Выставки
Scrutant l’horizon (Гаага, 1967)
В 1958 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла ретроспектива работ Арпа , а в 1962 году — в Национальном музее современного искусства , Париж, Франция. В 1972 году в Музее искусств Метрополитен была представлена выставка. Работа Жана Арпа из коллекции Лейвы и несколько работ, одолженных вдовой Арпа, Маргаритой Арп. Выставка была расширена и путешествовала как «Арп 1877–1966», сначала экспонировалась в Музее Соломона Р. Гуггенхайма, а затем была показана в семи музеях США и шести в Австралии. Выставка из 150 работ под названием «Вселенная Жана Арпа», организованная Институтом искусств Миннеаполиса и Вюртембергским художественным институтом Штутгарта, завершила международный тур по шести городам в Музее современного искусства Сан-Франциско в 1986 году.
В Музее современного искусства Страсбурга хранится множество его картин и скульптур.
Современное искусство: эмоции и факты
На протяжении многих веков художники работали в парадигме эстетики и гармонии. Вопрос красоты долгое время был основным критерием для признания художественной ценности произведений искусства. Позже к нему добавился вопрос достоверности: художники и критики начали спорить, что важнее в искусстве — красота или правда. Но после Первой мировой войны — с ее масштабом жертв и разрушений — реальность деформировалась.
Это метафизическое страдание ярко отразилось во всем искусстве ХХ века: человек — ничто, он заперт в клетке своей плоти, деформирован — разобран на части, раздавлен обстоятельствами. Такая идея полностью противоположна идеям эпохи Ренессанс, где человек — центр Вселенной, венец творения и демиург. Самыми яркими выразителями идеи деформированной реальности в ХХ веке стали представители авангардных направлений — Лондонской школы (Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд), дадаизма (Ханс Арп, Марсель Янко, Ман Рэй) и сюрреализма (Сальвадор Дали, Рене Магритт, Макс Эрнст): его предтечей называют сюрреалиста XV века Иеронима Босха (ок. 1450–1516), который извлекал фантасмагорические образы из глубин подсознания.
Однако понятие «современное искусство» — contemporary art — появилось только в 70-х годах ХХ века. Хотя мнения теоретиков на этот счет расходятся, в данном случае можно сослаться на авторитет представителей крупнейших аукционных домов. Так, Sotheby’s определяет произведения искусства, датируемые 1945–1970 годами как «ранние современные», а после 1970-го — как «современные». Этим же определением пользуется аукционный дом Сhristie’s, помещая более ранние работы 1950–60-х годов в категорию «искусство XX века».
Это культурное явление не требует «раскладывания» на направления: такой подход убивает спонтанность и игру со зрителем, которые составляют очарование современного искусства. Оно многослойно, имеет серьезный бэкграунд и в то же время открыто для эмоционального восприятия человека с любым уровнем подготовленности, общей эрудиции и эстетического развития.
Дадаизм в поэзии
Андре Бретон (1896–1966)
Из книги «Седовласый револьвер» (1932)
Совершенно белые мужчина и женщина
Я вижу волшебных проституток укрывшихся под зонтами
Их платья древесным цветом слегка поджелтил фонарь
Они гуляют а рядом свисают лохмотья обоев
Сердце щемит как посмотришь на этот полуразрушенный дом
На беломраморную раковину слетевшую с каминной доски
На смутные вереницы вещей в зеркалах вставших за ними
Кварталом где бродят они овладевает
Великий инстинкт сгоранья
Они подобны опаленным цветам
Далекий их взгляд взвивает камни вихрем
Но сами они неподвижны и пропадают
В сердцевине этого смерча
Для меня ничто не сравнится со смыслом их вялых мыслей
Свежестью ручья куда они окунают тень своих остроносых
ботинок
Плотностью летучих клочков сена их затмивших скрывших из
виду
Я вижу их груди последние капельки солнца в глубоком мраке
Они опадают вздымаются и этот ритм единственная
Точная мера жизни
Я вижу их груди и это звезды
Качающиеся на волнах
Их груди внутри которых всегда рыдает незримое синее
молоко
Перевод Марка Гринберга
Луи Арагон (1897–1982)
Из книги «Предназначение поэзии»(1925–1926)
Доброе мартовское пиво
Жану Бернье
В лесах Сюрена
Водилась сирена
Вылитый папочка
Министр финансов
Министр монстр
И глуп как пробка
Но попка твоя
Такая попка
Папаша с папкой
Дочурка с попкой
В лесах Сюрена
Водилась сирена
Вылитый папочка
Министр финансов
В прелестном шале я Тебя обожая
Дрожа я В пылу поцелуя
Тебя уважая
Шалею
В лесах Сюрена
Водилась сирена
Вылитый папочка
Министр финансов
Перевод Елены Березиной
Робер Деснос (1900–1945)
Из книги «Причесанный язык»(1923)
Ночной ветер
В море морском пропащие пропадают
Мертвые мрут преследуя следопытов
Пляшут кружась в кругу.
Божеский бог! Человечьи люди!
Сдавлю себе церебральный мозг
пальпируя сразу десятком пальцев —
Какая жуткая жуть!
А вот у красоток у крашеных прически в отменном порядке.
Небесное небо
Земная земля
А все-таки где же небесные земли?
Перевод Алины Поповой
Бенжамен Пере (1899–1959)
Из книги «Припрятанное на случай»(1934)
Тысячу раз
Для Элси
Среди золотистых развалин газового завода
ты найдешь шоколадку и она от тебя даст деру
но если побежать так же быстро как баночка с аспирином
шоколадка заведет тебя далеко
Она изменит окрестный пейзаж
как дырявый ботинок
который прикрывают дорожным плащом
чтоб не пугать прохожих зрелищем обнаженной натуры
от него стучат зубы в коробочках рисовой пудры
и осыпаются листья с деревьев словно фабричные трубы
А поезд минует заштатную станцию без остановки
потому что еще не хочет ни пить ни есть
потому что на улице дождь а он без зонта
потому что коровы еще не вернулись
потому что дорога неспокойна и он боится
встретить пьяных дядек воров или злых полицейских
Вот если бы ласточки встали в очередь у кухонных дверей
чтобы попасть в жаркое
если б вода отказалась подмешиваться в вино
а у меня завелось бы несколько франков
То было бы наконец что-то новое в этом мире
тогда от булочек на колесах пришли бы в экстаз жандармы в
казармах
и был бы огород для бороды и в нем воробьи разводили бы
шелковичных червей
и был бы у меня на ладони
крошечный холодный фонарик
золотистый как яйцо на тарелке
и настолько легкий чтобы мои подошвы вспорхнули что твой
накладной нос
и тогда дно моря превратилось бы в телефонную будку
из которой никто никогда никому не звонит.
Перевод Алины Поповой
НАСЛЕДИЕ И ПРИЗНАНИЕ
В 1954 получил на Биеннале в Венеции Большую премию по скульптуре, в 1959 — Орден Почётного легиона. В 1961 стал кавалером Ордена литературы и искусства. В 1963 Арпу присуждена Большая национальная художественная премия Франции, в 1964 — Большая художественная премия земли Северный Рейн — Вестфалия и Премия Карнеги, в 1965 — Золотая медаль Министерства культуры Италии, Премия Гёте Гамбургского университета.
Самая крупная коллекция произведений Арпа находится в Музее нового и современного искусства в Страсбурге, площадь перед которым носит имя художника. Его именем назван также культурный центр в Кламаре, улица в XIII округе Парижа. С 1979 в Кламаре действует Фонд Арпа (в 2004 получил статус национального музея).
Contemporary art: понять и принять
Современное искусство — не самая легкая для восприятия тема: чтобы его постичь, надо отбросить какие бы то ни было ожидания, стереотипы и рассудочный подход. Хорошая новость состоит в том, что оно многослойно, и всегда есть тот слой, который может быть понят практически любым человеком, свободным от предрассудков по отношению к объектам этого искусства. Один из них заключается в том, что искусство — это лишь то, что красиво, эстетично и несет очевидный смысл. Чтобы полюбить современное искусство и начать разбираться в нем, от этого стереотипа стоит избавиться, ведь мы можем воспринимать его не только умом, но и на эмоциональном уровне. Причем эмоции необязательно должны быть положительными, главное, чтобы они возникали, — и это шаг к пониманию.
Присоединиться к клубу
БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА
Жан Арп родился в Страсбурге 16 сентября 1887. Учился в Веймаре и Париже и к 1912 уже был знаком с ведущими европейскими художниками, в том числе с членами группы «Синий всадник», которую возглавляли Василий Кандинский и Пауль Клее.
В 1915 Арп уехал в Цюрих, где и жил до конца войны; здесь он впервые показал на выставке свои геометрические коллажи. Многие работы были выполнены им в соавторстве с художницей Софи Тойбер, на которой он женился в 1922.
В 1916 в Цюрихе Арп основал группу «Дада». Абстрактные деревянные рельефы, созданные художником, кажутся забавными; игровой, шутливый характер произведений характерен для дадаизма, однако за показной несерьезностью всегда стоят сложная интеллектуальная деятельность и глубокая творческая проницательность.
В 1919–1920 Жан Арп и Макс Эрнст возглавили немецкую группу дадаистов в Кёльне. Затем Арп переехал в Париж и в 1925 участвовал в первой выставке сюрреалистов, проходившей в Галери Пьер. В 1930 он создал первые трехмерные скульптуры из дерева и вскоре начал работать в гипсе, бронзе и камне.
В 1958 в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла ретроспективная выставка произведений Арпа. Среди представленных на ней работ были Квадраты, размещенные согласно законам вероятности (коллаж, 1916–1917); Стол с яйцом (деревянный рельеф, 1922), Человеческая конкреция (бетон, 1935) и Птолемей (известняк, 1953). Художник принимал участие в украшении здания ЮНЕСКО в Париже.
Умер Арп в Базеле 7 июня 1966.
Презрение и глумление
Во время Первой мировой войны многие художники и писатели переехали в нейтральный Цюрих. Именно там, в разговорах о последствиях военных преступлений, и родился дадаизм. Основателями его были писатель Гуго Балл (1886-1927), художник и поэт Жан (Ханс) Арп (1887-1966), румынский поэт Тристан Тцара (1886-1930) и другие.
В 1916 году Балл и его подруга Эмми Хеннингс (18851948) открыли в Цюрихе ночной клуб, «Кабаре «Вольтер”», где они познакомились с другими представителями богемы, возмущенными войной. Бурные, неистовые представления с использованием новых форм, таких как «звучащая поэзия» или «симультанная (совместная) поэзия», танцев и музыки порой завершались дракой. Пренебрежительное и оскорбительное поведение публики и артистов по отношению друг к другу только приветствовалось. Позже Балл издавал журнал «Дада», одно из множества дадаистских произведений.
Гуго Балл
Тристан Тцара
Уже через год, в 1917-м, «Кабаре «Вольтер”» закрылось, но художники перебрались в другое место. Балл говорил: «Для нас искусство само по себе не представляет ценности… это лишь возможность подлинного восприятия и понимания времени, в котором мы живем». Вскоре дадаистские кружки появились в Париже, Берлине, Кельне и Нью- Йорке. К ним в числе прочих присоединились Марсель Дюшан (1887-1968), Франсис Пикабиа (1879-1953) и Курт Швиттерс (1887-1948).
Ради достижения главной цели — шокировать и бесить публику— дадаисты использовали все: публичные дискуссии, демонстрации, издание художественных и литературных журналов. Поэзия, автоматическое письмо, коллажи — все шло в ход, предвосхищая «хэппенинги» 1960-х. При этом акцент всегда был на абсурдности происходящего и презрении к окружающему миру. Дадаисты утверждали, что раз на фронте бессмысленно уничтожают миллионы жизней, то и искусство должно рождаться спонтанно, случайно, уничтожая традиционную эстетику и красоту. Ханс Арп писал: «Возмущенные бойней войны 1914 года, мы в Цюрихе всецело посвятили себя искусству. Пока вдали грохотали пушки, мы изо всех сил пели, рисовали, делали коллажи и писали поэмы».
Марсель Дюшан
Ханс Арп
Вздор
Основа дадаизма — абсурд. Это не просто отсутствие единого стиля, это даже не художественное творчество: свои идеи дадисты выражали на сцене кабаре и выставках, существовали дадаистская музыка и литература. Дадаисты неустанно атаковали публику хамскими выходками. В своем отрицании буржуазных ценностей и попытках уничтожить искусство они декларировали антисоциальное и безнравственное поведение.
Заимствуя идеи предыдущих художественных направлений — коллаж у кубистов, динамизм и публичность футуристов, достижения фотографии, — дадаисты неустанно критиковали роль, которую искусство сыграло в развязывании мировой войны. Демонстрация случайности — один из способов художественного выражения этой идеи. Арп, например, разбрасывал в произвольном порядке клочки бумаги, а потом приклеивал их, где упадут «в соответствии с законом вероятности». Ман Рэй (1890-1976) создавал ассамбляжи (объемные коллажи) из бытовых предметов, Швиттерс делал «мерц» — от немецкого слова «торговля, коммерция» — ассамбляжи из мусора, который он собирал на улице, а Дюшан известен своими «реди-мейд».
Популярность произведения не означает, что копировать можно бесплатно
У стихов, картин, фотографий и персонажей мультфильмов есть автор. Ему принадлежит исключительное право тиражировать и продавать своё произведение.
Автор может продать исключительное право, например, киностудии, музею или издательству. А сбором авторского вознаграждения занимается специальный орган — Российское авторское общество (РАО). Так устроена интеллектуальная собственность — ст. 1229, 1242, 1259, 1266, 1270 ГК РФ.
Чтобы зарабатывать на чужом творчестве, у правообладателя выкупают исключительные права или берут лицензию на использование. Но даже в этом случае произведение нельзя переделывать и на каждом изделии надо указывать автора.
После смерти автора исключительное право переходит к наследникам. Покупать лицензию нужно у них. А ещё через несколько десятков лет произведение становится общественным достоянием — когда больше не нужно платить авторское вознаграждение. Срок перехода в общественное достояние зависит от страны проживания автора — об этом расскажем ниже.
Пока произведение не стало общественным достоянием, за копирование надо платить. Чтобы понять, у кого выкупать исключительные права, придётся гуглить информацию по каждому произведению.
Вот пример из его практики. Политическая партия развесила агитационные баннеры с портретом Че Гевары в берете со звездой и развевающимися волосами. По их мнению, они взяли общеизвестный символ свободы. Но оказалось, что у изображения есть автор — кубинский фотограф Альберто Корда. Фото называется «Героический Партизан». Черно-красный плакат по фото нарисовал ирландский художник Джим Фицпатрик. Именно это изображение Че Гевары известно в мире. Фото и плакат ещё не перешли в общественное достояние. Торговая марка на образ принадлежит дочери фотографа Корды. Печатать Че Гевару можно только по лицензии.
Карьера
В 1904 г. после ухода из École des Arts et Métiers в Штрасбурге он отправился в Париж, где впервые опубликовал свои стихи. С 1905 по 1907 год Арп учился в Kunstschule в Веймар, Германия, а в 1908 году вернулся в Париж, где посетил Академия Жюлиана. Арп был одним из основателей-основателей Moderne Bund в Люцерне, участвуя в их выставках с 1911 по 1913 год.
В 1912 году он поехал в Мюнхен и посетил Василий Кандинский, влиятельный русский художник и теоретик искусства. Арп был воодушевлен его исследованиями и выставлялся вместе с Der Blaue Reiter группа. Позже в том же году он принял участие в крупной выставке в Цюрихе вместе с Анри Матисс, Роберт Делоне и Кандинский. В Берлине в 1913 году его подобрали Херварт Уолден, дилер и редактор журнала, который в то время был одной из самых влиятельных фигур европейского авангарда.
В 1915 году он переехал в Швейцарию, чтобы воспользоваться швейцарским нейтралитетом. Позже Арп рассказал историю о том, как, когда его уведомили о необходимости явиться в консульство Германии в Цюрихе, он притворился психически больным, чтобы его не призвали в немецкую армию: после креститься всякий раз, когда он видел портрет Пауль фон Гинденбург, Арпу выдали документы, в которых ему сказали написать дату своего рождения в первой пустой строке. Соответственно, он написал «16/9/87»; затем он написал «16/9/87» на каждой второй строке, затем нарисовал под ними последнюю черту и, «не слишком заботясь о точности», подсчитал их сумму.Ганс Рихтер, описывая эту историю, отметил, что «они ему поверили».
Передняя часть рубашки и вилка, крашенное дерево, 1922 г., Национальная художественная галерея
Это было на выставке того года, где он впервые встретился Софи Тэубер, танцор и артист; они поженились несколько лет спустя.
В 1916 г. Хьюго Болл открыл Кабаре Вольтер, который должен был стать центром деятельности Дада в Цюрихе для группы, в которую входил Арп, Марсель Янко, Тристан Цара, и другие. В 1920 году Ганс Арп вместе с Макс Эрнст и общественный деятель Альфред Грюнвальд, он основал Кельн Дадаизм группа. В 1925 году его работы также появились на первой выставке Сюрреалист группа в галерее Пьера в Париже.
В 1926 г. Арп переехал в пригород Парижа г. Meudon. В 1931 году он порвал с сюрреалистическим движением, чтобы основать Абстракция-Création, работая с парижской группой Abstraction-Création и периодическим изданием, Переход. Начиная с 1930-х годов художник расширил свои возможности от коллажа и барельефа до бронзовых и каменных скульптур. Он создал несколько небольших работ, состоящих из множества элементов, которые зритель мог уловить, разделить и преобразовать в новые конфигурации.
Облачный пастырь, Жан Арп (1953), Ciudad Universitaria de Caracas
На протяжении 1930-х годов и до конца своей жизни он писал и публиковал очерки и стихи. В 1942 г. он сбежал из дома в г. Meudon чтобы избежать немецкой оккупации и жил в Цюрих пока не закончилась война.
Арп посетил Нью-Йорк в 1949 году для персональной выставки в галерее Бухгольца. В 1950 году его пригласили исполнить облегчение для Гарвардский университет Аспирантура в Кембридж, Массачусетс и ему также будет поручено сделать фреску на ЮНЕСКО здание в Париже. Артур и Мадлен Левья, из Galerie Chalette, который знал Арпа в Европе, стал представителем его галереи в Нью-Йорке в конце 1950-х годов и сыграл важную роль в укреплении его репутации на американской стороне Атлантики.
Арт-рынок
Скульптурная колонна-мечта высотой 110 см была продана в 2007 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 2 393 000 долларов (1 635 000 евро ).
Аукцион работ Жана Арпа из коллекции Греты Стро (1939-2001) — родственницы его второй жены Маргариты Хагенбах-Арп и гаранта фонда Арп — был назначен на четверг, 26 марта 2020 года, на Christie’s в Париже. но был отменен из-за правительственных мер, принятых в начале марта 2020 года в контексте пандемии Covid-19 (коронавируса).
Среди выставленных на продажу работ был ключевой предмет Жана Арпа: бронзовый торс с золотисто-коричневой патиной (высота: 61 см) 1931 года, оцененный от 300 000 до 500 000 евро.
Чтобы перезапустить его, Christie’s организует онлайн-продажу в конце мая или начале июня. Но после споров между французскими и немецкими фондами, которые управляют интересами инвесторов в работе Жана Арпа, оценки очень занижены. Кроме того, аутентификация работы, приписываемой Жану Арпу, может быть затруднена из-за исчезновения Греты Стро, которая была референтом художника для арт-дилеров. Вот почему рисунки Арпа очень дешевы, а рекорд — Торс Пиренеев», объявленный дилерами «самой символической» работой , был продан Sotheby’s за 4,8 миллиона долларов в 2017 году .
Выставки
Scrutant l’horizon (Гаага, 1967)
В 1958 году в музее музей современного искусства в Нью-Йорке, а затем выставка в Musée National d’Art Moderne, Париж, Франция, в 1962 году. В 1972 году в Метрополитен-музее были представлены работы Жана Арпа из коллекции Лейвы и несколько работ, одолженных вдовой Арпа, Маргаритой Арп. Выставка была расширена и путешествовала как «Арп 1877–1966», сначала экспонировалась в Музее Соломона Р. Гуггенхайма, а затем была показана в семи музеях США и шести в Австралии.Организовано Институт искусств Миннеаполиса и Wurttembergischer Kunstverein в Штутгарте, выставка из 150 экспонатов под названием «Вселенная Жана Арпа» завершила международный тур по шести городам в Музей современного искусства Сан-Франциско в 1986 г.
В Музей современного искусства и современности Страсбурга хранит множество его картин и скульптур.
Дада в Париже (1919-1924)
В 1919 г. Дюшан и Пикабия знакомятся с Тцара и вместе перебрались в Париж, где влились в группу молодых поэтов и художников, сплотившихся вокруг Андре Бретона. Парижский период 1920-1922 гг. стал временем нового расцвета дадаизма – опять с проведением всевозможных шумных представлений, выставок, провозглашений разного рода заявлений и манифестов. Однако, внутри группы назревал конфликт: Бретона и его сторонников уже не устраивал скандал ради скандала и дух всеобщего отрицания. В его голове созревал план создания нового объединения с конкретно поставленными задачами и ясной перспективой. В 1923 г. произошел окончательный разрыв, приведший к появлению нового направления – сюрреализма. Дадаизм вынужден был отойти на второй план и постепенно сойти с художественной арены.
Дада в Нью-Йорке (1913-1921)
История американского дадаизма началась со скандально-известной выставки Армори-шоу 1913 года, на которой были представлены работы европейских мастеров Марселя Дюшана и Франсиса Пикабиа.
Пикабиа создавал фантастические конструкции, чьи названия и биомеханический вид были одновременно и гимном и приговором индустриальному обществу. Его работы оказали значительное влияние на Ж.Арпа и М.Эрнста.
Дюшан прославился как автор концепции «ready made» (готовых объектов) – предметов промышленного и производства, художественной волей преобразованных в произведения искусства. Эта теория давала понять, что искусство – это идея, которая может быть заключена и в готовом предмете, а не только в создана художником или скульптором.
Рацио-эмоцио: оси реакции на предмет искусства
Современное искусство работает либо с эмоциональной, либо с интеллектуальной сферами зрителя, или одновременно с обеими. Оно нацелено на то, чтобы вызвать у человека эмоции и, как следствие, размышления об увиденном. Или только эмоции — и это уже шаг к пониманию.
Ярким примером тому служит акционизм: перформанс «Бешеный пес» Олега Кулика, который 23 ноября 1994 года впервые появился перед ошеломленной публикой обнаженным в образе человека-собаки. У названия было поэтическое продолжение: «Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером». Созданный им образ настолько впечатлил зрителей, что фамилию автора знают даже те, кто никогда не интересовался современным искусством. А сам он стал символом времени и медийной персоной. Это еще раз подтверждает: задача современного искусства — вызывать эмоции.
Олег Кулик
То же касается живописи, где на эмоциональное восприятие рассчитаны работы таких художников, как Джексон Поллок, Фрэнсис Бэкон, Марк Ротко. А также Маурицио Каттелана, чьи произведения, хотя и оказываются в центре грандиозных скандалов, высоко ценятся на аукционных торгах. Так, его «Девятый час» — скульптурная композиция, на которой изображена фигура папы римского, пораженного метеоритом, 13 лет назад была продана за 3 млн долларов. Другая не менее известная работа Каттелана — восковая статуя «Молящийся Гитлер» выставлялась в музее в экспозиции классического искусства. Этой работой он стремился показать Германии ее самый большой позор, проведя таким образом шокотерапию с целью изжить комплекс исторической вины.
Такие работы, затрагивая эмоции, заставляют задуматься об этических, религиозных, философских, политических вопросах. Либо просто оказывают сильнейшее воздействие на эмоциональный мир.
Но есть произведения, которые рассчитаны в первую очередь на интеллектуальное воздействие. Понять их непосвященному зрителю сложнее. Чтобы постичь замысел автора, стоит узнать о художнике и его концепции. Иногда эту информацию несут название и аннотация, сопровождающие работу. Например, знаменитая акула Дэмиена Херста была названа «Физическая невозможность смерти в сознании живущего». Работа, проданная за 12 млн долларов, представляет собой настоящую тушу акулы в формалине, заключенную в прозрачный куб. С одной стороны, она неподвижна, с другой — ее широко разинутая пасть как будто устремлена на зрителя и пытается его поглотить. Ее название, глубокое и парадоксальное, отсылает к теме смерти — вечной теме в искусстве. Ее корни уходят в средние века: начиная с «Мертвого Христа» Андреа Мантеньи, все художники Возрождения и более позднего периода писали в разных вариациях снятие с креста, распятие, оплакивание — пьету. К теме смерти обращался в своем творчестве и Рембрандт, создавая картину «Туша быка». Она стала зацепкой для современного художника Фрэнсиса Бэкона, который ее продолжил.
Дэмиен Херст
Другим примером интеллектуальных работ могут служить знаменитые разрезы Лучо Фонтана. Сегодня его цветные полотна можно встретить в любом музее современного искусства, а также на серьезных художественных ярмарках. На отдельных работах сделан всего один надрез, на других — несколько. Его «Пространственная концепция. Ожидание» ушла за 1,5 млн долларов. С одной стороны, кажется странным: в чем смысл и почему они ценятся так высоко? Чтобы понять это, надо познакомиться с концепцией художника. Сам Фонтана называл разрезы concetto spaziale — «пространственный концепт». К слову, такое название имеет большинство его работ. Так он дает понять, что при рассечении плоской поверхности и, следовательно, при переходе на ее обратную сторону возникает новое пространство. Погружение в эту концепцию позволяет открыть новые грани реальности: они понятны благодаря их явному изображению — смысл соответствует контексту. И этим пример Лучо Фонтаны весьма показателен.
Таким образом, погружение в интеллектуальный подтекст работ помогает понять посыл, который хотел донести автор.
Как правило, подтекст, концепция есть практически у всех работ, но большинством произведений современного искусства можно наслаждаться и без глубокого проникновения в смысл. Ведь разрезы Лучо Фонтана выполнены безупречно, а значит, воздействуют на эстетическое восприятие.
Арпиньи Анри Жозеф(Henri Joseph Harpignies)
28 июня 1819, Валансьен — 28 августа 1916, Сен-Приве, департамент Йонна
Анри Жозеф Арпиньи — французский художник, примыкавший к барбизонской школе.
Анри Жозеф Арпиньи родился 28 июня 1819 года в Валансьене. Смолоду по настоянию семьи занимался предпринимательством, но затем любовь к живописи взяла верх, и в 27-летнем возрасте Арпиньи поступил в парижскую студию Жана Алексиса Ашара.
Барбизонская школа (фр. École de Barbizon) группа французских художников-пейзажистов, проживавших и творивших в середине XIX в. в деревне Барбизон в лесу Фантенбло. Колония художников, основанная в 1830-е года. и существовавшая до 1840-х годов, оказала существенное влияние на развитие европейской пейзажной живописи. Её участники считаются предшественниками импрессионизма.
Художники барбизонской школы стремились объединить в одно целое два понятия – искусство и природу. При этом они не пытались создать настоящую школу с теоретической программой, а собирались вместе, увлеченные идеей Дж. Констебла о том, что природу необходимо изображать такой, какой она есть.
Одновременно с первыми, интуитивно найденными живописцами способами передачи естественного света появилась монография Э. Шеврейля об оптических исследованиях восприятия цвета (1839 г.), которая станет научной аналогией последующих исследований импрессионистов.
Исход из мастерских – это отчасти и романтический шаг, истоки которого лежат в идеях Жан-Жака Руссо.
После просмотра работ барбизонцев часто возникает ощущение чрезмерно мистического, пантеистического восприятия природы.
В произведениях малых форм Анри Жозефа Арпиньи очень хорошо чувствуется этот дух.
В конце 1840-х годов Арпиньи впервые совершил поездку в Италию для работы.
В 1850-е годы сблизился с Камилем Коро, вместе с которым отправился в Италию повторно. Одна из работ Анри Жозефа Арпиньи «Пейзаж с рыбаком» хранится в коллекции Пушкинского музея. Арпиньи работал в юности под очевидным влиянием Камиля Коро.
В 1861 году Арпиньи ожидал первый крупный успех на Парижском Салоне, участником которого он регулярно был и в дальнейшем.
Одно из его произведений, написанное в 1870 – 1880 годах, — «Пейзаж с двумя мальчиками, везущими хворост».
Арпиньи считается одним из ведущих французских акварелистов своего времени.
Основные его работы — пейзажная живопись, изображения детей, портреты.
Умер Анри Жозеф Арпиньи 28 августа 1916 года в департаменте Йонна.
Наследие
В Европе есть три фонда Arp: в Fondation Arp в Кламаре находится ателье, где Арп жил и работал большую часть своей жизни; около 2000 посетителей посещают дом каждый год. Фонд Маргариты Арп-Хагенбах в Локарно, Швейцария, была основана второй женой Арпа, Маргаритой Арп-Хагенбах. Фонд, посвященный Арпу, под названием Stiftung Hans Arp und Sophie Taeuber-Arp eV, был основан в 1977 году дилером Йоханнесом Васмутом по согласованию с Маргаритой Арп-Хагенбах и владеет самой большой коллекцией работ Арпа и владеет авторскими правами на все его работы. . У него есть исследовательский центр и офис в Берлине, а также офис в Роландзеке, Германия.
Зритель как соавтор
К произведениям contemporary art можно отнести практически каждую «странную» картину, но современное искусство — это не только живопись. Один из его отличительных признаков — необходимость присутствия зрителя, его эмоциональное и/или интеллектуальное участие. «Джоконда» Леонардо да Винчи может существовать сама по себе, а «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (знаменитая акула) Дэмиена Херста — нет. Так же, как проекты «человека-собаки» Олега Кулика или «бабушки перфоманса» Марины Абрамович.
В своем творчестве Абрамович исследует отношения между художником и аудиторией, пределами тела и возможностями ума. Один из ее перфомансов — «Ритм 0» — был основан на желании посмотреть, до чего могут дойти люди, получившие абсолютную власть над другим человеком. Объектом изучения стала сама Марина, которая предложила посетителям музея «делать с ней всё, что захотят». Перед собой она поставила табличку с инструкцией, в которой было сказано: «На столе 72 объекта, которые вы можете использовать, как хотите. Перформанс „Я — объект“. В течение этого времени я беру на себя полную ответственность. Продолжительность: 6 часов». И если сначала всё было вполне невинно, то в процессе «вовлечения» зрители, пользуясь безволием экспоната, нанесли ей ножевые надрезы, а один из присутствующих приставил к ее виску заряженный пистолет. «Я хотела показать: это просто удивительно, насколько быстро человек может вернуться в пещерное состояние, если ему это позволить. Полученный опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить», — прокомментировала действия посетителей художница.
Марина Абрамович
Отнести подобные формы к объектам contemporary art позволяет тот факт, что они, как каждое значимое произведение искусства, имеют:
Актуальность — важный аспект, поскольку новизна, способность сделать новое художественное высказывание в искусстве — один из критериев гениальности.
Важно понять: в настоящее время меняется природа произведения искусства. Если раньше оно всегда было объектом, сейчас это — переживание
Помимо различных направлений в живописи, которые не требуют четкой идентификации, искусством считаются такие практики, как граффити, инсталляция, перформанс, акционизм, видеоарт. Например, акционизм (Олег Кулик, Петр Павленский, «ЭТИ») вообще не стремится оставить после себя предмет: он основан на символическом действии, вырванном из повседневного контекста, и зачастую вызывает лишь недоумение и вопросы.
Современное искусство развивается такими темпами, что теоретики не успевают дать обоснования и подвести теоретическую базу под рождающиеся формы, а сам вопрос — что же такое современное искусство? — попадает в разряд сложных философских определений.
Однако некоторые современные художники сами дают их своему творчеству. Например, икона японского поп-арта Такаси Мураками придумал термин superflat (суперплоскость), для того чтобы объяснить свой изобразительный язык. «Я думал о реалиях японского рисунка и живописи и о том, как они отличаются от западного искусства
Для Японии важно ощущение плоскости. Наша культура не обладает 3D-формами
2D-формы, утвержденные в исторической японской живописи, сродни простому, плоскому визуальному языку современной анимации, комиксов и графического дизайна», — пояснил автор.
