Teenage Years and Injury
At age 15, Orozco left the city and traveled to the countryside. His parents sent him away to study agricultural engineering, a profession he had very little interest in pursuing. While at school, he contracted rheumatic fever. His father died of typhus soon after he returned home. Perhaps Orozco finally felt free to pursue his true passion, because almost immediately he began taking art classes at San Carlos Academy. To support his mother, he also worked small jobs, first as a draftsman for an architectural firm, and then later as a post-mortem painter, hand-coloring portraits of the dead.
Around the time Orozco became certain about pursuing a career in art, tragedy struck. While mixing chemicals to make fireworks to celebrate Mexico’s Independence Day in 1904, he created an accidental explosion that injured his left arm and wrist. Due to the national festivities, a doctor did not see him for several days. By the time he was seen, gangrene had taken over and it was necessary to amputate his entire left hand. As he healed, the Mexican Revolution was eminent in everyone’s minds, and the personal suffering Orozco experienced was mirrored in the growing political strife happening all around him.
Beginning of Career and First Solo Exhibition
For the next several years, Orozco scraped by, working for a time as a caricaturist for an independent, oppositional newspaper. Even after he finally landed his first solo exhibition, titled “The House of Tears,” a glimpse at the lives of the women working in the city’s red-light district, Orozco found himself painting Kewpie dolls to pay the rent. Given his own struggles, it is not surprising that his paintings teemed with social complexities. In 1922, Orozco began creating murals. The original impetus for this work was an innovative literacy campaign put in place by Mexico’s new revolutionary government. The idea was to paint murals on public buildings as a method for broadcasting their campaign messages. He did this for only a short time, but the medium of mural painting stuck. Orozco eventually became known as one of the three “Mexican Muralists.” The other two were his contemporaries, Diego Rivera and David Alfaro Siqueiros. Over time, Orozco’s work was uniquely recognized and set apart from Rivera’s and Siqueiros’ for its intensity and focus on human suffering. His vast scenes illustrated the lives and struggles of peasants and working-class folk.
Orozco married Margarita Valladares in 1923, and they had three children. In 1927, after years of working as an underappreciated artist in Mexico, Orozco left his family and moved to the United States. He spent a total of 10 years in America, during which time he witnessed the financial crash of 1929. His first mural in the United States was created for Pomona College in Claremont, California. He also devised massive works for the New School for Social Research, Dartmouth College and the Museum of Modern Art. One of his most famous murals is The Epic of American Civilization, housed in Dartmouth College in New Hampshire. It took two years to complete, is composed of 24 panels and is nearly 3,200 square feet.
Paintings: ‘The People and Its Leaders’ and ‘Dive Bomber’
In 1934, Orozco returned to his wife and country. Now established and highly respected, he was invited to paint in the Government Palace in Guadalajara. The main fresco found in its vaulted ceilings is titled The People and Its Leaders. Orozco, now in his mid-fifties, then painted what would become considered a masterpiece, the frescos found inside Guadalajara’s Hospicio Cabañas, a UNESCO World Heritage site and one of the oldest hospital complexes in Latin America. The work, which became known as the “Sistine Chapel of the Americas,” is a panorama of Mexico’s history, from pre-Hispanic times, including scenes of early Indian civilizations, through the Mexican Revolution, which he depicts as a society engulfed in flames. In 1940, the Museum of Modern Art in New York City commissioned him to create the centerpiece for its exhibition “Twenty Centuries of Mexican Art.” His contributions included Dive Bomber and Tank, both commentaries on the impending Second World War.
Ранний период жизни
Хосе Клементе Орозко родился в Мексике в 1883 году и вырос в Сапотлан-эль-Гранде, небольшом городе в юго-западном регионе Мексики Халиско. Когда он был еще маленьким мальчиком, родители Орозко переехали в Мехико в надежде сделать жизнь своих троих детей лучше. Его отец, Иренео, был бизнесменом, а его мать, Мария Роза, работала домохозяйкой и иногда пела для дополнительного заработка. Несмотря на усилия его родителей, они часто жили на грани нищеты. Мексиканская революция накалялась, и, будучи очень чувствительным ребенком, Орозко начал замечать множество трудностей, с которыми сталкивались окружающие его люди. Идя в школу, он стал свидетелем того, как мексиканский мультипликатор Хосе Гуадалупе Посада работал в открытой витрине. Политически занятые картины Посады не только заинтриговали Орозко, но и пробудили его первое понимание искусства как мощного выражения политического бунта.
Смерть
Этот выдающийся художник-монументал умер в Мехико 7 сентября 1949 года. Работая над росписью в многоквартирном доме Мигеля Алемана, которую он не смог закончить. За президентский мандат он был похоронен в кругу знатных людей.
Настоящее время
23 ноября 2017 года международная поисковая система Google посвятила дудл мексиканскому художнику-монументалисту Хосе Клементе Ороско, чтобы отдать дань уважения его 134-летию со дня рождения, который сделал Сантьяго Солис дудл, который художник запечатлел перед появляющимся ягуаром. на фреске национального богатства, найденной в Верховном суде страны в центре Мехико.
В 2010 году Музей современного искусства в Нью-Йорке представил большую ретроспективу его работ. Если вы хотите узнать некоторые описания предмета пластических искусств, мы приглашаем вас прочитать: Теория искусства.
Характеристики фресок Хосе Клементе Ороско
Для лучшего объяснения этого Биография Хосе Клементе Ороско мы дадим им характеристики, которыми обладали их работы.
Мурал о хорошей жизни изначально был сделан для столовой спортивного клуба на окраине города Доктора. В котором видно, что он празднует вечеринку и что картина написана в 1945 году, то после окончания Второй мировой войны, это как бы дань уважения Французской Республике. Эта картина была подарком его семьи.
В школе Сан-Идельфонсо он постоянно представляет 28 фресок Хосе Клементе Ороско. На самом деле Сан-Идельфонсо считается колыбелью мурализма. Эти фрески находятся на стенах коридоров центрального дворика старой национальной средней школы. Работы, повествующие о его видении общества своего времени, справедливости, угнетения рабочих, революции и завоеваний.
Вот почему Хосе Клементе Ороско является частью мексиканской культуры, которая демонстрирует мексиканскую идентичность и то, через что пришлось пройти. Нарисуйте критику буржуазного общества, нарисуйте оду рабочим
Его картины в основном основаны на композициях социального характера, героического стиля, экспрессионистского характера, связанных со старыми мексиканскими художественными традициями бурного динамизма, где преобладают диагональные полосы, темно-серые цвета и белый цвет.
Фреску он сделал в Верховном Суде Нации, где работа состоит из четырех досок, где отражены три разные темы. На двух досках Хосе Клементе Ороско затрагивает тему справедливости. В то время как другой говорит о национальном богатстве, продуктах земли, драгоценных металлах и нефти, которые находятся под защитой мексиканского флага и ягуара.
В росписях на потолке Законодательной палаты разработанная художником тема была связана с революционным и мексиканским законодательством и декретом об отмене рабства.
Основными характеристиками этих колоссальных фресок, которые он создал, было то, что он не следовал чьим-либо указаниям или академическим принципам. Скорее, он предпочел запечатлеть в своих творениях доколумбовое искусство и популярные мексиканские корни. Ему интересно показать состояние человека.
Хосе Клементе Ороско был художником, который интересовался искусством барокко и изучал его в работах Веласкеса и Караваджо, где применял их, придавая своим произведениям драматизм, которого им раньше не хватало.
Места, где находятся работы Хосе Клементе Ороско
- Музей старой школы Сан-Идельфонсо
- Каса-де-лос-Амигос
- Художественный музей Каррильо Хиля
- Музей Сумайя Плаза Карсо
- Дворец изящных искусств
- Мексиканская художественная галерея
Места, расположенные в Мехико.
Daljnje čitanje
- Anreus, Alejandro. Orozco u Gringolandu: Godine u New Yorku. Press of University of New Mexico. Albuquerque. 2001. godine
- Cardoza y Aragon, Luis. Orozco. Mexico City: Fondo de Cultura Econónimoca 1983.
- Elliott, David, ur. Hurlburt, Laurance P. Meksički muralisti u Sjedinjenim Državama. Press of University of New Mexico. Albuquerque. 13-88 (prikaz, stručni). 1989. godine.
- González Mello, Renato. Orozco: Pintor Revolucionario?. Meksiko: Universidad Autónoma Nacional de México 1995.
- González Mello, Renato i Diane Miliotes, ur. José Clemente Orozco u Sjedinjenim Državama, 1927.-1034. Hannover, New York i London: Umjetnički muzej Hood, Dartmouth College i W.W. Norton & Co. 2002.
- Helm, MacKinley. Vatreni čovjek: J.C.Orozco: Interpretativni memoari. Westport CT: Greenwood 1959.
- Indych-López, Anna. Muralizam bez zidova: Rivera, Orozco i Siqueiros u Sjedinjenim Državama 1927.-1940. Pittsburgh: University of Pittsburgh Press 2009 (monografija).
- Jaimes, Héctor. Filosofía del muralismo mexicano: Orozco, Rivera y Siqueiros. Meksiko: Plaza y Valdés, 2012 (monografija). ISBN 978-607-402-466-1
- Orea Marín, Augusto. Orozco: El Mito. Guadalajara: Uvodnik Conexión Gráfica 1994.
- Orozco, Jose Clemente. Umjetnik u New Yorku: Pisma Jean Charlot i neobjavljeni spisi. Austin. 1974.
- Orozco, Jose Clemente. Autobiografija. Sveučilište Texas Press. Austin. 1962.
- Reed, Alma. Orozco. Oxford University Press. New York. 1956.
- Folgarait, Leonard. Slikanje freski i socijalna revolucija u Meksiku, 1920.-1940. Cambridge University Press. New York. 1998.
ПОЭТЫ ТЕЛА. ФЕРНАНДО БОТЕРО
DIETA.RU — ноябрь 2007
Представляем вам творчество Фернандо Ботеро (Fernando Botero, 1932 г.), колумбийского художника и скульптора. На рубеже 20–21 вв. он стал самым знаменитым из латиноамериканских художников его поколения. Его скульптуры украшают многие города мира (Париж, Лиссабон, Боготу и др.), а картины – частные коллекции и музеи.
По материалам энциклопедии «Кругосвет»:
«Предметы и фигуры предстают в его живописи и графике подчеркнуто пышными, самодовольно разбухшими, пребывающими в сонном покое, – этот волшебный транс напоминает провинциально-застойную и в то же время «магическую» атмосферу рассказов Х.Л.Борхеса и романов Г.Г.Маркеса. Отдельные его работы более свободны по манере письма (Мона Лиза в 12-летнем возрасте, 1959, Музей современного искусства, Нью-Йорк), но в любом случае сюжеты восходят к классическим, хорошо знакомым образам, хотя и обретающим неизменно пародийный характер (серии: Камера дельи Спози,1958, на темы росписей Мантеньи в одноименном зале Палаццо Дукале в Мантуе; Дюроботерос, 1968, по мотивам А.Дюрера; и др.); зритель встречает в его творчестве также многочисленные реминисценции Веласкеса (Автопортрет в костюме Веласкеса, 1986, галерея Байелер, Цюрих), Караваджо, Э.Мане и других мастеров.»
Фернандо Ботеро. Адам и Ева.
Фернандо Ботеро. У окна, 1990.
Фернандо Ботеро. Письмо, 1976.
Фернандо Ботеро. Венера, 1989.
Фернандо Ботеро. В студии.
Фернандо Ботеро. Игра в карты.
Фернандо Ботеро. Обнаженная с ожерельем.
Фернандо Ботеро. Перед зеркалом.
Фернандо Ботеро. Туалет, 1989.
Фернандо Ботеро. Утро после.
Фернандо Ботеро. Утро.
Фернандо Ботеро. Мария-Антуанетта в Медейине, Колумбия.
Фернандо Ботеро. Портрет инфанты (подражание Веласкесу).
Фернандо Ботеро. Мона Лиза (подражание Леонардо да Винчи).
Фернандо Ботеро. Скульптура «Архангел».
Фернандо Ботеро. Скульптура «Похищение Зевсом Европы».
Фернандо Ботеро. Скульптура «Джентельмен в котелке-шляпе».
Фернандо Ботеро. Скульптура «Женщина», бронза.
>Фернандо Ботеро. Скульптура «Артемида».
Фернандо Ботеро. Скульптура На площади Копенгагена.
БАРИАТРИЯ — самый эффективный на сегодня в мире метод ПОХУДЕНИЯ и УДЕРЖАНИЯ ВЕСА после ПОХУДЕНИЯ.
Расскажем ВСЕ об операциях для похудения+7-925-750-25-15
- Пьете диетическую газировку, чтобы похудеть?
- Толстые и худые
- ТЫ – ТО, ЧТО ТЫ ЕШЬ
- Шутки, цитаты и высказывания о фигуре, весе, диетах и здоровом питании
- Торт попа
- Самые толстые люди в мире
- Интересные факты о фаст-фуде
- Как доктор Симс усиленно кормил заключенных
- Жены Руманика, короля Карагве
- Миннесотское исследование голодания
- Самый толстый человек в мире
- Забавные фотографии
- Толстая, как я
- Поэты тела. Фернандо Ботеро
- Ожирение у мышей
- Модели в теле
- Интересная статистика
- Исторические факты о еде
- Интересные факты о продуктах питания
- Если бы Микеланжело творил в Америке
Стиль
Его стиль основан на экспрессионистском реализме, сознательно связанном со старыми мексиканскими художественными традициями, с бурным динамизмом и обширной фактурой.
Хосе Клементе проявлял большой интерес к социальным вопросам, поэтому в его работах отражалась повседневная жизнь подчиненного мира, кабаре, бары. Его любимыми темами были история Мексики, доколумбовая история и критика современного мира, поэтому он отвергал авангардные западные модели и изображал эстетику коренных народов.
Что касается его живописной техники, то он заимствовал у барокко использование светотени для придания драматизма, а также большие диагонали в групповых композициях. Он подчеркивал геометрию в своих фигурах и использовал в своих работах как монументальность, так и гигантизм.
«Ороско был художником, преданным социальным делам, в которых он запечатлел яростно впечатляющий реализм. Для него мурализм — самый бескорыстный способ создания искусства, потому что он не может быть использован для конкретного использования, а имеет общественное значение. Следовательно, это самое чистое и правильное искусство, которое люди должны видеть и противостоять». нужна ссылка
БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА
Родился 23 ноября 1883 года в Сапотлане (мексиканский штат Халиско).
Его родители сначала переехали в Гвадалахару, а потом в Мехико, где Ороско поступил в школу при педагогическом институте. В это же время он начал заниматься в вечерних классах Академии Сан-Карлос. После окончания школы Ороско поступил в сельскохозяйственное училище в Сан-Хасинто, затем в Национальную подготовительную школу Мехико на отделение математики и архитектуры.
В 1908 году Ороско вернулся в Академию Сан-Карлос. В 1910-х годах в Академии начались волнения среди студентов. Молодые художники создали группу «Барбизон» и пробовали придать импрессионизму национально-патриотическую окраску. Так, они перестали пользоваться чёрным цветом и объясняли это тем, что чёрный — цвет реакции.
В 1910-1917 годах Ороско был участником Мексиканской революции и одним из основателей «Синдиката революционных живописцев, скульпторов и граверов». О том времени Ороско вспоминал:
В 1916 году открылась персональная выставка Ороско «Этюды женщин», на которой экспонировались не только его работы, посвященные женщинам, но и политические карикатуры, в том числе на президента Каррансу.
В 1917—1919 Ороско жил в США. Одно время, не продав своих работ, работал на фабрике игрушек, раскрашивал куклам лица. Вернувшись в Мехико, в 1922—1923 годах Ороско исполнил первую внушительную настенную роспись — для большого двора Национальной подготовительной школы, где ранее сам учился. А в 1926 году — огромную (90 кв. м) фреску в Промышленной школе в Орисабе.
В 1926—1927 годах Ороско вновь работает в Национальной подготовительной школе Мехико. В 1927—1934 годах он снова уезжает в США, где работает в колледжах «художником в резиденции». Суть этого понятия в том, что мастер жил в кампусе школы во время работы над фреской, вовлекая студентов в свою работу.
Вернувшись в Мехико, в 1934 году Ороско работает над фреской «Катарсис» в Дворце изящных искусств. В 1936 году были созданы фрески в Гвадалахарском университете, в 1937 — в правительственном дворце.
В 1936—1939 годах Ороско выполняет грандиозную работу (около 1200 м² росписей) в госпитале «Осписио-Кабаньяс» (включен в Список всемирного наследия ЮНЕСКО) в Гвадалахаре. Двенадцать стенных фресок нефа расположены по принципу противопоставления — «Деспотизм» и «Милосердие», «Диктаторы» и «Демагоги» и т. д. В центре композиции фреска «Человек огня».
В 1940—1949 годах Ороско выполнил росписи библиотеки «Габино Ортис», сделал фреску «Пикирующий бомбардировщик», которая находится в Нью-Йоркском музее современного искусства, расписал Верховный суд и церковь Иисуса в Мехико.
Умер Ороско в Мехико 7 сентября 1949 года, не успев завершить свою последнюю работу — роспись одного из зданий жилого комплекса «Мигель Алеман». В этом же году в Гвадалахаре был открыт музей-мастерская художника.
Феномен Джексона Поллока
После Второй мировой войны Америка стала сверхдержавой: ее кино, архитектура, литература и музыка — на вершине культурной лестницы. Но популярный и уже процветающий в Европе и на других континентах авангардизм не прижился здесь. Поэтому США нуждались в своем направлении в искусстве.
В это время и появился Джексон Поллок. После смерти художника в пьяной автомобильной аварии в Америке продолжили пробуждать интерес к личности своего первого абстракциониста.
Через четыре месяца в Музее Современного искусства в Нью-Йорке прошла мемориальная выставка Поллока. В 1967 году там же прошел еще более масштабный показ работ художника. В 1998 и 1999 годах крупные выставки прошли в МСИ и в музее Тейт в Лондоне.
С 80-ых по 00-ые в США выпустили три документальных и два игровых фильма про художника.
Параллельно картины Поллока били рекорды по стоимости на арт-рынках:
- В 2006 году в Sothebys №5 продано за 140 миллионов долларов — самая дорогая картина на тот момент.
- В 2013 аукционный дом Christie’s выставил №19 за 25 млн долларов, за одну ночь цена поднялась до 58 млн долларов. Это остается одним из самых дорогих аукционов в сфере искусства.
- В 2015 №17А продано за двести миллионов и также входит в список одних из самых дорогих полотен.
Метод — переосмысление произведения искусства
Метод появился в 1947 году, а уже через два года в США Поллока объявили величайшим художником современности. В основу метода легли восточные эзотерические практики, культура индейцев и психоанализ, с помощью которого Поллок лечился от алкоголизма. Его творчество стало манифестом свободы самовыражения, то есть тем, на чем строилась идеология американского общества.
Знаменитый метод заключался в разбрызгивании краски на лежащее полотно (Собор, 1947). У Поллока была особая философия исполнения, он первым ответил на вопрос «что такое произведение искусства?». Для него это время создания, момент творчества.
Эволюция художника происходила постепенно: от влияния экспрессионизма и Пикассо (“Стенографическая фигура”, 1942) он пришел к Готике 1944 года, где уже отбросил образность и геометрию, вступив на путь авангардизма. Но пока это еще не та манера исполнения, за которую художник получит прозвище Jack the Dripper (Джек Разбрызгиватель — аналогия с Джеком-потрошителем — Jack the Ripper).
Вокруг Поллока сложился образ современного художника: того, кто бросил вызов европейской традиции и дал новое определение общепринятому понятию произведения искусства. Сюжеты, мотивы и замыслы остаются позади, теперь на передний план выходит эмоция художника в момент создания произведения.
Образ — двигатель интереса
Популярности Поллока способствовали его биография и сложный характер: детство будущего создателя «живописи действия» прошло в бедности, из художественной школы его выгнали за прогулы и пьянство, а к алкоголю мальчик пристрастился уже в девять лет. Все это создало вокруг художника ауру гения и бунтаря.
Внезапная смерть в результате аварии в 1956 и слухи о возможном самоубийстве сделали из Поллока героя-романтика. И после гибели художника цены его картин взлетели в разы. В 1973 году № 11 (Синие столбы) 1952 была продана за два миллиона долларов — рекордная сумма для того времени.
Джексон Поллок появился в нужное время: он был абстракционистом, в котором так нуждалась Америка. Он отличается от художников европейской традиции, что делает его родоначальником собственного художественного направления. Поллоку удалось создать новый язык изображения, признаваемый культурным сообществом. Философия Поллока совпала с идеалами и настроениями в США. Образ художника был интересен публике, а личность вызвала резонанс в культурном сообществе. Неожиданная и загадочная смерть делают его культовым. В течение двадцати лет о Джексоне Поллоке снимали фильмы. Новатор стал классикой современного искусства.
Реализм
Работы мексиканских муралистов реалистичны, почти повествовательны и понятны практически любому; в них традиционные мотивы сочетаются с современными стилями, но при этом каждый художник находит собственный способ ответить на требования политической повестки: сделать произведение мексиканским по стилю, декоративным, вдохновляющим и просвещающим массы.
Ривера, признанный лидер движения, опирался на современное и доиспанское (до европейской колонизации XVI века) искусство. Он довольно долго, с 1907 до 1921-го, жил в Европе, в основном в Париже, — работал вместе с Пикассо и Грисом, разрабатывая собственный красочный стиль синтетического кубизма. В свои росписи и фрески он включал элементы доколумбовой культуры, дополненные кубистическими техниками: диагональная композиция, отсутствие традиционной перспективы, символизм Гогена.
В работах Ороско заметно влияние экспрессионизма с его темными резкими красками и мрачными сюжетами страданий мексиканского народа. Динамичные эмоциональные произведения Сикейроса с выраженными цветовыми контрастами напоминают одновременно полотна сюрреалистов, народное искусство и Микеланджело, творчество которого он изучал в Европе.
Внешние ссылки [ править ]
- Портрет Ороско работы Эдварда Уэстона , 1930 год. Это был любимый портрет Ороско, и Уэстон считал его одним из лучших его портретов.
- Фотографический портрет Ороско работы Беренис Эбботт
- Фрески во Дворце правительства и Сала-ду-Конгресу (панорамы)
- Ороско на MexConnect.com
- Dartmouth Digital Orozco виртуальный тур по «Эпосу американской цивилизации»
- Музей искусств колледжа Прометея Помона Хосе Клементе Ороско
- Сапата , холст, масло; 178,4 x 122,6 см, на Abstract-Art.com
- Христос, разрушающий свой крест , холст, масло; 36 5/8 x 511/8 дюйма, на Humanities-interactive.org
- Человек огня и другие фрески в Hospicio Cabañas
- Документальный фильм » Ороско: Человек огня»
| vтеВыпускники факультета искусств и дизайна УНАМ | |
|---|---|
| Художники |
|
| Авторитетный контроль |
|
|---|
Искусство для масс
Из всех революций в мексиканской истории самая значительная произошла в 1910-1920-х годах. В 1922 году новое национальное революционное правительство — точнее, министр образования Хосе Ваконцелос (1882-1959) — решило использовать искусство для пропаганды и призвало художников способствовать созданию нового национального самосознания. Своим творчеством они должны были поддерживать уверенность, оптимизм, веру в будущее Мексики, подчеркивая несправедливость и угнетение бесправных до революции.
Новое правительство поручило группе художников создать грандиозные росписи, доступные всем гражданам. Эти произведения станут демонстрацией величия Мексики, помогут строить демократическое общество, свободное от классовых барьеров и предубеждений. После итальянского Возрождения мексиканский мурализм стал самой масштабной государственной программой настенных росписей, но теперь сюжеты картин были исключительно революционные и крайне левые.
Самым политически активным из трех грандов был Сикейрос (он успел посидеть в тюрьме и участвовал в Гражданской войне в Испании), но все трое были страстными патриотами и убежденными социалистами. Их росписи помогали неграмотным беднякам понять сложные социально-политические идеи. Большая часть росписей находилась в общественных местах Мехико и Гвадалахары, второго по величине города Мексики. В своих гигантских картинах художники выражали гордость за исконное наследие Мексики. Государство поддерживало мурализм, считая его продолжением традиционного искусства Мексики, чудом сохранившегося до XX века. Настенные росписи, к примеру, были в обычае у индейцев майя, а позже расписывались стены испанских барочных соборов.
Хосе Ваконцелос
Кошка, тётка и толстый воин
Первым арт-объектом сквера перед Каскадом стала…Кошка. Огромная бронзовая Кошка колумбийского скульптора Фернандо Ботеро Ангуло не единственное произведение этого мастера в Ереване. В непосредственной близости от кошака лежит грузная курящая бронзовая тётка и стоит пузатый «Римский воин».
«Курящая женщина», Фернандо Ботеро, 1987
«Курящая женщина» (1987) от Фернандо Ботеро, одна из трёх реплик, созданных скульптором. Кстати, в 2012 году Ереван она попала из Копенгагена… Одних дама смущает и раздражает вульгарным, антиэстетическим видом, других забавляет, но никого не оставляет равнодушным. Эти бронзовые фигуры весят больше тонны и являются собственностью основателя Центра искусств господина Джерард Гафесчяна.
Довольный кошак от Фернандо Ботеро
Фернандо Ботеро на экскурсии по Каскаду
Во внешних формах этих бронзовых изваяний сразу угадывается рука Фернандо Ботеро (Fernando Botero) (1932) «самого колумбийского из колумбийских художников». Художник и скульптор, долго работал над поиском творческой индивидуальности.
Он получил образование в Академии Сан-Марко во Флоренции, затем долго экспериментировал со стилем, пока во второй половине 50-х годов не пришёл к крупным формам. Зато сейчас стиль Ботеро узнаваем благодаря гипертрофированным объёмам изваяний от женских образов до натюрмортов. Кстати, один такой «Натюрморт с арбузом» (1976-1977 гг.) можно лицезреть в коллекции Государственного Эрмитажа.
Скульптуры Фернандо Ботеро украшают улицы Парижа, Боготы, Лиссабона и др. Однако творчество мастера многогранно, он работает в технике живописи маслом, пастели, акварели, фрески.
В Италии находится студия и литейная мастерская скульптора Фернандо Ботеро. Колумбийский художник и скульптор славится незаурядным чувством юмора. Известны его живописные пародии на полотна самых известных художников Возрождения.
Художественные пародии на Ван Эйка, Пьеро делла Франческа и …
Вот так, чего только не узнаешь в Ереване на экскурсии по Каскаду.
ТВОРЧЕСТВО
Первая выставка произведений Ороско состоялась в 1915, и с тех пор он создал множество произведений (монументальных росписей, станковых картин и литографий) в Мексике и США. Среди наиболее значительных работ в области монументальной живописи, созданных им в США, – Прометей в Помона-колледже в Клермонте (шт. Калифорния); Борьба человечества (1930–1931) в Новой школе социальных исследований в Нью-Йорке, а также Американская цивилизация (1932–1934) в Дартмут-колледже в Хановере (шт. Нью-Хэмпшир). В Мексике Ороско выполнил росписи во Дворце изящных искусств в Мехико (1934), в университете (1936), в госпитале Каваньяс (1938–1939) в Гвадалахаре, а также в зданиях Верховного суда (1941) в Мехико.
В лаконичной и суровой форме Ороско передает не описание, а квинтэссенцию изображаемых им событий. В центральной части фрески «Окоп» изображены поверженные фигуры трех восставших. Их полуобнаженные тела, с обобщенно написанной мощной мускулатурой, кажется, еще сохраняют напряжение битвы, но их позы говорят о трагедии поражения. Скорбью и чувством почти религиозного благоговения проникнута фреска «Прощание», в которой солдат целует руку недвижно сидящей старухе.
Написанные насыщенными красками, с резкими контрастами света и тени, фрески Ороско передают ощущение драматичности жизни и борьбы, показывают гибель, боль и скорбь простых людей, но в каждой фигуре солдата, рабочего, женщины из народа заключена такая сила, что, несмотря на мрачные сюжеты, фрески не производят пессимистического впечатления. Аллегорией веры в будущее и надежды воспринимается включенная в этот цикл фреска «Материнство».
Серия «Мексика в революции» проникнута пафосом героизма и чувством сострадания, в ее листах уже намечается характерный и в дальнейшем для Ороско драматизм образов; в акварелях, как и в ранних рисунках, большую роль играет экспрессия линии контура и цветового пятна.
«Прометей»— называется одна из сцен в росписи Помона-колледжа в Клермонте. Образ смелого античного героя, укравшего у богов огонь, чтобы принести его людям, и за это навеки прикованного к скале, трактован художником как фигура воина на фронтоне древнегреческого храма. В мощном теле героя заключена огромная сила, но он простирает вверх руки, как бы в безрассудной попытке раздвинуть неколебимый, нависающий над ним каменный свод. Разящая злость сатиры Ороско раскрывается в тех его фресках, где он высмеивает академическую науку. Метафора мертвой рутины догматического знания превращается у него в фантасмагорию: труп рождает скелетики младенцев, которых принимают другие скелеты, одетые в мантии профессоров. Здесь нельзя не вспомнить графику Посады, который часто изображал сцены с «калаверас» — со скелетами — образ, идущий от традиции мексиканского фольклорного юмора.
Как и Ривера, Ороско в некоторых своих работах стремился проиллюстрировать социально-политические идеи демократического движения при помощи многофигурных композиций, что приводило к запутанности фресок, усложненности их восприятия.
Оторванность от родной почвы, от задач народного революционного искусства сказалась на стиле американских фресок Ороско: они стали более неровными, утратили былую пластическую убедительность изображения, в них появляется ощущение какого-то душевного надлома.
Трагические моменты истории мексиканской революции, гнет угнетателей, конфликт между лицемерными вожаками движения и революционным народом — остаются основными темами росписей Ороско. Его желание выражать эмоциональное восприятие истории, свою личную, чисто человеческую позицию уводит его от искусства социального.
Цветовая гамма его росписей становится мрачной, а затем цвет вообще исчезает из его росписей, развертывающихся как черно-белая лента ужасов. В 1947—1948 годах в росписи Национальной школы учителей в Мехико живопись Ороско теряет и изобразительное начало, она наполнена абстрактными формами.
