Торелли стефано (1712-1780). торелли картины

биография

Первое музыкальное образование он получил в родном городе у педагога Джулиано Массароти.

В году он переехал в Болонью, чтобы учиться у Джакомо Антонио Перти , а 27 июня того же года поступил в Болонскую филармоническую академию как скрипач . В году он получил должность альтиста в оркестре базилики Сан-Петронио, а в году начал играть на тенор-альте. Торелли оставался музыкантом оркестра до его роспуска в году .

Там он начал турне по Ансбаху ( Германия ) и Вене , где продолжил свою музыкальную карьеру вплоть до своего окончательного возвращения в Болонью в 1701 году.

В году он опубликовал свои «Музыкальные концерты, соч. 6» в Аугсбурге , а вскоре после этого был назначен первой скрипкой при дворе Георга Фридриха II, маркграфа Бранденбург-Ансбахского, где оставался в течение двух лет, вплоть до поездки в Вену. в г. представить ораторское искусство .

В конце концов он вернулся в Болонью , где работал скрипачом и учителем музыки до своей смерти в 1709 году. Среди его многочисленных учеников были Франческо Манфредини и другие итальянские композиторы 18 -го века .

Вполне профессиональный коммерческий художник

Энди Уорхол иногда производит впечатление бездаря, который каким-то скандальным чудом умудрился пройти на Олимп американской славы через чёрный вход искусственно фабрикуемой скандальности. Это совершенно не соответствует действительности. В детстве, прикованный к постели болезнью, он вырезал картинки из различных журналов, делал коллажи, которые раскрашивал. Получались своеобразные детские произведения. Главное в них было, чтобы мальчику нравилось. Эта тенденция перевеса субъективного над общепринятым сохранилась в течение всей жизни. Ему нравится тоже самое, что и всем людям, но только он умудрился превратить детский экстаз созерцания картинок из журналов, обёрток от леденцов и банок из-под супа в особый вид экзистенциального искусства.

Он с трудом окончил среднюю общеобразовательную школу и поступил в Техническую школу Карнеги, которая на тот момент ещё не была институтом, но уже входила в число престижных образовательных заведений США. В 1949 году художник получает диплом бакалавра и начинает работать по специальности. Он оформлял витрины, создавал различные рекламные материалы и открытки, а потом работает иллюстратором в популярных изданиях, таких как Vogue, Harper’s Bazaar и подобных. Кроме этого иллюстрирует самоучитель испанского языка, что превращает его в один из наиболее популярных учебников того времени. Так что недостатком профессионализма Энди Уорхол никогда не страдал. Как и коммерческой востребованностью своего таланта. Если бы творчество Энди Уорхола никак не вышло в ранг искусства, то он всё равно был бы одним из наиболее богатых художников своего времени. Достаточно сказать, что дизайн банок напитка Кока-кола образца 1960 года — это его работа. Так что художественные произведения создавались для души, а лучше сказать, — в силу потребности психики.

Торелли, Стефано — Википедия (с комментариями)

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Стефано Торелли (Stefano Torelli, 1712—1784) — исторический и портретный живописец, родом из Болоньи, ученик своего отца, Феличе Торелли (1667—1748) и Франческо Солимены, работал сперва в Неаполе, а потом в Риме, откуда, в 1740 году, пригласил его к себе на службу король польский и курфюрст саксонский Август III. Переселившись ко двору этого государя в Дрезден, Торелли занимался там писанием портретов, алтарных икон, стенных и плафонных фресок в резиденциях курфюрста и в аристократических домах, а также рисунками для предпринятого тогда издания сборника гравюр с картин дрезденской галереи. В 1762 году он был вызван к русскому двору и с того времени до конца своей жизни трудился в Санкт-Петербурге, украшая своею живописью плафоны и стены Императорских дворцов и портретируя особ царской фамилии и других лиц. Из произведений, исполненных им в России, известны: портреты Елизаветы Петровны, Петра Великого, Екатерины II (1762), её же — в виде Минервы, расточающей награды за учёные и художественные заслуги (находятся в музее Императорской академии художеств), гр. А. А. Чернышева (грав. Иокер), О. М. Дерибаса, княг. Н. Г. Белосельской и граф. Сиверс, эскиз предполагавшейся картины «Коронование Екатерины II» (в музее Императорской академии художеств) и фрески в Ораниенбаумском дворце. Торелли был художник даровитый, развившийся главным образом на изучении произведений школы Карраччи; он ловко владел кистью, отличался свежестью и естественностью красок и даже в рисунке был менее манерен, чем большинство его современников. Талантливо рисовал также карикатуры.

Переезд из родного Урбино. Флоренция

Мадонна с безбородым Иосифом

В 1504 году Рафаэль сопровождал Перуджино, когда тот отправился во Флоренцию. Город тогда был центром цивилизации, в котором бурлила мысль и деятельность, в том числе художественная. Здесь, в колыбели Возрождения, наставник вводит ученика в круг именитых художников. Рафаэль, познакомившись с Леонардо да Винчи (1452-1519), копирует его картину «Леда и лебедь». Если бы не эта копия, мир никогда не узнал бы об этом произведении – оригинал утрачен. Знакомство с Микеланджело (1475-1564) также дало молодому художнику импульс к саморазвитию – он всегда цепким взглядом ухватывал новое, оригинальное и привносил это в свою живопись.

Во Флоренции живописец создаёт два десятка мадонн с младенцами и несколько картин, причисленных к ранним шедеврам:

• «Обручение Девы Марии» – почти полное повторение картины Пьетро Перуджино;
• «Сон рыцаря» – один из первых заказов мастера;
• «Мадонна Конестабиле» или «Мадонна с книгой» – неоконченная миниатюра, приобретённая в 1871 году Александром II для супруги. Позже, при переносе картины с дерева на холст, было обнаружено, что предметом в руках героини первоначально был гранат (символ крови Христа), а не книга;
• «Три грации» – также одна из первых работ, выполненных на заказ;
• «Мадонна с щеглом» – сильно пострадавшая работа – рентген показывает, что деревянная основа собрана из 17 частей.

В произведениях Рафаэля Санти флорентийского периода ещё заметно влияние учителя Перуджино. Для обретения авторского стиля потребуется всего пара лет. Практики у молодого художника предостаточно – слава о нём растёт, что вызывает увеличение количества заказов и рост благосостояния.

Интересные факты: происхождение прозвища «Ботичелли»

Он был младшим из четырех сыновей Мариано Филипепи и его жены Змеральды и родился во Флоренции в 1445 году. По специальности Мариано был кожевником и жил с семьей в квартале Санта Мария Новелла на виа Нуова, где снимал квартиру в доме, принадлежащем Ручеллаи. У него была своя мастерская неподалеку от моста Санта Тринита ин Ольтрарно, дело приносило весьма скромный доход, и старый Филипепи мечтал поскорее пристроить сыновей и иметь, наконец, возможность оставить трудоемкое ремесло.

Первые упоминания об Алессандро, как и о других флорентийских художниках, мы находим в так называемом «portate al Catasto», то есть кадастре, куда вносились заявления о доходах для обложения налогом которые в соответствии с постановлением Республики от 1427 года обязан был делать глава каждой флорентийской семьи.

Так в 1458 году Мариано Филипепи указал что у него четыре сына Джованни, Антонио, Симоне и тринадцатилетний Сандро и добавил, что Сандро «учится читать, мальчик он болезненный». Четыре брата Филипепи принесла семье значительные доходы и положение в обществе. Филипепи владели домами, землей, виноградниками и лавками.

До сих пор вызывает сомнение происхождение прозвища Сандро — «Боттичелли».

Судя по всему, Джованни, желая помочь стареющему отцу, много занимался воспитанием младшего ребенка. Но может быть, прозвище возникло по созвучию с ювелирным ремеслом второго брата, Антонио. Впрочем, как бы мы ни толковали приведенный документ, ювелирное искусство сыграло немаловажную роль в становлении молодого Боттичелли, ибо именно в это русло направлял его все тот же брат Антонио. К ювелиру («некоему Боттичелло», как пишет Вазари, человеку, личность которого по сей день не установлена), отправил Алессандро отец, устав от его «экстравагантного ума», одаренного и способного к учению, но беспокойного и до сих пор не нашедшего истинного призвания; возможно, Мариано хотел, чтобы младший сын пошел по стопам Антонио, работавшего ювелиром по меньшей мере с 1457 года, что положило бы начало не большому, но надежному семейному предприятию.

По словам Вазари, между ювелирами и живописцами в то время существовала столь тесная связь, что поступить в мастерскую одних означало получить прямой доступ к ремеслу других, и Сандро, изрядно поднаторевший в рисунке — искусстве необходимом для точного и уверенного «чернения», вскоре увлекся живописью и решил посвятить себя ей, не забывая при этом ценнейших уроков ювелирного искусства, в частности четкости в начертании контурных линий и умелого применения золота, в дальнейшем часто использовавшегося художником как примесь к краскам или в чистом виде для фона.

АЛЛЕГОРИИ НА ЗАДАННУЮ ТЕМУ

Можно сказать, что классический улыбающийся и весьма привлекательный образ Екатерины в живописи родился в начале 1780-х годов, то есть примерно в середине ее царствования. Он и вошел в историю. Верные черты в ее репрезентации были наконец-то найдены.

Уже в 1782 году совершенно очаровательный, светлый и одухотворенный с образ императрицы создает Ричард Бромптон (1734-1783), блестящий английский живописец, на несколько лет ставший придворным художником государыни. Пожалуй, это самый живой портрет Екатерины из всех когда-либо написанных.

Портрет Екатерины II. Худ. Ф.С. Рокотов. 1763 г.

Но свое законченное воплощение величественная приятность государыни получила, конечно, на портретах работы Дмитрия Левицкого (1735-1822), среди которых выделяется образ Екатерины-законодательницы в храме богини Правосудия (1783). Эта вторая волна аллегорических изображений императрицы’ во многом была инициирована Николаем Львовым — архитектором, поэтом, музыкантом, рисовальщиком и гравером, а также другом Левицкого. По сути, Львов и предложил «программу» этого полотна. Екатерина предстает здесь не в одеяниях античной богини — покровительницы наук и искусств, а в классицистическом образе триумфатора, законодательницы и радетельницы о благе подданных. Светлый хитон жрицы символизирует чистоту ее помыслов и дел; лавровый венок и морской пейзаж с кораблями — военные победы и успехи на ниве дипломатии; маки, сжигаемые на алтаре Фемиды, — неусыпное попечение о правосудии, а орел с перунами придает величественному образу черты сходства с Юпитером. При всей их официальности портреты Левицкого (а существует несколько их вариантов и повторений) отличает создание образа мягкой, милостивой, ободряющей окружающих и в то же время уверенной в себе царицы, и, кстати, улыбка, которую столь блистательно умел передать этот живописец, играет тут очень важную роль.

Императрица Екатерина II у М.В. Ломоносова. Худ. И.К. Федоров. 1884 г.

Конец 1780-х в портретной галерее Екатерины представлен ее портретом в дорожном костюме кисти бывшего крепостного, художника Михаила Шибанова (биографические сведения о нем крайне скудны), написанным во время ее знаменитого путешествия в Крым (1787). Этот портрет интересен своим камерным, «домашним» характером, и императрица смотрит на нем как-то грустно и даже несколько удивленно. Такой вариант ее репрезентации вряд ли соответствовал уже сложившейся официальной традиции живописного изображения царицы, и его наличие в галерее образов государыни показательно.

Императрица Екатерина II у М.В. Ломоносова. Худ. И.К. Федоров. 1884 г.

Наконец, в последние годы жизни Екатерину запечатлели Иоганн Баптист Лампи Старший (1751-1830) и Владимир Боровиковский (1757-1825), хотя у последнего есть и более ранний парадный портрет императрицы. Обе эти работы не понравились стареющей монархине. Лампи попытался подхватить эстафету Левицкого, изобразив Екатерину, указывающую на аллегорические фигуры Крепости и Истины. Но царица выглядит здесь грузной и тяжеловесной, ее лицо — одутловатым, и в целом оно производит скорее отталкивающее впечатление (это лишь в незначительной степени было скорректировано живописцем на другом парадном портрете Екатерины). Портрет кисти Боровиковского (известен в двух вариантах) показывает императрицу в сугубо «домашних» условиях — на обычной прогулке в Царскосельском парке, но при этом и он не лишен аллегоричности (фоном на одном из вариантов является Чесменская колонна, на втором — Кагульский обелиск). Императрица шествует, опираясь на трость, в сопровождении любимой левретки Земиры, сдержанно улыбается, что вызывает симпатию, возникающую во многом и благодаря окружающей ее прелестной неофициальной обстановке. Именно это приятное впечатление послужило Пушкину основой для создания известного эпизода повести «Капитанская дочка» (поэт был знаком с портретом по гравюре Николая Уткина, очень популярной в его время).

Классический образ Екатерины в скульптуре был создан Федором Шубиным. Бюсты его работы представляют нам императрицу столь же привлекательной, милостивой и улыбающейся, как и картины Левицкого.

Данте и Вергилий в аду: Вильям Бугро, 1850

Полотно написано на сюжет знаменитой «Божественной комедии» Данте. Итальянского автора эпохи Возрождения. Бугро, один из основоположников французского романтизма, изображает экспрессиуню, яростную борьбу двух душ, которые были прокляты.

Данте и Вергилий в адуАдольф Вильям Бугро

Эта душа Джанни Скикки, который попал в ад за обмен с целью личного обогащения, и алхимик-еретик Капоккио. Анализируя картину, следует отметить гармоничное и пропорциональное строение хорошо сложенных мужских тел, в соответствии с канонами классической живописи. Один мужчина в отчаянии грызет и кусает второго. Основной мотив картины — отчаяние и ярость.

Скоропостижная смерть

Портрет папы Юлия II

6 апреля 1520 года (кстати, вскоре после такой же неожиданной смерти Марии, с которой был помолвлен) 37-летний цветущий, полный энергии и замыслов, ставший великим при жизни Рафаэль Санти вдруг умер.

Точная причина неизвестна. Кровопускание, сделанное врачом при небольшом недомогании, привело к резкому ухудшению состояния художника и скорой смерти. Причинами плохого самочувствия, по одной версии, стала простуда и инфекция, подхваченная в погребальных галереях, по другой, распутство. На второй версии настаивает современник Рафаэля Джорджо Вазари (1511-1574), художник и литератор. Но, как видим по годам жизни, он не мог быть знаком с Рафаэлем лично и ответственно свидетельствовать по поводу смерти выдающегося мастера живописи.

Прах художника – в римском Пантеоне, «храме всех богов», одним из которых в некотором роде стал бог в искусстве Рафаэль Санти.

Диптих Мэрилин (1962)

Смерть Мэрилин Монро сразила Энди Уорхола. Диптих был создан практически сразу после внезапной смерти актрисы. На каждом полотне диптиха изображено пятьдесят одинаковых изображений Мэрилин, за основу которых был взят кадр со съёмок фильма «Ниагара». Один диптих состоит из цветных портретов, второй — из тающих и исчезающих чёрно-белых портретов, как символа смерти и исчезновения из бытия прекрасного образа. Техника исполнения работы — шелкография, изобретение автора. Диптих «Мэрилин» стал культовым. Он был продан за 80 миллионов долларов и сейчас находится в британской галерее Tate.

2

Зебра (1983)

Картина «Зебра» входит в цикл шелкографий под названием «Вымирающие виды». Эту серию художнику заказали защитники животного мира. Существует альтернативное название этой серии — «Животные в гриме». Серия изображает 10 самых редких и исчезающих животных планеты: зебру Греви, орангутанга, амурского тигра, чёрного носорога и других животных.

Зритель видит перед собой развёрнутую голову зебры. Техника исполнения — шелкография. Тонкие красно-сине-желто-белые линии, переплетаясь создают изящный образ зебры

Картина очень динамичная, яркая и сразу привлекает к себе внимание. Можно часами рассматривать изящный узор переплетающихся линий

10

Последние годы жизни

В конце ХV века во Флоренцию приехал монах и реформатор Джироламо Савонарола. В своих проповедях он призывал людей отказаться от грешной жизни и покаяться. Боттичелли в буквальном смысле слова был заворожён речами Савонаролы. В феврале 1497 года на городской площади Флоренции организовали костёр тщеславия. Согласно проповедям монаха у граждан конфисковали и сожгли светские книги, богатые и великолепные зеркала и наряды, музыкальные инструменты, продукты парфюмерии, игральные кости и карты. Находясь под впечатлением проповедей, Сандро Боттичелли лично отправил в костёр несколько своих полотен на мифологические темы.

С тех пор резко поменялся художественный стиль Сандро. Его картины стали более аскетичными, в них преобладала сдержанная гамма красок тёмных тонов. В его полотнах больше нельзя было увидеть изящности и праздничной нарядности. Даже портреты он перестал писать на каком-нибудь интерьерном или пейзажном фоне, вместо этого на заднем плане были изображены глухие каменные стены. Особенно заметными стали эти изменения в картине «Юдифь, покидающая палатку Олоферна».

В 1498 году Савонаролу схватили, ему предъявили обвинение в ереси и приговорили к смертной казни. Это событие произвело на Боттичелли ещё большее впечатление, чем проповеди еретика. Художник стал писать намного меньше и реже, из последних его произведений наибольшую известность получили:

• «Мистическое Рождество»;
• «Покинутая»;
• серия работ на тему жизни Святого Зиновия;
• сценки из истории римлянок Лукреции и Виргинии.

Последний раз он проявил себя в качестве известного художника в 1504 году, когда участвовал в работе комиссии по выбору места для установки мраморной статуи Микеланджело «Давид».

После этого он вовсе перестал работать, сильно состарился и настолько обеднел, что если бы о нём не вспоминали друзья и почитатели его таланта, то мог бы умереть с голода. Его душа, так тонко чувствовавшая красоту мира, но боявшаяся при этом греховности, не выдержала терзаний и сомнений.

Сандро ушёл из жизни 17 мая 1510 года. Его похоронили во Флоренции на кладбище церкви Оньисанти. За прошедшие после его смерти пять веков никто не смог даже сравниться с тем богатством поэтической фантазии, которое присутствует на полотнах Боттичелли.

Восемь Элвисов (1963)

Кому-то может показаться, что картина изображает лишь многократное фотографическое изображение знаменитого певца

Но редакция most-beauty обращает ваше внимание на то, что в этой картине есть тонкий философский подтекст. Каждый образ Элвиса — это отпечаток, и каждый последующий такой отпечаток накладывался на предыдущий

Постепенно они наслаиваются и собираются в правой части картины. Все знают, что жизнь Элвиса Пресли, культового певца, оборвалась в самом расцвете лет от употребления наркотиков. Эта картина — размышление о страхе смерти, образе жизни, славе и забвении даже самых выдающихся современников. Для картины Уорхол взял кадр из фильма, в котором снимался молодой певец. Первоначальный вариант картины предполагал 16 изображений, но Энди Уорхол оставил лишь 8, создав параллельно двойного и тройного Элвиса. В 2009 году «Восемь Элвисов» ушли к тайному покупателю за $100 млн.

5

Основы жизни Энди Уорхола

Биография Энди неразрывна с тремя явлениями:

• поп-арт как направление в искусстве;
• концепцией массового производства, когда картины делаются сериями. Вершиной практического осуществления стала мастерская «Фабрика»;
• философией универсального человека.

Поп-арт, родоначальником которого он считается, в понимании Энди — это выражение сиюминутных чувств, которые вызывает всё — люди, суп в банках, гоночные машины. Назвать его прославлением упаковки — ничего не понять в том, кто такой художник и что такое его странная живопись.

Массовое производство чего-то в искусстве — это вовсе не тираж с потерей качества. Вспомним гравюры, которые тоже тиражируются. Просто Энди запал на чисто детскую идею шелкографии, которая в его воображении связалась с фото. По типу характера он представляет собой хитрый комплекс шизоида, истероида и уклоняющейся личности. От шизоида в нём основное свойство — умение каждый раз придумать мир заново. Поэтому он придумал технику под себя. Ни один фотограф не скажет, что Энди Уорхол фотографии делал какие-то художественные. Он специально выбрал самое массовое, предназначенное для чайников — фотоаппарат Полароид, в те времена — самых первых модификаций. Снимки переносились на нейлоновую сетку с помощью контактного засвечивания. Таким образом создавалась матрица, а на её основе производился небольшой тираж произведений особого искусства.

Торелли Стефано Картины биография Torelli Stefano

Торелли Стефано (Torelli Stefano) — итальянский художник, мастер портрета и исторического жанра, работавший при дворе российских императоров. Родился в 1712 году в Болонье в семье живописца.
Живописи обучался сначала у своего отца Феличе Торелли, затем у известного художника Франческо Солимены. Как самостоятельный мастер работал в Неаполе и Риме.

В 1740 году Торелли был приглашен на службу ко двору короля польского и курфюрста саксонского Августа III в Дрезден. Переселившись в Саксонию Торелли занимался
писанием портретов, алтарных икон, созданием стенных и плафонных фресок в резиденциях курфюрста и в
аристократических домах, а также оформлением рисунков для издания сборника гравюр с картин дрезденской галереи.
В 1762 году Стефано Торелли был призван ко двору российского императорского дома и с того времени до конца
своей жизни трудился в Санкт-Петербурге.

Художник Стефано Торелли украшал своим живописным искусством плафоны и стены императорских дворцов, портретировал особ монаршей фамилии, важных аристократических лиц,
сановных вельмож и государственных деятелей эпохи Екатерины II.

Из произведений, исполненных Стефано Торелли в России, наиболее значимы: портреты Петра Великого, Елизаветы Петровны, Екатерины II в виде Минервы, расточающей награды за ученые и
художественные заслуги, великого князя Павла Петровича в отрочестве, графини Анны Александровны Чернышевой, гофмаршала и обер-егермейстера Семена Кирилловича Нарышкина,
адмирала Осипа Михайловича Дерибаса, княгини Белосельской-Белозерской, графини Сиверс, а также эскиз предполагавшейся картины «Коронование Екатерины II»
и фрески в Ораниенбаумском дворце.

Стефано Торелли был несомненно талантливым художником своей эпохи. Итальянский живописец, прекрасно
подготовленный на изучении произведений школы Карраччи, виртуозно владел кистью; его картины отличались свежестью и естественностью красок и
были менее манерными, чем у большинства современных ему художников. Торелли Стефано умер в 1784 году в Петербурге.

Главный архитектор

В 1514 году сменивший Юлия II папа Лев Х возложил на Санти обязанности главного архитектора (вместо умершего Браманте). Рафаэль должен был достроить крупнейший и по сей день христианский храм, собор Святого Петра в Ватикане, вмещающий сегодня 15 тысяч человек (ещё 60 тысяч могут разместиться на площади перед храмом). Санти не успеет довести строительство до конца, но в планировке церкви есть его авторские изменения плана Браманте.

Художник проектировал и другие римские здания:

• Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, в частности капеллу Киджи;
• Церковь Сант-Элиджо-дельи-Орефичи;
• Палаццо Видони-Каффарелли.

Сегодня все они поддерживаются в отличном состоянии и служат свидетельством высочайшего таланта мастера.

В 1515 году папа Лев Х добавил Рафаэлю обязанностей – назначил его главным хранителем древностей, и тот сделал подробную перепись древнеримских памятников.

Личная жизнь

Прославившись в молодые годы, Рафаэль стал завидным женихом – за ним охотились самые богатые итальянки. К тому же художник был высокооплачиваемым мастером – покровители были щедры на вознаграждения, так как желали удержать талант рядом с собой (опасались, что того переманят испанцы или французы). Рафаэль жил в роскошном особняке, построенном в античном стиле по собственному проекту живописца.

Кардинал Довици ди Биббиена (1470-1520) уговорил Рафаэля на брак со своей племянницей. Помолвка состоялась, но свадьбы Мария так и не дождалась.

Причина тому – 17-летняя дочь простого булочника, Маргарита Лути, прозванная позже «Форнариной» (пышка, булочка). 30-летний Рафаэль увидел её во время этюдов в саду и загорелся сделать её своей моделью. Заплатив отцу девушки 50 золотых за то, что тот лишится помощницы в булочной, художник так увлёкся ею, что вскоре преподнёс отцу уже 3000. Маргарита стала верной музой живописца до конца его дней. После внезапной кончины Рафаэля получила значительное наследство, от которого отказалась, уйдя в монастырь. В монастырских книгах Маргарита упоминается как вдова художника.