Выставки
Участник выставок: республиканских (с 1952); зональных – «Большая Волга» (с 1964); всероссийских (с 1955), всесоюзных – выставки эстампа (Москва, 1962–1963); международных – «Советская графика и скульптура» (Пхеньян, Корейская Народно-Демократическая Республика, 1963), «Советское искусство» (Улан-Батор, Монголия; Берлин, ГДР; Прага, Чехословакия; Варшава, Польша, 1971–1972), «Советское изобразительное искусство» (Бейрут, Ливан, 1974), «Татарское национальное искусство» (город Пиза, Италия, 2003) и другие.
Персональные выставки состоялись в 1961–1962, 1974, 1984, 1995–2000, 2015 (Казань), 2000, 2001, 2002 (Москва), 2000 (Тегеран, Иран), 2006 (Бейрут, Ливан; Дамаск, Сирия; Каир, Александрия, Египет; город Зеленодольск).
Попов В.А. Мечети Казани. 1997
Холст, масло. Государственный музей изобразительных искусств РТ
Расцвет – весна на картинах Жданова
Нежнейший колорит, состоящий из всех оттенков голубого для неба, дымки, окружающей деревья, для ничем не замутненного половодья, подбирает Владимир Жданов. Картины весны наполнены пробившейся нежно-зеленой травкой, беззащитными тонкими стволами не одетых в листья, обнаженных, как юные стройные девушки, деревьев: белоснежных березок, тоненьких кленов, хрупких осинок.
На их веточках можно увидеть только чуть наклюнувшиеся почки. А кто видел на берегу, когда на реке плывут льдины, первые подснежники? Расцветающие кусты сирени и черемухи заставляют вспомнить в любое время года их аромат и прелесть. Живая природа предстает перед нами в виде идеальной гармонии. Картины наполнены свежим воздухом и струящимся светом. Природа так хороша, что нет необходимости прибегать к дополнительным декоративным эффектам.
Трагический финал жизни
Свежий кавалер 1846 г.
В 1850 году Павел Андреевич вернулся в Петербург. На подъёме успеха очень много работает, отягощают его жизнь только постоянные мысли о добыче средств. Возникший диссонанс между творческим подъёмом и почти нищетой сказался на здоровье, на самой слабой его стороне – психике. Развитие болезни усугубила несчастливая любовь, одиночество и всё-таки бедственное положение семьи в Москве, несмотря на старания художника.
Психические отклонения оказались серьёзными, они находили отражение в творчестве Федотова, картины которого потемнели и теперь имели грустные и религиозные сюжеты. Жизнерадостный художник замкнулся и стал молчалив. Друзья весной 1852 года устроили его в частную лечебницу для душевнобольных, император самолично назначил ему 500 рублей в год на содержание, но живописцу становилось всё хуже. Затем его перевели в больницу Всех Скорбящих Радости. Расстройство прогрессировало.
26 ноября 1852 года 37-летний художник умер, по словам критика Владимира Стасова, «произведя на свет лишь маленькую крупинку из того богатства, каким была одарена его натура».
Творчество
Пригов был известен как поэт, прозаик и скульптор. Кроме того, он занимался музыкой и живописью, писал пьесы и устраивал зрелищные перформансы. Дмитрий Александрович не хотел, чтобы его имя ассоциировалось с конкретным видом творчества, и в интервью называл себя деятелем культуры.
Первые стихотворения он начал писать еще в середине 50-х, но долго не мог найти свой стиль, находясь под влиянием Бориса Пастернака и Анны Ахматовой. С годами поэт решил отойти от принятых канонов и рамок, благодаря чему его творчество стало неповторимым и узнаваемым.
Дмитрий Пригов с женой и сыном / «ВикиЧтение»
Литератор считается одним из основателей московского концептуализма наряду с Львом Рубинштейном, Всеволодом Некрасовым, Владимиром Сорокиным и Ильей Кабаковым. Некоторые исследователи считают, что на становление этого направления повлияли произведения почитателей эстрадной лирики.
Важным элементом творчества Пригова был его образ. Он примерял разный имидж поэта — кликуши, глашатая, мистагога, что находило отражение не только в стихах, но и в поведении. Свои публикации литератор всегда подписывал как Дмитрий Александрович Пригов, настаивая на обязательном употреблении отчества при упоминании о нем.
В поэтической работе он отличался удивительной плодовитостью, что стало поводом не только для шуток, но и для критики. Однажды деятель даже поставил себе цель написать 24 тысячи стихов к 2000 году, с чем успешно справился. Из них при жизни знаменитости была опубликована лишь малая часть работ, но он не считал это необходимостью.
Автор сочинял преимущественно короткие стихи, находя вдохновение в советской действительности и действующем политическом режиме. Они становились полноценными произведениями, лишь объединяясь в циклы с разными тематиками.
Ярким образом поэзии Пригова стал «милицанер», которому посвящен «Апофеоз милицанера». Этот герой представляет собой некое олицетворение тоталитарного режима. Кроме того, в сборнике, как и во многих других, раскрывается чувство юмора поэта. Популярность обрели его «оральные кантаты», которые стали отдельным направлением творчества.
Не менее почитаемой была проза Дмитрия Александровича, которую он, в отличие от стихов, появляющихся только из-под клавиш печатной машинки, создавал на компьютере. Читателям полюбились книги «Живите в Москве» и «Только моя Япония», в которых присутствуют отсылки к биографии автора. А вот рассказы «Катя китайская» и «Ренат и дракон» оказались сложнее для восприятия.
Несмотря на то, что Пригов писал много и часто, в СССР он долгое время был известен только в узких кругах. Зато за границей поэт и прозаик успешно печатался в русскоязычных изданиях «Каталог» и «А-Я». Массовому советскому читателю творчество литератора стало доступно в начале 90-х, когда вышел сборник «Слезы геральдической души».
В это время автор состоял в Союзе писателей СССР и пробовал силы в музыке. Он писал тексты для коллективов, а затем создал пародийную рок-группу «Среднерусская возвышенность», в которой прославился благодаря своему «крику кикиморы». Также литератор работал с «НТО Рецепт».
Как художник и скульптор в начале своего творчества Дмитрий Александрович вдохновлялся культурой андеграунда. В Советском Союзе его картины были впервые выставлены в 1987 году в рамках проекта «Неофициальное искусство». В последующие годы выставки и инсталляции проводились в городах Европы и США. Отдельного внимания заслужили портреты монстров, которые создавал концептуалист.
Детство и юность
Биография Исаака Ильича Левитана, выдающегося российский художника, начинается в 1860 году в небольшом городке Кибарты (сейчас находится на территории Литвы), в совсем небогатой еврейской семье. Его отец, Илья Левитан, преподавал иностранные языки, а также работал переводчиком. Исаак был самым младшим, четвертым ребенком в семье: у него были старшие брат Авель Лейб и две сестры — Тереза и Эмма.
Художественные способности Левитана стали проявляться еще в детстве. Он не единственный в семье имел склонность к изобразительному искусству, его брат также увлекался живописью. В начале 1870-х, в надежде улучшить материальное положение, семья Левитанов переехала в Москву, где Авель Лейб поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. По примеру брата, двумя годами позднее, в возрасте тринадцати лет, туда поступил и Исаак. Этот период стал ключевым для творческой биографии Исаака Левитана.
Юный художник учился успешно и считался подающим надежды. Однако через несколько лет умерла сначала мать, а затем и отец. Дети остались одни, в крайней нужде. Им помогали друзья, а также само училище, желавшее поддержать талантливых учеников. В 1877 году выдающийся русский живописец Алексей Саврасов, будучи преподавателем пейзажного класса, взял Левитана к себе в ученики. И тот быстро оправдал надежды учителя: в этом же году о двух его картинах, участвовавших в выставке, написали в газетах, а ему вручили серебряную медаль и денежный приз в размере 220 рублей. Это был первый успех юного шестнадцатилетнего живописца. В училище, помимо Саврасова, ему также повезло учиться у таких учителей, как Перов и Поленов.
Владимир Жданов: биография
Мы можем представить только скупые анкетные данные. Личная жизнь художника от нас скрыта, так как интервью он не дает.
Рождение – 1959 год, г. Омск.
Учеба:
- 1980–1983 годы, Омский университет, художественно-графическое отделение.
- 1986 год – институт им. Репина в Ленинграде.
- 1988-й – окончание обучения в Красноярском институте. Специальность – академическая живопись.
Работа:
- До 1999 года писал в сибирских городах (Красноярск, Тара, Омск, Тобольск) и деревнях, которые находятся в тайге. На пленэре температуры низкие, доходят до минус 40 ⁰C. Владимир Жданов выработал особую технику письма маслом и акварелью при таких низких температурах. Это его личное ноу-хау.
- 1995 год – пишет иконы для иконостаса в г. Тара (Спасский собор).
- С 1999 живет и работает в Петербурге, который стал «меккой» для наших современных художников. Тематика творчества меняется. На полотнах появляются дворцово-парковые ансамбли, монастыри и крепости.
- 2000-й – серия картин на Ладожском озере («Северный пейзаж»).
- 2001 год – серия полотен с изображением старинных северных городов Руси (Изборск, Великий Новгород, Псков, Псково-Печерский монастырь).
- 2000-2002 годы – пейзажи пригородов Петербурга (Царское село, Ораниенбаум, Петергоф, Павловск).
Работы В. Ю. Жданова ценятся на родине и за ее пределами. Они находятся во многих частных коллекциях, например, у мэра Нью-Йорка, у министра иностранных дел Германии, в американском посольстве в Москве, у консула США в Петербурге.
Творчество В. Жданова заинтересовало кинематографистов. Было снято два документальных фильма, один из которых 1998 году принял участие в фестивале телефильмов в Петербурге.
Натюрморты
Этот отдельный, можно сказать, цикл явно складывался годами.
Тут нет хрусталя и фарфора, но зато как сияют пузатые бока самовара, как ломится стол от угощенья с ароматной покрытой золотистой корочкой выпечкой. Краснеют ягоды в лукошке, поставленном в высокую зеленую траву, и чья-то рука положила рядом нехитрый букетик полевых цветов из ромашек и колокольчиков. Пышный букет из веток сирени в круглой прозрачной вазе также рассказывает нам о людях, которые вносят в свой дом простую, естественную прелесть природы. Они не проходят мимо нее, не глядя.
Художник В. Жданов любит свою страну во всех ее проявлениях и умеет донести свою любовь до зрителя. Говоря о России с любовью, он не скрывает своего восхищения и невольно учит нас беречь ее красу в большом и малом.
Картины художника Виктора Васнецова
Именно в «Абрамцево» (где художник долгое время жил) зародился первый цикл сказочных картин Васнецова. Цикл открывали три картины, которые были написаны по заказу Мамонтова: «Три царевны подземного царства», «Алёнушка», «Иван Царевич на сером волке».
Три царевны подземного царства
Алёнушка
Иван-Царевич на Сером Волке
Картины со сказочными сюжетами Васнецов писал всю свою жизнь. При всем их разнообразии (и даже неравноценности) все картины объединяет, в первую очередь, желание раскрыть внутреннее содержание русской сказки, создать атмосферу реальную и одновременно фантастическую. Сказочную. С особым пониманием добра и зла. И верой в справедливость и торжество добра.
Ковёр-самолёт
Витязь на распутье
Уже в первых работах художника видна большая любовь к народному костюму и внимание к его деталям. Именно в этот период участники Абрамцевского кружка начинают заниматься углубленным изучением старинного народного костюма, форм и орнаментики
И полученные знания Васнецов использует в написании своих картин.
Спящая царевна
Снегурочка
Ярким примером увлечения народным костюмом стал этюд художника «В костюме скомороха».
В костюме скомороха
В 1881 году Васнецов пишет одну из лучших своих сказочных картин — «Аленушка». Эту картину он пишет в Абрамцево. Там же, в Абрамцево, художник приступил к художественному оформлению спектакля «Снегурочка».
Палаты царя Берендея. Эскиз декорации к опере
Спектакль изначально был поставлен в доме Мамонтова, а в последствии, перенесен на профессиональную сцену.
При всем успехе «Аленушки» самым грандиозным замыслом восьмидесятых годов стали «Богатыри». Эту картину художник писал почти двадцать лет (1881-1898). Нужно сказать, что за этот период Васнецов написал несколько больших и очень значимых работ.
Картина-фриз «Каменный век» (1882 – 1885) для Московского Исторического музея — 16 метров в длину, состоящая из трех частей: первая посвящена жизни и быту древних людей, вторая – это сцена охоты на мамонтов, третья – «Пиршество».
Именно благодаря «Каменному веку» художник получил подряд на роспись Владимирского Собора в Киеве.
Эскизы для росписи Владимирского собора. Княгиня Ольга и Нестор-летописец
В 1891 году работы по росписи были почти закончены и художник, вместе с семьей, возвращается в Москву. К этому периоду материальное положение семьи настолько улучшилось, что Васнецовы смогли купить небольшую усадьбу в Абрамцево и построить в Москве небольшой дом с мастерской. Именно в этой мастерской художник возобновляет работу над «Богатырями» и, одновременно, начинает писать картину «Царь Иван Васильевич Грозный» (с этой картиной в 1897 году художник в последний раз выступит на выставке передвижников).
Царь Иван Васильевич Грозный
В 1899 году в Москве открывается первая персональная выставка художника. И центральным произведением выставки становятся «Богатыри».
Три богатыря
В последние годы XIX века Васнецов находится на пике славы: о художнике хорошо и много пишут отечественной и зарубежной прессе, его мастерскую посещают известнейшие музыканты, художники и писатели. Третьяков в своей галерее (уже переданной в дар Москве) строит специальный зал для произведений Васнецова.
В это период художника, вдруг, увлекла архитектура. Много лет назад в Абрамцево по эскизам художника были возведены две небольшие постройки: домашняя церковь и «Избушка на курьих ножках». Позднее – фасад Третьяковской галереи и несколько частных домов в Москве.
Умер Виктор Михайлович Васнецов 23 июля 1926 года в Москве.
Гусляры
Первый опыт рисования
Здесь, в стенах Московского кадетского корпуса, зародился Федотов-художник. Он начал рисовать – первыми результатами стали портреты педагогов и одноклассников, нередко карикатурные. Затем добавилось то, что окружало – военная тема.
Академическому искусству здесь никто не обучал, поэтому рисунки выходили естественными и оригинальными, с изюминкой индивидуальности самого рисовальщика. Все поля тетрадок были заполнены карикатурами, которые были очень похожи на свои оригиналы и при этом совсем незлые, не обидные. Друзья и учителя любили этого доброго и интересного парня. Работы того периода – это графика, в том числе сепия, и акварель.
В 1833 году – окончание кадетского корпуса. В актовом зале на мраморной табличке с именами лучших выпускников появилось имя Павла Федотова.
Московский период: художник выручает семью
Несмотря на то, что у самого не всё ладилось, Павел Федотов сумел помочь своей семье. В начале 1849 года он вынужден уехать в Москву – тяжело заболел отец, а сестра, беременная вторым ребёнком, овдовела, над семьёй нависли долги. Надо было взять на себя все хлопоты и раздобыть денег. Помогла выставка, успех которой окрылил художника и вселил в него новые надежды. Живописец полюбился московской публике, которая в свою очередь была рада помочь семье художника. «В участи моего отца и сестры-вдовушки первые лица в городе приняли участие», – вспоминал успокоенный за родных Федотов.
Вместе с тем появились и свежие настроения – на смену высмеивания пошлых глупостей пришло стремление уделить внимание светлому и радостному. Так, начали появляться портреты, наполненные лиризмом
Реформа стихосложения
Василий Тредиаковский, в отличие от современников, в своих произведениях никогда не стремился к созданию легкого литературного языка. Он был сторонником сложного стихосложения, ориентируясь на лучшие образцы античности и подражая им.
Однако попытки Тредиаковского приспособить к латинскому стихосложению русскую поэзию были встречены в штыки: поэта нещадно критиковали за сложное построение предложений, использование инверсий и междометий, неясный смысл текстов.
Самым главным результатом литературной работы Тредиаковского стало теоретическое разделение поэзии и прозы и введение этих понятий в русскую культуру. В своем трактате 1735 года Тредиаковский дал девять определений основных стихотворных терминов: стих, слог, стопа, полустишие, пресечение (так он называл цезуру), рифма, перенос и так далее.
Василий Кириллович Тредиаковский, биография которого неразрывно связана с русской литературой XVII века, до последних дней жизни продолжал экспериментировать со словом и рифмой. Скончался поэт 6 (17) августа 1769 года.
Творчество
В 1794-м благодаря знакомству с приближенными ко двору вельможами Боровиковский удостоился чести написать портрет императрицы. Так появилась картина под названием «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке». Изображение описывало государыню в камерной обстановке и в скромном снисходительном образе. Величественная фигура выглядела просто и одновременно изящно. За работу в 1795 году художник был удостоен звания академика.
Картина Владимира Боровиковского «Портрет Павла I»
Слухи о нем передавались из уст в уста, и живописец стал востребованным. Трудолюбивый автор получал много заказов от высокопоставленных особ. Он писал портреты женщин и мужчин, предлагая типичное композиционное решение, но тонко работая над передачей характеров персонажей. Будучи левшой, Боровиковский писал в иной манере, нежели правши, но описания техники не оставил.
Мужчина быстро прославился и к 1802 году уже стал советником Академии художеств. Несмотря на то, что он не стал придворным мастером, в светском обществе живописец пользовался расположением авторитетных лиц. В обществе возникла мода на него. Героинями произведений были императрица Мария Федоровна, Павел I и их дети, кисти автора принадлежат «Портрет Марии Лопухиной», «Портрет Елены Нарышкиной». В изображении женщин художнику удавалось передать трепетность, поэтику тонкой натуры и воспеть трогательный образ.
Картина Владимира Боровиковского «Портрет Марии Лопухиной»
Творчество Боровиковского было многогранным. Он писал монументальные портреты и миниатюры, выходя за рамки сентиментализма и подвергаясь течениям, характеризующим смену эпохи в изобразительном искусстве. В работах этих лет присутствовали черты классицизма и ампира. Парадные изображения ценились среди высокопоставленных чиновников. Дипломат Александр Куракин отдал за «Портрет князя Куракина» 700 руб. Не меньше заплатили советник Дмитрий Трощинский и принц Муртаза Кули-Хан.
Владимира Боровиковского пригласили к работе над оформлением Казанского собора, которая длилась до 1811 года. Художник оказался в центре придворных интриг, поэтому при награждении за труды его фамилия фигурировала не в первых рядах. За долговременный труд он получил бриллиантовый перстень, в то время как другие были одарены щедрее. Так начался закат славы живописца.
Картина Владимира Боровиковского «Портрет князя Куракина»
Мода быстро менялась, вельможи открывали для себя новые имена. Мастерство Боровиковского оставалось неизменным, но к нему обращались все реже, и автор перестал посещать придворные мероприятия. Он больше не писал портреты. Теперь художника занимала религиозная живопись и увлечение мистицизмом.
Интересный факт: Боровиковский был членом масонской ложи Умирающего сфинкса под руководством Александра Лабзина. К ней имел отношение и его наставник Левицкий. Спустя несколько лет художник покинул кружок, но впоследствии относился к обществу «Духовный союз» Екатерины Татариновой.
Картина Владимира Боровиковского «Рождество Христово»
Творчество автора подвело черту в традиции портретного направления. Лиричность и эмоциональность портретов художника – отличительная черта его манеры, определившая эпоху в живописи 19 века. Его работы были более чувственными, чем картины предшественников. Фигуры, изображенные на лоне природы, становились первичными в сравнении с описанными прелестями пейзажа.
Свет на картинах оказывался рассеянным, а над персонажами витал ореол таинственности и загадки. Украшения и драгоценности женщин всегда сияли, фактура тканей передавала богатство атласа и бархата, но цвета были неяркими и неброскими, что приглушало роскошь одеяний. Используя привычные и ставшие традиционными для его манеры приемы, со временем Боровиковский стал писать в менее поэтичной манере. В его работах появился несвойственный ранее рационализм.
Личная жизнь
Биография Владимира Боровиковского настолько сильно была связана с любимым делом, что он не акцентировал внимания на личной жизни. Мужчина всегда был одиноким, а после утраты заинтересованности со стороны общества вовсе стал нелюдимым. Поиски себя в мистицизме не принесли успеха, и автор, уйдя в изображение религиозных сюжетов, проводил все время в мастерской.
Алексей Венецианов
У художника не было жены и детей. Родным в Украину он писал, что его общество составляют кухарка и ученики, которым он дал приют в собственной квартире. Одним из юношей был Алексей Венецианов, впоследствии ставший знаменитым художником.
Постепенно в душе Боровиковского назревал разлад, разогреваемый одиночеством и забытьем со стороны публики. Он пристрастился к выпивке. Будучи щедрым человеком, живописец не обладал состоянием, хотя даже в годы невостребованности умудрялся неплохо зарабатывать. Окружающие удивлялись его щедрости. На родину регулярно отправлялись посылки с гостинцами, бедняки толпились у его квартиры по субботам и регулярно получали милостыню.
Долгожданное лето
Как прекрасно таежное лето, когда оно в полном разгаре. Владимир Жданов, а вслед за ним и зрители, восхищаются красотой налившихся всеми красками горячего солнца лугов, речек, могучих деревьев и легкого прозрачного кружевного подлеска. Небольшие стожки и колосящиеся поля окружают затерянные деревеньки. Пейзажи часто украшают посеревшие от времени старинные ветряные мельницы.
Как часто художник показывает нам, что стадо вечером идет домой, куры копошатся в травке, лошадей, запряженных в телеги, – это все, от чего городской человек совершенно отвык. А как хорошо бывают написаны подмытые водой во время половодья мощные корни деревьев, которые упорно хватаются за землю и не дают стволам упасть.
Хорош и костерок, который развел охотник, когда день уже клонится к закату, и набросал в него побольше шишек, чтобы они дали дым, который отгонит таежных насекомых.
