Художник александр бенуа (1870

Детство и юность

Биография Александра Николаевича Бенуа началась в Санкт-Петербурге весной 1870 года. Будущий художник появился на свет в семье главного архитектора и проектировщика Петергофа, академика Императорской Академии художеств Николая Леонтьевича Бенуа и его законной супруги Камиллы, дочери знаменитого строителя театров — итальянца Альберта Катериновича Кавоса.

Портрет Александра Бенуа. Художник Леон Бакст / «Наследие Александра Бенуа»

Предки, познавшие все грани мира изящных искусств, отдали мальчика на воспитание в учебное заведение при благотворительной организации «Человеколюбивое общество». Позже он поступил в частную школу Карла Ивановича Мая и стал одноклассником будущих единомышленников Дмитрия Владимировича Философова, Вальтера Федоровича Нувеля и Константина Андреевича Сомова.

В конце 1880-х Александр на правах вольнослушателя начал посещать занятия в санкт-петербургской Академии художеств. Считая, что дар живописца можно развить только с помощью постоянной практики, юноша не стал студентом престижного высшего учебного заведения.

Первые полотна он создавал дома под чутким руководством кровного брата Альберта. Знания по технике письма и особенностях построения композиции начинающий гений черпал из книг, в изобилии представленных в доме.

Родственники, видя, что молодой Бенуа, кроме способности писать, обладал рядом других талантов, не стали препятствовать поступлению на юридический факультет Санкт-Петербургского Императорского университета. Живописные работы, созданные в свободное от лекций время, Бенуа в первый раз показал на официальной выставке в 1893 году.

Что пугало критиков?

Матисс был уверен, что каждый художник вправе устанавливать собственные критерии красоты и законы искусства. Но художественное общество того времени опасалось таких заявлений, будучи уверенным, что все новое разрушает существующие ценности. Из-за чрезмерной «декоративности» многие французские критики пренебрежительно называли картины Матисса «обоями».

Матисса обвиняли в инфантилизме и отсутствии мастерства из-за упрощенной формы и перспективы. С другой стороны, благодаря скандальности своих работ он и смог заявить о себе, выделить свое имя среди тысячи других. Но ему не нужно было всеобщее признание, хотя в конце жизни он его и получил. Уход в сторону упрощения был осознанным шагом.

Сливы, зеленый фон, 1948 Две девушки в желтом и красном интерьере, 1947

Эксперты утверждают, что академически воспитанному художнику труднее всего отмахнуться от того, что он изучал прежде, и вернуться к «детскому» восприятию действительности. Критик Александр Бенуа говорил: «Можно, пожалуй, «научиться совершенству», подражая совершенным, но нельзя «научиться тому, чтобы разучиться». Многое можно накопить и собрать в своей памяти, но гораздо труднее забыть. Наконец, еще труднее, забыв все… уже от се­бя, собственным опытом найти»

Когда произведения Матисса привезли в Россию и представили на салоне Издебского 1910 года, их восприняли негативно. Илья Репин считал, что это «живопись, поддержанная духом наживы», а коллекционирование подобного — очередное чудачество московского купечества наравне с покупкой ученой свиньи в цирке. Начали говорить, что столь дикие картины сбивают с толку молодое поколение художников и извращают.

В период, когда в России все громче говорили о справедливости и свободе, праздничные и изысканные работы Матисса казались слишком буржуазными, далекими от народа. Но были и те, кто несмотря на неприятие самих картин, не умоляли гения Матисса и более того — восхищались его честностью.

«Но сейчас же явля­ется и на­­дежда: а вдруг именно эта сырость, эта простота, которую хочет насильно приобрести Матисс и которая сама собой уже имеется у нас, — вдруг именно эти наши национальные черты и спасут нас, создадут у нас то желан­ное детское настроение, из которого должна возникнуть новая эра искусства. Матисс дает огромный урок че­стно­сти». — говорил Бенуа. Он же при этом считал «Танец и «Музыку» «ужасными неудачами».

Картины

• 1896 — «Вид на лестницу и террасу в Версале»
• 1896 — «Прогулка короля»
• 1896 — «Набережная Рейна в Базеле в дождь»
• 1897 — «У бассейна Цереры»
• 1897 — «Версаль. Людовик XIV кормит рыб»
• 1898 — «Маскарад при Людовике XIV»
• 1899 — «Церковь св. Екатерины в Санкт-Петербурге»
• 1900 — «У Монплезира в Петергофе»
• 1900 — «Петергоф. Купеческая лестница и Большом дворце»
• 1900 — «Петергоф. Фрейлинские дома»
• 1900 — «Петергоф. Львиный каскад и колоннада»
• 1900 — «Ораниенбаум. Кабинет «Обезьян» в павильоне Катальная гора»
• 1900 — «Карнавал на Фонтанке»
• 1905 — «Версаль. Аллегория реки»
• 1905 — «Служба у капеллы св. Варвары»
• 1906 — «Вечер»
• 1907 — «Парад при Павле I»

Краткая биография

1. 1893 – первое представление акварельных работ А. Бенуа на официальной выставке.
2. 1894 – начало карьеры историка русского искусства – Бенуа пишет статью об отечественных художниках для немецкого сборника по истории живописи.
3. 1896 – поезда в Париж и Версаль, создание серии акварелей о жизни Людовика XIV.
4. 1897 – версальские картины приносят известность Александру Бенуа, а три из них покупает П.М. Третьяков.
5. 1898 – Александр Николаевич создает объединение «Мир искусства», которое начинает издавать журнал с таким же названием.
6. 1901 – Бенуа начал издавать журналы «Художественные сокровища России» и «Старые годы», в которых пропагандировал традиционное русское искусство.
7. 1903 – художник создал иллюстрации на тему «Медного всадника» А.С. Пушкина, которые считаются шедеврами русской книжной графики.
8. 1904 – рисунки Александра Бенуа к «Медному всаднику» публикуются С.П. Дягилевым, с самой поэмой, в журнале «Мир искусства».
9. 1904 – после года работы выходит в свет «Азбука в картинках», тиражом 2500 экземпляров, по три рубля за каждый, – практически единственное крупное произведение Бенуа для детей.
10. 1908-1911 – Александр Николаевич работает с Дягилевым художественным руководителем его «Русских сезонов», которые прославили русский балет за границей.
11. 1908-1913 – Александр Бенуа, среди прочих художников, работает над оформлением школьного пособия «Картины по русской истории».
12. 1911 – Бенуа иллюстрирует очередное издание «Пиковой дамы» Пушкина, которое, несмотря на критику его изображений, стало лучшим из дореволюционных изданий этого произведения.
13. 1918 – искусствовед работает художником и режиссером в Большом драматическом и Мариинском театрах.
14. 1919 – А.Н. Бенуа становится во главе Картинной галереи Эрмитажа и издает ее новый каталог.
15. 1919-1926 – период заведования Картинной галереей.
16. 1922 – выходит альбом «Версаль» – крупнейшее собрание из 26 акварелей художника в революционный период, сопровождавшихся авторским текстом.
17. 1925 – Александр Николаевич принимает участие в Парижской выставке современных искусств.
18. 1926 – Бенуа оформляет постановку «Свадьбы Фигаро» в Большом драматическом театре, что стало последней работой мастера в России.
19. 1926 – отъезд Александра Бенуа в эмиграцию.
20. 1926-1929 – работа над дягилевским проектом «Ballets Russes» в качестве декоратора и постановщика спектаклей.
21. 1926 – работа над иллюстрациями к книге А. Моруа «Страдания молодого Вертера».
22. 1927 – Бенуа иллюстрирует книгу «Уроки любви в парке».
23. 1927 – художник много работает над акварелями к роману «Грешница» А. де Ренье.
24. 1945 – создание сюиты из 44 акварелей к «Капитанской дочке» Пушкина.
25. 1946 – иллюстрации Александра Бенуа включены в произведение А. Попова «Григорий Орлов».
26. 9 февраля 1960 – Александр Николаевич Бенуа скончался в Париже и был похоронен на кладбище Батиньоль.
27. 1968 – издательство «Советский художник» публикует подготовленный И.С. Зильберштейном и А.Н. Савиновым сборник «Александр Бенуа размышляет» о его мыслях, суждениях и воспоминаниях в период с 1917 по 1960 годы.

Художник Александр Бенуа

Статья Бенуа «О повествовательной живописи» (осень 1898 года)

В этом «парижском цикле» — ни полемических крайностей, ни призывов к решительному пересмотру взглядов. Характерна статья «О повествовательной живописи» (осень 1898 года), где эстетическая позиция, с которой Бенуа вступает в борьбу за художественную реформу, выражена с наибольшей наглядностью: в ее основании лежит идея преемственности культурных традиций. Критик высказывает опасение, что все более распространяющиеся концепции, восходящие к импрессионизму, обещая современной живописи немало позитивного, в то же время угрожают утратой традиций, плодотворных для искусства. Приверженец классики, он отстаивает значение сюжета и повествовательного принципа композиции картины на примерах Брейгеля, Рембрандта, Менцеля и Репина: «Я ни за что не позволил бы тащить в грязь живопись повествовательного характера, доставляющую нам столько наслаждения. Я считаю важным в наше путаное и сбитое время по мере возможности подтвердить то, что в старом хорошего, и стараюсь хоть кое-что спасти от разгрома».

Восхваляя картину Менцеля «Железопрокатный завод» и жанровые произведения Репина, требуя внимания к современности с ее драмами, «отношениями между характерами, сплетениями человеческих жизней», автор, уже оппонируя Рескину, энергично выступает за реализм, хоть и понимая его ограниченно — лишь как естественный результат живого восприятия действительности, продукт мироощущения, чувствования жизни; при этом он противник политической «тенденции», рациональной «идейности», назойливой литературной «содержательности», и кавычки, в которые, по примеру новейшей зарубежной критики, заключены термины, означают ироническое отношение автора, стоящего на «внесоциальной» позиции, к трактовке этих понятий, культивировавшейся народнической критикой с 1860-х годов. Но главную опасность Бенуа видит в другом направлении — во «французском шике» и модном увлечении «чистой живописью» вообще, предостерегает от «так называемой чистой эстетики», даже зовет на борьбу с ней. Той самой эстетикой Рескина и Уайльда, которую только что начал пропагандировать журнал!

Как Матисс стал пуантилистом

В 1904 году прошла первая выставка Анри Матисса, однако в художественном сообществе она осталась незамеченной. Но не для Анри — там он познакомился с пуантилистом Полем Синьяком. Вскоре они вместе уехали  в Сент-Тропе за свежими идеями и новыми впечатлениями. Стиль пуантилизма, для которого характерны яркие точечные мазки, вдохновил Матисса. Из поездки он вернулся со своим первым шедевром «Роскошь, покой и наслаждение»

Однако примкнуть к направлению пуантилистов Матиссу было не суждено: довольно скоро он отказался от этой техники в пользу энергичных мазков и смелых цветов.

Уже тогда Анри осознал: цвет совсем не обязательно использовать, чтобы выразить действительность наиболее реалистично.. Он способен выразить отношение, состояние, образ и чувства, которые испытывает сам художник. Матисс говорил: «если бы я хотел получить точное изображение, я позвал бы фотографа». В его палитре появились бирюзовый, красный, оранжевый — все те цвета, которые художники не рисковали использовать и прятали за тщательной растушевкой. Краски на его полотнах наконец начали обретать голос.

Роскошь, покой и наслаждение, 1904 Попугайные Тюльпаны, 1905

Важным моментом в становлении Матисса как независимого художника стала его встреча с женой. Анри и Амели познакомились на свадьбе у друга. Уже тогда молодые люди поняли, что влюбились друг в друга. Трогательные письма, долгожданные встречи, букеты фиалок. Амели первая поверила в талант Матисса и убедила его в том, что он должен продолжить заниматься искусством, искать свой стиль. Матисс перед свадьбой признался Амели, что хотя он и любит ее, живопись он всегда будет любить больше. Она приняла эту правду, став его главной музой жизни. Амели родила ему двоих сыновей и воспитала его внебрачную дочь, которая была у Матисса от его модели Каролины Жобло.

Анри Матисс. Анри и Амели Матисс, 1913

В трудные периоды, когда заработка едва хватало на обеспечение семьи, жена открыла свой салон шляпок, на заработок с которого они долгое время существовали. Терпеливая, сочувствующая и бесконечно верящая в своего мужа — такой была Амели.

Пейзажи и портреты кисти Александра Бенуа

Последний зал экспозиции знакомит посетителей с Бенуа-портретистом и пейзажистом. Это разнообразные по мотивам и духовной наполненности пейзажи Бретани — её суровой природы, диких скал, долин, заброшенных жилищ, облик которых отражает замкнутый характер и образ жизни обитателей. В 1910-е Бенуа в Италии, Швейцарии и Испании работал над пейзажами небольших городков и деревенек («Наш сад в Монтаньоле», «Розовый дом в Кресоньо» — обе 1912). В эмиграции он остался верен жанру пейзажа. Бенуа открыл для себя Париж старинных парков и кварталов («Улица в Париже», 1924). В 1930-е годы художник создал целый ряд пейзажей Франции и Италии («Кассис. Улица», 1931).

Открытие выставки состоится в режиме онлайн 8 декабря. Выставка продлится до 9 марта 2021 года. Выставка организована при поддержке Благотворительного фонда «Лукойл».

Редакция благодарит пресс-службу Государственного Русского музея за помощь в подготовке материала

Размолвка с Философовым, Нувелем и Бакстом Картина Менцеля «Железопрокатный завод».

Рукопись вызвала категорические возражения редакции. Возник серьезный конфликт: Философов «из «тактических соображений» не пожелал поместить приготовленную мною статью, в которой я касался темы, не утратившей своей актуальности и поныне. Под предлогом восторженного описания одной картины Питера Брейгеля, я вздумал выступить в защиту «сюжетной» живописи и даже того самого «жанрового анекдота», против засилия которого в русской школе я же до того ратовал во имя «чистой» живописи. Наша размолвка приняла довольно острый характер не только с ним, но и с Нувелем и с Бакстом, и, в конце концов, я даже объявил им о своем полном нежелании участвовать в журнале».

Признание за Бенуа роли вдохновителя не означало, что между ним и другими членами редакции (прежде всего — Философовым и Дягилевым) не существовало расхождений порой по самым принципиальным вопросам. Но и в одной из следующих статей («Форен, Стейнлен, Валлотон») автор старательно акцентирует жизненную основу произведений, как бы настаивая на своих идеях (некоторые абзацы в обеих статьях почти дословно совпадают)

Создается впечатление, что он стремится зафиксировать на страницах журнала особое мнение по этому важному вопросу: редакция «Мира искусства» была далеко не идиллической компанией единомышленников, как это нередко представляют. Более того — из переписки с Дягилевым видно, что Бенуа вообще не раз отказывался сотрудничать в журнале

Стилистические особенности статей Бенуа

Статьи, написанные для специального журнала, каким был «Мир искусства», адресованы отнюдь не широкому читателю, а так называемой «культурной среде», прежде всего — художникам

Автор тщательно разрабатывает план статьи, с вниманием относится к языку и стилю. Обширный очерк или короткая заметка об искусстве сами по себе должны быть произведениями искусства, и художник стремится писать легко, свободно, эмоционально

Любопытно, что мелькающие в тексте галлицизмы, французские mot и целые иностранные фразы возникают вовсе не от авторского желания «европеизировать» свою речь. Степень уснащения иностранной лексикой возрастает в статьях, написанных за рубежом (так у Бенуа будет и позднее), заставляя встревоженного автора обращаться к друзьям с просьбой о редактировании: «Это нечто позорное, и я знаю, отчего оно происходит: совершенно не слышу русской речи и не читаю русских книг! Ты (или кто-либо из вас) можешь пособить горю, исправляя мои статьи и заменяя галлицизмы и цельные иностранные слова — русскими».

Работает

• Psyché faisant ses adieux a sa famille (1791)
• L’Innocence entre la vertu et le vice
• Портрет Мадлен (ранее известный как Portrait d’une négresse (1800, Musée du Louvre ))
• Портрет мадам Филиппа Панона Дебассайнс де Ричмонт и ее сына Евгения (1802, Метрополитен-музей )
• Портрет Наполеона (1804, двор Гента )
• Портрет маршала Брюна (1805 г., детство; копирование в музее Шато де Версаль )
• Портрет Полины Боргез (1807, Музей Версальского замка)
• Портрет Мари-Элизы, великой герцогини Тосканской (Pinacoteca Nazionale, Лукка )
• Портрет императрис Мари-Луизы ( Шато де Фонтенбло )
• La lecture de la Bible , (1810, муниципальный музей, Лувье )
• La Consultation ou La Diseuse de bonne-aventure , муниципальный Сент- музей.

Творчество

В середине 1890-х, воспользовавшись тем, что дебютные картины привлекли внимание специалистов, Бенуа выступил как историк и теоретик искусства. Он написал раздел о русских мастерах для выпуска альманаха «История живописи XIX века»

Спустя пару лет Александр с друзьями посетил Францию для того, чтобы написать «Версальские серии», представлявшие собой сцены с прогулок короля Людовика Великого де Бурбона, а также его придворных, жен и детей.

В 1897-м цикл акварелей, созданный по возвращении из Парижа и предместий, заслужил восторженные отзывы знатоков живописи. Три работы после официальной выставки приобрел создатель «Третьяковки» — Павел Михайлович Третьяков.

В тот же период Бенуа стал основоположником и идейным вдохновителем творческого союза «Мир искусства». Совместно с театралом Сергеем Павловичем Дягилевым и портретистом Константином Андреевичем Сомовым он занимался пропагандой прогрессивного русского и западноевропейского искусства и выпускал тематический журнал.

Со временем участники объединения постарались привлечь внимание общественности к исконным народным промыслам, прикладному декоративному искусству, графике и архитектуре. Благодаря статьям, созданными «мирискусниками», в обиход вошли понятия «русский сезанизм» и «авангард»

В начале 1900-х Бенуа создал цикл иллюстраций к «Медному всаднику» Александра Сергеевича Пушкина. Окружающие с первого взгляда не оценили прелесть графических изображений, поэтому зарисовки увидели свет только стараниями единомышленника — Дягилева.

Иллюстрация Александра Бенуа к «Медному всаднику» / «Наследие Александра Бенуа»

Позже Александр Николаевич в статусе признанного мастера-графика предоставлял работы для оформления классических книжных изданий, напечатанных в гостипографии имени Ивана Федорова. В 1923-м на свет появилась книга великого русского поэта с 37 рисунками Бенуа.

Запоминающимися литературно-художественным произведениями живописца и теоретика считались картина «Аполлон и Дафна», а также издания «Азбука в картинках». Образы, в основанные на греческой и русской мифологии, пришлись по душе массе людей.

В 1910-х Бенуа проиллюстрировал повесть А. С. Пушкина «Пиковая дама». Серия завершенных картин отличалась детальной прорисовкой костюмов и городских пейзажей. Искушенным читателям казалось, что они попали в театр.

Автору удалось вызвать сильные эмоции благодаря многолетнему сотрудничеству с антрепризой Сергея Дягилева, известной под названием «Русские сезоны». Гастролируя вместе с артистами имперской оперы и балета в статусе худрука, Бенуа сформировал особый взгляд на изобразительное искусство и сделал живопись похожей на спектакль.

После Февральского переворота, приведшего к свержению монархии, Бенуа занимался охраной памятников старинного и классического искусства. Став главой картинной галереи петербургского Эрмитажа, художник создал актуальный каталог работ.

Вкладом сына архитектора в развитие русского искусства считалось оформление спектаклей, шедших на сцене столичных театров. Красочными декорациями славились балет «Петрушка» и оперетта «Женитьба Фигаро».

В начале 1920-х Александр Николаевич завершил работу над новым альбомом акварелей. 26 картин с авторским предисловием, послесловием и подписями получили название «Версаль»

Французский дворцово-парковый комплекс неизменно притягивал внимание живописца. Мастерство в изображении изящных пейзажей заслужило море похвал

Ссылки [ править ]

1. ^ Редакторы Phaidon (2019). Великие художницы-женщины . Phaidon Press. п. 59. ISBN 978-0714878775.
2. ↑ Мэтью Робинсон (26 марта 2019 г.). «Французские шедевры переименованы в честь чернокожих» . CNN . Проверено 26 февраля 2021 года .
3. ↑ Констанс Грэди (19 июня 2018 г.). «Смысл классических картин в« Апешите Бейонсе и Джей-Зи . Vox . Проверено 26 февраля 2021 года .
4. ^ Chaudonneret, Мари-Клод (2003), «Бенуа , Мари-Guillemine», Oxford Art Online , Oxford University Press, DOI10,1093 / гао / 9781884446054 .article.t007939
5. ^ France-Presse, Agence (2019-03-26). «Французские шедевры, переименованные в честь черных предметов на новой выставке» . Хранитель . ISSN 0261-3077 . Проверено 26 марта 2019 .

Идеи Мутера в XX веке

Книга Мутера, в свое время имевшая огромную популярность, в наши дни с трудом выдерживает научную критику. Но включенный в нее краткий «конспект» Бенуа — Мутера был все же первой попыткой изложения истории русской живописи и рассмотрения ее рядом с другими национальными школами в качестве равноправного участника эволюции мирового искусства. Сегодня мы видим в нем и идейную несамостоятельность, и фактические неточности, и историческую неполноту. И все же этот характерный документ художественной жизни эпохи заслуживает внимания: оп звал русскую науку об искусстве от фактологии и фиксации отдельных событий к осмыслению всего хода художественного процесса. Еще несколько лет — и мы встретимся с серией трудов такого типа. Сыграла ли во многом незрелая работа Бенуа роль своеобразного «будителя» мысли, либо попросту предшествовала появлению этих трудов?

Стасов, как создатель русской художественной критики и его влияние на Бенуа

Статьи Бенуа в газете «Слово»: обзоры выставок (1904-1905)

Русская художественная критика 1905-1915 на пике своего развития

Иллюстрации к классике

В советские годы художник проиллюстрировал произведения А. С. Пушкина «Капитанская дочка» и «Медный всадник». Поэма «Медный всадник» была задумана иллюстратором как законченный книжный ансамбль, так как именно такой подход был принят у мирискусников.

Бенуа выбрал для этого цикла сдержанную цветовую гамму, да и сами графические средства были довольно скупыми: художник избегал мелких деталей, но дал волю фантазии. Иллюстрации точно воссоздают мрачную атмосферу пушкинской поэмы. Безумный Евгений, словно тень, бродит по сумрачному мистическому Петербургу, его преследует призрак конной статуи. Этот цикл стал своеобразным синтезом экспрессионизма и модерна.

Дикари живописи

На Осеннем салоне 1905 года группа молодых художников представила свои «революционные» картины широкой публике.  На нем Анри Матисс с Андре Дереном и Морисом де Вламинком выставили свои произведения из летней поездки в Кольюре, рыбацкой деревни на Средиземном море. Их картины выделили яркие, неестественные цвета, небрежно распределенные по холсту краски, пренебрежение правилами композиции и схематично обозначенная перспектива. На произведения обрушился шквал критики.

Камиль Моклер сравнивал их картины с «горшком краски, брошенным в лицо общественности». Картину Матисса «Женщина в шляпе» некоторые посетители пытались даже сорвать или испортить. Критик Луи Воксель посвятил им разгромную статью «Донателло среди дикарей!», в которой едко прозвал художников дикими зверями или фовистами — от французского les fauves. Так и закрепилось за живописцами название течения, во главе которого был Анри Матисс.

Картины фовистов бросали вызов смотрящему, условностям, заставляли вступить в диалог, удивиться. От них нельзя было отмахнуться или притвориться, что ты их не заметил. Они не пытались обмануть: это воздействие было абсолютно искренним и честным

Своими экспрессивными полотнами они обратили внимание на условность восприятия мира. Действительность преображалась до абсурда, словно творцы нарочито упрощали до первозданного, убирая лишние детали и нюансы, которые прежде веками надстраивались в сознании человека

Салон 1905 года оказался переломным моментом в творчестве Матисса — наконец воплотились его мечты о цвете, о которых говорил первый наставник Моро. Движение фовистов имело неформальный характер: не было ни манифеста, ни программы, и интерес к ним поддерживался на протяжении двух-трех лет. Несмотря на это, фовисты оказали существенное влияние на дальнейшее развитие искусства ХХ века, ошеломив академически закаленную публику игрой цвета и формы. Зеленые портреты, алые пейзажи и вибрирующие натюрморты не укладывались ни в какие рамки существующих канонов.

Натюрморт с ананасами, 1940

На творчестве Матисса условное исчезновение движения фовистов никак не сказалось. У него стали появляться поклонники среди меценатов, что позволило ему продолжить свои исследования стиля.

Гертруда Стайн стала первой меценаткой, которая разглядела в произведениях Матисса талант и не побоялась приобрести скандальные картины. Будучи знаменитой писательницей и имея прекрасный художественный вкус, Стайн увлекалась коллекционированием произведений молодых художников. «Женщина в шляпе», вопреки возмущениям и язвительной критике, казалась Гертруде совершенно естественной.

Последние годы жизни

Уже в 1920-е годы  Матисс приобрел всемирную известность: выставки проводили в Европе и США, его начинали узнавать. Примерно в то же время у Анри заболела жена и требовалась помощница, которая могла бы ухаживать за ней. На пороге их дома появилась Лидия Делекторская — русская эмигрантка, чья семья погибла во время гражданской войны.

Мадам Матисс нисколько не переживала, что молодая особа работала в их доме. С Лидией у них сложились прекрасные отношения: девушка была аккуратна, скромна, внимательно относилась к женщине. К тому же, светловолосая Лидия не была во вкусе Матисса — ему нравились невысокие брюнетки южной внешности. Долгое  время он ее даже не замечал. Но однажды Лидия сидела рядом с кроватью Амели, сложив руки на спинке стула и облокотив голову, внимательно слушая ее. Матисс задержал на ней свой взор и попросил не двигаться. Он сделал пару зарисовок, после чего стал чаще писать ее портреты.

Лидия Делекторская Портрет Лидии Делекторской

Жена была недовольна таким поворотом, хотя явной измены или проявления отношений между Матиссом и Делекторской не было. Но боялась Амели другого: раньше она была единственной его музой, источником вдохновения, его поддержкой. Теперь Матисс светился лишь рядом с Лидией. В скором времени брак между Амели и Анри распался, после чего Матисс провел с Делекторской более 20 лет. Она стала его секретарем и помощницей. Она ухаживала за ним во время болезни, смешивала краски, раскрашивала бумагу. Между ними никогда не было физической связи, их любовь была платонической и очень благотворной. «Каждый раз, когда я скучаю я сажусь за портрет госпожи Лидии — и тоски как не бывало» — говорил Матисс.

В заключение

Бенуа входит в число самых значительных критиков российского искусства начала прошлого века. Именно он ввел понятия «авангардизма» и «русского сезаннизма».

Его способность ценить самому и доносить до других все величие русского художественного наследия сыграло огромную роль в сохранении шедевров прошлого. Особый смысл это имело на заре XX века, когда промышленная революция и прагматизм готовы были уничтожить классический облик городов.

Александр Бенуа за работой

Как ни странно, но деятели Советской России тоже ценили Александра Николаевича. Луначарский называл его замечательным художником и очаровательным человеком, который, не являясь другом Советской власти, приносит много пользы. Однако противоречия с новым политическим строем и несогласие с большевистским надзором за всеми сферами личной и общественной жизни не позволили Бенуа остаться в СССР.

Но даже уехав в Париж, Александр Николаевич продолжал считать наибольшей художественной ценностью именно русское искусство. А память о родине была самым драгоценным в его жизни. Об этом говорят созданные им в эмиграции работы, первыми из которых стали знаменитые «Воспоминания» о старом Петербурге.