, не позволяет художникам исследовать другие предметы, методы или просто вносить новшества в свой творческий процесс. Также академизм подвергается резкой критике за его консерватизм. В 1846 году Салон отклонил многие работы художника- реалиста Гюстава Курбе . Если жюри Салона было упразднено революцией 1848 года , то президент Луи-Наполеон Бонапарт восстановил его после своего избрания. В 1855 году Курбе открыл рядом с Всемирной выставкой и Салоном 1855 года Павильон реализма, чтобы сгруппировать там свои картины. В 1859 году другие художники-реалисты, которым жюри было отказано (например, Фантен-Латур , Легро и Рибо ), были отмечены на выставке в частном доме художника Франсуа Бонвена .

В 1863 году конфликт распространился на движение импрессионистов : жюри из 5000 предложенных работ отклонило 3/5. Столкнувшись с критикой, бывший президент и новый император Наполеон III согласился создать Салон отказов , который проходит во Дворце промышленности . Этот Салон отказов длится недолго, но он знаменует собой явный разрыв между академическими художниками и другими. В 1868 году, благодаря поддержке члена жюри Шарля-Франсуа Добиньи , импрессионисты были приняты в Салон. Другие отказные салоны были открыты в 1873, а затем в 1875 году; В 1881 году Салон живописи и скульптуры был реформирован и стал Салоном французских художников , объединившим все направления.

1897 год подтверждает поражение академизма. Эдуард Мане , Эдгар Дега , Камиль Писсарро , Клод Моне , Огюст Ренуар , Сислей и Поль Сезанн входят в официальное учреждение, Люксембургский музей , зарезервированное для государственных комиссий. Завещание Гюстава Кайботта , покровителя импрессионистов, коллекционера и самого художника, было принято после трех лет ожесточенных боев (первоначально допускались только картины Дега). Решение вынес Государственный совет, утверждая, что эти работы были де-факто частью истории французской живописи. На самом деле груша была разрезана на две части: из 67 полотен 29 были отклонены, Жером пригрозил уйти со своей кафедры профессора изящных искусств, квалифицировал эти полотна как «мусор» и увидел, что их вхождение в Люксембург является знаком «конец нации».

Умножились течения авангарда. Сами Академия и Школа изящных искусств стали более эклектичными, отмечает Клэр Барбийон . Будучи отвергнутой Второй империей, за исключением некоторых упрощенных форм, « натурализм был принят большинством официальных художников Третьей республики», — пишет она. Что касается символизма , то он объединяет «формально вполне традиционных художников» , таких как Гюстав Моро , и радикально новаторских художников, таких как Гоген или Одилон Редон .

Открытие музея Орсе в 1986 году вызовет горячие споры во Франции. Многие увидят в этом реабилитацию «пожарных», даже «ревизионизма». Андре Шастель, однако, еще в 1973 году считал, что есть «только преимущества в замене глобального осуждения осуждением, наследие старых битв, тихое и объективное любопытство». »

Абстракционизм (1942-1945): Ли Краснер, первый успех и эксперименты

В 1942 году в студию к Джексону без предупреждения заявилась девушка со словами «Я знаю всех абстракционистов Нью-Йорка, кроме Вас!». Это была Ли Краснер — художница из русско-еврейской семьи, когда-то переехавшей из Украины в Америку. Через три года Джексон и Ли поженились.

Ли Краснер, художница и жена Джексона Поллока Джексон Поллок и Ли в студии

Будучи художницей, Ли понимала тягу Джексона к искусству как никто другой. Для мужа она стала настоящим другом и поддержкой, занималась его продвижением и верила в его талант. Её собственная карьера не была такой удачной, потому что успех Джексона стоял на первом месте: «Он может дать искусству гораздо больше, чем я!». Тем не менее на протяжении всей своей жизни Ли продолжала писать и экспериментировать в живописи.

После начала отношений с Ли дела у Джексона пошли в гору: во многом благодаря ей в 1943 году он подписал контракт с известным коллекционером искусства Пегги Гуггенхайм. В том же году состоялась его первая персональная выставка. Всю свою дальнейшую карьеру Джексон сотрудничал с Пегги, которая продвигала творчество Поллока и других известных абстракционистов. По Нью-Йорку ходили слухи, что Гуггенхайм состояла в интимных отношениях с большим количеством мужчин, в том числе и из богемных кругов. Многие приписывали ей интрижку и с Джексоном.

Пегги Гуггенхайм, агент Джексона Поллока

Работы Джексона этого периода выполнены по классическим канонам абстракционизма: отказ от изображения реальных предметов, нарушение формы и перспективы, эксперименты с цветом.

Поллок начинает создавать свои работы на холстах непривычно больших размеров. Его работа «Фреска» имеет шесть метров в длину и почти два в ширину.

Джексон Поллок, «Фреска», 1943

Кстати, «Фреска» была создана при необычных обстоятельствах: Пегги Гуггенхайм заказала её у Джексона для своего таунхауса на Манхэттене. Сама арт-дилер не была до конца уверена в таланте Поллока и поддалась уговорам своего помощника Говарда Путцеля и художника Марселя Дюшана, которые видели потенциал в начинающем абстракционисте. Зарплата составляла 150$ в месяц, что на те времена было большой суммой. Деньги были нужны как никогда, потому что Джексон и Ли едва сводили концы с концами, часто отдавая последнее за квартиру и не имея средств на еду и краски.

Но оказалось, что Поллок не мог начать рисовать. Как говорила Ли, он смотрел на пустой холст днями, дни складывались в недели, а недели в месяцы. Гуггенхайм всё больше раздражалась и в итоге выдвинула ультиматум: либо Джексон заканчивает работу до января, либо он может распрощаться со своей карьерой. Вечером перед установленной датой холст всё так же оставался нетронутым, но когда Пегги проснулась утром, то на пороге стоял Джексон со свёрнутым полотном в руках — произведение было создано за ночь.

Эта красивая история была отражена в одной из самых известных биографий Поллока, выигравшей Пулитцеровскую премию: «Джексон Поллок: Американская сага» (Стивен Найфе и Грегори Уайт Смит, 1989). Однако в 2014 году американские Музей Гетти и Институт Сохранения Гетти опровергли этот слух, опубликовав , в котором показали, что между нанесением различных слоёв на холст прошло минимум несколько недель. Тем не менее вполне вероятно, что большая часть работы — финальный слой — была создана за сутки.

Академизм — авторитетный, виртуозный и консервативный стиль

Академизм (académisme) — самое «долгоживущее» направление в европейском изобразительном искусстве. Оно зародилось ещё в XVI веке, обрело силу в XVII-XIX столетиях, а отголоски звучат и в работах современных художников. Академизм:

По форме академизм как стиль представлял собой канонизированный вариант сначала ренессансного искусства, а затем классицизма. Но в границах этого художественного вектора выделяется немало ветвей. Например, для Франции характерна классицистически-академическая доктрина, на почве которой появились салонная живопись и пышный ампир. В Италии утвердилась барочно-академическая традиция.

Были и авторы, сочетавшие академичность с изящным рококо.

Академическая живопись, несмотря на свой консервативный характер, всё-таки развивалась, эволюционировала, впитывала художественные достижения талантливейших мастеров (но, как правило, после того, как они переставали быть новаторскими и обретали всеобщее признание).

Если взглянуть на произведения мастеров-академистов конца XVI и конца XIX столетий, разница будет очевидна: у первых больше ренессансных черт и элементов маньеризма, у вторых — заметно влияние неоклассицизма, ампира, романтизма и даже реализма.

Академическое направление не было абсолютно замкнутым и неизменным. Совершенствовалась техника, появлялись новые сюжеты. Но всё-таки эти изменения никогда не были революционными: основы академической традиции оставались неизменными.

Критика и наследие

Карикатура (Французский буржуазия): В этом году снова Венеры … Всегда Венеры!. Оноре Домье, №2 из серии в Le Charivati, 1864.

Академическое искусство сначала подверглось критике за использование идеализм, от Реалист художники, такие как Гюстав Курбе, как основанные на идеалистических клише и представляющие мифические и легендарные мотивы, в то время как современные социальные проблемы игнорировались. Еще одна критика со стороны реалистов: «ложная поверхность»картин — изображенные объекты выглядели гладкими, гладкими и идеализированными — не имели реальной текстуры. Реалист Теодюль Рибо работал против этого, экспериментируя с грубыми, незаконченными текстурами в его картинах.

Стилистически Импрессионистов, который быстро выступил живопись на открытом воздухе именно то, что видит глаз и что ставит рука, критикует законченный и идеализированный стиль живописи. Хотя академические художники начинали рисовать, сначала рисовали, а затем рисовали. эскизы маслом Что касается предмета, то высокая полировка, которую они придавали своим рисункам, казалась импрессионистам равносильна лжи. После масляного наброска художник создавал финальную картину с академическим «фини», изменяя картину в соответствии со стилистическими стандартами и пытаясь идеализировать изображения и добавить идеальные детали. Так же, перспектива Построен геометрически на плоской поверхности и на самом деле не является продуктом зрения, импрессионисты отказались от приверженности механическим техникам.

Реалисты и импрессионисты также отказались от размещения натюрморта и пейзажа в нижней части иерархии жанров

Важно отметить, что большинство реалистов, импрессионистов и других представителей раннего авангарда, восставших против академизма, изначально были учениками академических школ. ателье

Клод Моне, Гюстав Курбе, Эдуард Мане, и даже Анри Матисс были учениками академических художников.

Так как современное искусство и его авангард приобрел большую силу, академическое искусство стало еще более очерняться и рассматриваться как сентиментальное, клишированное, консервативное, неинновационное, буржуазный, и «без стиля». Французы насмешливо называли стиль академического искусства L’art Pompier (помпезный означает «пожарный») со ссылкой на картины Жак-Луи Давид (которого уважала академия), на котором часто изображались солдаты в касках, похожих на пожарные. Картины назывались «грандиозными машинами», которые, как говорили, вызывали ложные эмоции с помощью уловок и уловок.

Это очернение академического искусства достигло своего пика в трудах искусствоведов. Клемент Гринберг который заявил, что все академическое искусство «китч». Другие художники, например Художники-символисты и некоторые из Сюрреалисты, были добрее традиции[нужна цитата]. Как художники, которые стремились воплотить в жизнь воображаемые виды, эти художники были более склонны учиться у строго репрезентативной традиции. Когда традиция стала считаться старомодной, аллегорический Обнаженные тела и театрально поставленные фигуры показались некоторым зрителям причудливыми и сказочными.

С целями Постмодернизм Благодаря более полному, социологическому и плюралистическому изложению истории академическое искусство было возвращено в учебники истории и дискуссии. С начала 1990-х академическое искусство даже пережило ограниченное возрождение через Классический реалист ателье движение. Кроме того, искусство получает все более широкое признание широкой публики, и если академические картины когда-то продавались на аукционах всего за несколько сотен долларов, то теперь за некоторые можно купить миллионы.

Репутация и статус

Первоначально академическая система создавалась, чтобы укрепить позиции художников, подчеркнуть их иную, по сравнению с ремесленниками, роль. Поскольку и те и другие занимались «ручным трудом», упор делался на интеллектуальную составляющую творчества. Подготовка художника предполагала многолетнюю кропотливую учебу, изучение методов мастеров прошлого, обучение техническим приемам — и все это после того, как студенты уже сдали вступительный экзамен, имея рекомендации от известного преподавателя. Потом еще несколько лет студент копировал шедевры классической живописи и скульптуры, чтобы понять, каким образом передается форма и цвет объекта. Усвоив этот материал, он переходил к рисованию с натуры классических статуй и, достигнув необходимого уровня мастерства, получал разрешение изображать живых натурщиков.

К занятиям живописью допускали только тех, кто достиг совершенства в рисунке. Лишь после того, как студент овладел техниками работы с цветом, он поступал в мастерскую признанного академического художника. Все преподаватели были членами академии — и официально назывались академиками. Кульминацией прохождения через все эти стадии становилось признание студента «ассоциатом искусств», что означало, что он может работать в качестве профессионального художника. Если он продолжал работать в официально одобренном академией стиле, то мог претендовать на получение почетного звания академика.

Святой Сергий Радонежский

Картина написана в 1932 году. Находится в Государственной Третьяковской галерее. По воспоминаниям окружения Николая Рериха, житие Сергия Радонежского всегда интересовало художника и вызывало желание этот образ отразить на холсте.

После смерти подвижника не осталось никаких записей, только воспоминания современников. Только его молитвенный подвиг во время битвы с Мамаем (Куликовская битва) заставляют преклоняться перед этим человеком, который поднимал веру воинов для борьбы с полувековым рабством.

На переднем плане картины изображен Сергий. Величественно красив и добр. В руках у него символ души человеческой – храм Божий. Тепло и уютно ей быть в руках Преподобного.

Художник преклоняется перед этим человеком и любит его. «Преподобный отче наш Сергий, моли Бога за нас» – так звучат слова молитвы, и они будут услышаны.

Матерь Мира

Написана картина в 1924 году. Хранится в Музее Николая Рериха в Нью-Йорке.

Полотно выполнено в синих, голубых, фиолетовых, золотых оттенках. От него невозможно оторвать взгляд.

Картина «затягивает», заставляет вдумываться в то, что находится перед глазами. Удивительный феномен, что чем дольше смотришь на нее, тем больше расширяется пространство в ней. Появляется ощущение бесконечности.

На переднем плане перед зрителем на троне восседает женщина. Царственная особа. Это образ мощной, живительной силы, космической по масштабам и по возможностям – Женской Энергии.

Те, кто развивает ее в себе, становятся более восприимчивыми к прекрасному, к любви, к постижению вечных истин и ценностей.

Те, кто разрушает ее, фактически лишает себя источника вселенской подпитки, вселенского разума, интуиции.

Обращает на себя внимание то, что лицо женщины закрыто на половину. Здесь можно мысленно дорисовать скрытые покрывалом черты лица

Искусствоведы говорят о том, что скрытая часть – это то, что еще предстоит пройти, пережить. Понять. Открытая часть лица символизирует уже достигнутые высоты, которым надо иметь смелость следовать.

Выставки

Официальной художественной выставкой Академии изящных искусств был Парижский салон. Это была самая престижная выставка многих десятилетий. Первый Парижский салон был проведен в 1667 году и до 1791 в нем были представлены работы только представителей Академии. Салон приобрел еще больший статус после 1748 года. Тогда из академиков создали комиссию, решающую какие картины будут экспонированы.

Каждый художник старался представить свои лучшие работы, которые могли бы понравиться жюри с их академическими требованиями. Даже карьера и репутация живописца могли зависеть от одобрения работы академией и ее успеха на выставке.

Начиная с 1725 года салон проводили ежегодно, и для всей художественной жизни он был главным событием.

Имея огромное влияние на искусство в Европе, Парижский салон также был и механизмом Академии вынудить художников работать по устаревшим и все более строгим эстетическим нормам. Неудивительно, что все стремительней развивающееся сопротивление художников привело к расколу в 1863 году, несмотря на пик популярности салонов в середине 19 века.

Причиной первой трещины стал скандал из-за отказа комиссии принять на выставку 2000 работ. Отклоненные произведения, получив название Салон отверженных, все же смогли быть выставлены благодаря содействию императора Наполеона III.

После этого события многие художники организовывали свои собственные выставки, что постепенно разрушило статус Парижских салонов.

Парижский салон существует и проводится до сих пор, но только в качестве известной и престижной художественной выставки.

Академия трех знатнейших художеств — колыбель академической живописи

Это учебное заведение стало первым заведением в России, выполнявшим функцию такую же, как в свое время Французская академия. Основателем Академии трех знатнейших художеств, как она тогда называлась, стал граф Иван Иванович Шувалов, человек, близкий к трону императрицы Елизаветы Петровны и попавший в опалу при Екатерине II.

Под тремя знатнейшими художествами имелись в виду живопись, скульптура и архитектура. Этот факт нашел отражение в облике здания, возведенного для академии на Университетской набережной Невы по проекту Ж. Б. Валлен-Деламота и А. Кокоринова: на куполе восседает покровительница искусств и ремесел богиня Афина, а у ее ног расположились три путти, как раз и символизирующие знатнейшие искусства. Первым из них, разумеется, была живопись.

В академии преподавали и работали совместно с учениками известнейшие мастера Европы. Кроме базовых теоретических знаний, студенты академии имели возможность наблюдать за работой знаменитых европейских мастеров и учиться у них на практике.

В процессе обучения юные художники учились писать и рисовать с натуры, изучали пластическую анатомию, архитектурную графику и др. По окончании обучения все выпускники выполняли конкурсную работу на указанную тему, как правило, мифологического сюжета, в академической манере. В результате конкурса определялись наиболее талантливые работы, их авторы награждались медалями разного достоинства, высшие из которых давали право на бесплатное продолжение обучения в Европе.

Российские академисты

Принято выделять два этапа в академическом направлении западноевропейской живописи: академизм конца XVIII — начала XIX вв. и второй половины XIX в. Среди художников первого периода выделяют Ф. Бруни, А. Иванова и К. П. Брюллов. Среди мастеров второго периода — художники-передвижники, в особенности Константин Маковский.

Основными особенностями академизма конца XVIII — начала XIX вв. считаются:

возвышенность тематики (мифологическая, парадный портрет, салонный пейзаж);
высокая роль метафоричности;
многоплановость и многофигурность;
высокое техническое мастерство;
масштабность и помпезность.

Во второй половине 19 века в академизме живописи перечень этих характеристик расширился за счет:

включения элементов романтизма и реализма;
использования исторической тематики и местных традиций.