Внешние ссылки
- Викискладе есть медиа-категория для Николаса Мэйса .
- Несколько авторов (1910-1911). Мейс, Николас . В Chisholm, Хью, изд. Британская энциклопедия Словарь искусств, наук, литературы и общей информации ( -е издание) . Британская энциклопедия, Inc.; в настоящее время в общественном достоянии .
| авторитетный контроль |
|
|---|
- Данные: Q505150
- Мультимедиа:
Рене Магритт (1898-1967)
Рене Магритт был бельгийским художником-сюрреалистом, самым известным за использование бытовых предметов, чтобы передать своё витиеватое восприятие повседневного мира. Он также был известен тем, что создавал произведения, заставляющие зрителя мыслить, поощряя его к отрыву от предвзятых представлений о реальности.
Одной из его знаменитых работ, соблюдающих этот принцип, является “Вероломство образов” (928-1929), которое представляет собой курительную трубку с надписью “Ceci n’est pas une pipe” (Это не трубка). И это действительно не трубка просто потому, что это лишь её образ. Эта техника и стиль изменения того, что мы знаем как реальность, были общими для всех его работ и идей.
Против сильного ветра.
Александр Генис
Нью-Йоркский музей Гуггенхайма – идеальное место для ретроспектив. Его знаменитая спираль позволяет выстроить экспозицию хронологически и окинуть ее взглядом – и сверху, и снизу. Работы Альберто Джакометти, заполнившие в эти летние дни весь огромный музей, дают исчерпывающее, если такое возможно, представление об эволюции, приемах, творчестве, жизни и мыслях одного из самых главных мэтров высокого модернизма.
Я точно знаю, где я понял, что Джакометти – мой любимый скульптор. Это произошло неподалеку от Ниццы, в музее современного искусства, который основал и возглавил французский коллекционер Эме Маг. Трудно придумать место прекраснее: мягкие холмы, виноградники, средиземноморский климат, а значит – южное солнце.
И вот среди этой роскоши, на голой террасе стоял бронзовый человек такой худобы, что он почти не отличался от резкой тени, которую отбрасывала на белый мрамор фигура. Казавшаяся двумерной, она была лишена тела. Вместо него мастер изобразил дух, порыв и даже ветер, который мешает идти вперед.
Скульптура Альберто Джакометти «Подвешенный шар» (1930-31). Фото: VincentTullo/TheNewYorkTimes
Конечно, это был «Шагающий человек» – одна из самых известных скульптур ХХ века. Встретив ее вновь на выставке в «Гуггенхайме», я сделал то, что раньше делать стеснялся: принял, не обращая внимания на посетителей, точно такую позу и постарался ее удержать всего одну минуту.
Опытным путем мне удалось выяснить, что Джакометти изобразил человека в мучительно неудобном состоянии. Он уже шагнул вперед, но еще не сдвинулся с места. Ему мешает сильный ветер, но враждебный напор стихии помогает и устоять на ногах. Сопротивление среды – условие победы или хотя бы надежды на нее. В эту неловкую позу скульптор вложил законченную философию, и я ее узнал еще тогда, в Провансе. Конечно, это – Беккет.
Я догадался об их дружбе, ничего о ней не зная, и был прав. Они познакомились до войны, но сдружились после нее, когда оба вернулись в Париж. По ночам друзья часами гуляли по городу. Экстраверт Джакометти говорил, интроверт Беккет только слушал, но, видимо, обоим это общение было необходимо. Именно тогда в первые послевоенные годы скульптор нашел себя, а писатель сочинил главное: великую трилогию и бессмертную пьесу.
Самюэль Беккет и Альберто Джакометти (справа), 1961 г.
На премьере «В ожидании Годо» Джакометти покоробила единственная, но очень важная декорация: сухое дерево на сцене. Оно было скручено из проволочных вешалок. Чтобы исправить ситуацию, Джакометти соорудил для пьесы новое дерево. В нем аскетический реализм соединился с магическим как раз в такой пропорции, чтобы мы поверили в волшебное явление единственного листа, который отличает второе действие от первого. В поисках подобного – минимального – сдвига Джакометти провел всю жизнь.
Выставка начинается с экспериментов. Как и другие парижские авангардисты, такие как Модильяни и Сутин, Джакометти учился в музеях. Не столько в Лувре, сколько в антропологическом. На его ранних работах видны следы всего незападного искусства: кикладская скульптура, полинезийские ритуальные объекты, фаюмские портреты. Его во всем интересовали человекообразные формы, например – ложки.
Пытаясь найти пределы упрощения, молодой художник разбирал и собирал заново человека, не желая, как это случилось с абстракционистами, от него избавиться.
Недолгая связь с сюрреалистами не увела его от причудливого, гротескного, даже пугающего, но все же правдоподобия. К этому периоду относится известная и страшная скульптура 1932 года «Женщина с перерезанным горлом».
Экспериментируя с пространством, Джакометти лепил фигурки людей такими маленькими, как будто мы их увидели из окна. Играя с пустотой, он изобразил держащие ее, пустоту, руки. Решая проблему отношений, мастер создал двух разговаривающих людей, но, основательно подумав, убрал второго собеседника, оставив первого вести диалог с тенью.
Работы Альберто Джакометти в музее Гуггенхайма
Критики, включая такого как Жан-Поль Сартр, зачислившего его в экзистенциализм, считали, что переломным моментом для Джакометти стала война. Хотя он и провел ее в нейтральной Швейцарии, опыт пережитых Европой нечеловеческих страданий вылился в классические образы сопротивления.
Это – удлиненные до неба и изможденные до смерти фигуры, в которых сосредоточилась упрямая воля, то есть несгибаемость. Женщины у Джакометти стоят, как соляные столбы, мужчины идут наперекор обстоятельствам, детей нет вовсе.
Художественный анализ [ править ]
Альберто Джакометти Фото Анри Картье-Брессона
Что касается скульптурной техники Джакометти, то, согласно данным Музея искусств Метрополитен : «Шероховатые, эродированные, сильно обработанные поверхности картины« Три человека, идущие »(II), 1949 год, типичны для его техники. Сниженные до самой сути, эти фигуры вызывают . одиночки деревья зимой, которые потеряли листву в рамках этого стиля, Джакометти редко отклоняется от темы три, волновавшей его-шагающего человек, а стоячее, обнаженная женщина, и бюст или все три, объединенный в различных группировках . »
В письме к Пьеру Матиссу Джакометти писал: «Фигуры никогда не были компактной массой, а напоминали прозрачную конструкцию». В письме Джакометти пишет о том, как он оглядывался на реалистические классические бюсты своей юности с ностальгией, и рассказывает историю экзистенциального кризиса, который ускорил стиль, которым он стал известен.
« желание составлять композиции с фигурами. Для этого мне пришлось сделать (быстро я подумал; мимоходом) один или два этюда с натуры, ровно столько, чтобы понять, как устроена голова, целая фигура, и в 1935 году я взял модель. Я подумал, что это исследование займет две недели, и тогда я смогу реализовать свои композиции … Я работал с моделью весь день с 1935 по 1940 год … Все было не так, как я себе представлял. Голова стал для меня совершенно неизвестным и безразмерным объектом ».
Поскольку Джакометти легко добивался утонченного реализма, когда он выполнял переборы в раннем подростковом возрасте, трудность Джакометти в повторном приближении к фигуре во взрослом возрасте обычно воспринимается как признак экзистенциальной борьбы за смысл, а не как технический дефицит.
Джакометти был ключевым игроком в движении сюрреалистов , но его работы не поддаются простой классификации. Некоторые называют это формалистическим, другие утверждают, что это экспрессионизм или иным образом связано с тем, что Делез называет «блоками ощущения» (как в анализе Делеза Фрэнсиса Бэкона ). Даже после его отлучения от группы сюрреалистов, хотя намерение его скульптуры обычно было имитацией, конечный результат был выражением его эмоциональной реакции на объект. Он попытался создать изображения своих моделей такими, какими он их видел, и какими, по его мнению, они должны были быть видны. Однажды он сказал, что лепит не человеческую фигуру, а «отбрасываемую тень».
Ученый Уильям Барретт в книге «Иррациональный человек: исследование экзистенциальной философии» (1962) утверждает, что смягченные формы фигур Джакометти отражают точку зрения модернизма и экзистенциализма 20-го века, согласно которой современная жизнь становится все более пустой и лишенной смысла. «Все скульптуры сегодняшнего дня, как и скульптуры прошлого, однажды закончатся кусками ..
Поэтому важно тщательно вылепить свою работу в ее мельчайших углублениях и зарядить каждую частицу материи жизнью»
Выставка 2011–2012 годов в Пинакотеке Парижа была посвящена демонстрации того, как Джакометти был вдохновлен этрусским искусством .
Работы Джакометти на Венецианской биеннале 31 ° в 1962 году, сфотографированные Паоло Монти (вверху)
«Идущий человек» и другие человеческие фигуры править
Джакометти наиболее известен бронзовыми скульптурами высоких тонких человеческих фигур, созданными в период с 1945 по 1960 год. На Джакометти повлияли впечатления, которые он получил от людей, спешащих в большой город. Людей в движении он считал «чередой моментов неподвижности».
Истощенные фигуры часто интерпретируются как выражение экзистенциального страха, ничтожества и одиночества человечества. Настроение страха в период 1940-х годов и холодной войны отражено на этом рисунке. Мне грустно, одиноко и трудно понять.
Первые роли в кино
В 1981 году Николас дебютировал в кино в сериале «Лучшие времена». В следующем году сыграл эпизодическую роль в молодёжной комедии «Беспечные времена в Риджмонд Хай». Ещё одну небольшую роль выделил для племянника дядя Фрэнсис Форд Коппола в своей картине «Бойцовая рыбка».
В начале карьеры в первых нескольких фильмах Ник промелькнул под фамилией Коппола. Но в 1983 году, когда проходил кастинг к картине «Девушка из долины», парень не хотел, чтобы его известная фамилия повлияла на выбор режиссёра, и назвался Николасом Кейджем. Это имя он выбрал в честь своего любимого кумира Люка Кейджа, супергероя американских комиксов. Люк Кейдж восхищал Николаса тем, что обладал сверхспособностями и при этом не терял человеческие чувства. Роль тогда досталась Нику, а продюсеры долгое время не догадывались о его тайне.
«Девушка из долины» стала первой картиной, где Ник сыграл главного персонажа голливудского панка Ренди, который познакомился с симпатичной девушкой из обеспеченной семьи Джули Ричман и показал ей прелести ночной городской жизни.
После премьеры этого фильма на молодого парня обратили внимание режиссёры и продюсеры, Ник стал всё чаще и чаще появляться на экране в главных ролях:
- «Наперегонки с луной»;
- «Птаха»;
- «Пегги Сью вышла замуж»;
- «Власть луны»;
- «Воспитывая Аризону»;
- «Поцелуй вампира»;
- «Огненные птицы»;
- «Время убивать»;
- «Зандали»;
- «Медовый месяц в Лас-Вегасе».
К началу 1990-х годов Николас Кейдж подошёл уже не только востребованным в Голливуде актёром, но и получившим хорошие отзывы от критиков. Особенно высоко оценили его работу в мелодраме Дэвида Линча «Дикие сердцем». Картина получила главный приз Каннского кинофестиваля – Золотую пальмовую ветвь.
Эдвард Мунк
«Болезнь, безумие и смерть – черные ангелы, которые стояли на страже моей колыбели и сопровождали меня всю жизнь» – Эдвард Мунк.
Норвежский живописец и график. Рисовал «еле заметными» мазками, используя контрастные цвета зимней, сумрачной гаммы. Ранние работы характеризуются некой мечтательной неопределенностью, а более поздние обращены к темам одиночества и смерти. Зрелому стилю художника присущ глубокий драматизм.
Самые известные картины: «Крик», «Тревога», «Вампир», «Поцелуй», «Танец жизни», «Расставание», «Глаза в глаза», «Пепел».
Его первая знаменитая картина «Больная девочка» была посвящена его умершей от туберкулеза сестре, чья смерть повлияла на все творчество художника. Мунк решил, что должен изображать на своих картинах только реальную жизнь и реальных людей, их эмоции, чувства и страдания. Вскоре он создал свою самую знаменитую картину «Крик», которая вошла в цикл произведений под общим названием «Фриз жизни», который сам Мунк называл поэмой о жизни любви и смерти. Наиболее ярко демонстрирует весь драматизм, присущий стилю Мунка, его работа «Ночь в Сен-Клу», написанная как дань смерти отца.
В последние годы своей жизни Мунк рисовал преимущественно портреты, причем фиксация внешнего сходства его совершенно не интересовала, он видел в написании портрета исследование человеческой души
В последние годы художник начал обращаться в своих работах к теме труда; также важное место в его творчестве занимал северный пейзаж
Где почитать о художнике: А. Нэсс «Эдвард Мунк. Биография художника», У. Бишофф «Мунк», Ш. Квернеланд «Мунк».
Детство и юность
Ник учился в средней школе в Беверли-Хиллз. И педагоги, и одноклассники замечали его творческий подход к занятиям и бурную фантазию. Однажды на уроке истории учитель дал задание написать о жизни кроманьонцев. Все ребята коротко и просто на одну страничку изложили факты. А Николас сочинил рассказ на восемь страниц от лица кроманьонца, который утром проснулся в своей пещере.
Школа, в которую ходил Ник, была довольно жёсткой. Именно здесь начались его актёрские упражнения. Чтобы к нему не лезли и не задирались из-за известной фамилии, мальчику пришлось сыграть первую роль. Однажды он надел ковбойские сапоги своего брата, на нос нацепил тёмные очки, взял в рот жвачку, сел в автобус и поехал в школу. Подошёл к толпе пацанов и сказал: «Я – кузен Ника. Учтите, если будете его обижать, вам придётся иметь дело со мной». Они поверили, и с тех пор никто в школе Николаса не трогал и не обижал. А его самого этот случай убедил, что он сможет в будущем стать актёром.
Преподаватели класса драмы видели в мальчике талант. Но у самого Николаса никогда не возникало желания связать свою жизнь именно с театральным искусством, даже несмотря на то, что он постоянно принимал участие в школьных спектаклях, а на каникулах ездил в Сан-Франциско на театральные курсы. Его увлекало кино, а кумиром был знаменитый актёр 1950-х годов Джеймс Дин.
В семнадцатилетнем возрасте Ник бросил школу, досрочно сдав экзамены, и отправился покорять Голливуд.
Творческий путь
Творческий путь Николы Пуссена начался в 1624 году, когда он прибыл в Рим. Начинающий художник изучал искусство античности, живопись мастеров эпохи Ренессанса.
Через год поступил заказ написать картину «Разрушение Иерусалима» (1625-1926). До наших дней полотно не сохранилось. Второй вариант этого же сюжета был создан художником через 10 лет, хранится в Венском музее.
Следующая работа «Смерть Германика» (1627) сегодня признана ярким произведением стиля классицизма. Основа сюжета – прощание римских легионеров с находящимся при смерти полководцем.
Ранние картины Пуссена посвящены религиозной тематике. С 1629-1633 г.г. начинается интерес к мифологии, литературным персонажам. В этот период времени свет увидели:
- «Нарцисс и Эхо» (1629),
- «Царство Флоры» (1631),
- «Селена и Эндимион» (1630),
- «Танкред и Эрминия» (1630).
В 1640 году слава Пуссена достигла Франции. Людовик XIII пригласил художника ко двору, сделал его королевским живописцем. Но уже через 2 года мастер вернулся в Рим: предлагаемая французским монархом работа показалась мелкой, скучной, а придворные постоянно плели интриги против нового фаворита.
Мученичество святого Эразма
Больше Никола не покидал Италии. Последние годы он рисовал пейзажи, самая знаменитая серия картин этого периода – «Четыре времени года» (1664).
Влияние на мир искусства
Никола Пуссен стал ярчайшим представителем французских живописцев эпохи барокко. Его влияние на творчество других европейских авторов оказалось колоссальным.
Первоначально работы художника не были оценены должным образом, воспринимались как некая диковинка, любопытная вещица. Лишь со временем стало ясно, насколько мощны его картины, какая сила таится в каждом их штрихе.
Царство Флоры
Пуссен привнес во французскую живопись высокий стиль итальянского Возрождения. До него художники обходили Ренессанс стороной, считая его пережитком прошлого. Частично возродив старые традиции, новатор снабдил их современным видением искусства, тем самым заложив основы методов классицизма.
Продолжателями идей Пуссена стали не живописцы XVII века, а художники-классицисты XVIII столетия. При жизни мастер кратко описал правила, которых он придерживался в работе. Впоследствии они легли в основу принципов обучения французской Королевской академии живописи и скульптуры.
Аполлон и Дафна
Картины Николы Пуссена сегодня украшают лучшие музеи мира – Эрмитаж, Лувр, Прадо, Лондонскую картинную галерею.
Интересные факты
Любопытные моменты жизни Николы Пуссена, на которые стоит обратить внимание:
- По матери у художника были брат и сестра, но ни с ними, ни с родителями после отъезда в Рим он не общался и не упомянул их в завещании.
- Общее число полотен живописца на сегодняшний день – 244, еще 30 – под вопросом (авторство установить затруднительно).
- Самая известная картина Пуссена – «Мученичество святого Эразма» (Музей Ватикана).
- Предметы искусства, обнаруженные в доме художника после его смерти, оценили в 60 тысяч экю.
- Могила мастера находится в церкви, где проходило его венчание с супругой (Сан-Лоренцо-ин-Лучина, Рим.
- Чтобы уехать из Парижа и не обидеть короля, Пуссен солгал им о болезни жены.
- Последняя работа «Аполлон и Дафна» осталась незавершенной из-за смерти супруги: со дня ее кончины живописец не брал в руки кисть.
- Пуссен больше гнался за славой, чем за богатством: даже когда заказчик присылал за картину меньшую сумму, чем было оговорено, художник не возражал.
- Помимо художественных навыков, живописец подробно изучил анатомию, геометрию, чтобы создавать сюжеты, основываясь на точных знаниях.
- Картины мастер писал долго, медленно, всегда самостоятельно, не привлекая помощников или учеников.
- Памятники Пуссену установлены в Париже, Риме.
- В 1631 году мастера избрали членом Академии Святого Луки – римского объединения художников.
- Никола Пуссен прибыл в Рим, не имея за душой практически ничего, а умер одним из богатейших людей этого города.
Анаморфоз
Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.
На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.
А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.
blog.thomasjquinn.com blog.thomasjquinn.com www.rebloggy.com www.rebloggy.com www.josephegan.co.uk www.josephegan.co.uk
Иван Константинович Айвазовский
«Все эти успехи в свете – вздор, меня они минутно радуют и только, а главное мое счастье – это успех в усовершенствовании» – Иван Константинович Айвазовский.
Русский художник-маринист. Говорил, что сюжет картины слагается у него в памяти, как сюжет стихотворения у поэта. Писал картины «по памяти», а не с натуры, считая, что так они получаются более живыми.
Самые известные картины: «Девятый вал», «Черное море», «Радуга», «Ночь на Черном море», «Корабль среди бурного моря», «Море. Коктебель», «Волна».
Айвазовский с раннего детства писал людей, парусные корабли и пейзажи. Его работы очень рано заслужили самую высокую оценку со стороны современников. Он отличался не только талантом, но и чрезвычайной производительностью – он практически ежедневно писал один холст за другим. Картина «Девятый вал» позволила его таланту развернуться во всей своей глубине.
Все его выставки неизменно сопровождались небывалым успехом, его творчество всегда ценилось даже самыми великими людьми. Его большую картину «Хаос» приобрел сам Папа Григорий XVI, а знаменитый английский маринист Тернер посвятил его картине «Неаполитанский залив лунной ночью» восторженные стихи. Художник получил признание не только в России, но и за рубежом. Его картины выставляются в лучших галереях мира.
В отличие от многих других художников, в поздние годы своей жизни Айвазовский пережил новый творческий подъем и расцвет таланта. Он неутомимо работал до самого конца своей жизни. Он создал картину «Черное море», которая считается одной из самых грандиозных картин в мире, а затем картину «Волна», которую он и сам считал «своей лучшей бурей».
Где почитать о художнике: Л. Вагнер «Повесть о художнике Айвазовском», Н. Кузьмин «Пленник моря. Встречи с Айвазовским», Д. Каффьеро и И. Самарин «Неизвестный Айвазовский».
Детство
О детских, отроческих годах Пуссена сохранились отрывочные данные. Точная дата его рождения неизвестна: церковно-приходские книги, хранившие информацию о новорожденных, были утрачены. В литературе упоминается 15 июня 1594 год, но это лишь условность. Сам художник в одном из писем утверждал, что появился на свет в 1593 году. Его родина – местечко Лез-Андели в Нормандии.
Разрушение Иерусалима
Родители будущего гения не имели отношения к искусству. Мать была неграмотна, происходила из семьи разбогатевших крестьян. Отец обладал более высоким положением и смог обеспечить сыну достойное образование.
Показать таблицу
| Историческая справка | |
| Годы жизни | 15 июня 1594 — 19 ноября 1665 |
| Страна | Франция |
| Жанр | Живопись |
| Стиль | Классицизм |
| Сюжеты | Пейзажи, история, мифология, религия |
Мальчик получил первые знания в Руане, столице Нормандии, при монастыре иезуитов. Там пристрастился к рисованию. Приехавший расписывать церковь парижский художник К
Варрен обратил внимание на работы талантливого отрока, забрал его с собой, в столицу Франции, сделал своим учеником
В Париже Никола Пуссен некоторое время интересовался творчеством Фердинанда ванн Элле, затем перешел в ученики к Жоржу Лаллеману.
Смерть Германика
Его мировоззрение перевернулось после того, как молодой человек оказался в Лувре. Увидев картины итальянских художников эпохи Возрождения, Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, очаровался ими. Именно тогда созрело решение отправиться в Рим, оттачивать мастерство, искать собственный путь в искусстве.
Родители стремлений сына стать художником не поддерживали. В возрасте 18 лет он сбежал в Италию, игнорируя их недовольство.
Флоренция времён Макиавелли
Политические и философские взгляды Макиавелли напрямую связаны с пережитыми им событиями и общественными процессами, с которыми ему пришлось столкнуться. Политическое устройство Флоренции в годы жизни Макиавелли было весьма своеобразным. Во время войн гвельфов и гибеллинов здесь сформировался такой строй как коммуна, позволявшая жителям самостоятельно управлять своим городом. За 25 лет до рождения Никколо Макиавелли власть в городе захватила могущественная династия Медичи. При этом члены семьи Медичи не занимали каких-либо государственных постов, их власть держалась на авторитете и богатстве. Формально Флоренция оставалась демократической коммуной, но фактически была олигархией — все важнейшие вопросы города решались Медичи. Медичи были покровителями науки и искусств, при них во Флоренции начался расцвет гуманистического движения.
В 1492 году умер негласный глава города — Лоренцо Медичи — и борьбу за контроль над Флоренцией начал настоятель местного монастыря — Джироламо Савонарола. Савонарола сумел добиться изгнания семьи Медичи из Флоренции, а после этого стал вводить новые порядки, направленные, по его мнению, на возрождение нравственности горожан. В городе были запрещены песни, танцы, веселье и роскошные наряды. Началось преследование многих гуманистов, уничтожались произведения искусства. Город погрузился в аскезу и уныние. Диктатура Савонаролы продлилась 5 лет и завершилась казнью властолюбивого настоятеля в 1498 году.
Ещё при жизни Савонаролы в городе начался хаос. Италия XVI века была не единым государством, а совокупностью сильных городов и княжеств, проводивших самостоятельную политику. У многих иностранных правителей и представителей итальянских родовитых семейств возникал соблазн объединить Италию под своим началом. Разумеется, богатая и величественная Флоренция привлекала завоевателей. Поэтому на рубеже XV-XVI веков Флоренция оказалась в самом эпицентре разгоревшихся на Аппенинском полуострове Итальянских войн. На город-коммуну одновременно претендовали:
- Франция,
- Испания,
- Священная Римская империя.
Леонардо да Винчи (1452-1519)
Леонардо да Винчи был итальянским художником, скульптором, математиком и изобретателем, а так же занимался изысканиями в архитектуре, науке, музыке, инженерном деле, астрономии, геологии и многих других областях. Именно поэтому он получил имя “Человек эпохи возрождения”, так как обладал знаниями практически во всех областях, доступных в то время. Вероятно, самым известным его полотном можно назвать “Мону Лизу” (1503-1506), которая считается самой посещаемой, узнаваемой и пародируемой картиной за свою историю.
Причиной её популярности является неуловимая загадочность, таинственная улыбка изображённой на портрете девушки. Многие историки, впервые увидев эту картину, описали её как нечто, чего ни одна фотография не могла бы запечатлеть. Считается, что на портрете изображена Лиза дель Джокондо, жена Франческо дель Джокондо. Итальянское название “Моны Лизы” — “La Gioconda”, что означает “jocund” (счастливый или живой, что можно считать игрой слов с фамилией семьи – Giocondo. Французское название картины, “La Joconde”, имеет то же значение).
Естественный свет и яркое солнце
Уорхол и Баския: неоэкспрессионистский поп-арт
Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския — культовые художники, без которых сложно представить историю искусства ХХ века, но разные по темпераменту, жанру и манере. И всё же они сумели объединиться. Одну из их совместных картин даже можно увидеть в Мраморном дворце Русского музея.
Однажды Баския, молодой и дерзкий, подошел в ресторане к уже зрелому и состоявшемуся художнику Энди Уорхолу и показал свои рисунки, рассчитывая на одобрение и поддержку. Тот усмехнулся, однако позже рассмотрел в темнокожем юнце гения.
В дуэте Баския искал славы, а Уорхол — свежести, новизны и молодости.
Работали они в мастерской мэтра, но независимо друг от друга: Энди раскрашивал контуры предметов, спроецированные на полотно проектором, а Баския поверх этого экспрессивно набрасывал краску. В итоге картина напоминала рекламный постер, залитый пятнами.
Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския «Без названия» (1984)
Пабло Руис Пикассо
«Некоторые художники изображают солнце желтым пятном, другие же превращают желтое пятно в солнце» – Пабло Пикассо.
Испанский и французский художник, скульптор, один из создателей кубизма. Его стиль написания картин менялся на протяжении всей его жизни.
Самые известные картины: «Девочка на шаре», «Арлекин и его подружка», «Автопортрет», «Авиньонские девицы», «Герника», «Абсент и карты», «Плачущая женщина».
Пикассо всегда проявлял неподдельную любовь и рвение к своей работе и эволюционировал как художник на протяжении всей жизни. Изначально он писал картины в практически одноцветной гамме голубых, синих и зеленых тонов. Они были насквозь пропитаны чувством тоски и образами меланхолии и нищеты. Позднее в его работах развилась гуманистическая тема, картины стали более оптимистичными, а тона более прозрачными.
Чуть позже Пикассо отошел от традиционного способа изображения фигур и пространства и разработал новый стиль – кубизм, в рамках которого он создавал массивные и грубые геометрические фигуры, раскладывая их определенным образом на плоскости и выделяя цветовые и фактурные элементы.
Брак и рождение сына возвратили Пикассо к миру ясных, четких и понятных форм, однако его позднее творчество стало еще более странным: он рисовал людей, напоминающих монстров, а сами образы картин представляли собой синтез презрения, сострадания и предупреждения. Вторая мировая война не могла не отразиться на творчестве художника, и он начал считать, что живопись – это не украшение жилища, а инструмент войны.
В завершение своей жизни Пикассо стремился к единству стиля, его искусство обрело более устойчивые формы
Он уделял особое внимание пейзажам, делая упор на растительность, передавая ее широкими и гибкими мазками
Где почитать о художнике: Д. Брассай «Разговоры с Пикассо», М. Бернада «Пикассо», Н. Мейлер «Пикассо. Портрет художника в юности».
Исаак Левитан: сено лучше черепов
Любитель уединенных прогулок и мастер лирического пейзажа Исаак Левитан написал в 1879 году картину «Осенний день. Сокольники». Он показал ее другу Николаю Чехову, художнику и брату знаменитого писателя. Николай посмотрел на полотно и предложил добавить фигуру загадочной женщины в черном. Предложил — и сам сделал. Итоговая версия понравилась Павлу Третьякову, который поспешил купить работу.
И. И. Левитан «Осенний день. Сокольники» (1879). Источник
Людей Левитан изображал неохотно и редко, но нельзя сказать, что они живописцу совсем не давались. Он 11 лет отучился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и блестяще прошел итоговое испытание: написал этюд с обнаженного натурщика — хотя в годы учебы он отказывался рисовать черепа, скелет и всё, что ассоциировалось у него со смертью.
Константин Коровин вспоминал, как поспорил с Левитаном, нужно ли художнику знать анатомию. Слова последнего объясняют многое в его творчестве: «Я хочу писать стог сена, в нем же нет костей и анатомии…»
Избранные работы [ править ]
- Портрет Лоуренса Хайд, графа Рочестера — холст, масло, 113 x 89,4 см, частное собрание
- Христос перед Пилатом (1649-1650) — холст, масло, 216 x 174 см, Музей изящных искусств , Будапешт
- Портрет четырех детей (1657) — холст, масло, 150 x 112 см, Groeningemuseum , Брюгге
- Христос благословляет детей (1652-1653) -Холст, масло, 206 x 154 см, Национальная галерея , Лондон
- Портрет Юстуса Криекса (1666) — холст, масло, 109 x 92 см, Музей изящных искусств , Будапешт
- Подслушиватель с ругающей женщиной (1655) — Масло, панель, 46,3 x 72,2 см, Частное собрание.
- Праздный слуга (1655) — Дерево, масло, 70 х 53 см, Национальная галерея , Лондон
- Кружевница (1649-1650) — холст, масло, Метрополитен-музей , Нью-Йорк
- Кружевница (1655) — холст, масло Национальная галерея Канады , Оттава, Онтарио
- Дремлющая старуха (1656) — холст, масло, 135 x 105 см, Королевские музеи изящных искусств Бельгии , Брюссель
- Женский портрет (1667) — Холст, масло, 90 x 72 см, Musée d’Arras , Аррас
- Женский портрет — холст, масло, 89,6 x 71,2 см, Museum voor Schone Kunsten , Гент
- Женщина прядет (1655) — Масло на панели, Рейксмузеум , Амстердам
- Апостол Фома (1656) — Холст, масло, Museumslandschaft Hessen Kassel
- Женщина, щипающая утку ( ок. 1656 г.) — холст, масло, Художественный музей Филадельфии , Филадельфия
- Старуха за молитвой ( около 1656 г.) — холст, масло, 134 x 113 см, Рейксмузеум , Амстердам
- Ведение счетов (1656 г.) — Холст, масло, 66 x 54 см, Художественный музей Сент-Луиса , Сент-Луис
- Подслушивающий (1657) — холст, масло, 92 x 122 c, Дордрехтский музей
- Портрет Якоба Трипа ( ок. 1660) — холст, масло, 88 x 68 см, Музей изящных искусств , Будапешт
- Портрет Маргареты де Гир, жены Якоба Трипа ( ок. 1660 г.) — холст, масло, 88 x 68 см, Музей изящных искусств , Будапешт
- Портрет Симона ван Альфена ( ок. 1680) — холст, масло, 71 x 57 см, Рейксмузеум , Амстердам
- Портрет Вильгельма Третьего Оранского (после 1677 г.) — холст, масло, Художественный музей Блэнтона, Остин, Техас
Мировая известность
Два успешных боевика «Скала» (1996) и «Воздушная тюрьма» (1997) принесли Николасу мировую популярность. Все его последующие работы были не менее громкими, особенно запомнились зрителям:
- «Город ангелов»;
- «Глаза змеи»;
- «Воскрешая мертвецов»;
- «8 миллиметров»;
- «Семьянин»;
- «Угнать за 60 секунд»;
- «Сокровище нации»;
- «Оружейный барон»;
- «Башни-близнецы»;
- «Адаптация».
В среднем ежегодно выходит по три-четыре фильма с участием Николаса Кейджа. Практически всегда это главные роли. Кто-то уверен, что Ник снимается во всякой ерунде без разбора, потому что имеет большие денежные долги. Другие, наоборот, считают, что актёр нереально востребован. Сам Кейдж по этому поводу думает иначе. У него вообще в этой жизни на многие вещи своё особенное мнение. Быть может, поэтому его по-прежнему, как когда-то в школе, считают немного сумасшедшим.
Один раз он поспорил с режиссёром, что съест в кадре живого таракана. В результате выиграл спор, медленно разжёвывая мерзкое насекомое. В следующий раз, чтобы войти в образ для долгожданной роли, сказал дантисту вырвать ему три зуба без наркоза. А готовясь к картине «Воскрешая мертвецов», несколько часов просидел в морге. Американские критики называют его чудаковатым, но актёр нисколько на них не обижается.
Он уже давно причислил себя к всеядным исполнителям, то есть главная цель Ника в профессии – испробовать все типы характеров и сняться во всех стилях кино: боевик, драма, комедия, фантастика, арт-хаус. Для Кейджа важнее не количество фильмов, в которых он сыграл, а их жанровое разнообразие. Играть одни и те же роли ему скучно, Ник любит удивлять зрителей и себя самого.
Существует лишь одна причина, по которой он не возьмётся за роль, – если почувствует, что типаж героя не его. А так как Николас играет во всех существующих жанрах, в его карьере почти не было отказов от предлагаемой работы. Один раз ему поступило предложение сняться в фильме «Властелин колец», но нужно было уезжать в Австралию и Новую Зеландию. На тот момент актёр не мог позволить себе уехать далеко и надолго, пришлось отказаться. Сейчас об этом сожалеет.
