Техники и материалы живописи

Абстракционизм (лат. abstractio — отвлечение)

Этот стиль подразумевает отвлечение от фигуративной или предметной живописи, поэтому его еще называют беспредметным искусством. Это означает, что абстракционисты не рисуют людей, предметы или природу, поэтому в их картинах часто нет сюжета, а сами работы просто нумеруются, чтобы отличать одну из них от другой. Но и среди таких работ бывают чистые абстракции (полное отсутствие предмета и сюжета) и так называемые предметные абстракции (сюжет все же просматривается сквозь нагромождение непривычных взгляду фигур, линий или точек).

Абстракционисты пошли вразрез с традициями классической школы, сделавшей основной упор на изображении предметов строго по определенным канонам. Они отказались от сходства предмета и изображения в пользу экспериментов с формами и цветами.

Выдающимися деятелями этого стиля считаются В. Кандинский, К. Малевич, М. Ларионов, Н. Гончарова и некоторые другие. Одни из них придумывали свои направления и идеи, а других их развивали. Так, у истоков абстракционизма стоял В. Кандинский, осознавший, что цвета и формы можно изображать без привязки к предмету. К. Малевич придумал отдельное направление супрематизм, которое в дальнейшем подхватили его коллеги (А. Экстер, Л. Попова, И. Чашник и др.). М. Ларионов и Н. Гончарова развивали идеи придуманных Ларионовым лучизма и всёчества, С. Поляков работал с контрастными геометрическими цветовыми пятнами.

Экспрессионизм

История возникновения

Первая мировая война не только изменила политическую карту мира и расклад сил среди мировых держав, но и кардинально трансформировала жизнь человека. Горькое разочарование в гуманизме, философских достижениях человечества, отчаяние и депрессия стали ответом на произошедшие события. Ответом на настроения общества стало появление нового художественного стиля — экспрессионизма. Он отразился в архитектуре, кинематографе, театре и, конечно, дизайне.

Художники-экспрессионисты отошли от реализма и задались целью графически показать эмоцию. Изображения не должны быть похожи на то, что видит глаз, — они передают сильные чувства и внутреннее состояние автора.

Отдельным направлением стиля стал абстрактный экспрессионизм — полный отказ художников от предметного изображения, когда эмоции передаются через яркие пятна и смешение цветов.

Экспрессионизм родился как андеграундный стиль, но сегодня его элементы можно встретить в любой дизайнерской продукции, если она не ограничена строгими корпоративными рамками.

Особенности стиля

Экспрессионизм отрицает каноны изобразительности, часто такой рисунок примитивен или схематичен. Выразительность работе передаёт выделение одной детали, например, раскрытого в крике рта человека. Пропорции тел и предметов, как правило, искажены. Шрифты часто несимметричны, они рубленые и неизящные. Экспрессионисты выделяют слова примитивным образом — пишут их жирным шрифтом, в избытке используют тени.

Швейцарский интернациональный стиль

История возникновения

Швейцарский стиль дизайна появился в Европе в двадцатых-тридцатых годах XX века и обозначил рождение нового века информации, с его быстрым обменом идеями и огромным потоком новостей. Сейчас это направление — одно из самых распространённых в дизайне.

В основе стиля — простота, удобство, читаемость. Его эстетика подчинена идее Баухауса — «форма следует за функцией». Можно сказать, что направление родилось из авангардного конструктивизма с его преклонением перед строгими пропорциями и отсутствием декоративных элементов. Творцы следовали правилу превалирования контекста и разрабатывали дизайн, исходя из содержания произведения, а не из стремления сделать «красиво».

Особенности стиля

Основной метод, применяемый в швейцарском стиле дизайна — невидимая сетка, по которой располагаются декоративные элементы произведения. Это структурирует основу, выравнивает текст, вносит порядок в художественный хаос. Часто используются фотографии — как строгий документ эпохи. Шрифт — простой, хорошо читаемый, функциональный.

Ар-деко (арт-деко)

Возникновение

Ар-деко появился в десятых годах XX века (параллельно с авангардом и в противовес ему) и достиг расцвета между 1925-м и 1935 годами. Основой стиля стал модерн, абстракционизм и кубизм.

Состоятельные буржуа не видели красоты в революционном авангарде и хотели наблюдать вокруг ту роскошь, которую понимали. Ар-деко декларировал культ богатства: в двадцатых годах в этом стиле выполняли интерьеры отелей, казино, круизных лайнеров. Одним из главных каналов его «распространения» стал Голливуд — «фабрике звёзд» пришлось по вкусу направление, имитирующее роскошную жизнь.

У ар-деко очень яркие стилистические особенности, и хотя его элементы используются повсеместно, в чистом виде он сейчас чаще всего встречается при создании продуктов в ретростиле.

Особенности стиля

В отличие от мятежного авангарда, в ар-деко всё подчинено симметрии. Это геометричный прямой стиль, в основе его формы — лучи и стремительные линии. В нём также используют круги, прямоугольники, зигзаги, ступенчатые формы, ромбы, полукруги, чёрно-белые клавиши рояля, мотивы солнца и сильно вытянутые по вертикали антропоморфные фигуры. Шрифты выглядят классическими, они уравновешены по вертикали и горизонтали.

Творчество, связанное с техникой

Трудовая деятельность человека постоянно совершенствуется, приобретает творческий характер. Многим людям удается подняться на самую высокую ступень в своих творениях и изобретениях. Итак, что же такое техническое творчество? Это деятельность, основная задача которой заключается в создании таких технических решений, которые будут обладать новизной и иметь общественную значимость не только в своей стране, но и за ее пределами, то есть мировую. Иначе это называют изобретательством, что эквивалентно понятию техническое творчество. А оно взаимосвязано с научным, художественным и другими видами.

Для наших современников открыты большие возможности и созданы все условия для занятий любимым делом. Существует огромное количество специализированных клубов, дворцов, кружков, научных обществ. В этих учреждениях взрослые и дети занимаются авиа- и судомоделированием, мотоциклетным спортом, картингом, автоконструированием, программированием, информатикой, вычислительной техникой. Большой популярностью пользуются такие виды творчества, как разработка конструкций спортивных транспортных средств: мини-автомобилей, автокаров, снаряжения для рыболовов, туристов и альпинистов.

Американский панк

История возникновения

У панков, одной из самых распространённых молодёжных субкультур второй половины ХХ века, была сильно выраженная концептуальная идея — «No future». В этом пессимистическом настрое, связанном с политическими и социальными реалиями времени, воплотилась и особая эстетическая норма. Рождённая в Британии, она дошла до американского континента и здесь трансформировалась в новый дизайнерский стиль.

Американский панк входит в широкое понятие постмодернизма. В его сути лежит стремление художника иронически переосмыслить наследие прошлого, отринуть правила и расширить формальные границы. Постмодернизм не стремится ни к функциональности, ни к эстетичности. По сути, это бесконечный эксперимент по переосмыслению художественности.

Это не самый распространённый стиль в дизайне, его можно назвать антитрендовым, андеграундным, но изображения в этом стиле всегда привлекают внимание. Американскому панку и концептуально, и эстетически тождественен гранж — «мусорный» стиль, нарочито неопрятный до уродства, альтернатива гламуру и искусственной красоте, пропагандируемой в массмедиа

Американскому панку и концептуально, и эстетически тождественен гранж — «мусорный» стиль, нарочито неопрятный до уродства, альтернатива гламуру и искусственной красоте, пропагандируемой в массмедиа.

Особенности стиля

В основе американского панка лежит примитивизм и брутальность изображения, подчёркнутая безыскусность. Демонстративно «не умеющие рисовать» мастера применяли дадаистские приёмы нарочито неумелого коллажа с журнальными вырезками портретов поп-звёзд. Шрифты могли быть разными, допускалось совмещение разных гарнитур в одном произведении.

Развитие живописи в разных странах

Отдельного внимания заслуживает развитие живописи в древний период в различных странах. Греция и Египет внесли большой вклад в развитие искусства и дали образцы для подражания многим поколениям художников.

Древняя Русь

Древнерусская живопись – это искусство, относящееся к периоду до XII века. В течение длительного периода основным направлением творчества на Руси оставалась церковная тематика.

В качестве произведений выступали:

иконы;
фрески;
мозаики;
миниатюры.

Фрески и мозаики использовали для украшения храма Святой Софии в Киеве.

Богоматерь Оранта (Нерушимая Стена). Мозаика в алтаре собора

Особенности живописи:

простота;
лаконичность;
архаичность форм;
условность жестов.

Цвета использовали яркие, гармоничные. В качестве сюжетов и образов преобладали эпизоды из библии, Христос, Богоматерь, апостолы, святые. Расцветом иконописи называют XII-XIII века, когда были расписаны Успенский и Дмитриевский соборы, создана икона Богоматерь Оранта. С установлением татаро-монгольского ига развитие живописи на Руси было приостановлено. Ее восстановление началось только в конце XIII века.

Древний Египет

Египтяне оставили человечеству великое наследие. В период их процветания развивалась живопись, архитектура, монументальное творчество. Основная идея для произведений в этот период – религия. Земное существование человека – это только переход к загробной жизни.

Из настенной росписи гробницы Небамона в Фивах, около 1350 до н. э

Тематика картин преобладала религиозно культовая. На рисунках изображали жрецов, религиозные обряды, эпизоды прославления усопших. Несмотря на узкую тематику, египетская живопись имеет особый стиль.

Сцена из Книги мертвых на папирусе, период Нового царства

Все изображения подчинены четким правилам построения. Лица людей и животных изображены в профиль, а сама фигура – анфас. Природу рисовали схематично. Для создания произведений использовали краски. Их изготавливали из натуральных материалов – древесного угля, медной или железной руды. Для живописи того периода не характерна игра света и тени наличие эффектов.

Сцены крестьянской жизни в погребальной часовне писца Ун-Су, период XVIII династии

В древних храмах, гробницах, папирусах найдено множество примеров художественного творчества древнего Египта. Яркий образец – Фрагмент стены от гробницы Аменемхета и его жены Хемет 1976-1794 гг. до н.э.

Древняя Греция

Древнегреческая культура оставила в истории большой след. К ее наследию в разное время обращались художники Италии, Испании, Европы. Основное направление в живописи древней Греции занимала вазопись или роспись керамики.

Античная греческая ваза

Для изображений характерен реализм, экспрессия. Часто на амфорах рисовали орнаменты, картины с простыми сюжетами. По мере развития искусства, сюжеты становились более сложными, получали больше деталей. При изображении людей художники прорисовывали черты лица, особенности одежды, поз украшения. В качестве сюжетов выступали животные, растения, представители мира птиц.

Роспись античных греческих ваз

Один из этапов развития живописи – появление чернофигурного и краснофигурного стиля. Наивысшим мастерством вазописи в Древней Греции считали роспись по белому фону. Такие рисунки отличали сложные сюжеты и яркие цвета.

Вазопись древней Греции

Живопись разнообразна и многогранна. Ни один из стилей нельзя считать главным определяющим особенности эпохи или страны. Все направления имеют тесную связь друг с другом. Сложившись в одну эпоху, они непрерывно развивались и находили продолжение в другом временном периоде.

Анаморфоз

Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.

На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.

А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.

blog.thomasjquinn.com blog.thomasjquinn.com www.rebloggy.com www.rebloggy.com www.josephegan.co.uk www.josephegan.co.uk

Определение понятий

Скульптурную живопись также называют объемной живописью, ведь создаваемые картины получаются не плоскими (как в случае с работами художников), а имеют объем (как в случае с работой скульпторов). Причем для создания таких произведений искусства могут использоваться самые различные материалы, но нас интересует работа именно с декоративной штукатуркой. Дело в том, что именно фактурная декоративка дает возможность создавать самые разнообразные визуальные эффекты в объеме.

Кто-то скажет, что речь идет о барельефе, когда фигуры слегка выступают на плоскости. Однако скульптурная живопись является иным понятием, хоть и берет свое начало из барельефа.

Сразу стоит оговориться, что скульптурная живопись декоративной штукатуркой может осуществляться на следующих поверхностях:

Фанера. Работы проводятся на куске фанеры, который обрамляется багетом, и в результате получается картина, которую можно вешать на стену.
Колонна. Скульптурную живопись также используется для украшения колонн, но это крайне сложный процесс, который под силу не каждому мастеру.
Различные предметы интерьера. К таким предметам относится ваза, настенные часы, шкатулки т.д.

Хочется еще раз подчеркнуть, что барельеф и скульптурная живопись имеют много общего, но отличаются друг от друга. В последнем случае красивые «картины» создаются не столько на стене, сколько на других предметах, как описывалось выше. Также используется иная рабочая техника, в частности главным инструментом является мастихин.

Экспрессионизм (лат. Expressio — выражение)

Истерзанные революциями и войнами 20-го века люди, испытывали тяжелейшие эмоции. У художников этого поколения возникла острая необходимость выражения этих эмоций, демонстрации своих страхов, разочарования, ощущения изуродованности мира. По этой причине картины экспрессионистов часто создавались с помощью темных или кричащих тонов, с помощью грубых мазков и искаженных линий. Сами сюжеты могли передавать боль, отчаяние или крик художника. Так, у Х. Сутина эта боль и ощущение уродливости мира выражались через изображение многочисленных туш животных, темно-красные оттенки, у Ю. Анненкова — через изломанные линии и темные тона, у А. Явленского — через кричащие тона и угловатые формы. Еще интереснее работы М. Ротко, который изображал только цветовые поля, но с их помощью выражал сильнейшие эмоции и вызывал аналогичные эмоции у зрителей.

Примеры картин известных русских художников в стиле экспрессионизма

Картина Х. Сутина «Бычья туша». Около 1923 г.

Картина А. Явленского «Женщина с зеленым веером». 1912 г.

Картина М. Ротко «№ 1 (Королевский красный и голубой)». 1954 г.

Выше мы рассмотрели лишь основные стили, в которых работала большая часть известных русских художников. Заметим, что для многих из них характерны продолжающие течения с приставками «нео», «пост», «прото» и другими (неопримитивизм, постмодернизм, протоимпрессионизм и т.д.). Возникали они либо по причине того, что данный стиль требовал для дальнейшего развития чего-то нового, либо на волне возрождения интереса к нему.

Также нужно учитывать, что многие русские художники не творили в одном стиле. Они экспериментировали с разными направлениями, смешивали их друг с другом или брали их отдельные элементы. Все это приводило к индивидуализации стилей и рождению новых направлений. Кроме названных выше к ним можно отнести, например, кинетическое искусство А. Певзнера, мистический сюрреализм П. Челищева, нонконформизм Е. Чубарова, концептуализм И. Кабакова и другие стили.

Работа А. Певзнера «Два конуса в одной плоскости» в стиле кинетического искусства. 1936 г.

Инсталляция И. Кабакова «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» в стиле концептуализма. 1985 г.

Картина Е. Чубарова «Танец» в стиле нонконформизма. 1981 г.

Импрессионизм (фр. impression — впечатление)

Импрессионисты отказались от идеи, что картина должна нести в себе какой-то философский, нравственный или иной смысл. Они сосредоточились на цвете и свете, стремясь передать окружающий мир в его изменчивости, зафиксировать мгновения, определенные ракурсы, точки зрения. Они отказались от темных и сложных оттенков (получаемых смешением цветов) в пользу чистой палитры.

Представители этого стиля часто создавали изображение в виде отдельных мазков, точек, цвета которых смешивались в глазу человека. Благодаря таким приемам удавалось передать живость объектов, их красоту или нежность. Например, в «Желтом трамвае» А. Арапова с помощью особых мазков художник передает стремительный темп городской жизни, словно бы мы сами ехали в трамвае и видели окружающий мир чуть смазанным из-за быстрого движения. У Ю. Пименова так вырастают целые городские кварталы с их кипучей жизнью. Параллельно с этим чистые краски в картинах А. Арапова, Ю. Пименова, С. Виноградова, К. Юона, П. Петровичева, Б. Анисфельда, К. Коровина и других импрессионистов передают их огромный оптимизм, радость от созерцания происходящего.

Неоимпрессионисты опирались на аналогичные принципы, но строили изображения только с помощью раздельных точек, получая совершенно новые эффекты. Среди русских художников это, например, А. Богомазов или И. Грабарь.

Постимпрессионисты (А. Моргунов, К. Петров-Водкин и др.) использовали техники импрессионистов, но отказались от основной идеи передавать сиюминутное впечатление, а сосредоточились на изображении сущностного состояния жизни.

Владимир Татлин

Увидев картины Пикассо в Париже, Владимир Татлин решил стать профессиональным художником (а до этого был моряком и бандуристом)

Начав серьезно работать как художник уже на излете кубизма, Татлин стремился перевести внимание с цветового решения произведений на их материальную составляющую. Например, в его работе «Контр-рельеф» (1916) главное не то, что перед нами несколько геометрических фигур

Гораздо важнее, что каждая из них сделана из материала, который имеет промышленное значение и имеет вполне практическую пользу, окружая нас ежедневно: железо, гипс, стекло, асфальт. Можно сказать, что эта работа Татлина — фрагмент из будущего, которым является наша сегодняшняя городская повседневность.

Владимир Татлин. «Контр-рельеф» (1916). Источник

Владимир Татлин был примером ангажированного художника, который наводил мосты между авангардной формой произведения и желаемым общественным устройством (коммунизмом). Конечно, его ждало разочарование. Примером тому — невозможность в полной мере осуществить проект памятника Третьему интернационалу, знаменитую «Башню» (1917). В ней совмещались эстетическая новизна, авангардная грандиозность (быть выше Эйфелевой башни) и функциональность. Разработанный сразу после революции, амбициозный проект Татлина уже не мог быть осуществлен в сталинский период.

Владимир Татлин. «Башня III Интернационала» (1917). Источник

Возможно, странные и завораживающие проекты Татлина 1920–30-х годов позволили позднее создать Scienсe Art — не теряющую своей эстетической новизны практику, основанную на инженерных разработках. Если Татлин стремился создать конструкцию, позволяющую каждому человеку летать («Летатлин», 1932–1933), то сайнс-артисты не преследуют столь утопических целей. Стремясь использовать резервы человеческого тела и технических устройств, они проводят загадочные и эксцентричные исследования, которые и ложатся в основу их высокотехнологичных произведений.

Владимир Татлин. «Летатлин» (1932–1933). Источник

Ар-нуво (арт-нуво)

История возникновения

Этот стиль дизайна возник в конце XIX века и просуществовал до Первой мировой войны. Эстетические идеалы ар-нуво сформировали Анри де Тулуз-Лотрек, Антонио Гауди, Альфонс Муха и другие знаменитые художники и архитекторы. Вместо царствовавшей тяжёлой готики художники предложили новый лёгкий «цветочный» стиль — природные элементы, листья и растения. Авторы черпали вдохновение в восточных мотивах ксилогравюр Хокусаи, применяли элементы рококо. Мастера ар‑нуво противопоставляли себя викторианцам, хотя точно так же делали упор на декорирование.

Особенности стиля

Основная художественная единица — волнообразно изогнутая линия, как будто декор создавала природа без вмешательства человека. В стилевых декоративных элементах используются вьющиеся растения, бутоны, экзотические птицы, кувшинки, ласточки, женщины с длинными кудрявыми волосами. В шрифтах много мелких элементов, завитушек, природного орнамента.

Стилизация объекта

Использование стилизованных природных образов имеет широкое распространение не только в декоративно-прикладном искусстве, но и в других областях, например, в разработке фирменного стиля. При создании логотипа используются запоминающиеся стилизованные образы природных форм.

Художники выполняют стилизацию рисунка традиционно – «от руки».
Дизайнеры используют различные компьютерные редакторы, преобразующие изображения с помощью инструментов трансформации, которые позволяют делать любой масштаб, вращать, зеркально отражать и искажать рисунок.

В дизайне и декоративноприкладном искусстве под стилизацией принято понимать процесс декоративного обобщения изображения на основе изменения формы, графической проработки, модификации цвета и объема.

В зависимости от степени изменения первоначальной формы стилизация подразделяется на три вида:

– внешняя поверхностная стилизация предполагает незначительные изменения и упрощения готового образца;

– декоративная стилизация подразумевает упрощение или трансформацию формы с сознательным отказом от несущественных элементов объекта изображения и его подробной деталировки;

– абстрактная стилизация (беспредметная) направлена на замену реалистических деталей объекта изображения воображаемыми элементами .

Для проработки объекта стилизации необходимо его изучить и выявить характерные особенности. Процесс стилизации должен осуществляться не только на основе внешне воспринимаемого признака, но и по внутреннему свойству, который может даже не наблюдаться визуально. Основной целью стилизации считается достижение выразительности с частичным или полным отказом от достоверности изображения.

Основными чертами стилизации являются: геометричность, простота форм, обобщенность, символичность. Отказ от несущественных деталей изображаемого объекта позволяет создавать абстрактные стилизации. Часто из некоторых характерных признаков объекта выбирается наиболее главный, который в дальнейшем рассматривается и прорабатывается более подробно, все остальные детали смягчаются или отбрасываются.

Первый прием стилизации – упрощение цветовых отношений. Все наблюдаемые в реальной форме оттенки, как правило, сводятся к нескольким цветам. Возможен и полный отказ от реального цвета, упрощение тональных и цветовых отношений и др.

Следующий прием стилизации – это ритмическая организация целого, которая подразумевает приведение формы или конструкции изображаемого предмета к определенной геометрической, орнаментальной или пластической конфигурации. В символических изображениях линии и пятна могут переходить в более сложные комбинации .

При стилизации природных форм используются различные средства художественной выразительности такие как: пятно , линия , трансформация геометризацией и заполнение формы орнаментом

Использование одного и того же образа позволяет художнику прибегать к различным приемам и средствам стилизации, прорабатывая множество различных образов, тем самым позволяя воплощать свой творческий потенциал.

Ле Корбюзье

Ле Корбюзье (настоящее имя — Шарль-Эдуард Жаннере-Гри) начал работать как архитектор в первые годы XX века. Он был яростным противником разного рода декоративных стилизаций (особенно он ненавидел ар-деко), приветствуя промышленную эстетику, основанную на развитии производственных мощностей. Разрабатывая как проекты отдельных строений, так и целых кварталов и городов по всему миру (от Швейцарии до Индии), Ле Корбюзье более всего ценил практичность и стандартизированность строений и их содержимого. Разрабатывая принципы и законы модернистской архитектуры, в 1920-е годы он формулирует классические «Пять отправных точек архитектуры», своеобразный «свод законов» для тех, кто стремится проектировать и строить по-новому:

Ле Корбюзье. Вилла «Савой» (1929–1931). Источник

Сначала Ле Корбюзье применял свои «пять законов» для планировки отдельных, частных проектов: в частности, знаменитых вилл «Ла Рош», «Штейн» и «Савой». Но позднее он разработал знаменитый план «Современного города на 3 миллиона жителей» — один из первых проектов массовой застройки, в котором средства технического прогресса применялись для создания нового комфортного образа города (например, архитектор предложил поднять среднюю высоту зданий до 20 этажей). Но мир двигался к войне, и реализовать этот проект в полной мере не удалось; зато он пригодился для восстановления пострадавших французских городов Сен-Дье и Ла-Рошель в 1945 и 1946 годах соответственно.

Рисование светом

www.lightpaintingphotography.com

Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.

www.tutophoto.com

А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.

Авангард

История возникновения

Возникший в начале ХХ века революционный художественный стиль быстро проник в графический и промышленный дизайн — этому способствовали политические обстоятельства. Новая российская власть искала свежий язык для выражения своих идеалов и создания пропаганды. На целое десятилетие главенствующие роли в художественном образовании, сфере культуры и просвещения заняли авангардисты.

Это направление вобрало в себя несколько основополагающих стилей: футуризм, конструктивизм и супрематизм. Первый показывает изобретения нового века, воспевает прогресс. Конструктивизм сосредоточен на функциональности и «видит» красоту в механических и технических формах. Супрематизм провозглашает главенство идеальных форм.

Авангард вне времени и моды, он сегодня актуален в дизайне всех направлений.

Особенности стиля

Графический дизайн в авангарде характеризуется отрицанием декоративности, «красивости». Для него гораздо важнее новизна, революционность и лаконичность. Авангард традиционно использует три цвета: красный, белый и чёрный. Он развенчивает высоколобость искусства и выступает за лозунг принадлежности к народу. Этот дизайн несимметричен, прост по форме, но концептуален по содержанию. Шрифты простые, лаконичные, без засечек.

Народное художественное творчество

Это емкое понятие, включающее в себя различные жанры и виды художественного творчества. В их основе лежат самобытные традиции и своеобразные способы и формы творческой деятельности, которая связана с трудом человека и развивается коллективно, основываясь на преемственности традиций.

В народном художественном творчестве отражается внутренний мир человека, его духовный облик, живая память народа. Различают несколько периодов в его развитии:

Языческий (до X века).
Христианский (X-XVII века).
Отечественная история (XVII-XIX века).
ХХ век.

Длительный путь развития претерпевает народное искусство, в результате которого определились следующие виды художественного творчества:

Фольклор – это мировоззрение и нравственные убеждения народа, его взгляды на человека, природу и общество, которые выражаются словесно-поэтическими, музыкально-хореографическими, драматическими формами.
Декоративно-прикладное искусство призвано удовлетворять эстетические потребности и бытовые нужды человека.
Бытовое любительское творчество – это художественные явления в праздничной и повседневной жизни человека.
Самодеятельное художественное искусство – это организованное творчество. Оно ориентировано на обучение людей художественным умениям и навыкам.

Работы художника

Лесная глушь

Начало 1870-х годов — время расцвета в творчестве Шишкина. Он полон сил и замыслов, он участвует в художественном движении, которое, как всем тогда казалось, перевернёт понятия о живописи, изгонит из неё затхлую омертвелость академических форм. Об этой работе много говорили — именно за неё Шишкин в том же году получил звание профессора; это было заслуженным знаком общего признания, почти славы.

Дождь в дубовом лесу

1890-е годы — кризисные для передвижников. В это время их пытались «задвинуть» на второй план художники, исповедовавшие новые идеи. Многие не сумели понять необходимость перемен. Но Шишкин умел меняться. Художник заинтересовался изображением атмосферных состояний и передачей световоздушной среды, не изменяя при этом своему творческому принципу цельности видения предметной формы. «Дождь в дубовом лесу» — лучшее тому подтверждение.

Корабельная роща

Шишкин написал «Корабельную рощу» в год своей смерти. Картина словно суммирует все достоинства шишкинской творческой манеры, свидетельствуя о том, что и в старости художник нисколько не утратил твердости руки, зоркости взгляда, способности к типизации при сохранении точности фактуры и деталировки. Картина является прощанием с миром, прощанием с родной землёй, с прикамскими просторами, в которых он всегда черпал силу и вдохновение.

Рожь

Шедевр экспонировался на VI передвижной выставке среди других замечательных работ соратников. Но все они уступали «Ржи». Тему художник нашёл на родине, во время поездки в Елабугу в 1877 году. На карандашном наброске Шишкин написал «Эта» — этот набросок и стал основой полотна. Его содержание, его основная идея раскрыта художником в краткой записи, сделанной на одном из эскизов: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья Благодать. Русское богатство».

Возникновение и этапы существования объединения

История возникновения «Мир искусства» началась в 1887 году с образования группы учащихся школы Карла Мая «Невские пиквикианцы», в состав которой входили А. Бенуа, К. Сомов, В. Нувель, Д. Философов.

Цель кружка — изучение истории изобразительного искусства и музыки. Позже к этому кружку присоединились С. Дягилев и Л. Бакст. Кружок под руководством Дягилева к 1898 году разросся и превратился в творческое объединение «Мир искусства».

А.Бенуа, автопортрет

Этому способствовали два события:

1.Первый выпуск журнала «Мир искусства», издателями которого были княгиня М.К. Тенишева и С.И. Мамонтов;

2.Выставка русских и финских художников, в которой помимо членов кружка участвовали М.А. Врубель, С.В. Малютин, И.И. Левитан, А.М. Васнецов, В.А. Серов и др.

В 1900 году объединение было оформлено официально, был выработан устав и избран распорядительный комитет.

В 1902 году публикуется статья «Формы искусства» в двадцатом номере журнала «Мир искусства», с этого момента многие поэты-символисты печатали свои произведения на его страницах.

В 1904 году возникли разногласия между художниками и поэтами, перестал издаваться журнал «Мир искусства», объединение распалось. В 1906 году Дягилев устроил прощальную выставку перед эмиграцией в Париж под тем же названием. В Париже с 1909-1914 он же организовывает «Русские сезоны». С 1910 года объединение возрождается под руководством Бенуа, но выступает в роли выставочной организации, с 1917 года некоторые члены объединения обратились к реставрационной и музейно-организационной деятельности. В 20-х годах «Мир искусства» окончательно прекратил своё существование.

Мирискусники — члены художественного объединения

Главными идеологами этого художественного объединения выступили А. Бенуа и С. Дягилев.

С 1904 по 1910 годы многие участники объединения входили в Союз русских художников. В основное ядро «Мира искусства» входили Е. Лансере, К. Сомов, Л. Бакст, М. Добужинский. Впоследствии к ним присоединились члены абрамавцевского кружка В. Серов, К. Коровин, М. Нестеров, братья Васнецовы, М. Врубель и др. В 1906 году к объединению примкнули молодые художники: М. Сарьян, М. Ларионов и Н. Феофилактов.

Дягилев уделял большое внимание журналу «Мир искусства», публиковал там критические статьи, писал о проблемах международного культурного обмена. Также Дягилев активно занимался организационной деятельность, устраивал выставки современных русских художников, западноевропейских живописцев и т.д