Личная жизнь
Будущей женой Петра Кончаловского становится Ольга Сурикова (1878-1958), дочь известного живописца Василия Сурикова. Молодой человек встретился с ней в 14 лет. Молодые люди многие годы не общались, но вскоре Кончаловский признался ей в любви. Молодые люди сыграли свадьбу 10 февраля 1902 года.
С Ольгой Суриковой (1930)
У пары родились двое детей — Наталья и Михаил. Оба родителя души не чаяли в детях. Отец был полностью погружен в воспитание детей: занимался их обучением, читал сказки на ночь, следил за их развитием. Супруга Кончаловского была человеком властным и порой жестким, но несмотря на это их отношения были идеальными. Ольга Васильевна ни в чем не упрекала мужа, а тот в ответ уважал и считал своим лучшим другом и помощником. Петр Петрович без супруги не принимал ни одного решения, советовался с ней по любым вопросам.
С семьей
События из жизни
Творческий путь художника был длительным: начинался с классических работ, а в итоге закончился полотнами в духе реализма. Кончаловский сформировал свой неповторимый стиль. В его работах отсутствует динамика и лишние детали.
- В 1908 году написана картина «Букет цветов в белой вазе»
- В 1911 году Кончаловский становится председателем объединения «Бубновый валет».
- В 1911 году становится членом художественно объединения «Союз молодежи».
- С 1911 года по 1922 год возглавляет объединение «Мир искусства».
- В 1911 году написал картину пейзаж «Столярная в Абрамцево».
- В 1912 году закончил работу над картиной «Пиво и вобла».
- В этом же году написал картину «Гладиолусы».
- В 1912 году Кончаловский пишет «Автопортрет».
- 1912 год, художник заканчивает работу над картиной «Палитра и краски».
- В 1912 году Кончаловский оформляет декорации для театральной постановки театра Зимина для оперы «Купец Калашников».
- В 1915 году Кончаловский ушел воевать на фронт. Воевал он не долго, из-за контузии его отправили в тыл.
- В 1922 году прошла персональная выставка художника в Третьяковской галерее.
- В 1923 году художник пишет картину «Автопортрет с женой».
- С 1926 года по 1927 год становится участником группы «Бытие».
- В 1926 году написал картину «Возвращение с ярмарки».
- В 1927 году посетив Кавказ, мастер делает наброски этюдов, навеянных произведениями Михаила Юрьевича Лермонтова.
- 7 сентября 1928 года награжден Орденом Трудового Красного Знамени.
- 1931 году закончил картину «Петергоф».
- В 1932 году Кончаловский написал картину «С покоса».
- 1933 год, написана картина «Сирень в корзине».
- В 1941 году художник Кончаловский пишет портрет Лермонтова.
- В 1942 году за особые заслуги в области культуры Кончаловский получает Сталинскую премию.
- В 1943 году мастер заканчивает работу над полотном Лермонтова.
- 16 июля 1943 года Кончаловский получает звание Народный художник РСФСР.
- В 1946 году художник написал картину «Полотер».
- С 1947 года является членом Академии Художеств СССР.
- В 1951 году — последняя выставка работ художника.
- 2 февраля 1956 года, художник скончался в Москве в возрасте 79 лет. Похоронен на Новодевичьем кладбище.
Художник Петр Кончаловский
Признание к Кончаловскому пришло еще при жизни, его работы хотят получить в свои коллекции многие музеи и частные лица. Учась в Париже Кончаловский посещал выставки многих известных живописцев, в том числе и Ван Гога. Его работы повлияли на его дальнейшее творчество. Во многих полотнах Кончаловского заметно влияние именитых мастеров, Анри Матисса и Поля Сезанна. Их работы производили на Кончаловского большое впечатление.
Кончаловский всегда держался далеко от политики и советского руководства, оно не оказывало влияния на его творчество. Однажды художнику предложили написать портрет Иосифа Сталина по фотографии, на что художник дал отказ. Мотивируя это тем, что он реалист и не работает по фотографии. Несмотря на это Кончаловский получил Сталинскую премию в 1942 году как выдающийся художник.
Петр Кончаловский за работой
Биография художника Карла Брюллова
Художник Карл Павлович Брюллов родился в 1799 году, 23 декабря в столице Российской Империи – Петербурге. Его отец был достаточно известным в столице художником-декоратором и мастер резьбы по дереву.
В возрасте 10 лет Карл был принят в Академию в класс исторической живописи. Его учителями стали известный мастера-живописцы: Иванов А.И., Шебуев В.К., Егоров А.Е. Юный художник с самых первых дней обучения показал свою одаренность и учителя ожидали от него необыкновенных и талантливых работ.
Ещё будучи учеником Академии, Брюллов создает ряд сложных композиций, которые привлекают внимание публики и специалистов. Например, в его «Нарциссе» просматривается желание молодого автора соединить господствующий в те времена классицизм и живую природную «обыкновенность» натуры
Романтизм ещё только входит в моду и отображение мира человека и его чувств, совершенно ново для публики
Например, в его «Нарциссе» просматривается желание молодого автора соединить господствующий в те времена классицизм и живую природную «обыкновенность» натуры. Романтизм ещё только входит в моду и отображение мира человека и его чувств, совершенно ново для публики.
Нарцисс, любующийся своим отражением
Брат художника архитектор Александр, в 1822 году, отправляется в Италию. «Общество поощрения художников», таким образом, награждает молодого архитектора. И Карл решает ехать в Италию вместе с братом. Он и не подозревал, что вернется в Россию только через 14 лет.Италия просто поражает молодого художника и дает огромное количество тем для написания картин. В 1823 году – знаменитое и поразившее Петербург «Итальянское утро».
Итальянское утро
В 1824 году – «Эрминия у пастухов», 1827 – «Итальянский полдень». Брюллов изучает жанровые мотивы, ищет необходимую натуру и, самое главное, пытается найти совершенно новый «язык» для своей живописи.
Его картины воспевают красоту человека и красоту окружающего мира. Художник хочет показать радость бытия. Это новое видение он переносит и на свою портретную живопись. Я не буду перечислять все работы художника в этом жанре (о некоторых из них я расскажу ниже более подробно), но вспомните «Всадницу»… Это портрет, однако портрет, для своего времени, совершенно необычный. В нем легкость и огонь, в нем скрытое веселье и торжество живой человеческой плоти, и обузданная ярость лошади, и нежность прекрасных дам.
В работах художника того периода нет теней и скорби.
В 1835 году он посещает Грецию и Турцию. В результате этой поездки свет увидела целая серия акварелей: «Храм Аполлона Эпикурейского», «Дельфийская долина» и другие. Невероятные краски и сюжеты восхищают любителей живописи.
Художник изучает творчество старых итальянских мастеров, архитектуру и историю. И в результате возникает «Последний день Помпеи». Эту работу специалисты называют самой значимой в творчестве художника. Работу над картиной Карл Брюллов начал ещё в 1830 году и писал её три года).
В 1836 году художник возвращается на родину и получает должность профессора в Академии художеств. Петербургский период творчества художника – это, в основной массе, портреты. Благородные мужчины и прекрасные дамы. Художник стремиться показать не только естественную красоту человека, но и его внутренний мир, переживания и радости, страсти и внутреннее благородство, которое есть в каждом (так считал художник).
В 1839 году художник начинает работать над картиной «Осада Пскова польским королем Стефаном Баторием в 1581 году». Эта работа выматывает художника. Тема совершенно не дается, в Петербурге мрачно и сыро. В это же период художник начинает расписывать купол Исаакиевского собора. Художник серьезно заболел. Он не смог закончить картину и роспись собора. Болезнь оказалась действительно очень серьезной и уложила художника в постель на долгих семь месяцев.В 1849 году Брюллов уезжает за границу на лечение.
В Италии он чувствует себя значительно лучше и снова начинает работать: рисунки, серия акварелей и портретов.
А 23 июня 1852 года художника не стало. Он скончался в предместье Рима в местечке Манциано.
Незадолго до своей смерти он сказал:
«Стены храмов не подвластны»
Церковным росписям и иконам художник отдал свыше 22 лет своей жизни.
В 1890 году профессор Прахов, заведовавший росписью Владимирского собора в Киеве, пораженный «Отроком Варфоломеем», пригласил Нестерова на работу в собор.
Роспись Владимирского собора в Киеве
В 1898 г. младший брат Николая II цесаревич Георгий пригласил его расписывать дворцовую церковь Александра Невского в Абастумане в Грузии. Здесь Нестеров в течение 5-6 лет оформил лично более 50 композиций на стенах и иконостасе.
По-настоящему Нестеров увлекся работой в Марфо-Мариинской обители. На стене трапезной им была написана картина «Путь ко Христу». Вразрез с традициями русской православной живописи вместо святых и угодников, схимников и подвижников или хотя бы монахов, здесь изображены простые люди, ищущие свой путь ко спасению.
«Путь ко Христу» (фрагмент)
Последней церковной работой Нестерова стала роспись собора в Сумах, которую художник впоследствии считал весьма удачной.
Творческая жизнь
1860 год считают началом творческого пути Лескова-писателя, в это время он публикует статьи в различных журналах. Через полгода переезжает в Санкт-Петербург, где планирует заниматься литературной и журналистской деятельностью.
В 1862 году Лесков стал постоянным сотрудником газеты «Северная пчела». Работая в ней корреспондентом, посетил Западную Украину, Чехию, Польшу. Ему была близка жизнь западных славянских народов, потому он углубился в изучение их культуры и быта. В 1863 году Лесков вернулся в Россию.
Долго изучая жизнь русского народа, сочувствуя его горестям и нуждам, Лесков пишет рассказы и повести на эту тему: «Погасшее дело» (1862 г.), «Житие одной бабы» и «Овцебык» (1863 г.), «Леди Макбет Мценского уезда» (1865 г.).
В романах «Некуда» (1864 г.), «Обойдённые» (1865 г.), «На ножах» (1870 г.) писатель раскрыл тему неготовности России к революции. Максим Горький сказал: «…после злого романа «На ножах» литературное творчество Лескова сразу становится яркой живописью или, скорее, иконописью, — он начинает создавать для России иконостас её святых и праведников».
Так как у писателя были разногласия с революционными демократами, его отказывались публиковать многие журналы. Единственным, кто печатал его работы, был Михаил Катков, редактор журнала «Русский вестник».
В 1870–1880 гг. он написал романы «Соборяне» (1872 г.), «Захудалый род» (1874 г.), где раскрыл национальные и исторические проблемы. Роман «Захудалый род» не был дописан Лесковым из-за разногласий с издателем Катковым. Также в это время он написал несколько повестей: «Островитяне» (1866 г.), «Очарованный странник» (1873 г.), «Запечатлённый ангел» (1873 г.). К счастью, «Запечатлённого ангела» не коснулась редакторская правка Михаила Каткова.
В 1881 году Лесков написал «Левшу» («Сказ о тульском косом Левше и о стальной блохе»), в основе которого лежала переработанная старинная легенда о мастерах оружейного дела.
Повесть «Заячий ремиз» (1894 г.) была последним большим произведением писателя. В нём он критиковал политическую систему России того времени. Повесть была опубликована лишь после Октябрьской революции 1917 года.
Лев Толстой говорил о Николае Семёновиче Лескове как о «самом русском из наших писателей», Антон Чехов, а также Иван Тургенев считали его одним из своих главных учителей.
Великая Отечественная
В момент начала войны она потребовала, чтобы райком комсомола отправил ее на фронт, напоминала о значке «Ворошиловский стрелок», сданных нормах ГТО и других достижениях. Во время ее дежурства кто-то попросил ее станцевать, солдаты образовали круг, и Ольга вновь стала выступать как балерина. Лепешинская участвовала в работе концертных бригад, выступала в госпиталях перед ранеными солдатами в Куйбышеве (в период эвакуации Большого театра), она также прилетала, чтобы выступать в московских спектаклях.
В Куйбышеве, в эвакуированном Большом театре, состоялась премьера балета на сюжет Грина «Алые паруса», и Лепешинская исполняла партию Ассоль.
На выступление в Черновцах артисты прибыли прямо с самолета, и, возможно, у партнера Ольги закружилась голова – оба исполнителя дуэта из балета «Лебединое озеро» упали в оркестровую яму. На выручку пришел врач-ветеринар, который жестковато, но эффективно вправил балерине вывих, и травма Ольги быстро зажила. Рассказывают, что на вскрики и стоны он закричал «Трпруу!», словно бы лечил в конюшне лошадей.
С 1942 года Лепешинская танцевала на фронтах, и День Победы встретила в Варшаве.
Против сильного ветра.
Александр Генис
Нью-Йоркский музей Гуггенхайма – идеальное место для ретроспектив. Его знаменитая спираль позволяет выстроить экспозицию хронологически и окинуть ее взглядом – и сверху, и снизу. Работы Альберто Джакометти, заполнившие в эти летние дни весь огромный музей, дают исчерпывающее, если такое возможно, представление об эволюции, приемах, творчестве, жизни и мыслях одного из самых главных мэтров высокого модернизма.
Я точно знаю, где я понял, что Джакометти – мой любимый скульптор. Это произошло неподалеку от Ниццы, в музее современного искусства, который основал и возглавил французский коллекционер Эме Маг. Трудно придумать место прекраснее: мягкие холмы, виноградники, средиземноморский климат, а значит – южное солнце.
И вот среди этой роскоши, на голой террасе стоял бронзовый человек такой худобы, что он почти не отличался от резкой тени, которую отбрасывала на белый мрамор фигура. Казавшаяся двумерной, она была лишена тела. Вместо него мастер изобразил дух, порыв и даже ветер, который мешает идти вперед.
Скульптура Альберто Джакометти «Подвешенный шар» (1930-31). Фото: VincentTullo/TheNewYorkTimes
Конечно, это был «Шагающий человек» – одна из самых известных скульптур ХХ века. Встретив ее вновь на выставке в «Гуггенхайме», я сделал то, что раньше делать стеснялся: принял, не обращая внимания на посетителей, точно такую позу и постарался ее удержать всего одну минуту.
Опытным путем мне удалось выяснить, что Джакометти изобразил человека в мучительно неудобном состоянии. Он уже шагнул вперед, но еще не сдвинулся с места. Ему мешает сильный ветер, но враждебный напор стихии помогает и устоять на ногах. Сопротивление среды – условие победы или хотя бы надежды на нее. В эту неловкую позу скульптор вложил законченную философию, и я ее узнал еще тогда, в Провансе. Конечно, это – Беккет.
Я догадался об их дружбе, ничего о ней не зная, и был прав. Они познакомились до войны, но сдружились после нее, когда оба вернулись в Париж. По ночам друзья часами гуляли по городу. Экстраверт Джакометти говорил, интроверт Беккет только слушал, но, видимо, обоим это общение было необходимо. Именно тогда в первые послевоенные годы скульптор нашел себя, а писатель сочинил главное: великую трилогию и бессмертную пьесу.
Самюэль Беккет и Альберто Джакометти (справа), 1961 г.
На премьере «В ожидании Годо» Джакометти покоробила единственная, но очень важная декорация: сухое дерево на сцене. Оно было скручено из проволочных вешалок. Чтобы исправить ситуацию, Джакометти соорудил для пьесы новое дерево. В нем аскетический реализм соединился с магическим как раз в такой пропорции, чтобы мы поверили в волшебное явление единственного листа, который отличает второе действие от первого. В поисках подобного – минимального – сдвига Джакометти провел всю жизнь.
Выставка начинается с экспериментов. Как и другие парижские авангардисты, такие как Модильяни и Сутин, Джакометти учился в музеях. Не столько в Лувре, сколько в антропологическом. На его ранних работах видны следы всего незападного искусства: кикладская скульптура, полинезийские ритуальные объекты, фаюмские портреты. Его во всем интересовали человекообразные формы, например – ложки.
Пытаясь найти пределы упрощения, молодой художник разбирал и собирал заново человека, не желая, как это случилось с абстракционистами, от него избавиться.
Недолгая связь с сюрреалистами не увела его от причудливого, гротескного, даже пугающего, но все же правдоподобия. К этому периоду относится известная и страшная скульптура 1932 года «Женщина с перерезанным горлом».
Экспериментируя с пространством, Джакометти лепил фигурки людей такими маленькими, как будто мы их увидели из окна. Играя с пустотой, он изобразил держащие ее, пустоту, руки. Решая проблему отношений, мастер создал двух разговаривающих людей, но, основательно подумав, убрал второго собеседника, оставив первого вести диалог с тенью.
Работы Альберто Джакометти в музее Гуггенхайма
Критики, включая такого как Жан-Поль Сартр, зачислившего его в экзистенциализм, считали, что переломным моментом для Джакометти стала война. Хотя он и провел ее в нейтральной Швейцарии, опыт пережитых Европой нечеловеческих страданий вылился в классические образы сопротивления.
Это – удлиненные до неба и изможденные до смерти фигуры, в которых сосредоточилась упрямая воля, то есть несгибаемость. Женщины у Джакометти стоят, как соляные столбы, мужчины идут наперекор обстоятельствам, детей нет вовсе.
