Алексей Саврасов и Василий Перов: деревья одному, людей — другому
Передвижники Василий Перов и Алексей Саврасов были друзьями, поэтому не раз друг другу на картинах что-нибудь подрисовывали (с согласия, конечно). В 1871 году Перов работал над своей знаменитой картиной «Охотники на привале». Позировали мастеру его товарищи: врач Дмитрий Кувшинников, художник Василий Бессонов и чиновник Николай Нагорнов.
В. Г. Перов «Охотники на привале» (1871)
Мужчин, одежду, ружья, добычу Перов изобразил мастерски, поскольку сам был большим любителем пострелять по уткам и прекрасно знал экипировку охотника. А вот пейзаж… Уметь-то он умел — но вот большой тяги к деревцам, цветочкам да кочкам не испытывал. Закончить живописный фон помог автор известной картины «Грачи прилетели» Алексей Кондратьевич Саврасов.
В «Птицелове» Перова Саврасов тоже помогал писать пейзаж. Говорить об этом он не любил, словно соавторство задевало его самолюбие. Он ведь умел изображать не только деревья:
«Хорош бы я был мастер, если бы грача мне написал Васька Перов, а я бы только лазурь и облака».
В. Г. Перов «Птицелов» (1879)
Но всё же и Саврасов прибегал к услугам «Васьки». В 1870 году Алексей Кондратьевич начал писать картину «Волга в окрестностях Юрьевца». Эскизы реки он сделал во время путешествия по Волге, а вплотную приступил к работе в учебной мастерской Московского училища ваяния и зодчества (в этом учебном заведении оба художника были профессорами). Перов увидел работу приятеля, оценил замысел и помог с написанием человеческих фигур.
А. К. Саврасов «Волга в окрестностях Юрьевца» (1870)
Творчество
В первой половине 1850-х годов Эдуард Мане обучался живописи у знаменитого мастера Тома Кутюра. Он был не в восторге от обучения, по причине все того же строгого академизма Тома. В данный период биографии он увлекался работами художников Раннего и Высокого Возрождения.
Тогда же Мане посетил немало европейских стран, где продолжал ходить в различные музеи. По приезду домой он особенно часто посещает Лувр, глубоко исследуя полотна великих мастеров. В результате, он становится автором ряда копий знаменитых картин.
В 1859 г. Эдуард решил, что он уже состоялся как художник и поэтому должен показать свое творчество Парижскому салону. Он предоставил комиссии свою картину «Любитель абсента», которая понравилась только Делакруа.
Интересен факт, что его бывший наставник Кутюр, раскритиковал полотно Мане. Комиссия негативно отнеслась к реалистическому изображению пьяницы, а также отходу молодого художника от основ композиции: была нарушена перспектива, тень персонажа не соответствовала его положению, не были задействованы полутона и т.д.
И хотя Эдуард непросто пережил критику, он не опустил рук. В 1861 г. комиссия Салона положительно отозвалась о 2-х его работах – «Портрете родителей» и «Гитареро». Благодаря этому, живописец обрел признание в обществе и получил немало денег.
Но что еще больше окрыляло Мане, так это похвала от отца, который к тому моменту биографии уже с гордостью отзывался о сыне, как о талантливом художнике. Далее он стал автором ряда картин, написанных на морские и испанские мотивы: «Лола из Валенсии», «Испанский балет», «Бега в Лонг-шане» и т.д.
Кроме этого, Эдуард Моне творил в историческом и религиозном жанрах – «Расстрел императора Максимилиана» и «Мертвый Христос». В 1863 г. жюри Салона отвергло полотна многих художников (в общей сложности – 2800 работ). В результате, это привело к громкому резонансу в обществе, в который вмешался сам император Наполеон 3.
Император распорядился организовать выставку – «Салон отверженных». Главной картиной выставки стало полотно Мане «Завтрак на траве», которое подверглось критике и насмешкам. Тем не менее, именно «Завтрак на траве» стал символом «Салона отверженных», вызвав массу дискуссий среди знатоков искусства.
В 1865 г. в биографии Эдуарда происходит очередная «неприятность». Его новый шедевр «Олимпия» был оценен современниками крайне негативно. Художника обвиняли в пошлости и вульгарности, за изображение на холсте обнаженной девушки, бесстыдно лежащей на кровати.
«Бар в Фоли-Бержер»
Мане снова оказался в центре громкого скандала. Тогда же он сближается с импрессионистами, среди которых были Поль Сезанн, Клод Моне и Эдгар Дега. Он продолжает придерживаться своего творческого курса, изображая на полотнах портреты, цветочные натюрморты и сцены на скачках.
В 1870-х годах Эдуард создает такие шедевры, как «Железная дорога», «В лодке», «За кружкой пива» и «В оранжерее». Только в последние годы жизни жюри разных салонов начинают осознавать все величие Мане, активно выставляя его картины на выставках.
Детство
Эдуард появился на свет 23 января 1832 года в квартале Парижа Сен-Жермен-де-Пре на улице Малых Августинцев в доме № 5.
Его дед по отцовской линии, Клеман Мане, был помещиком, строителем дамб. Папа художника, Огюст Мане, родился во французском городе Женвилье в 1797 году. Он не стал продолжателем семейного строительного дела, а выучился на юриста и состоял на государственной службе. В министерстве юстиции Франции он занимал должность начальника отделения, был советником при дворе, какое-то время работал в апелляционном суде Парижа. Удостоился французской национальной награды – рыцарь Ордена Почётного легиона.
Мама, Эжени-Дезире Фурнье, происходила из интеллигентной семьи. Её отец Жозе-Антуан-Эннемо Фурнье служил на дипломатических должностях, работал консулом в Гётеборге. Крёстным отцом Эжени-Дезире был король Швеции Карл XIII. В январе 1831 года она вышла замуж за Огюста Мане. Ровно через год у них родился первенец Эдуард. Позже семья пополнилась ещё двумя мальчиками Гюставом и Эженом.
Несмотря на хорошее материальное положение, обстановку в доме Мане нельзя было назвать богатой и роскошной. Меблировка, убранство, одежда – всё было простым, умеренным и скромным, с присущим французским вкусом. Эдуард обожал свой дом, к тому времени семья переехала на улицу Мон-Татор.
Портрет родителей Эдуарда Мане
Особенно мальчику нравилось, когда к ним приходил родной дядя (брат мамы), полковник Эдмон-Эдуард Фурнье, со своей супругой. Родители коротали с ними вечера у камина – женщины рукодельничали, мужчины вели беседы. Дядюшка был добродушным низеньким толстяком с маленькой бородкой и всегда смеющимся лицом. Частенько в такие вечера он доставал блокнот и делал небольшие зарисовки сидящих у камина людей. В эти моменты маленький Эдуард бросал игры с братьями и наблюдал за дядей, даже несколько штрихов на бумаге осмеливался сделать сам.
Творчество Мане
С середины 50-х годов Мане начал создавать собственные оригинальные произведения, героями которых были завсегдатаи парижских кафе, прохожие.
Одновременно Мане боролся с традиционной академической манерой письма и, отступая от мягкой моделировки формы, лепил ее свежими, выразительными мазками.
Этюд «Кабачок», относящийся уже к концу 70-х годов, демонстрирует интенсивность и сочность цветного подмалевка художника.
Вокруг Мане начали группироваться Дега, Писсарро, Клод Моне, Ренуар и Сислей. Им импонировало не только новаторство Мане, но и его профессионализм, образованность, глубокие познания в области истории живописи, овладение всеми приемами живописной и графической техники.
В 1863 году Мане выставил в знаменитом «Салоне отверженных» свою картину «Завтрак на траве», ее содержание и необычность живописной техники вызвали негодование публики. С этого момента Мане становится признанным вождем «независимых» художников.
За картиной «Завтрак на траве» последовала «Олимпия», где натурщица Викторина Меран была изображена обнаженной на кровати. Картину приняли в салон в 1865 году, но ее постигла та же участь, что и «Завтрак на траве».
В этих произведениях Мане утверждал право на изображение в живописи своих современников без всякой идеализации, открыв тем самым новую тематику для Ренуара, Дега, Писсарро и других художников, стремившихся к правдивому воссозданию действительности.
Защитника и ценителя своего творческого метода Э. Мане нашел в лице молодого Эмиля Золя. Писатель первым признал значение искусства талантливого художника для будущего развития европейской живописи и неоднократно выступал с разбором творчества Э. Мане в печати. Золя понимал несправедливость нападок на картины Мане со стороны публики и салонных живописцев, предсказывая, что со временем они будут выставлены в Лувре.
В 1873 году Мане представил жюри салона картину «За кружкой пива», традиционную как по трактовке сюжета, так и по манере письма.
Этот противоречивый живописец всю свою жизнь стремился создать новый «большой» стиль в современной живописи. Невзирая на нападки и упреки как художественных критиков, так и его друзей импрессионистов, Мане упорно продолжал выставляться один.
В 1882 году он закончил одно из самых значительных произведений в европейской живописи 70-х—80-х годов прошлого века «Бар в Фоли-Бержер», за которое был награжден орденом Почетного легиона. Признание пришло уже к смертельно больному художнику.
В 50-е—60-е годы XIX века будущие импрессионисты ориентировались на его оригинальную творческую манеру. Но в отличие от них Мане всегда стремился к созданию картины, главное место в которой принадлежит человеку.
Детство и юность
Никас Степанович Сафронов (настоящее имя — Николай) родился 8 апреля 1956 года (знак зодиака — Овен) в городе Ульяновске. Воспитывался в небогатой многодетной семье — у художника четверо старших братьев и младшая сестра. Отец Степан Григорьевич Сафронов был военным, вышедшим в отставку к моменту рождения Николая. Династия Сафроновых состоит из потомственных священников, родословная которых прослеживается до 1668 года. Семья Николая со стороны матери Анны Федоровны родом из города Паневежис и имеет финско-литовские корни. Отсюда и литовское происхождение псевдонима, выбранного художником.
Творческая биография Никаса началась еще в детстве: юноша копировал иллюстрации из школьных учебников и делал попытки выработать собственный стиль, где в манере, близкой к романтизму, воплощал собственные мечты о приключениях и путешествиях.
Окончив 8 классов средней школы, Николай отправился из родного Ульяновска в Одессу и поступил в мореходное училище. После первого года обучения Сафронов оставил морское дело и переехал в Ростов-на-Дону, где подал документы в художественное училище имени М. Б. Грекова. В молодости пробовал себя в качестве художника-бутафора в Ростовском театре юного зрителя и одно время подрабатывал дворником, грузчиком и сторожем. В 1975 году Никас ушел в армию, так и не окончив училище.
После армии парень перебрался в Паневежис, родной город его матери, где продолжил карьеру театрального художника-оформителя. В 1978 году переехал в Вильнюс и поступил в художественную академию на факультет дизайна.
Карл Брюллов и мертвая рука Крылова
Карл Брюллов, известный представитель классицизма и романтизма в русской живописи, взялся как-то раз за портрет Ивана Андреевича Крылова. Вообще-то, люди у Брюллова получались на славу: «Последний день Помпеи», «Итальянский полдень», «Всадница»… Но в случае с портретом баснописца что-то пошло не так. Брюллов писал, писал, писал…
Крылов замучился позировать и даже пошутил, что не доживет до конца работы. И как в воду глядел.
Брюллову с горя расхотелось заканчивать портрет, на котором осталось написать одну лишь руку. Завершить произведение мастера взялся его ученик и в будущем известный художник Фаддей Горецкий. Картина была закончена. Жаль только, руку критики не оценили и назвали «мертвой».
К. П. Брюллов «Портрет И. А. Крылова» (1839)
Биография художника
Арнольд Бёклин появился на свет в швейцарском городе Базиль, в октябре 1827 г. Отец его происходил из знатной купеческой семьи. Будущий художник получил прекрасное образование:
Первый этап обучения Арнольд Бёклин прошел в дюссельдорфской Академии художеств
Там его обучали такие знаменитые живописцы, как Ширмер и Хильдебрандт.
Затем художник продолжил образование в Мюнхене, где на его картины обратил внимание именитый граф Шак.
Завершил свое образование Арнольд Бёклин большим путешествием по Франции и Нидерландам. Путешествовал он и по родной Швейцарии.
Первые картины этого живописца представляли собой ландшафтную живопись. В 1850 г. Арнольд Бёклин предпринимает поездку в Рим, где знакомится с Дребером и, под его влиянием, переходит на мифологическую тематику. В Первой половине 1860-х гг. художник путешествует по Помпеи и Неаполь, в конце десятилетия – возвращается в Базиль.
В первой половине 1870-х гг. Арнольд Бёклин перебирается в Мюнхен. Там он создает самые известные свои картины и создает художественный кружок. В 1880-х живописец много переезжает из города в город в Швейцарии, и наконец, поселяется в Италии. В последние годы столетия увлекается импрессионизмом. Умер Арнольд Бёклин в итальянском городе Фьезоле, зимой 1901 г.
Матерь Мира
Написана картина в 1924 году. Хранится в Музее Николая Рериха в Нью-Йорке.
Полотно выполнено в синих, голубых, фиолетовых, золотых оттенках. От него невозможно оторвать взгляд.
Картина «затягивает», заставляет вдумываться в то, что находится перед глазами. Удивительный феномен, что чем дольше смотришь на нее, тем больше расширяется пространство в ней. Появляется ощущение бесконечности.
На переднем плане перед зрителем на троне восседает женщина. Царственная особа. Это образ мощной, живительной силы, космической по масштабам и по возможностям – Женской Энергии.
Те, кто развивает ее в себе, становятся более восприимчивыми к прекрасному, к любви, к постижению вечных истин и ценностей.
Те, кто разрушает ее, фактически лишает себя источника вселенской подпитки, вселенского разума, интуиции.
Обращает на себя внимание то, что лицо женщины закрыто на половину. Здесь можно мысленно дорисовать скрытые покрывалом черты лица
Искусствоведы говорят о том, что скрытая часть – это то, что еще предстоит пройти, пережить. Понять. Открытая часть лица символизирует уже достигнутые высоты, которым надо иметь смелость следовать.
Топ-10 самых дорогих русских художников за последний год
Посмотрим, такова ли популярность именитых мастеров за последние двенадцать месяцев. Неизменно возглавляет рейтинг Марк Ротко, который оказался лидером всех перечисленных нами рейтингов. За последний год было продано 5 его произведений на общую сумму 40 млн долларов. Следом за ним идет Тамара де Лемпицка, 11 картин которой ушли за 36 млн долларов. А у Марка Шагала было продано за год целых 314 работ на общую сумму 24,5 млн долларов.
И далее по списку идут все те же художники: Василий Кандинский (10,8 млн долларов, 30 продаж), Иван Айвазовский (9,6 млн, 19 продаж), Никола де Сталь (7,5 млн, 7 уходов), Хаим Сутин (4,3 млн, 5 продаж) и Константин Коровин (4 млн, 25 продаж).
Тамара де Лемпицка (1898–1980)
Василий Кандинский (1866–1944)
А вот десятку самых дорогих художников за последние 12 месяцев замыкают Моисей Кислинг, которого в других рейтингах мы не видели, и Жак Липшиц. В 2020 году было продано 46 работ Кислинга на общую сумму 3,3 млн долларов и 16 работ Липшица на сумму 3 млн долларов.
Подведем итоги. Произведения известных на весь мир русских художников высоко ценятся и сегодня. Ценители живописи охотно пополняют свои коллекции трудами смелых художников, которые в свое время не побоялись перейти к беспредметному искусству, сосредоточились на передаче чувств или как-то иначе выразили свое индивидуальное видение мира. Вероятно, этим и объясняется их вневременная популярность, которая сохраняется и сегодня.
Биография
На протяжении всей жизни картины основоположника импрессионизма Эдуарда Мане, освободившего живопись от оков академических стандартов, подвергались критике. Современники гравера, увязшие в косности и консерватизме общепринятых норм, восхищались работами, написанными в соответствии с художественными канонами, порицая тех, кто пытался привнести в искусство что-то новое.
Портрет Эдуарда Мане
Из-за того что публика на протяжении долгого времени не понимала и не принимала произведений, отражавших личное мировосприятие художника, первая официальная выставка сообщества, в которое, помимо Мане, входили небезызвестные Камиль Писсарро, Пьер Ренуар, Поль Сезанн, Фредерик Базиль и Эдгар Дега, ознаменовалась провалом.
Оскар Рабин в Париже
Рабин оказался в Париже уже в зрелом возрасте, сформировавшимся художником. И на шестом десятке лет, не имея средств, он должен был начинать новую жизнь, искать свое место в новой стране. И это было сложно.
До конца своих дней он ощущал себя советским художником, хоть и считал Париж своим домом (даже после возвращения ему гражданства в 1990 году). Часто даже в домах на Монмартре он видел сходство с бараками, в которых прошла его молодость и которые давно существовали только в его памяти. Он продолжал хранить и писать эту память. Про жизнь во Франции он говорил, что не ощущал ее так остро, как жизнь в оставленном им СССР. И хотя в Париже никто не мешал ему свободно творить (у Оскара Рабина была своя мастерская), художник так и не стал частью французского арт-мира. С одной стороны, он никогда не гнался за успехом и «нужными связями», а с другой – не всегда принимал и часто жестко критиковал современное западное искусство. Именно поэтому Рабин держался несколько особняком, оставаясь легендой прежде всего для художественного мира в России.
Выставляться ему вначале помогали его прежние друзья и те же иностранные журналисты и коллекционеры, которые навещали его барак в Лианозово. Первая персональная выставка работ Оскара Рабина состоялась в 1965 году в Grosvenor Gallery в Лондоне благодаря участию британского знатока современного искусства Эрика Эсторика. Затем, уже после эмиграции, последовали выставки во Франции, Швейцарии, Австрии, США. После распада СССР выставки Рабина прошли в Русском музее, в ГМИИ имени А. С. Пушкина, в Третьяковской галерее.В 2005 году он удостоилсяпремии «Инновация» в номинации «За творческий вклад в развитие современного искусства». А в 2013 году стал действительным членом Российской Академии художеств. Несмотря на растущую известность, Оскар Рабин продолжал оставаться тихим, скромным, интеллигентным и доброжелательным человеком. Многие из тех, кто с ним общался, отмечали, что он никогда не отступал от своих принципов, избегая зла, подлости и лжи.
ВПариже Оскар Рабин пережил самоубийство сына Александра (тоже художника), выбросившегося из окна в возрасте 42 лет в 1994 году. А через 14 лет – неизлечимуюболезнь и смерть любимой жены Валентины Кропивницкой. Но он всегда оставался благодарен Франции за дарованную ему свободу творчества, оставаясь верным себе и своему призванию. Рабин был реалистом, не тешившим себя иллюзиями, но это не лишало его человечности. В парижских картинах Оскара Рабина читается грусть, легкая ирония и надежда. Он продолжал писать картины и выставлять их вплоть до самой смерти. Творчество было тем воздухом, которым он дышал.
Борис Вальехо и Джули Белл: спортивное фэнтези
Супруги Борис Вальехо (которого в 1990-е в России называли Борисом Валеджио) и Джули Белл — американские художники, работающие в жанре фэнтези. Множество их рисунков с полуголыми воинственными мужчинами и женщинами в окружении драконов, единорогов и прочих мифических созданий знакомы нам по обложкам книг и альбомов, календарям и футболкам.
Оба художника влюблены в человеческое тело и прорисовывают персонажей с анатомической точностью. Борис в молодости занимался бодибилдингом, а Джулия — спортом. Здоровое и крепкое тело для них — это жизнь.
Супруги позировали друг другу и всячески помогали в творчестве.
Источник
Они вместе рисуют комиксы и иллюстрируют фантастические произведения. Джулия со скрупулезной точностью выписывает природу и животных, а к изображению декоративных элементов и драгоценных камней у нее особенная страсть, так как одно из ее любимых направлений в искусстве — ар-нуво.
Источник
Скандалы и телешоу
Стиль жизни и творческая манера художника делают его неоднозначной фигурой в мире современного искусства. Несмотря на обилие государственных наград и персональные выставки, Сафронов подвергается критике коллег и искусствоведов.
Первый громкий скандал с его участием произошел в 2002 году, когда выяснилось, что портреты его кисти стали «слегка» отредактированной печатью на холсте. Впоследствии стало известно, что многие картины Никаса имеют дубликаты, изготовленные подобным образом и проданные в частные коллекции. Его обвиняли в бездарности, откровенной халтуре и дурновкусии.
В 2008 году на передаче «Гордон Кихот» Никас также подвергся критике. Была проверена информация о том, что работы художника, цены на которые низкими назвать сложно, приобрел для собственной коллекции Эрмитаж, о чем Сафронов рассказал ранее в интервью. Представители музея официально опровергли это заявление живописца.
Зимой 2012 года Никас снова оказался в эпицентре громкого скандала, который «смаковали» едва ли не все средства массовой информации. Эпатажная девушка из Ростова-на-Дону Мэри Восканян обвинила знаменитого портретиста в изнасиловании. Если верить ее словам, художник вызвался написать ее портрет. Но, когда натурщица пришла в его номер, живописец набросился на нее.
Когда грянул скандал, Сафронов обратился с иском в суд, потребовав защитить его честь и достоинство. Клеветница должна была заплатить ему 10 млн руб. Савеловский суд столицы встал на сторону портретиста, но сумму компенсации уменьшил до 300 тыс. руб.
Еще одна громкая новость появилась в Сети в конце 2019 года, но в этот раз в эпицентре событий оказался сын Сафронова Лука Затравкин, который застрял в туалете на борту самолета. Произошло это из-за большого веса музыканта. Вместо того чтобы помочь, один из пассажиров достал мобильный телефон и стал снимать происходящее на камеру.
Ролик быстро разлетелся по Интернету, Луке стали писать неприятные комментарии относительно его внешнего вида. И если раньше Затравкин мог похудеть, снова набрать вес и опять с такой же легкостью сбросить его, то в этот раз сын художника заявил, что худеть не собирается, хотя и испытывает из-за этого некоторые трудности.
В 2021 году сам художник решил рассказать об интересном инциденте в своей профессиональной биографии. Так, Никас поведал прессе о домогательствах богатой клиентки в далеком прошлом. По словам знаменитости, заказчиком выступил мужчина из Швейцарии, попросив написать портрет жены. Та решила позировать обнаженной, что уже удивило Сафронова. Но впоследствии женщина стала сначала недвусмысленно намекать, а позже и прямо говорить о желании вступить с деятелем искусства в интимную связь. От этой работы ему пришлось отказаться.
Гималаи
Розовые горы. Картина написана в 1933 году. В настоящее время хранится в собрании Нью –Йорского музея Николая Рериха. Всего художником написано до двух тысяч картин, посвященных Гималаям.
Образ гор у художника родом из Индии, где горы – неотъемлемая часть пейзажа этой самобытной страны.
Но для зрелого художника Гималаи – это не высочайшая горная система мира, не сползающие мощные ледники, не массивные снеговые сопки.
Горы – это живой организм, обладающий своим особым настроением. Переменчивость которого зритель ощущает за счет колебания оттенков. Где нежность розового цвета, любви, привязанности гармонирует с контрастами белого и синего и иссиня черного.
От переживания чувства умиротворения, безопасности, релаксации до отчаянья. Горы, как застывшая вечность.
Но если есть желание узнать, что за ними, то надо пройти их. Может, действительно за ними укрывается сказочная страна Шамбала, где нет места тревогам и печалям.
Общение с Пафнутием Боровским
Работая в монастыре, Дионисий еще застал в нем его основателя Пафнутия Боровского, православного святого, монашеский подвиг которого длился целых 63 года. Согласно преданию, описывающему краткую биография иконописца Дионисия, тот дважды на себе испытал чудодейственную силу его молитв.
Сначала преподобный исцелил героя нашей статьи, когда у того сильно разболелись ноги по неизвестной причине, а затем, когда он впал в недуг, нарушив заповедь, установленную самим Пафнутием. Она обязывала всех, кто находился на территории монастыря, не вносить мясную пищу в обитель. Мирянам мясо есть разрешалось, но только за пределами монастыря. Дионисий же посмел нарушить это правило.
По всей видимости, он просто позабыл о нем, потому что был сильно увлечен и поглощен своей работой. Но как только он проглотил самый первый кусок запретной на территории этого монастыря пищи, он тут же обо всем вспомнил. Описывая кратко иконописца Дионисия, нужно отметить, что он искренне переживал из-за случившегося. Его тело тут же покрылось сыпью, только Пафнутий, простив его, прочитав молитвы, смог помочь побороть этот недуг.
