Рембрандт, биография правдивого гения

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Сурбаран родился в городке Фуэнте-де-Кантос (провинция Эстремадура). Учился в Севилье, в школе Хуана де Роэласа.

В 1617—1618 годах Сурбаран жил и работал в небольшом городке Эстремадуры — Льеренне, затем вернулся в Севилью и до 1633 года непрерывно жил там.

В 1622 году он уже был известным мастером, получал заказы для храмов и монастырей.

В 1626—1627 годах по контракту с орденом доминиканцев он пишет 21 картину на религиозные сюжеты, в том числе знаменитую картину «Христос на кресте».

В 1628—1630 годах Сурбаран пишет цикл картин о святом Педро Ноласко и цикл картин о жизни св. Бонавентуры.

В 1631 году Сурбаран создаёт одно из лучших своих творений — картину «Апофеоз св. Фомы Аквинского», которая была признана шедевром ещё современниками живописца.

В 1634 году художник совершил путешествие в Мадрид, где получил титул придворного живописца. В Мадриде при работе над украшением недавно построенного дворца Буэн-Ретиро мастер отошёл от религиозной тематики — им был написан цикл из десяти полотен, изображающих подвиги Геркулеса (ныне в музее Прадо), а также историко-монументальное полотно «Оборона Кадиса».

Изучение работ великих итальянских живописцев и общение с другими видными мастерами, работавшими в столице, обогатило творчество художника. После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе — наиболее известны «Благовещение», «Рождество» и «Поклонение волхвов».

Постепенно его слава росла, вновь основываемые в Южной Америке монастыри наряду с испанскими охотно заказывали у Сурбарана картины. На конец тридцатых годов приходится пик творческой активности и популярности художника.

В поздний период творчества Сурбаран обращается к лирическим образам Христа и Богоматери в детстве — «Мадонна с младенцем», «Отрочество Мадонны».

В 1658—1664 годах Сурбаран жил в Мадриде. Его популярность шла на спад; несмотря на поддержку друга Диего Веласкеса он, забытый заказчиками, испытывал материальные трудности.

Умер Сурбаран в Мадриде 27 августа 1664 года.

Большинство произведений Сурбарана находятся в Мадриде, Севилье, Кадисе и Гуадалупе. Живопись Сурбарана оказала заметное влияние на латиноамериканское искусство.

Последние годы жизни писателя

На закате своей жизни Тагор страдал от тяжелой болезни. Усиливающиеся хронические боли серьезно подкосили писателя, да так, что в 1937 году он потерял сознание и продолжительное время пребывал в коме. В тот период поэт начал писать произведения, в которых четко прослеживалась обеспокоенность смертью. В 1940 году состояние Тагора усугубляется. Оправиться он уже не смог и 7 августа 1941 года скончался. Это была потеря для его родной Бенгалии, Индии и всего мира.

Творческое наследие знаменитого бенгальца

Рабиндранат Тагор относится именно к тем личностям, о которых можно сказать: талантливый человек талантлив во всем.

Он писал прозу, стихотворения, поэмы, романы и новеллы, занимался научной работой и общественной деятельностью, сочинял музыку и писал картины.

Именно он стал автором стиха «Джанаганамана», который затем превратился в Гимн Индии.

Цитаты:

«Закройте дверь перед всеми ошибками, и истина не сможет войти».

——-

«Есть любовь, которая вольно плавает по небу. Эта любовь согревает душу. А есть любовь, которая растворяется в повседневных делах. Эта любовь вносит тепло в семью».

——-

«Войну, где восстает на брата брат, Всевышний проклянет стократ».

——-

«Множество людей могут говорить хорошие вещи, но очень немногие умеют слушать, потому как это требует силы ума».

——-

«Отяготи птице крылья золотом, и она никогда уж не будет парить в небесах».

——-

«Не падай духом, брат, не отрекайся от замыслов своих первоначальных. Одна дорога у тебя, мой брат, спеши, не поворачивай назад, верши свое и не служи чужому, не бойся осужденья и преград».

——-

«То, что я существую, — для меня постоянное чудо: это и есть жизнь».

В зрелые годы. 1935

Стихотворения

Жизнь

В этом солнечном мире я не хочу умирать,

Вечно жить бы хотел в этом цветущем лесу,

Там, где люди уходят, чтобы вернуться опять,

Там, где бьются сердца и цветы собирают росу.

Жизнь идет по земле вереницами дней и ночей,

Сменой встреч и разлук, чередою надежд и утрат,-

Если радость и боль вы услышите в песне моей,

Значит, зори бессмертия сад мой в ночи озарят.

Если песня умрет, то, как все, я по жизни пройду –

Безымянною каплей в потоке великой реки;

Буду, словно цветы, я выращивать песни в саду –

Пусть усталые люди заходят в мои цветники,

Пусть склоняются к ним, пусть срывают цветы на ходу,

Чтобы бросить их прочь, когда в пыль опадут лепестки.

Перевод Н. Воронель.

Лирика

К цивилизации

Лес верни нам. Возьми свой город, полный шума и дымной мглы.

Забери свой камень, железо, поваленные стволы.

Современная цивилизация! Пожирательница души!

Возврати нам тень и прохладу в священной лесной тиши.

Эти купанья вечерние, над рекою закатный свет,

Коров пасущихся стадо, тихие песни вед,

Пригоршни зерен, травы, из коры одежды верни,

Разговор о великих истинах, что всегда мы в душе вели,

Эти дни, что мы проводили, в размышленья погружены.

Даже царские наслаждения мне в тюрьме твоей не нужны.

Я свободы хочу. Хочу я снова чувствовать, что лечу,

Чтобы снова вернулись силы в сердце мое, хочу.

Знать хочу, что разбиты оковы, цепи хочу разъять.

Вечный трепет сердца вселенной хочу ощутить опять.

Перевод Вероника Тушнова

Творчество Рабиндраната Тагора и сегодня вызывает неподдельное восхищение у ценителей его произведений.

Им гордится Бенгалия, обожает Индия и уважает весь мир. Несомненно, его вклад в разные виды искусства не прошли незамеченными.

Бинди – точка на лбу у индианок

Санскрит – топ-20 интересных малоизвестных фактов

Музыкальная Индия

Праздники в Индии Холи и Дивали

Что такое намасте?

Самые богатые люди Индии

Девы Милосердия [ править ]

Дева Милосердия , 1452, Музей Конде , Шантильи, Уаза

Эта работа, также известная как Алтарь Кадарда в честь дарителя, использует мотив, который чаще всего встречается в итальянском искусстве, и был разработан Симоне Мартини веком ранее. Картина имеет тот же простой золотой фон, что и Авиньонская Пьета , которая к тому времени была необычной, хотя она также появляется в том, что сейчас является самой известной версией этой темы, завершенной всего несколькими годами ранее Пьеро делла Франческа . Масштаб фигур иератический; Богородицы и Святой Иоанн Креститель и Святой Иоанн Богословвозвышаются над дарителем и его женой, которые сами немного крупнее верующих, укрытых одеянием Богородицы. В контракте от февраля 1452 года указано, что и Куартон, и Пьер Вильят будут работать над произведением, но историки искусства изо всех сил пытались обнаружить две руки в произведениях, поскольку они существуют, хотя Доминик Тьебо предполагает, что некоторые из укрывающих фигур слабее остальных. работы, и Виллате. Одна из возможностей состоит в том, что Виллате был ответственен за потерянную пределлу .

Недавно обнаруженный документ от 1466 года заказывает роспись или витражи для ратуши Арля у «мэтра Энгибрана», живущего в Авиньоне. Возможно, ему помогал Пьер Виллат, который, согласно документам, выполнял многие заказы по стеклу, а также был стороной контракта с Богородицей Милосердия . Вряд ли какая-либо его работа сохранилась до наших дней, но очевидно, что в свое время у него была значительная репутация. Он был моложе Куартона, но уже в 1452 году был мастером гильдии.

Творчество 1650-х

К 1650 году произведения Рембрандта всё больше идеализируют патриархальный уклад семейной жизни, тёплый и спокойный – любовь, родственные чувства и сострадание выходят на первый план жизненных ценностей. Картины Рембрандта под названиями «Святое семейство», «Отдых на пути в Египет» служат тому ярким подтверждением. Их колорит вторит чувствам – в нём преобладают тёплые красные, коричневые и золотистые оттенки.

В этот период художник пишет чаще всего полотна с небольшим количеством героев, крупный план фигур которых занимает основную площадь холста. Картина Рембрандта «Аристотель перед бюстом Гомера» – красноречивый пример работ мастера (картина написана в 1653 году).

Спальня в Арле (1888)

Чем знамениты эти картины?

Эта картина вполне может быть в три раза более известной, чем другие картины в этом списке, потому что «Спальня в Арле» — это название, данное трем почти идентичным работам, выставленным в разных музеях по всему миру.Каждая картина предлагает интимное изображение спальни Ван Гога, давая уникальное представление о том, как жил художник. Именно сюда он вернулся после тяжелого рабочего дня и где ему снились по ночам. Все картины относительно простые и скромные, с упором на эффективное использование цвета.

«Я покрасила стены в бледно-фиолетовый цвет. Земля с проверенным материалом. Деревянная кровать и стулья, желтые, как свежее масло; простыня и подушки лимонно-салатовые. Покрывало алого цвета. Окно зеленое. Раковина оранжевого цвета; бак, синий. Двери сиреневые. Вот и все.

Какая предыстория?

Это была спальня Ван Гога в «Желтом доме», которую он делил с Гогеном. Закрытая дверь слева вела в запасную спальню, в которой спал Гоген. В письме своему другу Винсент заявил, что оригинальная картина в этой серии появилась из-за продолжительного приступа болезни, во время которого он был прикован к постели в течение нескольких дней.Один маленький и приятный факт, который могут заметить зоркие наблюдатели, — это миниатюрные портреты, висящие рядом с кроватью. Это эквивалент 19-го века, когда на стене висели поляроиды ваших друзей — на фотографиях изображены современники и хорошие друзья Ван Гога Эжен Бох и Поль-Эжен Милье.

Перемены в личной жизни

В 1632 году молодой пылкий живописец влюбляется. Его избранницей становится Саския ван Эйленбюрх, девушка из зажиточной семьи. В 1634-м молодые поженились, что значительно расширило круг заказчиков, ведь семья, имеющая отношение к власти, имела огромные связи. Из-под кисти Рембрандта, ставшего уже модным художником, выходят десятки портретов знатных господ. Эти годы, сразу после женитьбы, были самыми счастливыми в жизни живописца: рядом была обожаемая и любящая супруга, профессиональная востребованность тешила самолюбие и загружала работой, художник с лёгкостью мог позволить себе покупать любые предметы роскоши, произведения искусства, наряды и украшения, коих в избытке было в порту (купцы Голландии торговали со всем миром). На десятках портретов была изображена и сама Саския – муза художника во всём поддерживала и дополняла своего талантливого супруга.

Но череда несчастий разрушила счастливую гавань живописца: дети рождались и умирали в младенчестве. После трёх потерь родился сын Титус (в 1641 году). Мальчику не было и года, когда от туберкулёза внезапно умирает его мать. Мир Рембрандта рухнул.

Краткая биография

Картон. Обрезание Христа. Миниатюра. ок. 1450 года. Сан Марино, Калифорния, США, галерея Хантингтона

Ангерран Картон родился около 1415 года на севере Франции, в городе Лане; образование получил в 1425-30 годах. Исторические источники сохранили несколько имён Картона. Его пикардийским именем было Шарретон или Шарретье (Charretier), однако когда он переехал в Прованс, имя было латинизировано, и звучало как Картон (Carton или Quarton). Судя по многочисленным готическим элементам его художественного почерка, он сформировался под влиянием стиля, господствовавшего на севере Франции. Величественностью своих композиций, а также некоторыми своими образами он обязан скульптуре готических храмов. В годы формирования Картона в Пикардии было сильным бургундское художественное влияние, в формировании художника сыграли роль произведения Яна ван Эйка, Робера Кампена и Рогира Ван дер Вейдена, которые он, вне сомнения, там видел. Благодаря натурализму этих мастеров, усвоенному художником, он стал достаточно «прогрессивным» для живописи середины XV века

В его произведениях видно внимание к формам предметов, характерным чертам человеческих лиц, пейзажу.

Однако творчество Картона не является простым следованием принципам североевропейской живописи, в нём чувствуется сильное влияние итальянских мастеров. Манере художника свойственна определённая резкость с подчёркнутыми контрастами светотени и стремлением к упрощённости форм. Эта манера перекликается с произведениями Доменико Венециано, Паоло Уччелло и Андреа дель Кастаньо, но, вероятно, не связана с ней непосредственно, так как, судя по тому, что Картон никогда не изображал в своих произведениях итальянских построек, принято считать, что он никогда не был в Италии. Тем не менее, итальянское искусство, процветавшее в Провансе ещё со времён Симоне Мартини и Маттео Джованнетти, произвело на него сильное впечатление. Ряд сюжетов Картон заимствовал именно из него. Некоторые аналогии с изобразительным искусством Тосканы в творчестве художника можно объяснить его знакомством с картинами из коллекций флорентийских купцов, проживавших в Провансе. Кроме того, в Провансе Картон работал рядом с другим художником, который подобно ему приехал с севера, сформировался под влиянием искусства ван Эйка, и по всей видимости был родоначальником провансальской манеры «упрощённости форм» середины XV века — Мастером «Благовещения» из Экса (Бартелеми д’Эйк). Картина «Благовещение» этого мастера, сыгравшая важную роль в формировании авиньонской школы, была создана между и 1445 годами, то есть в то же время, когда Картон жил в Эксе.
Из архивных источников известно, что уже в 1444 году он жил в Эксе, где написал алтарную картину для церкви в Тарасконе — св. Марту со святыми Лазарем и Магдалиной; в 1446 году находился в Арле, а с 1447 года в Авиньоне, где жил в доме на площади св. Петра вплоть до 1466 года, когда его имя упоминается в последний раз. Авиньон в то время перестал быть местом пребывания папской курии, однако оставался крупным культурным и торговым центром. Дата смерти художника неизвестна. В архивах сохранились данные о семи его контрактах с разными заказчиками — дворянами, богатыми горожанами, духовенством. Эти заказы касались больших алтарей с балдахинами (1446—47, 1452—53, 1454, 1461, 1462—64 и 1466), а также одной хоругви для церковных процессий (1457—58). Из всех этих работ до наших дней дошли только две, однако на основании стилистического анализа художнику приписывают ещё два произведения, авторство которых документально не подтверждено.

Летом 1663 года не стало верной спутницы художника Хендрикье…

Самым дорогим человеком для Рембрандта оставался единственный сын, о чём свидетельствуют десятки его портретов в самых разных амплуа. То он сказочный красавец-принц, то ангел, посланный самим солнцем. Вдруг в 1668 году Титус умирает. Трагедия окончательно подкосила старого больного Рембрандта. Через несколько месяцев скончалась молодая вдова Титуса…

Мастер писал до последнего дня, уже привязывая к руке верёвкой кисть, потому что не в силах был её удержать, и вглядываясь в написанное через лупу, потому что страшно подводили глаза. Умер Рембрандт Харменс ван Рейн, картины которого – шедевры, притягивающие в музеи миллионы зрителей, 4 октября 1669 года.

Удар за ударом. Последние годы

Но современники мастера были неспособны оценить его по достоинству. Заказчики есть, кисть от работы к работе совершенствуется, но материальные проблемы только растут. В 1653 году художник оформил всё имущество на главного своего наследника, сына Титуса. Подросток-сын очень переживал за своего отца, в гений которого верил свято. Пытаясь помочь, ходил по городу с его работами, пытаясь их продать, брал картины других художников для реализации. Но для Рембрандта эти доходы были каплей в море, а долгов накопилось очень много, и в 1656 году художник заявил о своём банкротстве. Всё нажитое уходит с молотка. Бесценная коллекция, в которой были рисунки Леонардо да Винчи, полотна Рафаэля, Рубенса и ван Эйка продавались почти за бесценок – даже не удалось удовлетворить иски всех кредиторов. Прежний дом пришлось оставить, и с помощью верных учеников мастер перебрался на окраину города.

биография

Энгерран Квартон, которого также ошибочно называют Чарротон, происходит из епархии Лаона . Он родился там, вероятно, около 1410, 1412 или 1415 годов, в западной части епархии, возможно, в районе Сен-Кантен , согласно некоторым выражениям Пикардии, фигурирующим в его договорах. Эта близость к северу Франции, несомненно, объясняет его знания фламандских художников и особенно Турне , включая Роберта Кампена или Рогира ван дер Вейдена . Он может быть выполнен в Лане , столица епархии, потому что в то время в начале XIV — го  века , является домом для многих художников.

Впервые мы находим его след в Провансе в 1444 году . В этот день он был в Экс-ан-Провансе, чтобы сделать святую Марту, которую намеревались поставить над главным алтарем церкви Тараскона . Ценовой факт указывал на то, что ее должны были окружить ее брат Лазар и ее сестра Мари-Мадлен, в то время как на пределле он должен был нарисовать пять сцен из ее жизни. Поэтому он квалифицируется как «мастер». В том же году он упоминается в нотариальном акте в компании Бартелеми д’Эйка , художника Рене д’Анжу , что заставляет искусствоведов утверждать, что два художника сотрудничали бы вместе. Затем он проживает в Арле в 1446 году, а затем в Авиньоне, где папская миссия размещает ему заказы с весны 1447 года .

В тот день он переехал в дом на площади Святого Петра. Именно этот адрес обозначен на договорах двух дошедших до нас картин: « Дева Милосердия» и « Коронация Богородицы» .

Примерно в 1450 году состоялась его спорная поездка в Италию; возможно, по случаю Великого Юбилея, организованного Папой Николаем V в Риме. Некоторые специалисты также выдвигают гипотезу о влиянии Куартона на итальянских художников, например Антонелло Мессинского.

Позже, в 1461 году , настоятельница монастыря Сент-Клер д’Авиньон поручила ей нарисовать вторую коронацию Богородицы, в которой должны были появиться, помимо покровительницы ее монастыря Франциска Ассизского, Антуана. де Падуя и Людовик Тулузский. В то же время он изготовил несколько баннеров для корпораций, в том числе баннер для братства в городе Экс. В честь своих многочисленных заказов он нанял художника эльзасского происхождения по имени Жан де ла Корт.

Наконец, он также был художником иллюминаций с 1440 по 1450 годы, снова работая в сотрудничестве с другими художниками, включая другого художника с севера, Бартелеми д’Эйка , или с неким Пьером Виллатом ( работавшим в Авиньоне с 1451 по 1495 год). ). Последние следы деятельности художника относятся к июлю 1466 года, времени эпидемии чумы, что позволяет предположить, что он умер в этот день от той же болезни. В его работах индивидуализированные лица и пейзажи вызывают влияние фламандского искусства. Также говорят о школе в Авиньоне и оригинальном стиле для целого ряда художников, которые работали в Провансе, таких как Энгерран Квартон. Мастер второй школы Авиньона, своими работами, когда Великий раскол закончился, он вернул всю его славу двору Авиньона, который тогда возглавляли папские легаты.

«Мадонна с младенцем в окружении святых и донаторов»

А. Картон. Мадонна с младенцем в окружении святых и донаторов. 1445—50 годы. Авиньон, Пти Пале

Этот алтарь, сохранившийся в неполном виде, не упоминается ни в одном из известных документов. Неизвестно и его истинное происхождение — гербы стёрлись, а вместе с ними пропала и надежда определить личность донаторов. Колорит, моделировка, сдержанные лики, впалые глаза, тип Мадонны, руки, тонкий штриховой мазок — всё это свидетельствует в пользу авторства Картона. Костюмы также соответствуют моде второй половины 1440-х годов. Трон Мадонны, удивительно архаичный, с небольшими колоннами и тонкой позолотой, восходит к франко-фламандской миниатюре начала XV века. Картина хранится в Авиньоне, в музее Пти Пале.

Автопортрет с перевязанным ухом (1889)

Чем знаменита эта картина?

Обсуждая с кем-то Ван Гога, неизбежно, что разговор в конечном итоге зайдет о том, что именно произошло с его ухом — изображенном на этой самой картине. Творчество Ван Гога неразрывно связано с его личной жизнью и событиями, которые разворачивались на протяжении его творческой карьеры. Образ Ван Гога с перевязанным ухом — знаковый, а иногда (к сожалению) первый образ, который приходит на ум, когда кто-то думает о Винсенте Ван Гоге.

Какая предыстория?

Живя со своим другом (это предмет споров) и коллегой-художником Полем Гогеном в Париже, Ван Гог оказался далеко не идеальным соседом по комнате. У него с Гогеном часто возникали разногласия, которые иногда становились насильственными. Во время одного из таких разногласий Ван Гог, как полагают, испытал припадок и угрожал Гогену бритвой, прежде чем вместо этого ранить себя, отрезав часть его левого уха и перерезав артерию на собственной шее. В обостренном психическом состоянии Винсент посетил местный бордель и показал мочку своего уха одному из секс-работников. На следующий день его доставили в больницу, и он не помнил о произошедших событиях.

Еще одна вещь, которая может быть интересна (как только будут даны ответы на все вопросы, связанные с ухом), — это частично показанный свиток японской стены на заднем плане.Это основано на подлинном произведении искусства, которое принадлежало Ван Гогу и висело на его стене (на фото слева): Гейши в пейзаже, японский эстамп 1870-х годов, который также показывает, как японское искусство повлияло на его собственные работы.

О работе:

Эту картину по праву можно считать одной из вершин в творчестве Рембрандта и лучшим изображением обнаженной женской натуры в живописи XVII века. Между тем споры вокруг неё не утихают. Техническое совершенство Рембрандта тут не вызывает сомнений, разноречия касаются сюжета.

Изображенная на полотне женщина явно ждёт кого-то (или чего-то), что даёт основания идентифицировать её образ с Данаей. Согласно греческой мифологии, Даная была соблазнена Юпитером, принявшим облик золотого дождя. Сам дождь на картине отсутствует, но мы ощущаем его присутствие в виде золотого света, проникающего сквозь занавеси и освещающего тело женщины.

Вместе с тем существуют десятки других версий — в героини картины предлагается, например, библейская Далила, ожидающая Самсона, или Венера, ожидающая Марса. К сожалению, в 1985 году этот шедевр был сильно повреждён психически ненормальным зрителем, плеснувшим на картину кислотой и порезав её ножом.

Девы Милосердия

Дева Милосердия , 1452, Музей Конде , Шантильи, Уаза

Эта работа, также известная как Алтарь Кадарда в честь дарителя, использует мотив, который чаще всего встречается в итальянском искусстве, и был разработан Симоне Мартини веком ранее. Картина имеет тот же простой золотой фон, что и Авиньонская Пьета , которая к тому времени была необычной, хотя она также появляется в том, что сейчас является самой известной версией этой темы, завершенной всего несколькими годами ранее Пьеро делла Франческа . Масштаб фигур иератический; Богородицы и Святой Иоанн Креститель и Святой Иоанн Евангелист возвышается над донором и его жена, которые сами по себе немного больше , чем верной приютила мантией Богородицы. В контракте от февраля 1452 года указано, что и Куартон, и Пьер Вильят будут работать над произведением, но историки искусства изо всех сил пытались обнаружить две руки в произведениях, поскольку они существуют, хотя Доминик Тьебо предполагает, что некоторые из укрывающих фигур слабее остальных. работы, и Виллате. Одна из возможностей состоит в том, что Виллате был ответственен за потерянную пределлу .

Недавно обнаруженный документ от 1466 года заказывает роспись или витражи для ратуши Арля у «мэтра Энгибрана», живущего в Авиньоне. Возможно, ему помогал Пьер Виллат, который, согласно документам, выполнял многие заказы по стеклу, а также был стороной контракта с Богородицей Милосердия . Вряд ли какая-либо его работа сохранилась до наших дней, но очевидно, что в свое время у него была значительная репутация. Он был моложе Куартона, но уже в 1452 году был мастером гильдии.

В Коронация Богородицы

Коронация Богородицы, 1452-53

В Коронация Богородицы является обычным предметом в искусстве, но в контракте на эту работу указывается необычное представление Отец и Сын из Святая Троица как идентичные фигуры (очень редко в 15 веке, хотя есть ), но позволяет Куартону изображать Деву по своему усмотрению. Вокруг Троицы синий и красный ангелы развернуты аналогично тем, что у Фуке Мелун диптих (ныне Антверпен). Изображение Рима (слева) и Иерусалим (справа) в панорамном пейзаже внизу также указано в договоре; донор был на паломничество это включало оба города. Под этим Чистилище (слева) и Ад (справа) открывается, и в центре донор становится на колени перед Распятие. В крайнем левом углу изображена церковь в стиле «визитки» с Месса Святого Григория. Куартону было дано семнадцать месяцев с даты контракта, чтобы доставить картину к 29 сентября 1454 года. Как обычно, материалы были тщательно определены; элементы используемого языка, по-видимому, происходят от диалекта родного Куартона Пикардия, предполагая, что большая часть окончательного варианта была им. Контракт был описан как «самый подробный из сохранившихся для средневековой европейской живописи».

Как и многие другие пейзажные фоны Куартона, здесь изображен провансальский пейзаж в стиле итальянской живописи, в то время как его фигуры больше подвержены влиянию нидерландских художников, таких как Роберт Кампин и Ян ван Эйк, но с французской строгостью и элегантностью, равно как и геометрической смелостью его композиции. Его очень яркие цвета имеют небольшое затенение, а его освещение «резкое, даже безжалостное». Пейзаж включает, пожалуй, первое появление в искусстве Mont Sainte-Victoire, позже так часто раскрашивать Сезанн и другие (в некоторых источниках также упоминается Mont Ventoux). Картина оставалась более трех веков в монастырь Шартрез дю Валь де Бенедиктион, Вильнёв-ле-Авиньон, для чего его заказал местный священник Жан де Монтаньи. С 1986 года он является частью коллекции Музея Пьера-де-Люксембург в том же городе.

Девушка с жемчужной серёжкой

Ян Вермеер. Девушка с жемчужной серёжкой. 1665. Маурицхейс, Гаага.

Конечно, невозможно не упомянуть о самом известном шедевре Вермеера — «Девушке с жемчужной серёжкой».

Вермеер написал обыкновенную для тех времен «трони». Это погрудное изображение человека в необычном одеянии или с необычными предметами.

Картины-трони так же, как и картины с бытовыми сценами, любили вывешивать в своих домах горожане и зажиточные крестьяне.

Особенно специализировался на трони современник Вермеера, Герард Доу. Он написал немало девушек и бабушек, выглядывающих из окон голландских домиков.

Герард Доу. Девушка с попугаем. 1665. Художественно-исторический музей в Женеве.

То есть это все не портреты. Для трони позировали анонимные модели или домочадцы художника, который наряжал девушку или парня в необычный наряд. В случае Вермеера это восточный тюрбан. Герард Доу посадил на палец своей модели попугая. Тоже необычно.

Так как для этих работ позировали анонимно, лишь для того чтобы потом картина была продана совершенно неизвестным людям, никто никогда не записывал их имена.

В вышеупомянутом фильме выдвигается версия о том, что перед нами миловидная служанка Вермеера.

Но учитывая нравы голландского общества XVII века, такая версия маловероятна. Тогда хозяева и слуги держались очень отстранённо друг от друга. Статусные различия максимально подчеркивались. И сложно представить, чтобы служанку позвали позировать художнику.

В конце концов, у Вермеера было много домочадцев. Поэтому охотнее вериться в версию о его старшей дочери Марии, которой на тот момент было 13 лет. Вполне возможно, что именно она позировала отцу.

Кстати, Вермеер написал ещё одну дочь, младшую. Почти в том же развороте и с той же серьгой.

Ян Вермеер. Портрет девушки. 1665-1667. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Она, конечно, не такая симпатичная, как старшая: непропорционально крупная голова, далеко посаженные глаза.

Но Вермеер, очевидно, девочку любил. Не приукрасил ее, хотя и написал с особой нежностью. Подчеркнул озорство в ее глазах.

Детство и юность

Загадки появляются непосредственно с начала биографии Яна Вермеера Дельфтского. Последнее прозвище художник получил по названию места предполагаемого рождения — города Делфта. Откуда точно родом Вермеер (а родился художник 31 октября 1632 года), доподлинно не известно, однако сохранилась информация, что в Делфте родители крестили маленького Яна. Мастер любил этот город, одна из его картин так и называется — «Вид Делфта». На полотне художнику удалось передать красоту и умиротворенность этого места.

Предполагаемый портрет Яна Вермеера

Отец будущего художника владел собственным постоялым двором и трактиром, а также работал мастером ткачества по шелковым тканям. Кроме того, этот человек знал толк в произведениях искусства и даже перепродавал некоторые из них купцам и коллекционерам. Возможно поэтому Ян Вермеер в какой-то момент и увлекся живописью.

Известно, что в 1653 году молодого человека приняли в художественную гильдию Святого Луки. Однако, по условиям членства в этом обществе, до вступления в гильдию художник должен был в течение шести лет обучаться у опытного наставника. Кто стал таковым для Яна Вермеера, также не известно.

Предполагаемый автопортрет Яна Вермеера

Версии разнятся: по одной из них, Вермеер «набивал руку» под руководством Леонарта Брамера, по другой же – учителем молодого человека являлся более известный живописец Герард Терборх. Как бы то ни было, Вермеер близко дружил с обоими мастерами.

Еще одно предположение, имеющее под собой веские основания, — это версия, что учителем и наставником Яна Вермеера стал Карел Фабрициус. Есть информация, что этот художник приехал в город Делфт как раз в то время, когда юный живописец предположительно проходил обучение. Также на стиль картин Вермеера (особенно ранних) оказало влияние творчество Питера де Хоха, чьи работы нравились Яну.

Подсолнухи (1888)

Чем знамениты эти картины?

подсолнухs — это не просто одна картина, а две целые серии из нескольких картин с подсолнухами. Чаще всего, когда кто-то ссылается на «Подсолнухи» Ван Гога, они говорят о сериале, который он создал в Арле, состоящем из четырех начальных версий и трех повторений одной и той же идеи.Менее известны «Парижские подсолнухи», которые он создал, когда жил со своим братом в Париже между 1886 и 1888 годами. Эти подсолнухи, менее торжествующие и не полностью распустившиеся, тем не менее впечатляют, и их можно найти в музеях, в том числе в Метрополитене. в Нью-Йорке, музей Креллер-Мюллер и (конечно же) музей Ван Гога в Амстердаме.

Какая предыстория?

Сам Ван Гог, кажется, был в абсолютном восторге от подсолнухов, что отражается как в огромном количестве картин на основе подсолнечника, которые он создал, так и в его описаниях в письмах, которые он писал своему брату и друзьям.В 1888 году Ван Гог писал: «Я рисую с энтузиазмом марсельцев, поедающих буйабес, что вас не удивит, когда речь идет о рисовании больших подсолнухов». По сути, он любил рисовать подсолнухи, и все это знали. В том же письме он объяснил, как он мечтал работать в студии вместе со своим другом Полем Гогеном и что он планировал создать украшения для стен, состоящие из огромных картин с подсолнухами.Можно предположить, что сам Гоген, вероятно, тоже был поклонником подсолнухов, особенно тех, которые нарисовал Ван Гог. В 1889 году Гоген «потребовал» одну из картин подсолнечника в обмен на некоторые из своих собственных работ, которые он оставил Ван Гогу, к великому разочарованию Винсента:«Я определенно держу под вопросом свои подсолнухи. У него их уже двое, пусть это его держит. И если он не удовлетворен обменом, который он сделал со мной, он может забрать свой маленький холст с Мартиники и свой автопортрет, который он прислал мне из Бретани, одновременно вернув мне мой портрет и два подсолнечника. холсты, которые он привез в Париж. Так что, если он когда-нибудь снова поднимет эту тему, я уже сказал вам, как обстоят дела ».

Где Подсолнухи Ван Гога?

Вы можете найти знаменитые картины Ван Гога о подсолнухах в разных местах по всему миру: Мет в Нью-Йорке Музей Креллера-Мюллера в Оттерло Музей Ван Гога в Амстердаме, Музей изящных искусств в Берне, Национальная Галерея В Лондоне, Художественный музей Филадельфии, Японский художественный музей Сомпо в Токио и Новая пинакотека в Мюнхене.