История красной помады: как ее носили элизабет тейлор, мадонна и елизавета ii

Элизабет Тейлор

В конце 1950-х годов Элизабет Тейлор находилась на пике своей карьеры, имея за спиной кинохиты «Гигант», «Место под солнцем» и «Внезапно, прошлым летом». Тогда красная помада была главным оружием гламура. Алые губы подчеркивали пронзительную сексуальность и безупречную красоту актрисы, а в сочетании с роскошными драгоценностями, меховыми манто и открывающими плечи сатиновыми платьями заявляли всему миру о ее славе, успехе и богатстве. Красный цвет идеально оттенял синие глаза, пушистые черные ресницы, бледную кожу и темные волосы Тейлор. Именно с этим цветом губ она в то время снималась для журналов и играла заглавные роли вроде Мэгги Поллит в картине «Кошка на раскаленной крыше».

Время шло, и мода менялась: когда в 1960-1970-х годах стал популярен макияж нейтральных тонов, Элизабет Тейлор стала реже красить губы красным. Например, в фильме «Очень важные персоны» она предстала c розовыми губами. Несмотря на это, актриса прекрасно осознавала силу красной помады. Ее многочисленные биографы наперебой рассказывают в своих книгах о курьезе, произошедшем в 1983 году во время съемок телевизионного фильма «Между друзьями»

Актрисам массовки велели красить губы незаметной помадой телесного цвета, чтобы не отвлекать внимание от миссис Тейлор. Как только визажист пытался кому-нибудь нанести красную помаду, ему моментально делали выговор: «Никто не красит губы красным, кроме Элизабет»

Фотография Элизабет Тейлор, сделанная в рамках промоушена кинофильмов в 1950-х. На актрисе модная в то время меховая накидка и, конечно же, красная помада. Everett Collection

Часто задаваемые вопросы

• Что можно скачивать и просматривать, используя сервис insta-stories-viewer.com?

  Используя функции сервиса любой пользователь может скачивать и смотреть анонимно Инстаграм истории (сторис), хайлайтс (вечные сториз), стримы (прямые эфиры), публикаций и фото из профиля, который является открытым в Инстаграм (то есть публичным). Весь перечисленный контент можно загрузить на свое устройство, используя специальные элементы интерфейса.

• Для отслеживания чужого профиля требуется ли аккаунт Instagram?

  Нет. Все открытые чужие профили можно просматривать по никнейму пользователя, не имя собственного профиля Instagram. Вам достаточно ввести в поле ввода на главной странице username, а затем нажать кнопку «Поиск». После нажатия Вы сразу попадете на страницу с нужным контентом, если у данного пользователя он есть.

• На каких устройствах можно пользоваться веб-сайтом insta-stories-viewer.com?

  Рассматриваемый сервис доступен во всех современных браузерах с настольного компьютера, ноутбука, планшета и мобильного смартфона (в том числе на современных мобильных операционных системах iPhone, Android). Если на каком-то устрове наш веб-сайт вам не доступен, сообщите нам об этом и мы постараемся исправить это в максимально короткие сроки.

• Можно ли с чужого профиля скачать историю анонимно?

  Если этот профиль в Инстаграме является публичным (то есть открытым, доступным без предварительной подпски на аккаунт), то Вы можете, введя ник пользователя, попасть на страницу профиля, с которой можете загрузить истории, фото, прямые эфиры, публикации и другую доступную информацию. Для скачки Вам необходимо нажать на любой материал и в открывшемся модальном окошке найти соотвествующую кнопку. После нажатия на эту кнопку начнется скачивание даного фото/видео.

• Какова стоимость пользования функциями Insta-Stories-Viewer?

  Все функции сервиса доступны абсолютно бесплатно и без регистрации, то есть нет необходимости создавать учетную запись на нашем сервисе. Поэтому нет необходимости заполнять какие-то данные для получения доступа к предоставляемой информации.

• Как можно использовать скаченные истории / фото / видео из Instagram?

  Все файлы, доступные для скачки, представлены для ознакомления. Права на истории / фото / видео Инстаграм принадлежат их владельцам. Мы настоятельно не рекомендуем использовать и изменять файлы для каких-либо целей. Однако, из этих материалов Вы можете подчерпнуть какую-то идею, просмотрев и проанализировав тот или иной материал, получить вдохновение, а также сформулировать и встроить контент-стртегию для своих будущих постов в соцсети.

• Какие форматы файлов доступны для скачивания?

  Все видео доступны в формате .mp4, а все фото — .jpg, .jpeg. Все загружаемые файлы доступны в максимально возможном качестве, которое может быть получено. Такого качества вполне достаточно, чтобы можно было проанализировать просматриваемый контент. Например, это может послужить вдохновением для вашей идеи или для формирования контент-стратегии по ведению вашего собственного аккаунта.

• Как открыть загруженную историю?

  Для открытия и просмотра загруженной истории можно воспользоваться любым современным видеоплеером, если это видео сторис, или любой программой для просмотра изображений, если это фото сторис. Также Вы можете создать новую вкладку в любом современном браузере и перетащить фото/видео материал на эту вкладку, а браузер автоматически откроет файл в нужном формате. Следует отметить, что на нашем сервисе предусмотрен специальных функционал, позволяющий смотреть истории инстаграм анонимно, нажимая соответствующие элементы интерфейса.

Четыре романа «Клодина в школе»

Заинтересовавшись историями школьной жизни Колетт, Вилли предложил ей написать их. Работа его жены была настолько хороша, что после внесения небольших корректировок он отправил их своему редактору под собственным именем. Так родились четыре романа «Клодина в школе», которые мгновенно стали бестселлерами во Франции. Вся слава была присвоена Вилли, который разбогател благодаря продажам книг.

«Ты знаешь, кто такая Клодина? Она была именно мной до моего брака: дикая деревенская девушка, которая жила в окружении лесов, музыки, капризная, с косами, такими длинными, что они свернулись калачиком, как спящий питон».

Последний брак и старость

После очередного романа на стороне пара развелась. В 1925 году в возрасте 52 лет она вышла замуж за своего третьего и последнего мужа Мориса Гудекета, который был на 16 лет моложе Колетт. Они были вместе в течение следующих 30 лет и лишь ненадолго расстались, когда Париж сдался нацистам в 1941 году во время Второй мировой войны. Морис был арестован за то, что был евреем. Однако 67-летней писательнице благодаря своим связям удалось освободить мужа.

В последние годы она страдала от артрита, но это не было препятствием для Колетт, которая продолжала писать романы и стала великой женщиной парижской богемы. Морис посвятил свою жизнь уходу за Колетт, пока она не умерла в 1954 году в возрасте 81 года.

Культ чистоты

Томас Байрле. Аякс. 1966 год

Еще один немецкий художник — Томас Байрле, не связанный с движением капиталистического реализма — в 1966 году создал конструкцию под назва­нием «Аякс», тоже вступившую в критически ориентированный диалог с рек­ламой. Отсылающая к упаковке одноименного чистящего порошка, эта работа саркастически отразила двойственную одержимость чистотой, которая охва­тила послевоенную Германию: культ чистого дома совпал со стремлением очиститься от нацистского прошлого. Обе эти тенденции в нерасторжимом единстве воплощают бесчисленные хозяйки, заполняющие поверхность «Аякса» Байрле.

микрорубрики
Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Голос дня

Наркомпрос Луначарский оплакивает Розу ЛюксембургМозаика дня

Кентавр из виллы АдрианаХайку дня

Басё о весне

Архив

Дженни Хольцер

Lustmord (1993–1994)

Дженни Хольцер — еще одна известная художница, чей главный медиум — текст. Даже те, кто никогда не слышал о феминистском искусстве, скорее всего, могли видеть работу Хольцер на знаменитой фотографии группы Nirvana. Музыканты стоят на фоне инсталляции художницы в виде надписи Men Don’t Protect You Anymore. Дженни Хольцер исследует в работах тему гендера, сексуальности, власти, иерархий, проблему сексуального и домашнего насилия. Свои минималистичные тексты, острые цитаты и яркие лозунги она превращает в уличные постеры, гигантские билборды, неоновые надписи и проекции.

Художник Фриц Уиллис: картинки утонченного пин-ап стиля

Известные пин-ап художники, такие как Питер Дрибен или Рольф Армстронг, рисуют героинь своих работ в немного преувеличенном стиле. Вкладывая в картины, в том числе и свое воображение. От этого фигуративные женские образы большинства мастеров этого жанра получаются преувеличенными и идеализированными.

«Девушка в белой шляпе» 1965

Совсем по другому рисовал свои картины художник Фриц Уиллис (Fritz Willis). Девушки в работах художника имеют утонченный вид и напоминают классические произведения фигуративных художников XX-XXI века. Основным узнаваемым стилем Уиллиса является акцент на бюсте героинь его пин-ап картин. Художник писал маслом на холсте, придавая образом своих моделей натуральный внешний вид.

Американский художник Фриц Уиллис, родился в 1907 году, в штате Оклахома. В начале 1940-х годов, Уиллис являлся художником-постановщиком «Warner Brothers». Он также специализировался на создании рекламным постеров таких компаний как; «Max Factor», «Sunkist» и «Pepsi Cola». После контракта с журналом «Esquire» в 1946 году, художник принял участие в пилотном проекте «The Esquire Gallery of Glamour & The magazine» этого издания. Для художника публикация в таком именитом журнале, являлась фиксированной точкой начала карьеры, как творческого человека в этом жанре живописи.

Guerrilla Girls

«Должны ли женщины быть голыми, чтобы попасть в Музей Метрополитен?»/Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum? (1989)

Анонимный арт-коллектив Guеrrilla Girls, состоящий из фем- и арт-активисток, прячущих свои лица под масками горилл, начали раскачивать лодку нью-йоркского мира современного искусства еще в 1985 году. Целью коллектива была борьба с сексизмом, расизмом и другими видами дискриминации в арт-среде. К началу 1990-х под остроумную медиаатаку и жесткую критику Guerrillа Girls боялся попасть практически весь патриархальный американский истеблишмент, связанный с современным искусством. Коллектив устраивал интервенции, расклеивал листовки и гигантские рекламные баннеры с критикой в адрес уважаемых культурных и художественных институций за их дискриминационную политику. 

Колетт

В последующие годы пара наслаждалась диким гедонистическим образом жизни, финансируемым доходом от успешной серии книг. Колетт не особенно любила писать, и она легко теряла концентрацию, поэтому не раз муж запирал ее в комнате на несколько часов, не давая ей уйти, пока она не напишет для него несколько страниц.

Актуально и прибыльно: стоит ли начинать бизнес по разведению породистых кошек

Дешево, просто: стоит ли открывать смузи-бар (особенности бизнеса)

Просто, окупаемо: продажи чая на развес как бизнес (стоит ли начинать дело)

Письмо было не единственным занятием, которое поощрял ее муж. Поскольку их известность увеличилась в парижских салонах, они также начали иметь внебрачные связи. Вилли был рад добавить остроты их интимной жизни, вступая в близость с другими женщинами. Эти отношения стали вдохновением для четвертого романа «Клодина в школе».

Clarins Joli Rouge

Стоимость: от 1700 рублей.

Clarins Joli Rouge – чарующая губная помада для создания чувственного и неотразимого образа. Создатели решили порадовать всех свои поклонниц и разработали четыре разновидности эффекта на губах: Joli Rouge Lacquer – лаковое покрытие, Joli Rouge Velvet – матовый финиш, Joli Rouge Brillant – завораживающее сияние, Joli Rouge – атласный результат.

Мягкая и нежная текстура гарантирует легкое нанесение и удобное распределение по всей поверхности. Состав из органических экстрактов манго и солероса сделает ваши губы увлажненным и ухоженными. Насыщенные глубокие расцветки сделают ваши губы соблазнительными и объемными. В палитре 25 оттенков, из них для любительниц красного стоит выделить: теплый 741, яркий 742 и винный 743.

Роскошный футляр приятно брать в руки и просто можно достать в любой момент. Хотя такие моменты будут наступать не часто, ведь производители гарантируют стойкость до 6 часов. Помада не растекается, легка в использовании и шикарно смотрится в течение дня – в общем, отличный выбор для праздников и обычной жизни.

Преимущества:

• Привлекательные оттенки красного;
• Увлажняет, питает и заботится о коже губ;
• Ягодный аромат;
• Нежная текстура;
• Легко наносить и смывать.

Недостатки:

• Стойкость менее 6 часов, как заявляет производитель;
• Относительно высокая цена.

«129 погибших в самолете!»

Третьего июня 1962 года авиалайнер Boeing 007 компании Air France упал и разбился во время взлета в парижском аэропорту Орли. Все пассажиры, за исключением двух, и члены экипажа погибли. Эта крупнейшая на тот момент авиакатастрофа вызвала переполох в прессе всего мира, и прежде всего в США, так как в числе разбившихся пассажиров оказалось немало представителей художественной элиты Атланты, приехавших в Европу на месяц для осмотра памятников искусства.

129 погибших в самолете! Энди Уорхол. 1962 год

Энди Уорхол воспроизвел первую полосу одной из газет, сообщавших о случившемся, в картине «129 погибших в самолете!» (1962). Черно-белая, как и ее источник — дешевое ежедневное издание, — эта картина решена намеренно нейтрально; лишенная всякого эмоционального комментария, она представляет новость как факт и ничего больше. Говоря о ее создании, Уорхол отметил, что заинтересовался именно такой новостью из-за постоянного присутствия смерти в прессе:

«Думаю, все началось с большой фотографии авиакатастрофы, вернее, с первой полосы газеты, где о ней сообщалось: “129 погибших”. Тогда же я писал своих Мэрилин и вдруг понял: все, что я делаю, связано со Смертью. Было Рождество или День труда — в общем, праздник, — но, стоило включить радио, как оттуда доносилось что-то вроде: «Четыре миллиона погибают». Это стало для меня толчком. Но когда видишь жуткую картину снова и снова, она уже не оказывает никакого действия».

Указание на смерть и на отупляющее воздействие повторяющихся изображений на зрителя действительно роднит эту работу Уорхола с его портретами Мэрилин Монро.

Мадонна

Свой первый альбом Мадонна выпустила в 1983 году. И уже тогда можно было сказать, что ее музыка неразрывно связана с ее образом, будто они выступают в тандеме. Несмотря на то, что имидж певицы менялся в разные периоды ее творчества, он всегда оставался экстраординарным и чувственным. Наряду с черными кожаными браслетами времен хита Holiday и ремнем с надписью Boy Toy из клипа Like a Virgin Мадонна часто использовала в своем арсенале красную матовую помаду. Певица активно боролась за творческие и сексуальные свободы, и красные губы ей в этом помогали: они не просто органично смотрелись, но и стали символом сексуальности, гламура, дерзости и бунтарства.

Бунт по-восточноевропейски

«Царит приторное счастье. Никто не хочет дурачиться, все серьезны, сумрачны, мертвы. Жизнь куда-то исчезла…» Эта выдержка из манифеста польских художников Ежи Рышарда (Юри) Зелинского и Яна Добковского (Добсона) «Нео-нео-нео» хорошо отражает подрывной характер их творчества. Зелинский, один из немногих восточноевропейских художников, проявивших интерес к поп-арту в период его активности, выказал немалую смелость, противопоставив поп-эстетику насаждавшемуся из СССР социалистическому реализму.

Без бунта. Ежи Рышард «Юри» Зелински. 1970 год. Зелинский подражал в своих картинах упрощенной плоскостной эстетике восточноевропейского плаката.

Вызвавшая широкий резонанс картина Зелинского «Без бунта» (1970), вопреки своему ироничному названию, ярко демонстрирует бунтарский характер искусства и жизни художника. Он изобразил сверхкрупным планом часть лица с закрытыми глазами и высунутым языком, который свисает за пределы холста. При ближайшем рассмотрении этот «портрет» четко выражает взгляды Зелинского на свободу и бунт. Глаза имеют форму двух орлов на фоне закатного солнца (таков символ основания Польши, который лег в основу герба страны). Проступающая в солнцах зелень выявляет негативный подтекст картины, как и гвоздь, которым прибит к полу ярко-красный язык, сделанный из подушки. Эта ясно читающаяся метафора выражает острый политический посыл работы Зелинского, который выступил с открытым художественным обвинением в адрес социалистической Польши. Если большинство произведений, рассмотренных в этой главе, являются лишь репликами по поводу политических событий, то картина «Без бунта» является примером политического орудия, призывающего к реальному действию.

«Персидский поэт»

Тенденция к пересмотру и переработке исторического наследия заявила о себе в 1960-х годах во всем мире. Потребность по-новому взглянуть на шедевры и памятники, авторитет которых стал казаться многим обременительным и не вполне обоснованным, чувствовалась всюду. Художники черпали в творениях прошлого материал для переработки и вместе с тем искали новый язык, способный их оживить.

Ярким примером стремления навести мосты между художественным наследием и современным творчеством является ассамбляж иранского скульптора Парвиза Танаволи «Поэт и возлюбленная царя» (1964–1966). Это яркая полихромная скульптура, собранная из найденных объектов и снабженная механизмом, который периодически приводил некоторые ее части в движение с помощью электропитания. Объединив классическую персидскую тематику с бросовым материалом — металлическими решетками и кустарной мебельной фурнитурой с иранских базаров, — Танаволи смело пошел наперекор страху идолопоклонства, который на протяжении веков сдерживал местную художественную традицию. После обучения в Париже и Милане он вернулся в Тегеран с багажом превосходного знания европейского модернизма и с намерением придать новый импульс иранскому искусству, уставшему от религиозного запрета на изображение.

Поэт и возлюбленная царя. Парвиз Танаволи. 1964-1966 годы. / Edward and Maryam Eisler (2012). Танаволи создал множество необычных интерпретаций традиционных тем персидской поэзии — например, несчастной любви — в скульптуре, шелкографических картинах, коврах и других техниках.

Вместе с группой единомышленников Танаволи основал движение «Саккахана», за пределами Ирана известное также как «духовный поп-арт». Художники «Саккаханы» свободно комбинировали традиционные мотивы с современными образами

Танаволи часто обращался к любовной истории, занимающей важное место в поэме классика персидской поэзии Низами «Хосров и Ширин» (1175–1191): согласно этой истории, ваятель Фархад должен был прорубить ущелье в горах, чтобы добиться руки армянской принцессы Ширин, которую он безумно любил. Трагическое самоубийство Фархада не позволило влюбленным быть вместе

Танаволи, никогда не пытавшийся представить какой-либо эпизод этой легенды буквально, создал множество ее интерпретаций, в которых невыполнимая задача Фархада оказывается метафорой исторической судьбы Ирана, с трудом ищущего выход из вековой изоляции к современным формам.

Джуди Чикаго

«Званый ужин»/The Dinner Party (1974–1979) и «Красный флаг»/Red Flag (1971)

Одно из самых известных произведений феминистского искусства, инсталляция Джуди Чикаго «Званый ужин» — это треугольный банкетный стол, подготовленный для воображаемой торжественной встречи выдающихся женщин, живших в разные исторические эпохи. Стол сервирован на 39 персон, с каждой стороны стола расположено по 13 мест (отсылка к «Тайной вечери»), каждое место подписано именем одной из знаменитых художниц, писательниц, богинь, правительниц и поэтесс. 

Этой инсталляцией Джуди Чикаго отдает дань уважения и почести своим предшественницам и современницам, подчеркивая, как непростительно мало внимания уделяется в обществе женским достижениям, а некоторые имена намеренно стираются из истории. Все места за столом оформлены по-разному, символически отсылая к деятельности той или иной персоны, а каждое из блюд на тарелке по форме напоминает вульву — одну из самых табуированных частей женского тела.

«Монахиня-модернистка»

Для многих стало сюрпризом участие в движении поп-арта монахини Сестры Кориты. Представленная публике в 1967 году популярным журналом Newsweek как «монахиня-модернистка», пламенная католичка Корита Кент, еще будучи подростком, вступила в орден Непорочного Зачатия. Затем, получив магистерскую степень по истории искусства в Университете Южной Калифорнии, она стала художником и занялась экспериментальным творчеством на пересечении живописи, фотографии и графического дизайна. Шелкографии Сестры Кориты принесли известность ей самой и художественному отделу ее ордена, в котором она занималась преподаванием.

Новости недели. Сестра Корита Кент. 1969 год. Сестра Корита черпала материал для своих работ из ведущих периодических изданий — журналов Newsweek, Life, Time и др. Католичка по убеждениям, по характеру и энергии она была образцовой политической активисткой.

Под влиянием бурной гражданской активности 1960-х годов — движений за права афроамериканцев и женщин, антивоенных протестов и т. д. — Сестра Корита решила выразить волновавшие ее чувства в актуальной и доходчивой форме. Комбинируя готовые образы из массмедиа со своими собственными высказываниями, облеченными в броскую психоделическую типографику, она создала множество работ, которые, благодаря легкости тиражирования, широко распространялись в недорогих копиях на общественных мероприятиях и благотворительных ярмарках. Впечатленная наводнившей страну инфографикой и рекламой, Корита активно использовала в своем творчестве слоганы крупных компаний, в том числе Pepsi и Coca-Cola. Она заявляла:

«Язык знаков бесконечно богат. Наши автострады (сами по себе мощные символы) полнятся фразами вроде «Холодная, прозрачная, желанная вода», «Самое лучшее для вас каждое утро», «Удачного дня!», «Кетчуп Del Monte заставляет фрикадельки петь» и т. п., которые воспринимаются почти как современные псалмы. Их разнообразие бесконечно, и они становятся неплохим символом вечности — нашей бесконечной игры».

Стыкуя священное с обыденным, Корита перекидывала мост между религиозными догматами и рекламой. Один из авторов газеты New York Times тонко подметил: «Сестра Корита сделала для хлеба и вина то же, что Энди Уорхол сделал для томатного супа»

В политически ориентированной работе Новость недели (1969) флуоресцентные цветовые заливки приковывают внимание к фотографиям эпизодов Вьетнамской войны из журналов Newsweek и Life. Вскоре просветительская и обличительная энергия Сестры Кориты показалась ордену Непорочного Зачатия слишком радикальной, и в 1969 году кардинал Джон Макинтайр обвинил ее в «герилье с кистью в руках»

Художник Арт Фрам: курьезный стиль пин-ап

Работы художника пин-ап Арта Фрама (Art Frahm), даже в современном мире могут вызвать недоумение и осуждение. Но публика начала 20-го века, воспринимала картины художника не в эротическом, а в комическом контексте. Основной изюминкой работ мастера были девушки, которые неожиданно попадали в курьезную ситуацию в общественных местах, обнаруживая, что самая пикантная деталь их гардероба, находится не на том месте.

«O-Oh» 1950

Художник Арт Фрам не основывал смешные сюжеты своих работ на чистом воображении. Во времена, когда жил мастер пин-апа, женское нижнее белье существенно отличалось от современных вариантов. В том числе и по удобству и способу закрепления на фигуре. Поэтому такие случаи, с падением интимной части гардероба, были повсеместны в то время и создавали настоящую проблему для прекрасного пола.

«In Need Of Help» 1955

Художник Арт Фрам является уроженцем промышленного города Чикаго и родился в 1907 году. Нужно отметить, что Фрам это не просто художник пин-ап жанра. Он является мастером комиксов, в том числе и в стиле «хобо». И разумеется картины пин-ап у этого живописца, выполнены также в комическом и юмористическом стиле. Наряду с другим известным художником пикантного жанра, Джилом Элвгреном, Арт Фрам является основоположником комического пин-ап, как отдельного направления в этом стиле художественного искусства.

«Going Down» 1956

«Number Please» 1957

Жизнь с поп-культурой

1 / 2

На выставке Герхарда Рихтера и Конрада Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капиталистического реализма». 1963 годeiskellerberg.tv

2 / 2

К. П. Бремер. «Девушка 25. Чувство между пальцами…». 1968 год K. P. Brehmer / Walker Art Center

Самопровозглашенными лидерами немецкого поп-арта стали в начале 1960-х годов Герхард Рихтер, Конрад Люг и Зигмар Польке. «Поп-арт не является американским изобретением, — заявляли они. — Мы не должны видеть в нем импортный товар. <…> Это искусство способно дать в нашей стране органичные и самостоятельные всходы». Подобно многим художникам, работавшим в поп-стилистике за пределами Америки, Рихтер, Люг и Польке стремились утвер­дить свою независимость от властных заокеанских авторитетов. И все же выставка Рихтера и Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капита­листического реализма» (1963) имела много общего с «Магазином» Олден­бурга.

Расположившись на территории мебельного магазина в Дюссельдорфе, художники концептуально переосмыслили его пространство и устроили в нем свои пародийные гостиные и спальни. В центре экспозиции сами Рихтер и Люг, одетые в безупречные костюмы, сидели, соответственно, на диване и в кресле, а эти предметы мебели были установлены на белых пьедесталах, как подобает скульптурам. Перед этими живыми статуями стоял телевизор, по которому шли новости об отставке канцлера ФРГ Конрада Аденауэра. На «экономическое чудо», свершившееся в Германии при Аденауэре, и направлялась критика Рихтера и Люга. Подрыв потребительских норм, приличествующих мебель­ному магазину, привел к принудительному закрытию выставки через два часа после ее начала, и тем не менее она ознаменовала зарождение «капиталисти­ческого реализма» — немецкого варианта поп-арта, занявшего четкую позицию в отношении общества, экономики и политики.

Куратор и дилер Рене Блок, взявшийся за продвижение нового направления, в 1964 году открыл в Западном Берлине свою галерею и наряду с проведением выставок начал выпуск эстампов представляемых им художников. Один из них, дипломированный гравер и графический дизайнер К. П. Бремер, направил свой опыт на сатирическое обыгрывание стратегий рекламы, примером которого служит его работа «Девушка 25. Чувство между пальцами…», включенная в изданное галереей Рене Блока портфолио «Графика капиталистического реализма» (1968). В верхней части листа девушка в чувственной позе курит сигару, имеющую откровенно фаллический подтекст, а внизу к бумаге прикле­ены четыре пакетика с семенами цветов и овощей

Неестественные цвета, в которые окрашена фотография девушки, обращают внимание на то, насколь­ко обманчив привлекательный вид лука, моркови, огурцов и хризантем, изображенных на пакетиках: они слишком яркие, чтобы быть реальными, и их истинная функция — обещание чудес на домашней грядке. Как и многие другие представители поп-арта, Бремер указал на стремительно растущую власть рекламы — одну из определяющих тенденций 1960-х годов

Возврат в творчеству писателя и второй брак

В 1910 году Колетт опубликовала свою первую книгу под собственным именем La Vagabunda, рассказ о разведенной женщине, которая стала актрисой. Это был первый из ее романов, за который она полностью несла личную ответственность. Он был воспринят критиками негативно.

В 1912 году она вышла замуж за своего второго мужа, Генри де Жувенеля, редактора французской газеты Le Matin. Колетт снова начала писать серьезно. Год за годом она выпускала романы, в основном красочные автобиографии, в которых едва ли произошли какие-либо изменения в ее личной жизни. В 40 лет она забеременела своей первой и единственной дочерью Колетт де Жувенель. Во время Первой мировой войны Колетт начала работать журналистом.

Сказочный период La Belle Époque («Прекрасное время») в Париже был сценой для многих романов Колетт в 20-х и 30-х годах. В это время писательница, наконец, достигла успеха и получала похвалы за свою работу. Большая часть ее трудов была основана на собственном опыте, любовных отношениях как с мужчинами, так и с женщинами. В 1920 году Чери опубликовала историю о любви между стареющей женщиной и, что интересно, очень молодым мужчиной. Одна из ее самых популярных книг «Джиджи» стала бродвейским мюзиклом.

История возникновения

Придумал термин британский критик Лоуренс Эллоуэй в 1956 году. Спустя десятилетие он рассказал всем, что не вкладывал в это понятие столько идейного смысла, который оно приобрело и стало выражать позднее. “Я только использовал это слово вместе с понятием «поп-культура» для описания продуктов массового потребления, а не в качестве названий произведений искусства,” – оправдывался критик. Но, так или иначе, понятие к концу 50-х стремительно вошло в обиход, несмотря на шквал критики противников стиля.

Появление поп-арта, нового направления в искусстве живописи, было вызвано реакцией на абстракционизм, занимавший в середине XX века прочные позиции. Художники, примкнувшие к этому направлению, используют в своих работах образы продуктов массового потребления. Они смешивают и сочетают предметы обихода, фотографии, репродукции, обрывки печатных изданий.

Примечательно, что практически во всех произведениях сквозит лёгкая ирония и даже насмешка над тем, что народ считает идеалом художественной красоты.

Первые работы в данном стиле были выставлены тремя художниками: Ричардом Смитом, Джо Тилсоном и Питером Блэком. Однако истинными творениями, ставшими иконой поп-арта, считается коллаж англичанина Ричарда Хамилтона, написанный в 1956 году.

В 60-е годы поп-арт достигает расцвета в США. В этом красочном стиле создают свои произведения знаменитые американские авторы:

• Роберт Раушенберг – яркие коллажи;
• Рой Лихтенштейн – картинки комиксов огромных размеров;
• Клас Ольденбург – гигантские пирожные из гипса.

Огромную популярность завоёвывает художник и фотограф Энди Уорхол. С помощью трафаретной печати и ярких, кислотных красок он создает потрясающие портреты мировых звёзд: Мэрилин Монро, Майкла Джексона, Элвиса Пресли.

Художники изобразили мир красоты банального, в их творениях прослеживается гордость за американских производителей, создающих дешёвые, доступные и качественные товары. Искусство американских приверженцев поп-арта – это своеобразный памятник социальному равенству и товарам широкого потребления. Вместе с тем перенятый образ массовой культуры всегда помещался в иной контекст, изменял материал, масштаб, раскрывал технический метод или прием. При этом получалось, что изначальный образ иронически перетолковывался и преобразовывался.

Мерилин Монро в стиле поп-арт

Поп-арт в изобразительном искусстве передавало вкус и настроение того времени. Молодость, мечтательность, мимолётность и лёгкая наивность в картинах этого стиля считается отражением самой настоящей американской мечты.

Идеи американского поп-арта из живописи быстро перекочевали в искусство дизайна интерьера и одежды. Зачем украшать своё жилище дорогими антикварными вещами или дорогостоящей картиной, если можно выставить на столе консервную банку, а на стену повесить большой, яркий коллаж из старых газет? Примерно так определяется концепция поп-арта, который предпочитают экстравагантные личности, бросающие вызов обществу.

Американский город Сиэтл в конце 1980-х годов стал родиной стиля гранж в инерьере, в музыке и одежде. Этим термином стали обозначать всё неприятное, неопрятное, отталкивающее.

Великие женщины художницы, покорившие мир своим талантом

В живописи, как и в других видах искусства, традиционно главенствуют представители сильного пола. Казалось бы, тонкая и чувствительная женская натура больше предрасположена к восприятию прекрасного. Однако следует признать: в музыке, литературе, живописи именно мужские имена вписаны в историю самыми крупными буквами, а женские – скорее исключение из правил.

И все же таких прекрасных исключений довольно много. Достаточно вспомнить придворную художницу австрийской королевы Катарину ван Хемессен или эксцентричную Фриду Кало, промелькнувшую яркой кометой в середине прошлого века. Эти незаурядные и одновременно великие женщины художницы покорили мир своим характером и безусловным талантом. Вспомним несколько достойных женских имен, вполне равнозначных мужским именам в области живописи.