Художник михаил нестеров. тоска по светлой тишине

Работы итальянского периода

Из биографии Карла Брюллова известно, что итальянский период его творчества ознаменовали многочисленные портреты. Среди них стоит отметить «Всадницу», портрет Матвея Виельгорского и Юлии Самойловой. Эти шедевры относятся именно к этому периоду. К портретной живописи Брюллов вернется снова уже по возвращению в Санкт-Петербург.

Стоит отметить, что в общей сложности художник провел в Европе более 12 лет. Но Италия его привлекала больше всего. Через несколько лет он вновь вернулся сюда. В творчестве Карла Брюллова Италия сыграла огромную роль. Во время второй поездки в страну он занялся тщательным изучением развалин древнейших городов – Помпеи и Геркуланума, которые были разрушены в ходе сильнейшего землетрясения. Художника невероятно впечатлили величественные Помпеи, погибшие от стихии. Поэтому последующие годы он изучал историю города и археологические находки. В результате кропотливой и длительной работы была написана одна из самых известных картин – «Последний день Помпеи». Многие искусствоведы сходятся во мнении, что эта работа стала вершиной творчества художника и его мастерства. Над полотном художник работал шесть лет.

В 1833 году после длительных работ Брюллов вынес на суд ценителей искусства «Последний день Помпеи». Весть о потрясающей картине гениального мастера быстро облетела все школы искусств и светские салоны. Полюбоваться творением приезжали не только знатоки, но и ценители прекрасного. Картина Брюллова выставлялась в Париже и Милане. После знакомства с ней все неизменно приходили в восторг.

Жизненный путь определила наследственность

Людмила Фионова родилась в 1946 году в сибирском городе Новокузнецке. С самых ранних лет девочке нравились математика и физика. Она полюбила их за логичность и красоту. Поэтому в школе эти предметы давались ей легко. Причина этого может скрываться в наследственности. Дед-бухгалтер со стороны матери был образованнейшим человеком, хотя окончил только церковно-приходскую школу. Он много читал и увлекался астрономией. Отец обладал блестящими математическими способностями. Это позволило ему окончить Политех в Ленинграде.

Помимо наклонностей ума на выбор девушки повлияла мода на физику в общественной среде того времени. В 60-ых годах в Советском Союзе физики-атомщики и связанные с этим другие профессии были овеяны романтикой. Этому способствовал прорыв в исследованиях природы элементарных частиц. Также страна активно работала над освоением космического пространства. Молодую девушку захватил всеобщий порыв «отдать здоровье и жизнь» за науку. Несмотря на то, что конкурсы на физфаки были огромными, выпускница новокузнецкой школы поступает в столичный институт стали и сплавов.

Главные события жизни

В 1752-1755 годах участвовал с отцом в росписи Андреевского собора под руководством Алексея Антропова. Этот опыт, безусловно, оказал сильное влияние на Дмитрия. Он перенял от своего учителя не только мастерство, но и такие важные черты как честность, трудолюбие и бескорыстие.
В 1758 году переехал из Киева в Петербург и поступил в Императорскую Академию художеств. Параллельно с учёбой уже расписывал различные храмы и писал портреты под заказ.
В 1762 году был направлен в Москву, исполнять государственный заказ, где он с другими художниками должен был расписать триумфальные ворота, воздвигнутые в честь коронации Екатерины II.
В это же время совместно с Василием Васильевским писал иконы для Храма великомученицы Екатерины на Всполье. Молодым художникам задерживали оплату работы, но они отстояли свои права и, пока им полностью не оплатили долг, не отдавали иконы храму.
В 1768 году, выполнив государственные заказы, вернулся в Петербург, а его работы начали выставлять в Академии художеств.
В 1770 году ему присвоено звание академика за портрет ректора Александра Кокорина. В лице строителя Академии художеств и его первого директора видны спокойствие, благородство и человеческое достоинство. Левицкий мастерски передаёт в портрете то глубокое уважение, с которым он относится к этому человеку.
С 1771 по 1778 год руководил портретным классом в Академии художеств.
В 1773-1776 пишет серию портретов воспитанниц Смольного института благородных девиц, заказанную Иваном Бецковым. Дмитрий изображал лучших учениц института в театральных костюмах, на сцене театра либо на фоне декораций, исполняющими концертные номера. В лице каждой девушки проглядывается индивидуальный характер, все они получились очень разные, но их объединяют обаяние и прелесть молодости, которые Левицкий передал безупречно. Эту серию назвали «Смолянки», и по приказу Екатерины II выставили в Большом дворце в Петергофе. В начале XX века после революции их переместили в Русский музей, где они хранятся и сейчас.
В 1783 году выполнил заказ канцлера Александра Безбородко написать парадный портрет Екатерины II. Императрица изображена в храме богини Правосудия, сжигающей на алтаре маковые цветы. Этим художник хотел показать, как она, пренебрегая своим личным покоем, заботится о покое общем. Портрет обрёл популярность среди творческих людей, и многие художники повторяли картину, скульптор Шубин создал по нему скульптуру, а поэт Богданович даже посвятил в честь шедевра стихи.
Написал целую серию портретов семьи Артемия Ивановича Воронцова для его нового дома в Петербурге. Картины с изображением девочек Воронцова считаются лучшим, из того, что он создал в последние годы своего творчества.
В 1780-х создал большую портретную галерею деятелей русской культуры

Левицкий всех изображал на нейтральном фоне, обращая внимание только на лицах, старался передать характер человека лишь по позе и выражению лица. Лучшей и самой известной картиной из этой серии стал портрет французского философа Дени Дидро.
В 1786 году Левицкий стал членом совета Академии художеств

Как преподаватель он позволял ученикам работать с живыми натурщицами, чтобы начинающие художники учились максимально естественно изображать людей. Он не ограничивал их ни в чём: ни позой натурщицы, ни её костюмом, ни действием, живописцам можно было рисовать на их усмотрение, лишь бы портрет получился натуральным.
В 1789 году уходит из Академии художеств, рассорившись с руководством. Левицкого обвиняли в «политической неблагонадёжности» из-за дружбы с поэтами Василием Капнистым и Николаем Новиковым. В своих стихотворениях последние резко критиковали политику императрицы.
В 1790-х становится членом масонской ложи «Умирающий сфинкс».
В последние годы творческой карьеры не получал государственные заказы, но до последнего не переставал писать, создавая портреты друзей и частных лиц.
В 1807 году его вновь позвали преподавать в Академию художеств.
В начале XIX века у Левицкого сильно ухудшилось зрение, и ему пришлось оставить живопись. Последнюю картину он написал в 1812 году. В последние годы он испытывает серьёзные материальные трудности и ещё больше погружается в религию.
Дмитрий Левицкий умер 16 апреля 1822 года в Петербурге, похоронен на Смоленском кладбище.

Автопортрет (1783)

Соловки

В 1901 году Нестеров задумывает большую картину «Святая Русь», и в поисках вдохновения отправляется в Соловецкий монастырь на Белом море.

Из Соловков художник писал: «Тут много интересного, много своеобразного; но все это я как бы видел когда-то во сне и передал в своих первых картинах и некоторых эскизах. Тип монаха новый, но я его предугадал в своем «Пустыннике». Жизнь вообще очень неудобна, особенно тяжела общая «трапеза» и помещение».

«Я мог бы иметь письма к настоятелю из Петербурга или из Москвы. Тогда благоденственное житие в обители было бы мне обеспечено, но я предпочел оставаться невидимкой, чтобы видеть все то, что я хочу видеть, а не то, что мне соблаговолят показать».

Под впечатлением от Русского Севера, его суровой природы и смиренных монахов-подвижников были написаны картины «Молчание», «Лисичка», «Тихая жизнь», «Обитель Соловецкая», «Мечтатели», «Соловки». «Соловецкие мотивы» долго звучали в его работах.

«Молчание»

«Это был народ крепкий, умный, деловой. Они молились Богу в труде, в работе». Из этого народа, свидетельствует Нестеров, «попало ко мне на картину «Святая Русь» несколько лиц более или менее примечательных. Они вошли в другие картины. Двое из них стоят-мечтают в «Мечтателях» («Белая ночь на Соловецком»). Кое-кто попал в большую картину «Душа народа». Последняя стала важнейшей предреволюционной работой Михаила Васильевича.

Задумку картины художник объяснял так: «У каждого свои «пути» к Богу, своё понимание его, свой «подход» к нему, но все идут к тому же самому, одни только спеша, другие мешкая, одни впереди, другие позади, одни радостно, не сомневаясь, другие серьёзные, умствуя…».

Крестьянский мальчик, идущий далеко впереди народной толпы, был написан Нестеровым с сына Алеши. Именно на этом образе сосредотачивается взгляд смотрящего на картину, это и есть смысловой центр полотна. Евангельские слова: «Если не будете как дети, не войдёте в Царство Небесное» (Мф.18:3) были выведены внизу с левой стороны картины. Сам Нестеров считал «Душу народа» одним из наиболее значимых своих произведений и неоднократно повторял: «В начале жизни — „Отрок Варфоломей“, к концу — „Душа народа“».

«Душа народа»

В Киеве состоялся показ «вчерне» законченной «Святой Руси». На показе Нестеров познакомился с Екатериной Петровной Васильевой, которая спустя несколько месяцев стала его женой. У супругов родится трое детей – Наталья, Алексей и Анастасия, умершая во младенчестве.

Книги

Рукописи двух первых произведений Мартова разослала в семь российских издательств, но обратная связь оказалась печальной: кто-то ответил отказом, а кто-то и вовсе проигнорировал начинающего автора. Людмила решила не тратить времени напрасно и забросила писательство, сосредоточившись на основной работе. Спустя 7 лет, когда женщина и думать забыла о сочинительских амбициях, на нее вышла редактор издательства «Эксмо» Анна Антонова, которая настояла, чтобы писательница продолжила начатое.

После заключения контракта написание детективов стало для жительницы Вологды полноценной работой, которую, однако, пришлось совмещать с основной. Первые романы вышли в 2015 году в серии «Хозяйка своей судьбы» и были подписаны именем Людмила Зарецкая. Однако со временем издательство посчитало оформление книг неудачным и решило провести ребрендинг. Так новые публикации писательницы стали печататься под псевдонимом Людмила Мартова.

Они выходят в серии «Желание женщины». Это название неслучайно: автор пишет для женщин и про женщин. Ее героини — сильные, смелые, находящие выход из любой сложной ситуации — вдохновляют читательниц и подают им вдохновляющий пример и надежду на личное счастье.

Первыми в библиографии стали тома «Судьба зимней вишни», «Вакансия третьего мужа», «Визитка злой волшебницы». Людмила сразу взяла курс на написание произведений циклами, поскольку истории с продолжением пользуются у аудитории особой любовью. Сейчас она с иронией смотрит на свой писательский дебют, выражая надежду, что с годами смогла улучшить качество текстов. «Бизнес-план счастья», «Лунная дорога в никуда», «Ключ от незапертой двери» демонстрируют мастерство зрелого автора.

Захватывающий сюжет, объемные и живые герои, узнаваемые бытовые детали, остроумные диалоги делают произведения Мартовой популярными и востребованными. В 2019 году сразу четыре ее романа обрели экранизации — «Высоко над страхом», «Когда зацветает липа», «Смерть на языке цветов» и «Почти семейный детектив».

Заметки

Сгибнев Аким Алексеевич 21.11.1912 — 1986
художник

Род. в 1912 (с. Черепановка, Покровский р-н, Чкаловская обл./Оренбургская обл.) – ум. в 1986 (Фрунзе, Киргизия).
График. Работал в технике линогравюры и цветной линогравюры, офорта.

Специального образования не имел. С 1940 жил и работал в Киргизии г. Фрунзе (теперь Бишкек). Член СХ с 1942. Участник выставок с 1938. Работал иллюстратором газет и журналов.

Работы находятся в Кыргызском национальном музее изобразительных искусств им. Г. Айтиева, Национальном художественном музее Республики Беларусь.

http://artru.info/ar/35901/

Различные виды графических техник освоил Аким Алексеевич Сгибнев, сосредоточившись преимущественно на линогравюре в ее черно¬белых и цветных вариантах. Листы 60—70-х гг. изобилуют натурными наблюдениями, типажами, жанровыми сюжетами, пейзажными мотивами, почерпнутыми в многочисленных поездках по республике. Сгибнев своеобразен как в выборе тематических аспектов, так и в трактовке графической формы. Отсутствие профессиональной школы у этого художника возмещается изучением натуры, горячим интересом к изображаемому, обаянием непосредственности почти фольклорного наива. Каждый из его эстампов несет отпечаток удивления, восхищения, сочувствия, испытанных художником в соприкосновении с действительностью, людьми, событиями, фактами, произведениями литературы и искусства.

Как и другие графики Киргизии, Сгибнев любит работать сериями. Широкую графическую панораму трудовой жизни республики, насыщенную впечатляющей образностью, дают серии линогравюр (в боль¬шинстве с использованием цвета) «На киргизской магистрали» (1963), «Пограничники» (1963), «Кенес-Анархайские этюды» (1966), «Нарынская ГЭС» (1966), «Кара-Суйский угольный разрез» (1967, рис. 205), «Темир-Тау — город молодых» (1967). Листы этих серий, как правило, плотно заполненные изобразительным материалом, богаты композиционными находками, неожиданно выразительными деталями, жизненной достоверностью. Яркие образы созданы, например, в гравюре «В такой степи» (из серии «Кенес-Анархайские этюды, рис, 204), где с поэтическим чувством передано широкое дыхание осваиваемой человеком целинной земли, а также в насыщенной теплым цветом литографии «Юный рыбак» (из серии «Нарынская ГЭС»), покоряющей гармоническим сочетанием естественной природы и творений человеческих рук.

Сгибнев — художник, остро чувствующий жизнь природы, которая в его произведениях своеобразно одухотворена. Так, например, изображение горной реки «Нарын», многократно возникающей в эстампах художника, каждый раз является в новом образном качестве. В листе «Первый столб» (1957) — это подвижный, сверкающий массив. Упругий, гибкий штрих выражает здесь дерзкий нрав петляющей в каменистом русле реки. В гравюре «Река Нарын в Шамалды-Сае» (1963) — иная трансформация образа. Воды Нарына, как бы недовольного вмешательством в его жизнь человека, взволнованно шумят. Водная поверхность решена здесь чередованием полос короткого рубленого штриха. По другому впечатляет Нарын в литографии «Юный рыбак» (1966). Перекрытая железобетонными блоками, река дышит медленно, устало, от ее отработавших вод исходит покорность и тепло.

Важное место в творчестве Сгибнева заняла историческая тема, связанная с жизнью и деятельностью М. В

Фрунзе. Им созданы серии цветных линогравюр «М. В. Фрунзе» (1964) и «М. В. Фрунзе в горах Тянь-Шаня» (1972), представляющие собой сюжетные повествования, в которых художник широко использует принципы фольклорно-лубочной трактовки изобразительной формы, характерной для его творчества в целом. В этой работе Сгибневу помогло изучение документального материала, литературных источников, а также тех мест, которые действительно посетил полководец. Листы подкупают своеобразием композиционных решений, бережным, искренним отношением художника к образу героя, акцентированием в нем таких человеческих качеств, как близость к простому народу, естественность, доброту.

У Сгибнева немало отдельных, обстоятельно трактованных композиционных эстампов, в которых синтезировались его впечатления и раздумья над той или иной темой. Среди них цветная гравюра «У старого города Оша» (1962), обладающая удивительной солнечностью настроения, и свежо нарезанные и отпечатанные с применением нескольких цветов линогравюры «Новый город Майли-Сай» (1977), «У створа Токтогульской ГЭС» (1979), «У реки Аламединки» (1979), где Сгибнев воспевает радость жизни, красоту современности.

http://www.open.kg/about-kyrgyzstan/art/1053-iskustvo-linogravyury-akima-alekseevicha-sgibneva.html

Путешествие по БАМу длиной в 10 лет

В середине 70-х художника вызвали в Москву, где в ЦК КПСС ему дали задание — подготовить книгу о строительства БАМа, изобразив во всех подробностях великий подвиг строителей трассы. В столице обещали сопровождение, билеты и командировочные, но в хабаровском издательстве отказали во всякой помощи. 10 лет этот удивительный человек, считавший себя обязанным выполнить порученную работу, за свой счет путешествовал от станции до станции. За день ему приходилось преодолевать до 30 км, иногда пешком. Постепенно художник познакомился практически со всеми водителями БАМа. Он набирал в рюкзак книжки и шел голосовать на дорогу. Водители, получающие в подарок красочные книги для своих детей, охотно подвозили художника, хотя брать попутчиков на БАМе было строго запрещено.

Книга «Навстречу времени. От Байкала до Амура».

За годы путешествия по строящейся магистрали были выполнены более тысячи рисунков, графических работ, этюдов. По результатам десятилетней работы Геннадий Павлишин выпустил 7 книг и получил медаль «За строительство Байкало-Амурской магистрали». Стройка века была запечатлена в альбомах: «Навстречу времени. От Байкала до Амура», «Трасса», «В краю созидания» и других. А главное — он открыл удивительные неизведанные места Дальнего Востока, до сих пор неизвестные широкому кругу жителей России.

Книга «Навстречу времени. От Байкала до Амура».

Живопись и творчество

Творческий путь Петра Кончаловского был долгим: начав с классической живописи, он прошел период поиска новых способов самовыражения и в итоге вернулся к реалистичной стилистике. Проследить это можно на примере автопортретов художника, написанных в разных направлениях и с использованием диаметрально противоположных цветовых решений.

Сначала стилистика Кончаловского напоминала творчество Константина Коровина, но, завершив учебу, художник отправился в Париж, где побывал на выставке картин Винсета Ван Гога. Впечатления от живописи гениального фламандца наложили отпечаток на творчество Кончаловского: по словам художника, Ван Гог раскрыл Петру глаза на собственное творчество.

Работы Петра Кончаловского, сделанные под влиянием живописи Ван Гога и Матисса

В работе того периода легко заметить влияние и других прославленных художников: Поля Сезанна и Анри Матисса – их картины поражали Кончаловского до глубины души.

В начале 1910-х годов Петр Петрович вместе с коллегами по цеху организовал художественную группу «Бубновый валет». Ее участники демонстративно пренебрегли канонами реалистической живописи и следовали по пути формализма. Основами творчества стали постимпрессионизм, кубизм и фовизм.

Портрет семьи кисти Петра Кончаловского

В этот период биографии сформировался собственный стиль Кончаловского: плотный, насыщенный, изобилующий яркими красками и лишенный ненужных деталей. Характерной особенностью, с которой Петр Петрович в то время писал натуру, является статичность: в натюрмортах, портретной и композиционной живописи художника нет и намека на динамику.

В 1912 году Кончаловский попробовал себя в качестве театрального художника и сделал костюмы и декорации для оперы «Купец Калашников» в постановке Антона Рубинштейна. Этой работой, стилизованной под лубок, Петр Петрович остался доволен и до конца жизни считал ее лучшим своим произведением в этом жанре. В это время в картины художника вместе с примитивизмом приходит «движение», внутренняя энергия. Это хорошо заметно по таким работам, как «Печка» и «Сухие краски».

Эскиз декорации Петра Кончаловского для оперы «Купец Калашников»

Когда началась Первая мировая война, Петр Петрович ушел на фронт, но воевал недолго – в 1915 году художника контузило, и его направили в тыл, на лечение. После этого Кончаловский участвовал в «Выставке картин левых течений», а также вышел из «Бубнового валета», перейдя в объединение «Мир искусства».

После революции в живопись Петра Петровича начал возвращаться реализм, хотя краски остались по-прежнему яркими. Кончаловского привлекала «радость жизни», хотя он умел совмещать ее с действительностью, придавая картинам как комический, так и трагический колорит. Это видно по портрету Всеволода Мейерхольда, который на момент написания картины уже лишился театра: яркие краски приглушены, а выражение лица режиссера говорит само за себя.

Портрет Всеволода Мейерхольда кисти Петра Кончаловского

Особое место в живописи Кончаловского всегда занимали натюрморты, особенно цветочные. Художник говорил, что пишет их по причинам, сходным с теми, по которым пианисты играют гаммы – это трудное и необходимое упражнение.

Натюрморт Петра Кончаловского «Сирень в корзине» Наиболее яркими представителями цветочной тематики в произведениях Петра Петровича являются картины «Сирень в корзине», «Пионы у окна» и «Всякие цветы».

Важным этапом творчества Кончаловского стал период увлечения фигурой Михаила Лермонтова. В 1927 году Петр Петрович уехал на Кавказ, и результатом поездки стала серия картин, основанных на творчестве поэта. В 40-е годы художник писал портрет Михаила Юрьевича, выбрав для изображения трудный период биографии Лермонтова. На картине поэт изображен в момент отдыха на станции Казбек, на которой он остановился, следуя в первую ссылку.

Натюрморт Петра Кончаловского «Пионы у окна»

Советская власть мало повлияла на творчество Кончаловского – художник всегда старался держаться как можно дальше от политики, но при том – не вступать с ней в конфронтацию.

Петру Петровичу даже удалось избежать написания портрета Иосифа Сталина, хотя ему предлагали – он сослался на то, что, будучи реалистом, не может использовать в качестве натуры фотографию. Допускать к настоящему «великому вождю» художника, разумеется, никто не собирался. И даже при этом Кончаловский получил в 1942 году Сталинскую премию за многолетние выдающиеся заслуги в области искусства.

М. В. Ломоносов

Выдающиеся граждане России прославляли свою страну не только в искусстве управления государством или тактике ведения боевых действий. Михаил Ломоносов принадлежит к когорте величайших отечественных учёных, которые сделали огромный вклад в развитие мировой науки. Родившись в бедной семье и не имея возможности получить достойное образование, он с раннего детства обладал высоким интеллектом и тянулся к знаниям. Стремление к наукам у Ломоносова было настолько сильным, что в 19-летнем возрасте он оставил свою деревню, отправился пешком в Москву и поступил в Славяно-Греко-Римскую академию. Далее последовала учёба в Петербургском университете при Академии наук. Для совершенствования знаний по естественным наукам Михаил был направлен в Европу. В 34 года молодой учёный стал академиком.

Ломоносова без преувеличения можно считать универсальным человеком. Он обладал блестящими знаниями по химии, физике, географии, астрономии, геологии, металлургии, истории, генеалогии. Кроме того, учёный был прекрасным поэтом, писателем и художником. Ломоносов сделал множество открытий в физике, химии и астрономии, стал основоположником науки о стекле. Ему принадлежит проект создания Московского университета, которому впоследствии было присвоено его имя.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Editor
Editor/ автор статьи

Давно интересуюсь темой. Мне нравится писать о том, в чём разбираюсь.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Енот на Волге
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector