Сюрреализм

Сюрреализм в России

Самые известные современные художники-сюрреалисты в России – Вячеслав Иванов и Борис Индриков. Вячеслав Иванов родился на родине Марка Шагала – в Витебске. Он создает удивительные работы, в которых фантастические сюжеты мастерски вписываются в реальность, открывая новые смыслы.

Вячеслав Павлович Иванов «Ветер странствий»

Картины в стиле сюрреализм создает и Борис Индриков, который поражает воображение не только своими запоминающимися работами, но и фразами, отражающими суть творчества. «Картина – это дверь в параллельный мир. Мир, где всё по-другому. Другие законы, другие линии и формы, – пишет Борис Индриков. – Это мой мир. Возможно, я из него пришел и в него вернусь».

Стилистика работ Бориса Индрикова

Апофеоз искусства и культ художника-творца

Ни в древности, ни в средние века человек не ощущал такой силы, такой власти над всем сущим, включая самого себя. Теперь ему не нужна Божья благодать, без которой, в силу своей греховности, он не смог бы справиться с недостатками своей «поврежденной» природы, как считали в Средние века. Он сам является творцом, и поэтому фигура художника-творца становится как бы символом Ренессанса.

Любая деятельность, будь то деятельность художника, скульптора, архитектора или инженера, мореплавателя или поэта, сегодня воспринимается иначе, чем в древности и средневековье. Древние греки ставили созерцание выше деятельности (единственным исключением была государственная деятельность). Это понятно: созерцание (по-гречески «теория») ведет человека к вечному, то есть к самой сути природы, в то время как деятельность погружает его в преходящий, мирской мир «мнений». В Средние века отношение к деятельности несколько меняется. Христианство рассматривает труд как своего рода искупление грехов («в поте лица твоего будешь есть хлеб твой») и больше не считает работу, даже физическую, рабским трудом. Высшей формой деятельности, однако, является та, которая ведет к спасению души, и во многом она связана с созерцанием: Молитва, литургический ритуал, чтение священных книг. Только в эпоху Возрождения творческая деятельность приобрела некий сакральный (священный) характер. С ее помощью человек не только удовлетворяет свои чисто земные потребности, он создает новый мир, творит красоту, создает самое высокое, что есть в мире — самого себя.

И не случайно Ренессанс впервые размыл границу, существовавшую ранее между наукой (как пониманием бытия), практической и технической деятельностью, которая называлась «искусством», и художественным воображением. Инженер и художник теперь не просто «художник» или «техник», каким он был в античности и средневековье, а творец. Отныне художник подражает не только творениям Бога, но и самому божественному творению. В творении Бога, то есть в природных вещах, он стремится увидеть закон их устройства. В науке такой подход мы находим у И. Кеплера, Г. Галилея, Б. Кавальери.

Ясно, что такое понимание человека очень далеко от античного, хотя гуманисты считают себя возрождающими античность. Пропасть между Ренессансом и античностью прочертило христианство, которое вырвало человека из космической стихии и соединило его с трансцендентным Творцом мира. Этот личный и свободный союз с Творцом заменил первоначальное языческое закрепление человека в космосе. Человеческая личность («внутренний человек») обрела невиданную ранее ценность. В Средние века, однако, ценность личности основывалась на единстве человека с Богом, и поэтому не была автономной: человек не имел собственной ценности, отдельной от Бога.

В эпоху Возрождения человек стремился освободиться от своего трансцендентного корня и искал опору не столько в космосе, из которого он вырос, сколько в самом себе, в своей углубленной душе и в своем теле, которое теперь предстало в новом свете и через которое он теперь по-новому видел телесность в целом. Парадоксально, но именно средневековая доктрина телесного воскресения человека привела к «реабилитации» человека со всем его материальным телом, столь характерной для эпохи Возрождения.

С антропоцентризмом связан культ красоты, характерный для эпохи Возрождения, и не случайно доминирующим видом искусства в этот период становится живопись, изображающая в первую очередь прекрасное человеческое лицо и тело. В великих художниках — Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэле получает высшее выражение мировоззрение эпохи Возрождения.

Влияние эпохи на мир

Русская, французская и итальянская линии в развитии Ренессанса различаются. Расцвет культуры и ее развитие, революционные изменения в обществе и всех ее слоях не могли остаться незамеченными в мире.

Выдающиеся имена эпохи Возрождения, которые внесли изменения в мировоззрение поколений — Петрарка, Боккаччо, Брунеллески, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело. Их открытия в искусстве, науке, технике стали основой для дальнейшего совершенствования.

Развитие охватывает астрономию и приводит к космическим полетам, опыты в области медицины позволяют современным врачам побеждать самые сложные болезни. Музыкальные композиции, произведения литературы, театральные постановки – образец для подражания современным поэтам и писателям. Всего этого не было бы без прорывных и смелых взглядов людей эпохи Возрождения.

Рафаэль Санти

Рафаэль Санти (известен всем нам как Рафаэль) родился в Урбино у Джованни Санти — придворного живописца. Молодой Рафаэль, начал свое обучение при дворе, где вдохновлялся работами великих художников, таких как Андреа Мантенья и Пьеро делла Франческа. Рафаэль был также учеником Пьетро Перуджино, и его ранние работы отражают влияние его учителя – представителя Итальянского Возрождения. В периоде 1500 и 1508 Рафаэль работал в центральной Италии, и был известен изображениями Мадонн и портретами. В 1508 Папа Римский Юлий II обратился к нему с просьбой украсить папские комнаты в Ватикане, где он выполнил свои лучшие работы, такие как «Афинская Школа» в станце делла Сеньятура.

«Санти»

Что значит «Ренессанс»

Под термином «Ренессанс» обычно понимают период, начавшийся в XIV и за­вершившийся примерно в XVII столетии, — что-то вроде моста между европей­ской культурой Средневековья и Нового времени. Хотя термин сегодня воспри­нимается как нечто само собой разумеющееся, самоназванием эпохи он не был. Историк и художник Джорджо Вазари в «Жизнеописаниях наиболее знамени­тых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550) термином rinascita (дословно «воз­рождение») противопоставлял новое искусство, идущее от Джотто к Брунел­лески, Альберти, Леонардо, Рафаэлю, Микеланджело и прочим мастерам, «вар­варскому» готическому стилю. При этом он имел в виду художественный про­рыв, а отнюдь не возвращение к античным истокам. Зато Франческо Петрарка, которого традиционно считают первым ренессансным литератором, призывал прежде всего воскресить античный канон, а главное — классическую латынь, очистить язык от наслоений варварских Средних веков. Несложно увидеть, что два этих автора под «ренессансом» имели в виду принципиально разные вещи.
В середине XIX века, после выхода книги Жюля Мишле «История Франции в XVI веке: Ренессанс», историки начали называть на французский манер весь период с XIV по XVI век. Термин прижился: уже через пять лет вышел хресто­матийный труд Якоба Буркхардта «Die Kultur der Renaissance in Italien» («Куль­тура Италии в эпоху Возрождения»). Постепенно слово «ренессанс», или «воз­рождение», стали при­менять более широко, имея в виду любой интерес к воз­обновлению утрачен­ного знания. Например, расцвет литературы, теологии, юриспруденции и про­чих знаний при Карле Великом и его потомках (VIII–IX века) нередко описыва­ется как Каролингское возрождение, а Возрождением XII века называют взлет науки, философии и поэзии в Европе, связанный с переводом на латынь множества прежде неиз­вестных текстов — не только с греческого, но и с арабского языка.

Франческо Петрарка. Гравюра Франческо Аллегрини. 1761 год

Некоторые современные историки считают, что эпоху от Петрарки до XVII века честнее называть ранним Новым временем (early modern period). Во-первых, такой термин вбирает в себя реалии, затронувшие все слои населения (низшие сословия вряд ли читали греческих авторов или изучали древние архитектур­ные ордеры). Во-вторых, представление о Средневековье как о временном про­вале в тьму, после которого вновь воссиял свет классической культуры, давно устарело. Впрочем, термин «раннее Новое время» не вытеснил «Ренессанс». Подтверждением тому служит, к примеру, Ренессансное общество Америки — ассоциация, в которую входит около четырех тысяч специалистов по культуре, истории, науке Ренессанса, проводящая ежегодные конференции с сотнями участников. Можно смело заключить, что релевантны оба термина: один боль­ше относится к социальной и экономической истории, второй — к истории культуры.

Автопортреты 1629 г.

Рембрандту всего 23 года, и он полон энергии, жажды знаний и творчества. Он изображает свой облик без прикрас. Взгляните на портрет выше, и вы увидите юношу с копной рыжих волос, непослушной прядью, поэтически спадающей на низкий лоб, и вдумчивыми, но печальными глазами. За счет того, что средняя горизонталь, т.е. воображаемая линия, делящая картину пополам, проходит не на уровне глаз, голова кажется слегка приподнятой, а взгляд направлен немного сверху.

На этой картине тоже изображен Рембрандт Ван Рейн. Автопортрет схож с предыдущим, но в то же время отличается своей атмосферой. Здесь мы видим художника в более строгой позе. Сын мельника, избравший для себя нелегкий путь живописца, судит о себе довольно высоко, перед зрителем предстает настоящий рыцарь. Внешняя сдержанность скрывает силу воли и ум, сосредоточенность и целеустремлённость.

Леонардо Да Винчи

Продолжительность жизни: 15 апреля 1452 г. — 2 мая 1519 г.

Национальность: итальянец

Леонардо Да Винчи

Леонардо да Винчи был идеальным человеком эпохи Возрождения, величайшим Вселенским Гением, который, помимо прочего, был художником, математиком, инженером, архитектором, ботаником, скульптором и анатомом. Однако, в течение четырех столетий после его смерти его слава, прежде всего, почивала на лаврах художника. Детальное знание анатомии, света, ботаники и геологии помогло ему создать некоторые из самых известных шедевров в истории. Да Винчи известен тем, что запечатлевает тонкие выражения, благодаря которым его картины выглядят более живыми, чем другие. Он сделал многочисленные вклады в области искусства, включая его пионерские методы, известные как сфумато, плавный переход от света к тени; и чиароскуро, использование сильных контрастов между светом и темнотой для достижения трехмерного эффекта. Да Винчи нарисовал Мона Лизу, самую известную картину в мире. Другие известные работы в его искусстве включают «Тайную вечерю», наиболее воспроизводимую религиозную живопись; и Витрувианский Человек, один из самых воспроизводимых художественных образов. Леонардо да Винчи, без сомнения, самый известный художник эпохи Возрождения.

Шедевр: Мона Лиза (1517)

Мона Лиза (1517)

Другие известные работы:

• Тайная вечеря (1498)
• Витрувианский человек (1490)

Хозяева и арендаторы

Владельцами инсул были состоятельные и уважаемые римские граждане. Они наживались на арендной плате. Владельцем инсул был, например, знаменитый оратор Цицерон. Из комфортабельного поместья под Путеолами оратор писал своему другу Аттику, что у него обрушилось две лавки в Риме, а в остальных появились трещины, поэтому оттуда переселились не только арендаторы, но и мыши. Нанятый Цицероном архитектор перестраивал инсулы, и оратор со временем мог брать за них большую плату.

Цицерон был крупным владельцем жилой собственности. Ему принадлежала восьмая часть инсулы около храма Стренуи, несколько инсул в районе Аргилет и на холме Авентин. Кроме того, он владел жилыми домами в Путеолах.

Вкладывал деньги в жилую собственность и брат Цицерона Квинт. Их друг Тит Помпоний Аттик, как подчёркивает его биограф, владел всего двумя сельскими усадьбами. Основной доход ему давали владения в Эпире и самом Риме. В эпоху Поздней Республики вкладывать деньги в жилые дома для сдачи в аренду было нормальной практикой для нобилей.

В эпоху Юлиев-Клавдиев появляются люди, которые занимались сбором платы с жителей инсул. Есть упоминания о нобилях, владевших инсулами. Например, такой жилой дом принадлежал Марку Веттию Болану, занимавшему в разные годы посты наместника Британии и Азии.

Инвестирование в городскую собственность оставалось нормальной практикой на протяжении эпохи Принципата. В начале 3-го века н. э. юрист Ульпиан писал, что арендная плата идёт, в том числе, от помещений, которые сдаются под публичные дома. Большинством инсул владели аристократы. Но иногда они могли достаться людям и среднего достатка. Петроний в «Сатириконе» упоминает, что женщины часто владеют городской собственностью, полученной по наследству. Собственность в жилых домах становилась и частью приданого.

Плата за проживание вносилась раз в полгода. Владелец инсулы мог сдать её в аренду другому дельцу, который, в свою очередь, начинал сдавать от себя отдельные квартиры. Иногда дельцы приобретали по сходной цене участок на месте сгоревшего дома. Так крупным собственником в Риме стал, например, Марк Красс.

Вещи арендаторов становились залогом для хозяина дома. Он мог забрать их вместо просроченной оплаты. Арендаторы квартир могли лишиться своих вещей, оставленных в инсуле, потому что главный арендатор не расплатился с владельцем дома. Неплательщика также могли блокировать в его комнатах — вынуть ступеньки лестницы. Когда человек находил какой-то способ расплатиться, его выпускали.

Известны примеры, когда владельцами инсул становились вольноотпущенники. Тримальхион в «Сатириконе» зачитывает завещание, в котором раздаёт часть собственности (вместо со свободой) рабам.

Иногда инсулы в качестве уплаты штрафа или в ходе передачи выморочного имущества становились государственной собственностью. Зафиксированы государственные служащие, занимавшиеся наблюдением за инсулами, находящимися в собственности государства.

Писатель Авл Геллий сохранил историю, как ритор Антоний Юлиан и его друзья наблюдали во время прогулки пожар инсулы на холме Циспии. Один из друзей заметил, что доходы собственников в городе велики, но велики и риски. Если бы существовало надёжное средство от пожара, он продал бы свои сельские владения и всё вложил в городскую собственность.

Как распознать эпоху Возрождения?

Ренессанс затянулся практически на два столетия, поэтому многочисленные работы живописцев пестрели разнообразием. Давайте, попробуем разобраться в основных признаках искусства Возрождения.

Естественный свет

Первым, кто начал обратил внимание на точку перспективы был Томмазо Мазаччо. На его картинах задний фон приобретал трехмерность

А свет падает не из одного источника, а сразу из нескольких, что подчеркивает естественность. Бесспорным авторитетом ренессанса был Леонардо да Винчи. Он отличался работой сразу с несколькими источниками освещения. Живописец старался наполнить фон интересной для зрителя фактурой.

Еще одним великим мастером Возрождения считается Сандро Боттичелли. Но художник весьма условно использовал научный подход в своих произведениях. Он не интересовался игрой света и теней, у фона нет перспективы.

Уникальное положение фигур

Картинка взята с сайта YouTube

Рациональное искусство часто можно распознать по пропорциям персонажей полотна и их расположение в пространстве. В отличие от готики фигуры ренессанса получали характер и индивидуальность. Пропорции вполне соответствовали стандартным параметрам. Первым, кто придумал изображать героев полотна на земле, а не висеть в пространстве, стал тот же Мазаччо.

А вот Боттичелли при выписывании персонажей больше склонялся к средневековью. Фигуры нечетко располагаются в пространстве. Создается ощущение будто они висят в воздухе, хотя должны твердо стоять на земле. Также страдает пропорциональность фигур.

Геометрия

Один из главных признаков ренессанса был позаимствован из архитектуры. Самым известным любителем геометрии считался Пьеро делла Франческа. Неспроста он увлекался ей в живописи, ведь художник интересовался математикой и даже является автором двух трактатов. Отличительная черта геометрии – четкие детали интерьера, игра света и теней.

Еще одним поклонником «математики» в живописи был Леонардо да Винчи. Особо ярко техника проявляется в незаконченном полотне «Поклонение волхвов». Мадонна и волхвы выписаны четче остальных персонажей, что позволяет рассмотреть треугольник, являющийся центром картины

Люди возле Богоматери формируют полукруг, что сильней акцентирует внимание на глубину и насыщенность пространства

Что такое маньеризм

Стоит только взглянуть на работу Россо Фьорентино «Святое семейство», которая была написана в 1520 году, чтобы понять, что время Ренессанса закончилось. Приверженность к золотым краскам, диспропорциональности персонажей и отсутствию внятного заднего фона явно напоминают о готическом каноне, но в то же время становятся элементами нового течения.

«Святое семейство», 1520. Источник

Молодые художники перешли от изучения природных явлений к намеренной искусственности. Пейзажи свелись к минимуму, фигуры вновь начали удлиняться и терять пропорции, а центр перспективы и архитектурное понятие пространства были выброшены на свалку.

Непропорциональные фигуры на картинах никак не соотносились друг с другом, свет вновь начал исходить из разных точек.

Рациональный Ренессанс — это не отдельный период, а скорее маленькая группа художников, предлагающая новый подход в искусстве, авангардисты XV века.

Уорхол и Баския: неоэкспрессионистский поп-арт

Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския — культовые художники, без которых сложно представить историю искусства ХХ века, но разные по темпераменту, жанру и манере. И всё же они сумели объединиться. Одну из их совместных картин даже можно увидеть в Мраморном дворце Русского музея.

Однажды Баския, молодой и дерзкий, подошел в ресторане к уже зрелому и состоявшемуся художнику Энди Уорхолу и показал свои рисунки, рассчитывая на одобрение и поддержку. Тот усмехнулся, однако позже рассмотрел в темнокожем юнце гения.

В дуэте Баския искал славы, а Уорхол — свежести, новизны и молодости.

Работали они в мастерской мэтра, но независимо друг от друга: Энди раскрашивал контуры предметов, спроецированные на полотно проектором, а Баския поверх этого экспрессивно набрасывал краску. В итоге картина напоминала рекламный постер, залитый пятнами.

Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския «Без названия» (1984)

Портрет Арнольфини

Художник: Ян ван Эйк

Год выпуска: 1 434

Портрет Арнольфини (1434) — Ян ван Эйк

Ян ван Эйк был фламандским художником, одним из самых выдающихся художников раннего Возрождения. Его самая известная работа — «Портрет Арнольфини» — двойной портрет в полный рост, скорее всего, изображающий итальянского купца Джованни ди Николао Арнольфини и его жену. Картина также известна как Свадьба Арнольфини. Женщина на картине — не его первая жена Констанца Трента, так как она умерла в 1433 году. С 1861 по 1990-е годы считалось, что изображенной женщиной была Джованна Сенами, но в 1994 году выяснилось, что свадьба Джованни Арнольфини и Джованны Сенами произошло в 1447 г., через шесть лет после смерти Ван Эйка. Следовательно, ее личность до сих пор остается неизвестной. Портрет Арнольфини считается одной из самых оригинальных и сложных картин в западном искусстве. Он особенно известен своей красотой, сложной иконографией и точным использованием выпуклого зеркала. Портрет Арнольфини, пожалуй, самая известная картина в Национальной галерее.

Джотто (1267—1337).

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент. 

Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле  Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

Картины шариковой ручкой

Автор Самуэль Сильва (Samuel Silva)

Самое интересное в работах этого художника это то, что они нарисованы исключительно шариковыми ручками — 8 цветов.

Большинство картин 29-летнего Сильвы списаны с фотографий, которые ему наиболее понравились.

Чтобы нарисовать один портрет, художнику нужно около 30 часов кропотливой работы.

Стоит отметить, что рисуя шариковыми ручками, художник не имеет право на ошибку, т.к. исправить будет почти невозможно.

Самуэль не смешивает чернила. Вместо этого штрихи разных цветов наносятся слоями, что и дает картине эффект богатой палитры цветов.

По профессии молодой художник юрист, а рисование — это лишь его хобби. Первые рисунки были сделаны еще в школьные годы в тетрадях.

Кроме ручек, Самуэль пробует рисовать мелом, карандашом, масляными красками и акрилом.

Картины акрилом

Автор Том Мартин (Tom Martin)

Этот молодой 28-летний художник родом из города Вэйкфилд, Англия. В 2008 году он с отличием окончил Университет Хаддерсфилда (University of Huddersfield), получив степень бакалавра в области искусства и дизайна.

То, что он изображает в своих картинах связанно с образами, которые он видит каждый день. Сам Том ведет здоровый образ жизни, и это влияет на его работы.

В картинах Мартина можно найти кусок стали или разложенные конфеты, и во всем этом он находит что-то свое, особенное. 

Его целью не является простое копирование изображения с фотографии, он рисует картины, используя несколько техник рисования и моделирования, которые были разработаны с использованием современных технологий.

Бывает так, что автор показывает зрителю свои гиперреалистичные работы, с ситуациями, которые физически невозможны в настоящем мире.

Цель Мартина — заставить зрителя поверить в те вещи, который он перед собой видит.

Фантастические твари и их моральное значение

Чудовища в Средние века зачастую были аллегорическими фигурами. Бестиарии, описывая различных существ (реально существующих и вымышленных), указывают на их символический смысл, сопровождая миниатюры духовными предупреждениями. Яркий пример такого произведения в раннехристианском мире — сборник «Физиолог», где говорится, что все существа и предметы служат прямым отражением определенных религиозных и моральных установок.

Это может быть интересно

Ватикан оцифровывает тысячи редких манускриптов

Еще один частый сюжет миниатюр, росписей и лепнины храмов — сцены адских видений, чтобы грешник не забывал, к чему идёт дело. Самые пугающие (и особенно тщательно исполненные с художественной точки зрения) изображения связаны с дьяволом и грядущим Апокалипсисом.

Иллюстрации к «Апокалипсису» Беата из Бурго де Осма (миниатюры XI века) живописуют сцены битвы с силами зла, явление Вавилонской блудницы и прочие сцены, которые вы вряд ли захотели бы рассматривать на ночь глядя — весьма скрупулезно изображённые. Судя по всему, страх средневековых людей перед адскими муками сочетался с болезненным интересом к жуткому, который сегодня делает кассу фильмам ужасов.

Сандро Боттичелли

Другим живописцем, принадлежащим известной флорентийской школе, является Сандро Боттичелли. О его юношестве известно немного, очевидно, что он был учеником Фра Филиппо Липпи, и вдохновлялся монументальными картинами Мазаччо. Изящная картина Мадонны с младенцем, мастера раннего Ренессанса Боттичелли, а также его росписи на алтарных стенах, картины в натуральную величину стали известны при его жизни. Прежде всего он известен двумя произведениями, изображающими мифологические сцены – «Рождение Венеры» и «Весна» – обе картины размещены в галерее Уффици во Флоренции.

«Рождение Венеры»