Коллекции
Многие из работ Хокни находятся недалеко от его родного города Брэдфорда в Соляной мельнице , Солтер
Коллекция писателя Кристофера Ишервуда считается самой важной частной коллекцией произведений Хокни в мире. В 1990-х партнер Ишервуда Дон Бачарди пожертвовал всю коллекцию фонду
Его работы находятся в многочисленных государственных и частных коллекциях по всему миру, в том числе:
- Музей искусств Гонолулу
- Музей изящных искусств (Бостон)
- Национальная галерея Австралии , Канберра
- Музей современного искусства Луизианы , Хумлебек, Дания
- Художественный институт Чикаго
- Национальная портретная галерея в Лондоне.
- Музей искусств Кеннеди , Атенас, Огайо
- Галерея Тейт , Лондон
- Музей Дж. Пола Гетти , Лос-Анджелес
- Музей искусств округа Лос-Анджелес
- Центр искусств Уокера , Минеаполис
- Метрополитен-музей в Нью-Йорке
- Музей современного искусства в Нью-Йорке
- Центр Помпиду , Париж
- Филадельфийский художественный музей
- Мемориальный музей М. Х. де Янга , Сан-Франциско
- Музей современного искусства, Токио
- МУМОК , Вена
- Музей Хиршхорна и Сад скульптур , Вашингтон, округ Колумбия
- Смитсоновский музей американского искусства , Вашингтон, округ Колумбия
Первые друзья
Важное место в биографии Толкиена занимают его друзья. Школа короля Эдварда дала ему хороший опыт в этом плане
Там он познакомился с Робом, Джеффри и Кристофером. Четверо ребят решили создать полусекретный кружок, который они назвали «Чайный клуб и борровианское общество» (ЧКБО). Мальчики покупали и пили чай, который продавался возле школы. Почему-то это было запрещено. После окончания школы ребята долгое время поддерживали связь.
Уже в 1911 году Джон отправился в путешествие, которое позже будет описано в книге «Хоббит». Толкиен вместе с товарищами побывал в Швейцарии, где прошел путь от Интерлакена до Лаутербруннена. В этом же году мальчик поступил в Оксфордский университет.
Карьера и война
Творчество Толкиена известно многим любителям фэнтези. Писать он начал после поступления в университет. В 1914 году он хотел получить степень бакалавра, но боялся, что его призовут на военную службу. Поэтому он пошел в Корпус военной подготовки. Степень он все-таки получил, после чего был отправлен в Ланкаширский фузилерный полк.
Переезд во Францию послужил толчком к написанию поэмы «Одинокий остров». Позже Толкин говорил, что война повергла в шок многих офицеров, а расставание с женой было для него подобно смерти. На реке Сомма Толкин служил связистом, а также участвовал в близлежащих боях.
То время Эдит вспоминала с ужасом. Она боялась каждого шороха и стука. Ей казалось, что вот-вот принесут уведомление о смерти мужа. Но Джон не забывал про свою семью. Специально для переписки, которая была подвержена цензуре, он разработал специальный код. Благодаря такому изобретению он мог легко общаться с Эдит без помех.
Уже в конце 1916 года у Толкина диагностировали окопную лихорадку, из-за которой его освободили от службы и отправили в Англию. Война стала сильным потрясением для писателя. С фронта не вернулись двое его лучших друзей, известных по школьным чаепитиям.
«Властелин колец»
Сейчас это одна из самых известных и популярных книг прошлого века. Она переведена на 40 языков. По роману снят художественный фильм. Сюжет книги используется в настольных и компьютерных играх.
Он связан с ранее опубликованной повестью «Хоббит, или Туда и обратно». В трилогии история повествует о хоббите Бильбо. Он уходит на покой и оставляет своему племяннику Фродо волшебное кольцо. Это украшение делает каждого своего носителя невидимым, но при этом наносит ужасный вред сознанию.
Позже маг Гэндальф рассказывает, что это Кольцо Всевластья, которое способно подчинить все прочие кольца. Темный властелин Саурон пытается его раздобыть. Он стремится вернуть себе власть с помощью этого кольца. Поэтому украшение нужно уничтожить.
Подсолнухи (1888)
Чем знамениты эти картины?
подсолнухs — это не просто одна картина, а две целые серии из нескольких картин с подсолнухами. Чаще всего, когда кто-то ссылается на «Подсолнухи» Ван Гога, они говорят о сериале, который он создал в Арле, состоящем из четырех начальных версий и трех повторений одной и той же идеи.Менее известны «Парижские подсолнухи», которые он создал, когда жил со своим братом в Париже между 1886 и 1888 годами. Эти подсолнухи, менее торжествующие и не полностью распустившиеся, тем не менее впечатляют, и их можно найти в музеях, в том числе в Метрополитене. в Нью-Йорке, музей Креллер-Мюллер и (конечно же) музей Ван Гога в Амстердаме.
Какая предыстория?
Сам Ван Гог, кажется, был в абсолютном восторге от подсолнухов, что отражается как в огромном количестве картин на основе подсолнечника, которые он создал, так и в его описаниях в письмах, которые он писал своему брату и друзьям.В 1888 году Ван Гог писал: «Я рисую с энтузиазмом марсельцев, поедающих буйабес, что вас не удивит, когда речь идет о рисовании больших подсолнухов». По сути, он любил рисовать подсолнухи, и все это знали. В том же письме он объяснил, как он мечтал работать в студии вместе со своим другом Полем Гогеном и что он планировал создать украшения для стен, состоящие из огромных картин с подсолнухами.Можно предположить, что сам Гоген, вероятно, тоже был поклонником подсолнухов, особенно тех, которые нарисовал Ван Гог. В 1889 году Гоген «потребовал» одну из картин подсолнечника в обмен на некоторые из своих собственных работ, которые он оставил Ван Гогу, к великому разочарованию Винсента:«Я определенно держу под вопросом свои подсолнухи. У него их уже двое, пусть это его держит. И если он не удовлетворен обменом, который он сделал со мной, он может забрать свой маленький холст с Мартиники и свой автопортрет, который он прислал мне из Бретани, одновременно вернув мне мой портрет и два подсолнечника. холсты, которые он привез в Париж. Так что, если он когда-нибудь снова поднимет эту тему, я уже сказал вам, как обстоят дела ».
Где Подсолнухи Ван Гога?
Вы можете найти знаменитые картины Ван Гога о подсолнухах в разных местах по всему миру: Мет в Нью-Йорке Музей Креллера-Мюллера в Оттерло Музей Ван Гога в Амстердаме, Музей изящных искусств в Берне, Национальная Галерея В Лондоне, Художественный музей Филадельфии, Японский художественный музей Сомпо в Токио и Новая пинакотека в Мюнхене.
Биография и творчество Герхарда Рихтера
Будущий художник появился на свет 8 февраля 1932 года в Дрездене. Глава семьи Герхарда Рихтера, учитель по образованию, в силу причин состоял в национал-социалистической партии. Трудно сказать, что молодой отец разделял взгляды Третьего Рейха, но, судя по всему, мужчина чувствовал вину за происходившее по вине его народа во время Второй Мировой войны и внушил это неприязненное чувство подрастающему сынишке. Позднее тема нацизма и войны будет прослеживаться в полотнах Герхарда Рихтера. А пока он просто подрастал на радость родителям Хильдегарде и Хорсту. В 1936 родители Герхарда Рихтера подарили мальчику сестричку Гизелу.
Герхард Рихтер в юности
Перебравшись на остров Райхенау, подальше от восточногерманских страстей, родители Герхарда Рихтера посвятили себя всестороннему образованию сына и дочери: отец обучал мальчика точным наукам, а мама погружала ребят в волшебным мир литературы. Задатки творческой одаренности Герхарда чувствовались уже в школьные годы. А после получения аттестата парень освоил специальность художника рекламы и декораций и устроился подмастерьем к художнику-оформителю.
Герхард Рихтер в молодости
Счастья поступить в Дрезденскую академию художеств с первого раза Рихтеру не представилось. Его работы сочли чрезмерно «буржуазными».
Мало-помалу начинающий художник начал осознавать, что его картины не смогут быть понятыми в нынешней политической обстановке. Ему попросту не давали возможностей для профессионального роста и самореализации.
В 1957, уже будучи женатым, Герхард Рихтер попросил политического убежища по другую сторону «стены» и переехал с женой в Дюссельдорф. Здесь для перспективного дарования открылись новые перспективы: он совершенствовался в живописи и фотографии, много путешествовал в поисках вдохновения, заводил интереснейшие знакомства, общался с коллегами, набираясь опыта.
Герхард Рихтер
К тому периоду относится его активность в сфере проб разных видов художественных техник: от откровенного поп-арта и абстракционизма до экспрессионизма и экспериментов с цветом.
Кадр из фильма о Герхарде Рихтере
Здесь особенно стоит обратить внимание читателя на целый проект под названием «Серое» состоящий из нескольких полотен, который возымел небывалый успех в среде истинных ценителей искусства
Цикл работ «Серое»
Позже появились серии видов на облака, горы, город, монохромные пейзажи и знаменитые «48 портретов» интеллектуалов.
Ретроспектива «48 портретов»
Переехав в Кельн, Герхард Рихтер подарил местному собору роскошный пиксельный витраж из мозаики.
Мозаичный витраж в Кельнском Соборе
Тогда же Рихтером были написаны наиболее известные работы «Чтение», «Бетти», «Мориц».
«Чтение»
Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)
Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк
В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.
Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.
Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.
Эндрю Уайет. Мир Кристины. 1948 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)
На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.
Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.
Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.
Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.
Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.
Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция
Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.
Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.
Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.
Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.
Плавильный котёл США
Несмотря на короткую историю американского искусства, диапазон получился широченный. Среди американских художников есть и импрессионисты (Сарджент), и магические реалисты (Уайет), и абстрактные экспрессионисты (Поллок), и зачинатели поп-арта (Уорхол).
Что ж, американцы любят свободу выбора во всем. Сотни конфессий. Сотни наций. Сотни направлений искусства. На то он и плавильный котёл Соединенных Штатов Америки.
*Тонализм – монохромные пейзажи серых, голубых или коричневых оттенков, когда изображение находится словно в тумане. Тонализм считается ответвлением импрессионизма, так как передаёт впечатление художника от увиденного.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Ирисы (1889)
Чем знаменита эта картина?
Ван Гога Ирисы являются, пожалуй, лучшим примером творчества художника, создающего чрезвычайно эстетичные произведения. Картина полна света, жизни и естественной красоты — с намеком на японское вдохновение, которое можно найти в Цветы миндаля. Проще говоря, это захватывающее зрелище, оно разрывается цветом.« бросается в глаза издалека. Ирисы — прекрасный кабинет, полный воздуха и жизни ». — Тео Ван Гог.
Какая предыстория?
Перебравшись в приют из-за ухудшающегося психического здоровья, Ван Гог почти сразу начал работать над этой картиной. Он назвал этот акт рисования «проводником молнии для моей болезни» и погрузился в свою работу, создав изображения цветника приюта Сен-Поль-де-Мавзоль.Нетрудно представить, что, проведя весь день в саду, Винсент успокоился или успокоился, каким бы временным оно ни было. В то время как сам художник считал это просто «этюдом» (недостаточно хорошим, чтобы быть самостоятельным произведением искусства), его брат Тео понял, что Винсент создал что-то особенное, и представил это Société des Artistes Indépendants, где он был выставлен рядом с Звездная ночь над Роной.
Супруга
История любви Толкина романтичная, но несколько странная. Еще до поступления в университет Джон познакомился с Эдит Мэри Бретт. Девочка была сиротой и его соседкой. Она ему очень понравилась, но опекун Джона попросил, чтобы тот не завязывал отношения до той поры, пока ему не исполнится 21 год.
Толкин послушал Френсиса и не написал ни единой строчки своей возлюбленной до момента, пока не стал совершеннолетним. Молодые люди даже не встречались. На свой день рождения Толкин отправил Эдит письмо, в котором признался ей в любви, а также предложил руку и сердце. Девушка ответила ему, что уже помолвлена с другим, поскольку думала, что неинтересна Джону. Через какое-то время она отменила помолвку и объявила о том, что выходит замуж за Толкина. Она даже приняла католичество, хотя до этого была протестанткой.
В 1916 году Джон и Эдит стали мужем и женой. Этот союз оказался невероятно крепким. Пара прожила вместе 56 лет. За это время Толкиены воспитали троих сыновей и дочь.
Джон Сарджент (1856-1925 гг.)
Джон Сарджент. Автопортрет. 1892 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Джон Сарджент был уверен, что всю жизнь будет портретистом. Карьера складывалась удачно. Аристократы выстраивались в очередь, чтобы сделать ему заказ.
Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».
Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.
Джон Сарджент. Мадам Х. 1878 г. Метрополитен музей, Нью-Йорк
Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.
Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.
К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.
Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».
Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.
Джон Сарджент. Гвоздика, лилия, лилия, роза. 1885-1886 гг. Галерея Тейт, Лондон
В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.
Джон Сарджент. Белые корабли. 1908 г. Бруклинский музей, США
Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.
Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.
Правила жизни Дэвида Хокни
— Нужно уметь смотреть и видеть мир вокруг себя.
Когда мне было восемь лет и мне уже позволяли ездить на автобусе одному, я всегда сразу бежал на второй этаж и садился на переднее сиденье, с которого было видно лучше всего.
— В век технологий не стоит доверять фотографии. Живопись — это наиболее достоверная форма правды.
Для произведения искусства вам нужны руки, глаза и сердце. Камера всё превращает в перформанс. Еще Феллини говорил, что все происходящее перед камерой — это представление.
— Нельзя быть жадными до денег, нужно быть жадными до жизни.
— Границы существуют только у нас в голове.
Если вы верите на все сто процентов, то для вас действительно нет ничего невозможного.
— В ожидании вдохновения живут только лентяи!
Я работал всегда, всю свою жизнь, каждый день.
— Кто угодно может научиться рисовать.
Обучение живописи — это обучение искусству видеть. Но большинство людей даже не пытается предпринять усилия, чтобы научиться.
— Не пытайтесь понять природу искусства.
Никто не знает, как создается искусство. Это необъяснимо.
— Защищайте свою личную свободу и боритесь с глупыми запретами.
Политики не должны за нас решать, какие вещи в этой жизни приносят удовольствие.
— Будьте спонтанными!
С возрастом становится все труднее оставаться непредсказуемым человеком. Но надо работать над этим.
— Смейтесь. Смех прочищает лёгкие!
Мне кажется, что сегодня людям не хватает чувства юмора. А в мире есть, над чем посмеяться.
Гипотеза Хокни-Фалько
В начале 2000-х путем различных экспериментов Дэвид вместе с физиком Чарльзом Фалько изложили гипотезу, которую стали назвать теорией Хокни-Фалько. Ее основа заключалось в том, что стремительное развитие реалистического воспроизведения натуры в эпоху Ренессанса вовсе не связано с развитием мастерства художников, а вызвано развитием технического прогресса. То есть оптические приборы: камера-обскура, камера-люцида и сферическое зеркало — вот что было использовано великими мастерами для сотворения их шедевров.Хокни написал книгу «Тайное знание: восстановление утраченных техник старых мастеров», которая вызвала шквал критики в сторону художника. Гипотеза была отвергнута, но никто так и не сумел доказать, что она полностью является лжетеорией.
Дэвид Хокни. Эксперименты с подсвечником.
На смену акварели и масляным краскам, которым старался не изменять Дэвид пришли «цифровые игрушки». В результате экспериментов с Polaroid, факсом, компьютером, Apple Хокни создал сотни портретов, натюрмортов и пейзажей на iPhone и iPad.«Потребовалось некоторое время, прежде чем я осознал, насколько это серьезный прибор. Я считаю это восхитительным изобретением»,-говорил Хокни.
Рисунки на iPad от David Hockney.
На сегодняшний день Хокни живет и работает в Бринлингтоне, Йоркшире и Кенсингтоне, Лондон. Он часто летает в Лос Анджелес, где живет там время от времени уже на протяжении тридцати лет.“Он по-прежнему заразительно любопытен и интересуется всем на свете. Он устремлён в будущее, и в то же самое время Дэвид – один из лучших знатоков искусства старых мастеров, он знает предмет значительно лучше историков живописи, и именно в сочетании знаний, и с другой стороны, жажды постичь нынешний мир и потребности выразить себя и лежит основа его творческого кредо”, – заметила арт-куратор Дэвида Эдит Девэйне.
80-летний Дэвид Хокни — самый влиятельный художник Британии в ХХ веке.
Ренуар. Последняя любовь
-
Оценка
6,5 / 6,5 (Кинопоиск/IMDb) -
Жанр
мелодрама -
Страна
Франция -
В главных ролях
Мишель Буке, Криста Тере, Венсан Ротье, Тома Доре -
Режиссёр
Жиль Бурдо -
Длительность
111 мин. -
Дата премьеры
2012 -
Сценарий
Жиль Бурдо
О ком: Пьер Огюст Ренуар — французский мастер XIX — начала XX века. Живописец-амбидекстр, создавший за жизнь около шести тысяч картин, и при этом успевший поучаствовать во франко-прусской войне, воспитать сыновей, побывать в Италии, Алжире, Голландии и Испании.
Продуктивность не уровня Пикассо, конечно, но в сравнении с полутора тысячами полотен того же Сальвадора, результат впечатляющий. Ренуар настолько любил живопись, что не оставил своего дела даже после перелома правой руки и последовавшего ревматизма. Кто-то бы и чайную ложку не смог держать, но Ренуар продолжал рисовать. Вершиной преданности искусству стало желание творить даже после паралича, привязавшего художника к инвалидному креслу. Мастер уже не мог сам взять кисть в руку, но упорно продолжал творить вложенным в ладонь инструментом. Именно об этом периоде жизни Ренуара и рассказывает фильм. 1915-й год, Пьеру Огюсту уже за семьдесят, жена умерла, тело сводит от болей, инвалидность заставила сменить любимый Париж на усадьбу в маленьком городке. Но у судьбы в запасе был еще один апперкот: живописец получает новости с фронта о тяжелом ранении сына Жана.
Единственная радость Ренуара теперь — юная натурщица Андре, верно сопровождавшая своего мастера. Впрочем, легко быть верной, когда нет соблазна, а вместе с вернувшимся с войны Жаном соблазн появляется.
Трейлер:
Пшеничное поле с воронами (1890)
Чем знаменита эта картина?
В свои последние дни Ван Гог написал несколько изображений окружающих его пшеничных полей. Из них этот самый известный, но и самый мрачный. Кажется, это показывает чувство изоляции и одиночества, с тропой, заканчивающейся посреди поля, ведущей в никуда, окруженной воронами. Мрачный образ.Существует множество других интерпретаций картины — в том числе мысль о том, что в ней нет ни тени тревоги или отчаяния (Вальтер и Мецгер) — и, в конечном счете, нет способа узнать мотивы художника. Что мы знаем наверняка, так это то, что драматическая цветовая палитра, своего рода смесь Звездная ночь и Подсолнухи, делает эту картину одной из самых ярких и ярких картин Ван Гога.
Какая предыстория?
Завершенная в июле 1890 года, эта работа вполне могла быть последней работой Ван Гога — к сожалению, окончательных писем или записей по этому поводу нет. Факт остается фактом: эта картина была завершена в тот же месяц, когда Винсент выстрелил себе в грудь, рядом или в изображенном пшеничном поле. Невозможно смотреть на эту картину без этого мрачного осознания.
Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)
Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.
Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.
Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).
Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.
Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».
Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г. Музей д’Орсе, Париж
Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.
Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.
Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.
Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США
Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.
На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.
Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.
Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.
Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.
Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон
Тонализм, как и близкий ему импрессионизм, в середине 19 века публику тоже не впечатлял. Слишком далеко от популярного на тот момент реализма.
Но Уистлер успеет дождаться признания. Под конец жизни его работы начнут охотно покупать.
Очередная война
John Ronald Reuel Tolkien должен был стать участником Второй мировой войны. В то время его рассматривали в качестве дешифровальщика. В 1939 году выясняли, есть ли у него возможность служить в МИДе. Он был согласен на подобную работу, поэтому прошел курс обучения в Центре правительственной связи. Но его услуги не понадобились, поэтому больше он никогда не служил.
Известно, что Джон негативно относился к политике нацизма и деятельности Гитлера. Но после бомбардировки Германии был поражен. Позже он своему сыну написал письмо, в котором говорил, что уничтожение Германии — это одна из жутких мировых катастроф.
