Артемизия Джентилески (1593–1653)
Wikimedia Commons / Sonya92 / gillmar / Shutterstock / Горящая изба
Итальянская художница с непростой судьбой стала первой женщиной, которую приняли в Академию живописного искусства во Флоренции.
Отец Артемизии, Орацио Джентилески, был довольно известным художником, одним из последователей Караваджо. И первые шаги в живописи Артемизия делала под его руководством. Ещё одним учителем Артемизии был друг отца — пейзажист Агостино Тасси. Именно с ним связано самое трагическое событие в жизни начинающей художницы.
Тасси изнасиловал Артемизию, когда ей было 18 лет. Он обещал ей и её отцу, что женится на ней. На самом деле своего обещания Тасси исполнять не собирался и вообще он уже был женат. Когда правда вскрылась, Орацио подал на Тасси в суд. Художника судили, но для самой Артемизии это был удар по репутации. Более того, во время дачи показаний её пытали, чтобы понять, говорит ли она правду или лжёт.
Ужасные события отразились в творчестве Артемизии. Героинями её картин часто становились женщины, подвергающиеся насилию, или, наоборот, одерживающие верх над мужчинами. На своих полотнах она изображала Лукрецию, Клеопатру, царицу Савскую. Самая известная её работа «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» — оммаж на одноимённую картину Караваджо. Только её Юдифь получилась более решительной и величественной.
Детство и юность
Артемизия родилась 8 июля 1593 года в Риме. Ее отец Орацио Джентилески был известен в ту эпоху как талантливый живописец, использующий в работах принципы караваджизма. Для стиля барокко, заданного бунтарем и новатором Микеланджело Караваджо, характерен отказ от идеализации изображаемого, интерес к реальным моделям, экспрессия в подаче материала.
Орацио рано заметил способность дочери к живописи и стал для наследницы первым учителем. Сначала мужчина научил девочку готовить материалы для будущих картин, очищать масла, грунтовать холсты и другим навыкам. Затем Артемизия пробовала копировать работы известных мастеров, а также выступала помощницей отца, когда тот создавал полотна.
К 1609 году девушка пробовала самостоятельно писать картины под чутким руководством отца. Сохранилось письмо, отправленное Орацио великой княгине Тосканской, в котором художник с гордостью утверждает, что его дочь достигла того уровня, что позволяет ей сравниться мастерством со зрелыми итальянскими творцами.
Флоренция (1613-1620 гг.)
Брак с Пирантонио Стиаттези, родственником ключевого свидетеля, помог быстрее восстановить репутацию. Стиаттези был флорентийцем, и у него были связи с влиятельными чинами. В начале 1613 года супруги переехали из Рима во Флоренцию.
А.Джентилески. Автопортрет в образе мученицы. около 1615
Приданое Артемизии было вложено в покупку недвижимости в Пизе и Риме, а также в собственную мастерскую. Девушка становится независимой художницей, что было исключительно в те времена. Быстрому развитию ее бизнеса помогают полезные связи супруга Пирантонио .
Во Флоренции Артемизия учится писать и читать, знакомится с высокой культурой. Муж позволяет ей работать и вести активную жизнь. Они общаются в самых высоких кругах флорентийского общества, участвуют во всех празднествах двора Медичи.
Художница работает при дворе Великого герцога Тосканского Козимо II Медичи. В течение двух лет Артемизия получает заказы на изготовление картин для дворца. Также она рисует «Аллегорию склонности» для Каза Буанаротти (этот дом-музей был создан внучатым племянником Микеланджело, чтобы почтить память своего знаменитого родственника).
А.Джентилески. Аллегория склонности (природного таланта) к искусству.1615-1616.роспись в Каза Буанаротти
Художница общается в интеллектуальных кругах и через этих людей также получает заказы.
Флорентийские годы Артемизии были расцветом ее деятельности: интересные заказы от влиятельных особ, общение в высших слоях общества, финансовые манипуляции с кредитами и рождение пятерых детей (из них, к сожалению, выжила только одна дочь).
Во Флоренции она знакомится с астрономом Галилео Галилеем, который недавно опубликовал свой новаторский трактат «Звездный вестник».
В 1616 году Артемизия стала первой женщиной-художницей, избранной членом Флорентийской Академии живописного искусства, первой художественной Академии Европы.
А.Джентилески. Кающаяся Магдалина.1615-1616
В 1618 году Артемизия завела роман с дворянином Франческо Марией Маринги (часть этой истории была обнаружена только в 2011 году, когда появилась коллекция писем).
Ее муж терпел эти отношения, по крайней мере, какое-то время. Это не было чем-то необычным в контексте браков по расчету, особенно в таком случае, когда покровительство Маринги было полезно для семейной пары.
Однако местные высокопоставленные чины негативно восприняли такие отношения художницы, женщины простого происхождения, и дворянина.
А.Джентилески. Святая Екатерина Александрийская. 1618-1619
После того, как любовный роман снова сделал Артемизию центром общественного скандала, семья художницы покинула Флоренцию.
Пока дела шли хорошо, они могли продолжать выплачивать одни кредиты и брать новые, но это становилось проблематичным, когда брак распадался.
В случае развода художница понесла бы полную ответственность за долги, которые когда-то делила с мужем, и ей грозила бы конфискация имущества, поэтому семья вернулась в Рим.
Личная жизнь
Потрясенная произошедшим, жертва насилия пыталась спасти честь, надеялась, что Агостино женится на ней. Однако позже выяснилось, что свадьба не входит в планы творца. Орацио, узнавший о случившемся, написал послание папе Павлу V с требованием суда над виновным. Началось долгое разбирательство, в результате которого Тасси признали виновным.
Насильника обязали отбыть 5 лет в тюрьме или же навсегда покинуть Рим. Тот выбрал последнее, однако не покидал город, находясь под защитой могущественных римских покровителей. Общественность оказалась на стороне Агостино, поверив показаниям купленных свидетелей, и обвиняла девушку в разврате.
После оглашения приговора Артемизия вышла замуж за малоизвестного художника Пирантонио Стиаттези, которого для дочери нашел отец. Вскоре после венчания супруги покинули Рим и отправились во Флоренцию. В браке родились четверо детей — сыновья Джованни Баттиста и Кристофано, а также дочери Пруденсия-Пальмира и Лисабелла.
Однако союз художников не был счастливым. Во Флоренции Стиаттези влез в большие долги, а у Джентилески появился состоятельный поклонник Франческо Мария Маринги. Муж знал о романе, однако не устраивал сцен ревности: Маринги материально помогал семье. В 1621 году женщина, оставив мужа, вернулась с детьми в Рим.
Фрида Кало (1907-1954 гг.)
Фрида Кало с фигуркой ольмеков. 1939 г. Фото Николаса Мурая. Rutage.com.
Что приходит в голову при упоминании имени Фриды Кало?
Темпераментная натура, брак с художником Диего Ривера, тяжёлая авария, сквернословие и, конечно, знаменитая монобровь…
За интересной биографией порой теряется само творчество. Но только не у Фриды. Ее картины столь же яркие и неповторимые, как она сама.
Больше всего Кало прославилась автопортретами. Причём почти всегда они были отражением её внутренних переживаний.
Картина «Диего и Я» – не исключение.
Фрида Кало. Диего и я. 1949 г. Частная коллекция. Pinterest.ru.
Фрида считала, что знакомство с Диего было одним из двух несчастий ее жизни. Он всегда был в её мыслях. Поэтому частые измены мужа были для неё крайне болезненными. Оттого мы и видим слёзы на глазах.
Вторым несчастьем Кало считала аварию, в которую попала. Она получила очень тяжёлые травмы: автобус, в котором ехала девушка, врезался в трамвай.
Она долго восстанавливалась после этого. Но до конца здоровье так и не вернулось. Она всю жизнь мучилась от постоянных болей, а ещё так и не смогла стать матерью.
Для Кало рисование было арт-терапией. Поэтому ее тело на полотнах то утыкано гвоздями, то покрыто алыми шрамами. Боль настоящая перерождалась в символы боли на картинах.
«Сломанная колонна» – тоже психотерапевтическая для Фриды работа.
В 1940-х ее ждало еще одно серьезное испытание. Когда-то сломанный в нескольких местах позвоночник не выдерживал нагрузок.
Врачи заставили Фриду носить полгода (!) стальной корсет. Это было невообразимо сложно и мучительно.
Фрида Кало. Сломанная колонна. 1944 г. Музей Долорес Патиньо в Мехико. Artchive.ru.
И вот Фрида рисует свой больной позвоночник в виде разрушающейся древнеримской колонны. В собранном состоянии ее удерживает только пресловутый стальной корсет.
Фриду не интересовало, что от женщины ждали эстетичной живописи. Для неё это была возможность хоть как-то ужиться со своей болью и предчувствием смерти.
В результате Кало выработала уникальный стиль. Что-то среднее между сюрреализмом и фолк-артом. Она стала художником, чью кисть узнают сразу, даже без базовых знаний живописи.
Джентилески и Караваджо
Единственная дочь Пруденции Монтоне и художника Орацио Джентилески Артемизия родилась 8 июля 1593 года в Риме. В двенадцатилетнем возрасте она потеряла мать, скончавшуюся при родах третьего ребенка. Взяв на себя хлопоты по хозяйству и опеку над младшими братьями, Артемизия вела довольно замкнутый образ жизни, ей редко позволяли выходить на улицу, кроме как посещать церковь. Именно в этот период, проводя долгие часы в мастерской своего отца и вдохновленная его талантом, она начала заниматься живописью.
Это интересно!
Орацио Джентилески (1563-1639) содержал себя и четверых детей, выполняя довольно скромные заказы для некоторых церквей и часовен в Риме. Будучи горячим поклонником творчества Микеланджело Меризи да Караваджо, написавшего в 1601 году две картины для часовни Контарелли в церкви Сан Луиджи деи Франчези, Орацио один из первых откликнулся на новый эстетический взрыв художественного искусства в Риме начала 1600-х гг., открывшего для него новые перспективы. Дальнейшая дружба с Караваджо, значительно повлияла на все его творчество, однако продлилась недолго. В 1603 году, после того как один из коллег художников обвинил Орацио и Караваджо в написании на стенах городских зданий оскорбительных граффити, оба друга предстали перед судом. Вскоре скандального художника обвинили в убийстве, и в 1606 году Караваджо бежал из Рима в Неаполь.
Первоначально Орацио не питал никаких надежд в отношении художественных навыков своей единственной дочери – он представлял для нее жизнь монахини, но вскоре природный талант Артемизии заявил о себе. В обучении ремеслу под опекой отца она начала осваивать драматический стиль светотени Караваджо, и в 1608-1609 годах их отношения учителя и подмастерья переросли в эффективное сотрудничество: дочь, по сути, начала вмешиваться в некоторые отцовские полотна, чтобы затем самостоятельно создавать небольшие произведения. Примером этому является написанное в 16-летнем возрасте полотно «Мадонна с ребенком», а картина Артемизии Джентилески «Сусанна и старцы» (1610), по мнению некоторых критиков, отмечает ее официальное вступление в большой мир художественного искусства.
«Мадонна с ребенком» (1609) и «Сусанна и старцы» (1610)
Картина Джентилески воспроизводит библейскую сцену истории Сусанны, в которой обнаженная девушка была замечена во время купания двумя престарелыми вуайеристами. Похотливые развратники, возжелавшие тело молодой матроны, шантажируют сладострастную деву ее связью с несуществующим любовником, однако Сусанна остается верной своим убеждениям и целомудрию. Эта наиболее известная ранняя работа стала пророческой в дальнейшей судьбе художницы.
Луиза Буржуа (1911–2010)
Wikimedia Commons / Sonya92 / gillmar / Shutterstock / Горящая изба
Француженка Луиза Буржуа — одна из главных творческих деятельниц ХХ века. В своих работах она часто обращалась к теме феминизма и места женщины в современном обществе. На её творчество повлияла семейная трагедия, которую Луиза пережила в детстве.
Юные годы Луиза провела в провинции. Она стала свидетельницей того, как её отец открыто изменял матери с гувернанткой. Мама об этом тоже знала, но предпочитала терпеть, чтобы не разрушать семью. Для Луизы это стало настоящей травмой, которую она позже воплотила сразу в нескольких работах. Когда в 1932 году мама умерла, Луиза хотела покончить жизнь самоубийством, чтобы не жить с отцом-предателем.
Буржуа училась в Сорбонне на технической специальности, но брала художественные уроки. Её первыми шагами в мире искусства стала живопись. Одна из первых работ, Femme Maison, — серия картин, посвящённых размышлениям Луизы о роли женщины в семье.
К скульптурам Луиза перешла благодаря своему учителю кубисту Фернану Леже. Поначалу в её работах чувствовалось его влияние, но позже она нашла собственный стиль. Знаковой работой Луизы стала скульптура «Разрушение отца» — структура с изображением жертвенной плиты и разбросанной по ней частям тела. В ней Луиза выразила всю ненависть, которую испытывала к родителю.
Главная работа, которая прославила Луизу Буржуа, — серия огромных скульптур пауков, которую она назвала «Мама». В прочтении Луизы пауки символизируют собой материнское терпение. В 1999 году за этот проект она получила «Золотого льва» на 48‑й Венецианской биеннале.
Фрида Кало (1907–1954)
Guillermo Kahlo / Wikimedia Commons / Zayats_art / gillmar / Shutterstock / Горящая изба
Трагичная жизнь этой известной мексиканской художницы сделала её одной из знаковых фигур в мире высокого искусства. Фрида Кало всю жизнь писала себя и о себе. Её первые работы — череда автопортретов, которые она писала будучи прикованной к больничной койке.
Трагический случай привёл Фриду в художественный мир. Ей было 17 лет. Она возвращалась из школы на автобусе, который попал в аварию. Фрида получила сильнейшие травмы. Врачи прогнозировали, что она уже никогда не сможет ходить. Тогда-то Кало и начала писать картины, прикованная к постели. Все её работы были либо натюрмортами, либо автопортретами.
После аварии и многочисленных операций Фрида смогла восстановиться. В 1928 году она вступила в коммунистическую партию, а в 1929‑м — вышла замуж за художника Диего Риверу, который также поддерживал коммунизм. Их непростые отношения с Диего и его многочисленный измены нашли своё отражение в творчестве Фриды. Например, картина «Всего-то несколько царапин!», в которой Фрида переосмысляет их отношения с мужем. На её написание Кало вдохновила газетная заметка о мужчине, который зарезал свою подругу и на суде сказал: «Я всего лишь ткнул её несколько раз».
Некоторые работы Фриды казались даже чересчур откровенными. Например, «Госпиталь Генри Форда», в которой Фрида так смело показала сложную женскую долю. В её основу лёг собственный опыт Кало, эмоции, которые она испытала от потери ребёнка.
Рим (1620-1626 гг.)
Следующие десять лет Артемизия провела сначала в Риме, потом в Венеции.
В свой родной город женщина вернулась знаменитой художницей. Она открыла свою мастерскую и завоевала общественное признание своего профессионализма в Риме.
Артемизия ссорится с отцом: он не одобряет ее поведения, а она все еще помнит старые обиды из-за судебного процесса (именно по инициативе отца начались скандальные разбирательства). Дочь и отец помирились только в Лондоне в 1638 году, незадолго до смерти Орацио.
Брак Артемизии постепенно распадается. В 1624 году они мирно и спокойно расстаются с мужем. Женщина становится свободной и зарабатывает сама.
Несмотря на то, что она была признанным художником и портретистом, большинство крупных значимых работ заказывали художникам- мужчинам. От такого гендерного неравенства Артемизия страдала всю жизнь. И ее заработки были намного меньше возможных.
Симон Вуэ. Портрет Артемизии Ломи Джентилески, ок. 1623—1626
В Риме тоже была академия искусств (Академия Святого Луки). Туда также принимали женщин.
Папа Римский Урбан VIII был важным покровителем творческих женщин, среди которых значились художницы Вирджиния да Веццо и Маддалена Корвини, а также архитектор Плавтилья Бриччи.
Сама Артемизия не поступила в Римскую академию, возможно, потому, что она недолго оставалась в городе перед отъездом в Венецию.
Bauhaus Madels
О 87 особо значимых художницах Баухауса стоит почитать и после празднования столетия этой арт-школы: Патрик Рёсслер собирает в своей книге их ранее не публиковавшиеся портреты и недавно обнаруженные архивы. Смотрите, как «девушки Баухауса», среди которых была и Анни Альберс, экспериментировали с текстилем, создавали архитектурные и графические работы, кого фотографировали и какую музыку слушали. Глава школы, архитектор Вальтер Гропиус ратовал за «абсолютное равенство полов», но девушек допускали не до каждой дисциплины, с чем многим удалось побороться.
Bauhaus Madels, 4100 рублей, Taschen, respublica.ru
Неаполь (1630- 1654 гг.) и Лондон (1638-1639 гг.)
В 1630 году Артемизия с дочерью переехала в Неаполь и там провела остаток своей жизни, за исключением поездки в 1638-1639 годах в Лондон, где ее отец был придворным художником английского короля Карла I.
А.Джентилески. Автопортрет в образе аллегории Живописи. около 1638-1639
Ее автопортрет «Аллегория живописи» был частью коллекции Чарльза, сына короля.
Артемизия приезжает в Лондон по просьбе отца помочь закончить роспись потолка в Гринвиче, королевской резиденции. После смерти Орацио она возвращается в Неаполь.
А.Джентилески.Аллегория Мира и Искусств под английской короной. около 1638-1639.совместно с Орацио Джентилески, отцом художницы
К этому времени, как она писала Галилею, ее «почитали все цари и правители Европы, которым я посылала свои сочинения». Она не отступала от прямого утверждения своего таланта. Надеясь получить комиссионные от Франческо I д’ Эсте, герцога Моденского, она прислала образец работы и письмо, в котором отмечала: «я служила всем главным правителям Европы, которые высоко ценят мою работу… это послужило бы доказательством моей славы… Поэтому прошу простить мой дерзкий, но честолюбивый поступок».
В Неаполе Артемизия также открыла свою мастерскую и успешно вела свой бизнес.
В 17 веке Неаполь был испанским городом. Большинство заказов поступало от испанцев, отличающихся своими пожеланиями и требованиями.
И стиль местных художников не походил на итальянский. У Артемизии постепенно меняется манера живописи: художественные приемы становятся более мягкими, позы фигур более изящные, очаровательные лица, красивые композиции, спокойные цвета.
Артемизия уходит от драматической и контрастной манеры изображения. Она сотрудничает с местными художниками, с которыми создает несколько картин.
Например, полотно «Купание Вирсавии» написано совместно с живописцами Бернардо Каваллино, Джованни Франческо Барбьери и, возможно, другими.
А.Джентилески. Купание Вирсавии. около 1636-1638
В этот поздний период работы Артемизии включали в себя множество женских обнаженных изображений, таких как «Клеопатра» и «Давид и Вирсавия».
А.Джентилески.Клеопатра. около 1633-1635
Всегда внимательная к практическим аспектам ведения бизнеса, она жаловалась, что нахождение подходящих моделей для этой работы «очень дорого» и «большая головная боль».
«Когда я нахожу хороших, они обирают меня, а в другое время приходится терпеть мелочность с терпением Иова».
А.Джентилески.Давид и Вирсавия. 1645-1650
К этому времени спрос на ее искусство превысил возможности художницы. Часть работ, которые она брала на заказ, выполнялись, как это было принято в тот период, работниками ее мастерской с надписью «Артемизия», хотя ее собственного участия, возможно, почти не было.
Картины художницы пользовались большой популярностью, и некоторые Артемизия повторяла на заказ. Так появилось несколько Клеопатр, Юдифий, Магдалин.
А.Джентилески.Юдифь и её служанка с головой Олоферна. около 1645-1650
Когда дело касалось маркетинга, Артемизия была жестким переговорщиком. В 1649 году она написала Дону Антонио Руффо, известному коллекционеру, отказывая ему в скидке: «я была оскорблена, услышав, что вы хотите вычесть одну треть… Я не могу согласиться на сокращение, как из-за ценности картины, так и из-за моей большой нужды». Она была «недовольна тем, что во второй раз со мной обращаются как с новичком». В последующем письме она не отступала, написав, что Руффо «найдет дух Цезаря в этой женской душе».
Артемизия преодолела барьеры, мешающие женщинам получить профессию, обучаясь в доме своего отца. Но она хорошо осознавала, что рискует подвергнуться не столь достойному обращению из-за своего пола.
Как-то, получив от нее рисунок, один меценат нанял для этой работы художника-мужчину. Артемизия негодовала. «Если бы я была мужчиной, — писала она, — я не могу себе представить, чтобы все так обернулось».
А.Джентилески.Мадонна с младенцем и чётками. около 1650-1651
Последней картиной великой художницы считается в настоящее время «Мадонна с младенцем и чётками».
Артемизия умерла в 1654 году, оставив более 100 произведений. К сожалению, не все сохранились до наших времен.Кроме того авторство многих картин тех веков все еще исследуется. В средние века не было принято подписывать картины. Лишь 17 полотен Артемизии имеют ее подпись.
Agnes Martin. Her Life and Art
Между абстрактным экспрессионизмом и минимализмом Агнес Мартин нашла свое место: расчерчивала холсты по линейке, строила собственную цветовую геометрию и боролась с психологическими проблемами с помощью живописи и отшельничества на юго-западе Америки. «Я пишу картины, повернувшись к миру спиной», — говорила Мартин в документальном фильме, снятом о ней в восьмидесятых, и до Нэнси Принсенталь жизнь Агнес никто описать не пытался. В Thames & Hudson биография художницы, скончавшейся в начале нового века, вышла в 2015-м. Годом позже нью-йоркский Гуггенхайм устроил первую ретроспективу Агнес Мартин — про 40 лет полосок, сеток и «абстрактных эмоций» в искусстве.
«Бунтарки»
Но куда более масштабно и полноценно женщины смогли выразить себя в тех художественных стилях, что встали в оппозицию классицизму и академизму во второй половине XIX века: в самих программах импрессионизма, постимпрессионизма, модерна были заложены другие, отличные от старых схемы обучения и подражания, критерии качества и стратегии развития.
Берта Моризо (1841–1895) выставляла свои работы на парижских салонах, но в историю вошла как одна из «трех гранд-дам импрессионизма». Вместе с сестрой Эдмой она училась у Камиля Коро, однако Эдма оставила живопись вскоре после замужества. Берта же вышла замуж за Эжена Мане, который поддерживал ее занятия живописью. С братом Эжена Эдуардом Мане Берта была дружна, он написал много ее портретов; их произведения часто сравнивают, предсказуемо распределяя между ними роли «мэтра» и «последовательницы», несмотря на глубоко индивидуальный язык художницы:
Молодая женщина за туалетом. Берта Моризо. Между 1875 и 1880 годом
Портрет Берты Моризо. Эдма Моризо. 1865 год
Американка Мэри Кэссет (1844–1926) смогла поступить в Пенсильванскую академию художеств, но была разочарована этим опытом: к студенткам не относились всерьез, запрещали им посещение класса обнаженной натуры. Состоятельные родители Мэри поддерживали ее увлечение европейской культурой до тех пор, пока она не решила сделать искусство своей профессией: отец отказался оплачивать ее занятия живописью. Несмотря на неодобрение, Кэссет добилась успеха в Париже, она выставлялась с импрессионистами, дружила и работала с Эдгаром Дега. Самой известной темой ее работ были изображения детей, матерей с детьми, девушек — эти жанровые сцены обладают как тонкой интимностью и психологической глубиной, так и смелостью композиционных и колористических решений.
Купание ребенка. Мэри Кэссет. 1893 год
Сюзанна Валадон (1865–1938) попала в богемную среду благодаря тому, что ее мать держала прачечную на Монмартре, где жили и работали многие известные художники. Начав свою деятельность как натурщица, Валадон наблюдала за работой художников и смогла при жизни стать успешной художницей, первой из женщин была принята в Национальное общество изящных искусств. Ее творчество отмечено экспериментами, свойственными другим художникам постимпрессионизма; обнаженная женская натура в ее интерпретации эротизирована не менее, чем у Анри де Тулуз-Лотрека, прославившегося своими афишами для кабаре «Мулен Руж»:
Обнаженная на красном диване. Сюзанна Валадон. 1920 год
Чехол от скрипки. Сюзанна Валадон. 1923 год
Невозможно представить себе искусство русского модерна без Елены Поленовой (1850–1898), Марии Якунчиковой (1870–1902) и Анны Остроумовой-Лебедевой (1871–1955). Все три художницы являлись членами художественного объединения «Мир искусства». Поленова и Якунчикова — обе происходившие из семей, культуре не чуждых — обучались у русских и французских мастеров, были увлечены народным искусством и активно участвовали в абрамцевских мастерских в имении предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова, где художники могли быть свободны от иерархии видов искусств, которая была принята в Академии художеств и утверждала примат живописи и скульптуры над другими техниками и материалами. Реализовывая принцип соединения искусств и ремесел, заимствованный у английских прерафаэлитов, Поленова создавала эскизы предметов мебели и иллюстрации к русским сказкам:
Иллюстрация к сказке «Война грибов». Елена Поленова. 1880-е годы
Якунчикова выжигала деревянные панно, расписывая их масляными красками:
Осина и елка (панно). Мария Якунчикова. 1896 год
Обе художницы ушли из жизни молодыми, в некрологе в журнале «Мир искусства» Сергей Дягилев сожалел о ранней смерти Марии Якунчиковой: «Лишь только она начала развиваться как художница, она вышла замуж, затем — дети, затем — серьезная болезнь сына и, наконец, смерть».
Анна Остроумова-Лебедева возрождала технику цветной ксилографии — гравюры на дереве, — в которой она создала целый ряд городских пейзажей с изображением Санкт-Петербурга, ставшими впоследствии каноническими образами города:
Цепной мост. Анна Остроумова-Лебедева. 1903 год
Joan Mitchell: Lady Painter
«К впечатляющей книге Патриции Альберс, как и к масштабным полотнам Джоан Митчелл, стоит обращаться по утрам, — писал журнал New Yorker, — чтобы это занимало вас на целый день». Митчелл была суровой, дисциплинированной, смелой и ослепительной, готовой противостоять мужчинам-художникам и опровергнуть мнение о том, что женщина не создана для живописи.
О героине абстрактного экспрессионизма 1950-х, 1960-х и 1970-х, «дочери американской революции» и человеке, воспринимавшем мир в цветах и эмоциях, Патрисия Альберс рассказывает на пятиста с лишним страницах. В первую биографию такого масштаба поместились рабочие моменты и подробности личной жизни, эволюцию Митчелл как художницы Альберс описывает так же подробно, как замужество, романы и дружеские связи.
Joan Mitchell: Lady Painter, $77, Knopf, amazon.com
Катарина ван Хемессен (1528 – 1587)
Фламандская художница Катарина ван Хамессен – абсолютный новатор в живописи. Она едва ли не самая первая из художников изобразила себя за работой у мольберта. На картине 20-летняя девушка смотрит в невидимое зеркало и отображает увиденный образ на холсте. Ее взгляд устремлен мимо зрителя, выражение лица задумчивое и сосредоточенное. Ее мысли остаются загадкой: думает ли она о том, как получше себя изобразить или как пооригинальнее запечатлеть свой след в истории.
В пользу второй версии говорит надпись, сделанная в правой части полотна: «Я, Катарина ван Хамессен, нарисовала меня в 1548 году…». Подписи к картинам художники делали и раньше, желая пояснить смысл или датировать изображение. Но в данном случае текст ничего не проясняет, от него веет интригой. Художница заявляет о себе, подражая Альбрехту Дюреру, великому немецкому мастеру эпохи Возрождения. Дюрер сделал аналогичную подпись к автопортрету, на котором изобразил себя в образе воскресшего Христа…
В своем произведении Катарина проводит смелую параллель между собственным скромным образом и самим Спасителем. Если внимательно присмотреться к расположению кисти в руке художницы, видно, что она находится под строгим прямым углом к вертикально установленной опоре. Безошибочно узнается изображение креста как символа и намека на распятие. Художница словно призывает Спасителя себе в помощь, а возможно, видит его образ в самой себе. Эту загадку еще не одно столетие будут разгадывать художники и искусствоведы.
В заключение
Такие разные, удивительные, неповторимые женщины-творцы стали яркими символами своих эпох:
Артемизия Джентилески – это барокко XVII века;
Клара Петерс – натурализм малых голландцев того же XVII века;
Элизабет Виже-Лебрен – рококо XVIII века;
Мэри Кассат – импрессионизм XIX века;
Наталья Гончарова – русский авангард XX века;
Джорджия О’Кифф – модернизм XX века;
Фрида Кало – сюрреализм того же XX века.
Не все имена, к сожалению, у любителей живописи на слуху. Но сейчас мы постепенно вспоминаем их. Ведь они покорили-таки живописный Эверест.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
