«Девушка с жемчужной сережкой», 1665
«Девушка с жемчужной сережкой», Ян Вермеер, 1665
Художник
ЯнВермеер родился ипрожил всю жизнь вНидерландах. Онпринадлежит кпредставителям золотого века голландской живописи истоит наравне сРембрандтом. Ожизни художника известно мало, ясно лишь то, что унего была хорошая школа живописи: в21 год его приняли вгильдию Святого Луки, что было невозможно без шести лет серьезного обучения упризнанного живописца. Позднее Вермеер дважды занимал должность руководителя гильдии.
Художник достиг успеха еще при жизни, обладал авторитетом ипродавал свои картины засолидные суммы. Писал портретист неболее двух работ вгод. Наданный момент известно о34 подлинниках.
История
История картины Девушка сжемчужной сережкой окутана тайной. Дата написания указана предположительно, так как сам Вермеер еенепоставил. Исследователи досих пор незнают, кто изображен накартине: поодной изтеорий ЯнВармеер изобразил свою дочь Марию, которой было тогда около 12 лет. Впользу этой теории говорит удивительно прямой исмелый взгляд девушки, словно они схудожником близко знакомы.
Подругой версии девушка напортрете— неконкретный человек, асвободное творчество художника, или трони— анонимный портрет-фантазия. Эту теорию подтверждают описи имущества после смерти Вермеера, где указаны два трони втурецком стиле— речь вполне может идти озамысловатом тюрбане наголове девушки.
Стиль
Картина Девушка сжемчужной сережкой относится к барокко. Обэтом говорит сочность, насыщенность цветов и контрастность, придающая портрету выпуклость. Художник мастерски изобразил свет накоже,подчеркнув его контрастно-темным фоном. Естественно выглядятблики вглазах инагубах девушки, которая смотрит словно куда-то заспину зрителю.
Интересные факты
- Художники втот период недавали названий своим полотнам— их придумывали служащие, составлявшие описи имущества. Картина называлась Девушка втюрбане иЛицо девушки, итолько перед выставкой вВашингтоне в 1995 сотрудники музея Маурицхёйс придумали современные вариант.
- Серьезная дискуссия развернулась осамой сережке, аименно оеежемчужности. Многие исследователи обратили снимание наслишком большой размер камня, атакже наяркий блик в его нижнейчасти. Сейчас ученые склоняются ктому, что украшение было неизжемчуга, аизстекла, покрытого матовым слоем. Крупный жемчуг был редкостью ипозволить его могли только богатые, поэтому изВенеции поставляли бижутерию.
Особенности проявления таланта
Его искусство пестрит своим национальным своеобразием. Он был верен своему народу от начала и до конца. Это было больше чем признание, гордость или верность за свой народ, за свою Землю. В 1957 году в городском парке Уфы состоялась первая выставка его работ. Самые пронзительные взгляды уже тогда знали, что он займет почетное место в списке «Выдающихся людей республики». Народ, СМИ радужно восприняли инициативу проведения данного мероприятия. Даже в самых первых, незамысловатых работах прослеживается лучшее, что представляет собой народ Башкирии.
В 1968 году он написал одну из лучших работ — «Золотую осень». Это был портрет с полетом мысли, изображающий пожилую пару, поглощенной своими мыслями. В 1969 году не менее популярной стала картина «Три женщины». Здесь есть чистота народного характера, не только внешняя, но и нравственная красота. Пейзажный вид в «Последнем старом доме в ауле» построен на контрастах, что было менее свойственно его ранним работам.
Смысл произведения
Смыслом произведения можно смело назвать восхищение автора красотой и любовью. Именно в данном сонете, Александр Сергеевич показывает ту огромную роль, которую играла любовь в его жизни. Он восхищается прекрасным – своей возлюбленной, которую в своем стихотворении он поднимает в прямом смысле лова до небес. Он преклоняется перед её красотой и непорочностью.
Данное стихотворение не беспочвенно можно назвать одним из лучших в любовной лирике Пушкина. Он раскрыл тему семейных ценностей, которые были важны именно для него. Так же, он подчеркнул всю ту ценность женской чистоты и непорочности, которой обладала его избранница.
Стихотворение «Мадонна» несет отдельную актуальность именно для нашего времени, кода представители прекрасного пола поглощены непонятной гонкой за модными тенденциями. Это произведение напоминает им, да и представителям сильного пола в том числе, что вершиной красоты, чистоты и непорочности всегда будет Мадонна. И это именно тот образ, с которого стоит брать пример и стараться ему соответствовать. Мода очень переменчива, а вечные ценности будут актуальны всегда.
Александру Сергеевичу Пушкину удалость показать цену той красоты, которая никогда не потеряет своей актуальности, в полной мере. Так же, автор доносит до нас то, что всегда необходимо продолжать верить в свою мечту. Ведь рано или поздно она обязательно сбудется!
Лирический герой
Лирический герой стихотворения тождествен автору. Поэт говорит о любовании картиной великого художника от первого лица.
В его благоговении перед Мадонной соединяются религиозный трепет, поэтический восторг и человеческое умиление. Нет ничего прекраснее, чем молодая женщина с ребёнком, а если это сама Мадонна, держащая Спасителя, каждый, кому выпала честь созерцать изображение, преклонит перед ними колена.
«Исполнились мои желания», — признаётся лирический герой. Его самые немыслимые грёзы воплотились в жизнь: отныне в его «обители» будет сиять живая «Мадонна», «чистейшей прелести чистейший образец».
«Брошенная кукла»
Французская художница Сюзанна Валадон творила в начале XX века. Она известна как автор множества замечательных картин, в основном воспевающих красоту женского тела в самых рядовых жизненных ситуациях. Несмотря на обилие обнаженных тел на полотнах художницы, лишь одно из творений Валадон вызывает у моралистов серьезные споры.
Картина «Брошенная кукла» в наши дни могла бы принести автору серьезные проблемы с педофилоборцами, но Валадон посчастливилось умереть в 1938 году, благодаря чему мы можем считать ее творение классикой. На картине изображена обнаженной совсем юная особа с начавшей формироваться грудью и детской прической с бантом.
История не сохранила для потомков описание этого полотна, но принято считать, что на нем изображено прощание с детством. Женщина с полотенцем, скорее всего, содержательница борделя, а ребенка готовят к встрече с первым в жизни клиентом. Название картине дала валяющаяся на полу кукла, очевидно, символизирующая сломанную судьбу. Впрочем, есть добряки, которые утверждают, что изображена мать, вытирающая дочь-подростка после купания.
Анализ стихотворения №4
Стихотворение «Мадонна» написано Пушкиным в 1830 году и посвящено его жене Наталье Гончаровой. 30 июня того же года он посылает письмо своей возлюбленной, где описывает картину Пьетро Перуджио. «. часами простаиваю перед белокурой Мадонной,похожей на вас как две капли воды»;
Стихотворение относится к любовной лирике Пушкина. Написано оно в форме сонета. Этим стихотворением Пушкин хотел выразить восхищение этой картиной: В первой части стихотворения он пишет, что свою «обитель» он не хотел бы украшать даже самыми прикрасными творениями «старинных мастеров», далее он рассказывает, что ему приятней видеть одну-единственную картину- Мадонну. Для Пушкина она является воплощением прикрасного, божественного.
Лирическое произведение написано ямбом с перекрестной рифмой.
Портрет Софьи Крамской
По мнению некоторых искусствоведов, картина — собирательный образ. Через неё Иван Крамской хотел передать недостатки особ высшего света. Высокомерный взгляд девушки и её поза демонстрировали облик светских львиц. У неизвестной не было конкретного прототипа, но рисовали картину с натуры.
Лицо темноволосой красавицы Крамской срисовал со своей дочери. Картина «Девушка с кошкой», на которой изображена Софья Крамская, чем-то напоминает «Неизвестную». Однако не все согласны с этой теорией. Другая часть искусствоведов делится надвое. Одни считают, что неизвестная дама — фаворитка императора. Другие, что она — жена дворянина. И в первом, и во втором случае судьбы девушек закончились трагически. Возможно, именно поэтому картина приносит несчастье?
Грузинское проклятие картины и незнакомки
Вторая женская история ещё печальнее. В конце XIX века к Крамскому случайно попал медальон. Открыв его, он увидел темноволосую грузинку. К тому моменту восточной красавицы уже не было в живых. Но художнику удалось выяснить подлинную историю жизни неизвестной.
Мария Федоровна, вдова Павла I, выписала себе из Грузии фрейлину с нежной внешностью. Варвара Туркестанова хорошо прижилась во дворе. Милое лицо с прямыми чертами и острый ум выделяли её среди других фрейлин. Варвара стремилась укрепить своё положение в обществе, поэтому начала оказывать знаки внимания Александру I. Император не устоял перед чарами восточной красавицы.
В этот же момент на Варвару обратил внимание князь Владимир Голицын. Движимый духом состязания, он втянул девушку в любовный треугольник
Вскоре Варвара забеременела. Точно определить отцовство было невозможно. Девушка молила о выкидыше. Ребёнок родился здоровым, но император не проявил к нему интереса. Очень скоро ему надоела и молодая наложница. Варвара своего падения вынести не смогла. Девушка покончила с собой. Узнав её историю, Крамской вдохновился отчаянным положением фаворитки. В качестве «модели» он использовал изображение из медальона.
- Откуда пошло выражение «танцы на костях»
- Судьба старых дев: что сулила встреча с вековухой
- Огромный Лувр
- Мундирное платье — символ сильной женщины
- Как Nirvana шла к успеху: 10 ранее не публиковавшихся фото
О мастере
Василий Григорьевич Перов был одним из самых ярких представителей московской живописной школы. Многие молодые художники стремились ориентироваться на принципы работы и стиль Перова. У живописца даже было забавное прозвище “Папа Московский”, что указывало на значимость Василия Григорьевича для русских художников – она была не менее, чем влияние Папы Римского на католический мир.
В середине XIX века основу сюжетов работ Перова составляли социальные аспекты и проблемы, которые художник стремился понять. Он чутко относился к судьбам простых людей, старался реалистично показать их жизнь и невзгоды, с которыми нередко приходится бороться. Некий надрыв чувствуется во многих картинах Перова, таких как «Тройка», «Проводы покойника» и др.
Василий Григорьевич Перов «Автопортрет», 1870Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия
Описание фигур
Оба персонажа картины Яна ван Эйка («Портрет четы Арнольфини») одеты в праздничные наряды. У туалета женщины виден аккуратно расправленный длинный шлейф, что означает ее принадлежность к богатому бюргерству. У нее округлый живот. По мнению специалистов, он, как и ее осанка в виде так называемой готической кривой, скорее всего, является не признаком беременности, а данью моде, таким образом подчеркивавшей главное достоинство дамы — плодовитость.
На мужчине надета цилиндрическая шляпа с широкой тульей, хук из бархата винно-красного цвета, подбитый мехом, и нижняя одежда из дорогой черной материи. Несмотря на богатый наряд, очевидно, что мужчина не является аристократом. Об этом свидетельствуют его деревянные башмаки, которые носили те, кто ходил пешком, тогда как представители благородного сословия ездили верхом или передвигались на носилках.
«Неосторожность Кандавла»
Картина Уильяма Этти, носящая скромное нейтральное название, «Неосторожность Кандавла», изображает совершенно неприличную историю из Истории» Геродота. Полное название этого полотна, написанного в 1830 году, раскрывает всю неоднозначность изображенной на ней сцены: «Кандавл, царь Лидии, украдкой показывает свою жену Гигу одному из своих слуг, когда она ложится в кровать»
Сложно сказать, почему «отец истории» решил описать эту полупорнографическую историю в своем труде, но благодаря ей мы получили трудно выговариваемый даже опытными сексопатологами термин кандаулезизм. Суть этой сексуальной девиации заключается в потребности демонстрировать своего обнаженного партнера посторонним людям.
Именно такой момент изображен Этти на картине. Царь Кандавл решил тайком показать свою супругу Нису телохранителю Гигу, но его замысел был раскрыт женщиной. Ниса потребовала у Гига, чтобы тот убил или ее, или мужа-извращенца, после чего Кандавла цинично зарезали прямо в его спальне.
Тайна прекрасной дамы
Если с мужчиной, которого изобразил ван Эйк («Портрет четы Арнольфини»), все ясно, то личность дамы находится под вопросом.
Некоторые искусствоведы считают полотно документальным свидетельством бракосочетания купца. Тогда дама должна быть его женой. Известно, что в 1426 году Арнольфини женился на 13-летней Констанце Трента. Однако в 1433 году она умерла, т. е. на момент написания картины ее не было в живых. Тогда либо на картине ее изобразили посмертно, либо это вторая жена Арнольфини, о которой не сохранилось никаких документальных свидетельств.
Существует также мнение, что дама на портрете — это Маргарита ван Эйк, а мужчина — сам художник. Косвенным свидетельством этой гипотезы считается наличие на полотне изображения статуэтки святой Маргариты, которая находится рядом с лицом дамы. В то же время есть и другая версия. Согласно ей, Маргарита была покровительницей рожениц, и ее изображение рядом с альковом означает пожелание скорого прибавления в семействе.
Жанр, направление, размер
Жанр стихотворения «Мадонна» – сонет. Оно состоит из двух катренов (четверостиший) и двух терцетов (строф в три строки). Этой поэтической форме присущ такой признак, как строгость в соблюдении числа строк: их обязательно должно быть четырнадцать. Кроме того, важная черта сонета – это музыкальность, которая создаётся за счёт рифмы.
Направление произведения «Мадонна» – лирическое стихотворение. В нём присутствуют личные чувства поэта, а точнее счастье, которое он испытывал от того, что любимая согласилась выйти за него замуж. Стихотворение выражает восхищение чистотой и непорочностью Мадонны, а также любовь к девушке, которая ему небезразлична.
Размер стихотворения Пушкина – шестистопный ямб. Рифмовка произведения кольцевая, перекрёстная и парная. Посредством чередования женской и мужской рифмы в произведении достигается эффект музыкальности и плавности.
Система образов
Образный ряд стихотворения выстраивается постепенно: от строчки к строчке.
Образы святых, изображённых на полотне, приближаются к поэту по мере того, как он проникается замыслом художника
Ему важно не простое присутствие в доме Мадонны и Младенца, а живое общение с ними:. Чтоб на меня с холста, как с облаков, Пречистая и наш божественный Спаситель, Она с величием, он с разумом в очах — Взирали, кроткие, во славе и в лучах, Одни, без ангелов, под пальмою Сиона…»
Чтоб на меня с холста, как с облаков, Пречистая и наш божественный Спаситель, Она с величием, он с разумом в очах — Взирали, кроткие, во славе и в лучах, Одни, без ангелов, под пальмою Сиона…».
Мечта сбывается: сквозь плотную ткань лирического сюжета проступает образ сошедшей на землю «чистейшей прелести», земной возлюбленной поэта.
«Постоянство памяти», 1931
«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства
Художник
Полотно написал испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали
Он сдетства был эксцентричным и притягивающим ксебе всеобщее внимание. За85 лет онсоздал около 1500 произведений, включая сюрреалистические картины, иллюстрации, скульптуры
Сальвадор Дали был известен при жизни. Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип Chupa-Chups, работал сУолтом Диснеем над мультфильмом Destino, участвовал всоздании фильмов Луиса Бунюэля иАльфреда Хичкока. Также Дали создал всвоем доме вПорт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся восновном своими сновидениями, самоанализом итеориями Фрейда.
История
Постоянство памяти— небольшое полотно, которое Сальвадор Дали создал всего запару часов, пока его жена Гала была сдрузьями вкино. Сам художник непошел, сославшись намигрень. Изначально Дали писал мыс Креус, новтот день онвзглянул накартину ипонял, что полотну нехватает какой-то идеи, смысла. Онуснул иперед ним предстал образ мягких часов, стекающих светви высохшей оливы. Сам Дали говорит, что наобразы текучих часов его навел мягкий сыр камамбер, которым они ужинали накануне.
Небольшая картина была очень личной для художника. Позже Дали вспоминал, как показал её Гале: Янаблюдал затем, как она разглядывает картину икак отражается наеелице очаровательное удивление. Так яубедился, что изображение производит эффект, ибо Гала никогда неошибается.
Стиль
Постоянство памяти относится к сюрреализму. Мягкие часы выражают основную мысль, озарившую Дали— идею оботносительности времени и его нелинейности. Часы текут вразные стороны, демонстрируя то, как легко вернуться впрошлое или повлиять набудущее. Художник осознавал хрупкость иискусственность привычного понимания времени, очем говорят изображенные накартине твердые часы, поедаемые муравьями, которые символизируют конечность, смертность, разложение.
Однако понятие времени неразрушается полностью— это подтверждают образы яйца, лежащего на берегу, атакже зеркало, будто объединяющее море инебо. В глазах художника время противоречиво иотносительно, нопри этом все равно может существовать исоздавать полотно мира.
Интересные факты
- Сам Сальвадор Дали дал лишь два комментария ккартине: отом, что намягкость часов его навели мысли о камамбере, иотом, что при написании ондумал одревнегреческом философе Гераклите иего высказывании Все меняется, все течет.
- Через несколько дней после написания работы еекупил американец Джулиан Леви, уверяя Дали, что Постоянство памяти непринесет коммерческого успеха ибудет просто висеть унего дома.
Почитайте другие материалы об искусстве на . Например, нашу подборку о сюрреализме в живописи, или о самом дорогом художнике современности .
Образы и символы
В стихотворении Пушкина «Мадонна» присутствуют такие образы и символы, создающие картину повествования:
- В стихотворении присутствует образ лирического героя, который чувствует глубокое восхищение изображением Мадонны. Описаны его возвышенные чувства, его преклонение перед образцом святости и истиной красоты. Образ лирического героя – это образ самого Пушкина, который безумно влюблён, его сердце открыто для любимой, он радуется, что любовь его взаимна.
- Божественный образ Мадонны в произведении символизирует возлюбленную поэта Наталью Гончарову. Автор испытывает глубокие и чистые чувства к любимой девушке, чья внешняя и внутренняя красота наводит его на воспоминания о картине. Поэт не описывает внешность Мадонны на картине, но становится понятно, что святой образ схож с реальным прототипом по искреннему восхищению и восхвалению её кристальной чистоты.
- Образ семьи. Пушкин показывает нам любящих людей в образах Творца и Мадонны, как пример идеальной семьи с возвышенными мыслями и чувствами. Они отождествляются с совершенством в отношениях между супругами.
Изобразительно-выразительные средства
Как уже было сказано, литературоведы в точности установили, кому Пушкин посвятил стихотворение «Мадонна» — своей будущей на тот момент супруге, Наталье Гончаровой. Этот брак, ставший в итоге причиной гибели поэта на дуэли, заставил его отказаться от многого. Семья Пушкиных не была богатой, поэтому родные Натальи первое время были категорически против того, чтобы девушка связала свою жизнь именно с ним. Поэту пришлось продать большую часть своего имущества и передать вырученные денежные средства матери своей избранницы.
Однако если читать текст сонета, то подобных мыслей не возникает. Пушкин размышляет лишь о прелести своей невесты. А о том, что их отношения складывались не совсем удачно и путь к счастью был долог и тернист, читатель не догадывается.
Образец любовной лирики Пушкина, «Мадонна», — во многом уникальное произведение, ведь художественные изобразительно-выразительные средства в нем практически отсутствуют. Автор использует самую простую лексику (за исключением некоторых церковных слов), что в оценке литературоведов говорит о том, что писать о самом глубоком и сокровенном Пушкину удавалось легко. Присутствуют следующие тропы:
- Эпитеты (старинные мастера, простой угол, медленные труды, божественный спаситель).
- Метафоры (чистейшей прелести чистейший образец, творец тебя мне ниспослал, моя Мадонна).
Та, которая смогла вдохновить поэта на создание настолько проникновенного и глубокого текста, достойна того, чтобы ее красота и одухотворенность были описаны кратко, легкими штрихами, без пространных описаний и рассуждений. В этой краткости, умении передать тончайшие черты образа парой точно подобранных слов и состоит поэтический гений Пушкина.
Восприятие текста не изменилось по сей день, до сих пор это стихотворение считается одним из лучших любовных произведений поэта, его смысл понятен и исследователям литературы, и обычным людям, перечитывающим томик любимых текстов. Оно пронизано искренними чувствами, обнажает перед читателем душу поэта, в каждой строке звучат его сокровенные мысли. И желание его, мечта о семейном счастье с той, которую он смог полюбить, исполнилась.
О работе
Пожалуй, самой знаменитой картиной в истории западноевропейской живописи является именно эта — потемневшая, покрытая трещинами и грязью, которую никто не осмеливается счищать. «Мона Лиза» — величайший портрет всех времен и народов.
В течение долгого времени картина была объектом жарких споров. Джорджо Вазари отмечал в своей «Жизни художников»: «Для Франческо дель Джокондо, богатого флорентийского торговца, Леонардо написал портрет Моны Лизы, его жены». Подписанный «Джоконда», портрет известен и под этим названием.
Впрочем, то, что на портрете изображена Лиза Джерардини дель Джокондо, вызывало и продолжает вызывать большие сомнения. Картина обычно датируется 1503-1506 годами, однако некоторые исследователи относят её к 1514 году. И ещё одна загадка: почему Леонардо не отдал готовый портрет заказчику, а держал его при себе до самой смерти?
Как правило, портреты в Италии XV века писались в профиль и были довольно формальными, во многом повторяя чеканку римских монет. Долгое время заказать свой портрет могли только очень богатые и знатные люди, которые хотели видеть себя на портрете не столько узнаваемыми, сколько властными. Однако уже в том же XV веке портреты стали заказывать и богатые купцы. Новые заказчики, напротив, требовали портретного сходства. Умение Леонардо создавать портреты с наибольшей силой воплощено в «Моне Лизе», обозначившей переход от формального портрета раннего Ренессанса к более реалистичному портрету эпохи Высокого Возрождения.
Её глаза
Тёмные глаза Моны Лизы смотрят прямо на зрителя из-под слегка затенённых век.
По эмоциональному выражению Вазари, «её брови, благодаря каждому вырастающему из кожи волоску, показанному художником, невозможно было изобразить натуральнее».
Приходится верить ему на слово, поскольку у современной Мона Лизы вообще нет ни бровей, ни ресниц. С одной стороны, в средневековой Флоренции существовала мода на выщипанные брови, а с другой, брови и ресницы могли исчезнуть во время одной из неудачно проведённых реставраций.
Выражение «улыбка Моны Лизы» давно стало нарицательным. Эта знаменитая улыбка сотни раз истолковывалась, обсуждалась и даже воспевалась в популярных песнях.
Улыбка Моны Лизы слегка асимметрична, что и делает её такой загадочной. Вместе с тем, она прописана так, что невозможно уловить границу перехода между губами и кожей лица. Для достижения этого эффекта Леонардо использовал тончайшие оттенки цвета и всё тот же приём сфумато.
Трещины
Изображение покрыто тонкой паутинкой трещин. Они возникают потому, что с течением времени краска и лак становятся ломкими.
Мотив узелк
Вышивка, украшающая вырез платья Моны Лизы, может быть зашифрованной подписью Леонардо, поскольку итальянское слово «завязывать» («vincolare») созвучно фамилии художника. Подобные узелки встречаются и на других картинах Леонардо.
Элегантные руки
Расслабленные и элегантные, полные, округлые, сложенные друг на друга руки делают портре более естественным.
Расположение рук и кистей работает на создание строгой треугольной композиции, заставляя взгляд зрителя перемещаться по всей картине.
Пустынный пейзаж
Существует явный контраст между городской женщиной и открывающимся за её спиной диким горным ландшафтом. Леонардо всегда отвергал общепринятую в те времена манеру изображать умиротворённые пейзажи и писал природу загадочной, могучей, непознаваемой. Так и здесь — ничто, кроме извилистой дороги и моста, не указывает на какое-нибудь присутствие человека.
Особенности названия
О величайшем творении Леонардо да Винчи, наверное, слышал каждый – оно не нуждается в отдельном “представлении”. Несмотря на это, есть немало фактов, что известны немногим.
Кроме того, сама эта работа Леонардо хранит немало тайн. Одно только её название является своего рода “шифром”. Слово “мона” является производным от “монна”, а именно – сокращённым вариантом фразы “ма донна” (переводится как «моя госпожа»).
Я уверена, что вам известно и другое название картины – «Джоконда». Оно впервые упоминается в 1525 году в списке художника Салаи, где картина обозначается как «Ла Джоконда». Такое название имеет прямое отношение к фамилии женщины, изображённой на полотне. Её мужа звали господином Джокондо (с итальянского эта фамилия переводится как «весёлый»). Буква “а” в конце слова появилась в женской интерпретации.
Леонардо да Винчи «Мона Лиза» или «Джоконда», 1503-1519 года, Местонахождение: Лувр, Париж, Франция
Тема и образы в стихотворении
Немаловажным этапом в анализе произведения является определение тематики. С самого начала работы поэт погружает читателя в спокойную, невинную, религиозную атмосферу. Такого эффекта Пушкин добивается, не используя большого количества религиозных терминов. Как раз в такой атмосфере состоит основная значимость стихотворения, с помощью которой автор изливает душу, показывает отношение к возлюбленной.
Образ Мадонны наполнен не только внешней красотой, прелестным обличием, но и благородством. Автор возвышает ее, создаётся ощущение святости и неприступности. Пушкин мастерски выражает свои чувства с использованием небольшого количества художественных тропов.
В возвышении женщины и определении идеалов состоит основная идея поэтического текста. Великолепное обличие, которое было создано великим художником, выделяет каждую деталь чудесного лица, подчёркивает гармоничность. Александр Сергеевич считает это высшей точкой безупречности.
Данте и Вергилий в аду: Вильям Бугро, 1850
Полотно написано на сюжет знаменитой «Божественной комедии» Данте. Итальянского автора эпохи Возрождения. Бугро, один из основоположников французского романтизма, изображает экспрессиуню, яростную борьбу двух душ, которые были прокляты.
Данте и Вергилий в адуАдольф Вильям Бугро
Эта душа Джанни Скикки, который попал в ад за обмен с целью личного обогащения, и алхимик-еретик Капоккио. Анализируя картину, следует отметить гармоничное и пропорциональное строение хорошо сложенных мужских тел, в соответствии с канонами классической живописи. Один мужчина в отчаянии грызет и кусает второго. Основной мотив картины — отчаяние и ярость.
Хитрые детали полотна
Интересные подробности о действующих лицах картины нам может рассказать натюрморт, что является важной частью полотна. Мы видим, что о своём нехитром провианте охотники позабыли, увлекшись рассказом
Неподалёку от них в траве лежит ружьё.
Также рядом находится рожок, что обычно используют для охоты с гончими. Каблуки сапог охотников кажутся излишне высокими, что не всегда удобно. Вероятно, именно так, намёками, Перов хотел показать охотников-дилетантов, которые знают далеко не все азы этого непростого занятия.
Не менее загадочна и добыча. Как показывает нам Перов, на одной охоте были убиты заяц-русак и рябчик. Это выглядит странным, ведь животные живут в совершенно разных зонах – лесной и степной местности. Я думаю, что так сам художник немного привирает нам, подражая своему рассказчику. Однако всё это делается по-доброму, для красоты переданного сюжета.
Фрагмент картины Перова «Охотники на привале»
Далеко не всем известно, что над «Охотниками на привале» трудились два художника. Пейзаж, что является завершающей деталью полотна, был создан Алексеем Саврасовым, о чём сам Перов несколько раз упоминал в письмах.
Картина «Охотники на привале» – одна из самых узнаваемых картин русских живописцев. В ней автор Василий Перов переносит нас на поляну осеннего леса, делая зрителя собеседником своих героев. Рассматривая лица охотников, действительно создаётся впечатление, что все мы невольно участвуем в этом увлекательном разговоре, где есть место и правде, и знаменитым охотничьим байкам.
Споры вокруг сережки на картине
Жемчужные украшения лейтмотивом проходят через творчество Вермеера. На картинах «Женщина с лютней», «Женщина в красной шляпе», «Дама, пишущая письмо» и некоторых других уши девушек венчают такие же серьги.
Однако внимательные зрители отмечают, что они неправдоподобны — слишком велики по размеру. Большие жемчужины были редкостью, и могли встречаться только у самых богатых людей. А белый блик в центре картины не мог так ярко отражаться на перламутровой поверхности.
Считают, что серьги были сделаны из итальянского стекла, серебра или олова. Но по моему мнению, художник намеренно гиперболизировал украшение, чтобы подчеркнуть женственность модели, ее красоту и изящество.
Скорее всего, автору было интересно само впечатление от увиденного, нежели точность передачи и правдоподобие. Поэтому я и люблю голландскую живопись XVII века, именуемую золотым веком голландской живописи: на полотнах изображено не то, чем кажется.
«Пир Валтасара» (1635) — одна из самых известных картин Рембрандта, творившего в период «золотого века голландской живописи».
