Демон, 1890
В конце XIX в. братья Кушнаревы и издатель П. Кончаловский задумали выпустить юбилейное издание М. Ю. Лермонтова. Над изданием работали 18 именитых художников, и Врубель был одним из тех, кому выпала честь придать видимый образ персонажам великого русского поэта. Ему принадлежит мистическое черно-белое изображение царицы Тамары и Демона.
Это не единственное обращение к данной теме, — позднее Врубель создает одну из своих наиболее узнаваемых картин — «Демон сидящий». Это полотно стало его визитной карточкой. На первый взгляд, фигура сосредоточила в себе всю безысходность человека. Она не вмещается в отведенное для нее пространство. Внутри скрыта большая сила, но глаза полны тоски, они смотрят в сторону заходящего солнца, не ожидая от дальнейших событий ничего хорошего.
Это изображение опустошения внутреннего мира поражает своим мастерством и пониманием внутреннего мира героя. Он отовсюду изгнан, всеми отвержен. Врубель писал о нем сестре: «Дух, не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всем том дух властный… величавый».
Этот мятущийся дух стал главной темой творчества великого художника, словно внутренняя натура живописца отражается в этой позе. Необычная техника работы рождает на свет формы, подобные кристаллам. Автор много работал над образом, внося изменения даже в выставляемую картину. Образ Демона часто был главной темой его сюжетов, внося смятение в его беспокойную душу.
Кузнецов Павел Варфоломеевич, «Вечер в степи», 1912 год
Кузнецов Павел Варфоломеевич, «Вечер в степи», 1912 г.
Кто такой Павел Кузнецов?
Кузнецов – художник из Саратова. Он родился и рос в творческой обстановке, в семье иконописца. С детства занимался в студии живописи, где на творческую молодежь влияли талантливые наставники. Значимым учителем для Кузнецова был Борисов-Мусатов; его работы также есть в Третьяковской галерее.
Павел Кузнецов сотрудничал с Петровым-Водкиным, их совместный проект – роспись в церкви Казанский Божьей Матери в Саратове. К сожалению, труды быстро уничтожили – они были далеки от канонов церкви.
В 1907 году Кузнецов, Сарьян, Уткин и другие живописцы, товарищи Борисова-Мусатова, объединились под названием «Голубая роза». Общество вошло в историю русской живописи, оно было уникальным. Художники писали в стиле символизм, часто в голубых тонах. Образы были романтичные, легкие и мистические. Но, чем старше становился Кузнецов, тем чаще он писал в стиле модерн.
Кузнецов был признан при жизни. Его работы выставляли и покупали не только в России, но и в Париже. Кузнецов с 1906 до конца жизни был участником Осеннего Салона.
Как появилась картина «Вечер в степи»?
В 1912 Павел Кузнецов около года путешествовал по Центральной Азии. Он знакомился с традициями восточных народов и наблюдал за кочевниками. Кузнецов понял: простая и слегка дикая жизнь в степи скрывает Космическую тайну и покой. Сюжет для полотна родился сам собой.
Кузнецов берет холст, любимую темперу и кисти, продумывает гамму. Решено – основным цветом должен стать небесно-голубой и его оттенки. Цвет чистого степного воздуха, покоя и баланса. Яркий оранжевый – гармоничный контраст к прозрачному голубому; именно такого оттенка жаркий закат в степи.
Темперная живопись Кузнецова, в отличие от масляной, – легкая, воздушная. Цвет и композиция задают настроение «Вечера в степи», а не структура мазков. В композиции художник использует плавные линии и изгибы
Павел Кузнецов уделяет внимание ритму – спины овец повторяют созвучные голубые холмы. Работы Павла Кузнецова из киргизской серии напоминают сказку об идеальной жизни на земле, в которую зритель верит
И даже смотрит на картину украдкой, словно «со стороны», чтобы не нарушить покой ее жителей.
В каком стиле выполнена картина?
В Азии Павел Кузнецов написал серию работ, которую относят к направлению ориентализм. «Вечер в степи» открывает бытовые сюжеты из жизни Киргизии через призму восприятия художника. Живописцы-ориенталисты писали выдуманные или реальные сцены о Востоке – каким он был или хотел им казаться. Также «Вечер в степи» – это пример русского модерна. Картину относят к этому стилю за плавные, природные линии, текучие формы и выраженный ритм в композиции.
Интересные факты
- Кузнецов выбрал для полотна технику темперы, чтоб добиться матового света. Он считал, что в работе не может быть лишнего масляного блеска и структуры. Оранжевый контраст напоминает огненный закат в горах Кавказа.
- Павел Кузнецов наблюдал за натурой, но никогда не переносил ее «дословно» в работы. Художник исключил из сюжета этнические детали – он смело обобщает. Зачем? Чтобы, подобно Гогену, через сцены из жизни говорить в законах Космоса.
- Чтобы понять тайну рождения, Кузнецов временно работал акушером. Художник считал, что оттенки голубого точнее всего отражает духовную сторону загадочного процесса появления на земле.
Виртуальное путешествие по Третьяковской галерее закончилось. Здорово, что вы остались с нами до конца, и вам было интересно. Значит инвестиции Павла Третьякова окупились сполна. А вы легко поддержите разговор о прекрасном с бокалом просекко, устроите экскурсию для друзей или блеснете знаниями на тесте по искусству.
На Losko вышла увлекательная биография Рема Колхаса – архитектора, который планирует реконструкцию Новой Третьяковки, получится самое масштабное музейно-выставочное пространство в Москве. Если вам по душе подборки, почитайте про известные работы в стиле сюрреализм и про 5 шедевров мировой живописи.
Поверженный
Последний демон, которого написал художник, стал для него пророческим. Как всегда, создавая своего мифического персонажа, Михаил Александрович выворачивал наизнанку свою душу. В то время, когда писалась картина, в жизни художника происходили перемены. И они не были радостными. Написанный Врубелем «Демон поверженный» имеет серую цветовую гамму. Оно и неудивительно. Художник страдал от психологического расстройства и поэтому постепенно терял зрение. Сложно представить, как с этим можно справиться. Но художник держался до последнего. На картине Врубеля «Демон поверженный» персонаж изображен в странной позе и с явно искореженным лицом. Когда в первый раз картина экспонировалась на выставке, она получила большой шквал негативных отзывов. Даже друзья художника заметили, что демон слишком непропорциональный. Возможно, именно эти замечания заставили Врубеля еще не раз прийти на выставку и прямо там перерисовывать своего персонажа.
Говорили, что демон менялся на глазах, принимал разные позы, да и выражение его лица менялось день ото дня. Делая анализ картины Врубеля «Демон поверженный» нельзя не сказать о фоне, на котором расположился персонаж. Горное ущелье выглядит как могила, а разбросанные рядом перья от крыльев должны были показать зрителю, что чем выше человек заберется, тем больнее ему будет падать. Действие картины разворачивается на фоне заката. Этот символический фон подводит черту под жизнью демона и Врубеля. Есть мнение, что художник хотел показать своим демоном несокрушимость его в жизни каждого человека. Даже несмотря на то, что герой пал, он все еще дышит и будет жить. Но впечатление полотно производит такое, что кажется, будто демон слишком слаб и умрет с минуты на минуту. Но не стоит отрицать того факта, что художник так и не смог завершить начатой задумки, так что сейчас у зрителей нет возможности полюбоваться на то, что должно было получиться в итоге.
Особенности картины
Сложно дать более точное описание картины, чем это сделал сам её автор. Практически всё полотно занимает могучая фигура Демона. Атлетически сложенный молодой мужчина сцепил руки и вглядывается вдаль.
Его глаза полны тревоги, поза крайне напряжённая, однако на фоне терзаний и сомнений чувствуется некая внутренняя сила, что заложена в нём. Вдали виднеются горы на фоне заката, но они не играют ведущей роли. Основа картины – фигура самого Демона. Кажется, она с трудом вмещается в рамки холста, которые слишком тесны для этого героя.
Михаил Александрович Врубель «Демон сидящий», 1890 годМестонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия
Далеко не всем известно, что у Врубеля была не одна картина, а целая серия работ на “демоническую” тематику. После «Демона сидящего» живописец создаст «Демона летящего» со сверкающим горящим взглядом и «Демона поверженного» с опустошёнными глазами.
В каждом из таких персонажей художник видел и стремился показать нечто большее, чем мифическую сущность и принадлежность к иному миру. Врубеля манило всё мистическое, и это прослеживается в его творчестве. Однако он видел таких потусторонних “гостей” нашего мира страдальцами, скорбящими посланниками, что вынуждены были известить людей о неизбежности чего-то горестного и ужасного.
Сам живописец говорил:
Согласитесь, подобный подход к демоническим персонажам крайне необычен. Но и судьба самого Врубеля отличалась от многих – увы, в трагическом контексте.
Глаза Демона полны тревоги и внутренней боли
Коротко об истории создания Третьяковской галереи
Третьяковская галерея была создана в 1856 году. Ее создателем считается купец Павел Третьяков. Через 11 лет, в 1867 году галерею открыли для посетителей, а 1892 году хозяин подарил ее городу. Так из личного музея Третьяковка превратилась в государственную собственность.
Уже на тот момент поражал размах экспозиции – в 1892 году в коллекции насчитывалось более 1200 картин, 471 рисунков и около десятка различных скульптур.
В 1917 году, после окончания революции, Третьяковка была национализирована, после чего в ней стали появляться различные вещи, принадлежавшие частным коллекциям, как русским, так и зарубежным.
На текущий момент в галерее можно посмотреть около 180 тысяч различных экспонатов. В Третьяковской галерее представлены не только произведения русских и зарубежных художников, но и различные изделия из драгоценных металлов, имеющие историческую ценность.
Проект фасада Третьяковской галереи, 1900 год
Испания, 1894
Врубель творил увлеченно и много, он находился в постоянном поиске, не боялся рисковать, всегда был готов учиться, часто практически полностью переписывал почти оконченные картины, если находил какой-то изъян, либо просто пересмотрев настроение персонажа. Эта необузданность присуща и его героям. Одним из совершенных творений Врубеля считается полотно «Испания».
Автор практически не переделывал его, что уже само по себе удивительно. Врубель никогда не был в Испании, но в результате смешения воображения, красок и мастерства миру было представлено яркое изображение испанского темперамента.
Вдохновленный героями «Кармен», Врубель старательно постигал душу испанцев, находя необъяснимую прелесть в характере этой нации. Три персонажа «Испании» словно застыли на мгновение и вскоре они продолжат свою жизнь.
Спокойно стоящая, однако неприкрыто взволнованная женщина смотрит в глаза зрителям проникновенным горящим взглядом. О чем она думает, не знает никто, кроме, возможно, двух мужчин, находящихся за ее спиной. Но один погрузился в себя, устремив глаза в пространство перед собой, а второй подозрительно скосился в сторону зрителей. Его тело напряжено и прислонено к стене. Ни разу не посетив Пиренейский полуостров, Врубель смог передать кипящий характер испанцев.
Цветовая гамма
«Демон» Врубеля написан на контрастах. Синий цвет, который присутствует как в одежде юноши, так и в земле, на которой сидит фигура, олицетворяет надежду. Холодные оттенки на картине поддерживаются лиловыми цветами заката. Остальная часть картины выполнена в теплых оранжево-коричневых тонах. Фигура освещена солнцем, что делает ее менее мистической и более земной.
Можно рассматривать холодные оттенки в картине как рождение какого-то нового мира, о котором мечтает демон. Вся напряженность позы главного героя повествует о том, что реальность персонажа мало устраивает. Закат дня, написанный в холодных оттенках, должен донести до зрителя мысль, что в жизни все плохое когда-нибудь заканчивается. Новый день все равно настанет вне зависимости от того, хочет этого человек или же нет. Но прежде чем забрезжит утро, в силу вступят серо-черные краски. Тени наступающей ночи уже можно видеть на картине. Но белые каменные цветы справа от фигуры вселяют надежду. Они уравновешивают композицию, выступая противовесом открытому пространству слева. Без этих белых пятен фигура визуально бы упала в сторону.
Интересные факты
1. Становление галереи, как коллекции купца Третьякова, началось с покупки западноевропейской живописи, а не произведений русских художников.
2. Мало кто знает, что младший брат Павла, Сергей, тоже поучаствовал в создании галереи.
3. Эмблема знаменитого музея – фасад здания. Он был выполнен по эскизу Васнецова.
4. В музее можно встретить картину «Иван Грозный и его сын Иван 16 ноября 1581 года». В 1913 году она подверглась «нападению» — человек, чью личность так и не смогли установить нанес несколько ударов острым ножом по полотну.
5. За все время существования Третьяковской галереи она закрывалась несколько раз – из – за краж и на время военных действий.
6. В 1999 году Галерее была подарена Чудотворная Икона Божьей Матери, которая, по преданию, смогла изавить Москву от нападения хана Махмет – Гирея.
7. Идея создания частной галереи огромного масштаба пришла купцу в голову после посещения известного петербургского Эрмитажа.
8. Картина, с которой все началось – «Стычка с финляндскими контрабандистами».
9. В 1891 году произошла первая кража из Третьяковки, в результате которой пропали 4 картины, 2 из которых удалось вернуть.
10. На знаменитой картине «Утро в сосновом бору» медведи нарисованы рукой друого художника. Однако, Шишкин стер скипидаром фамилию Савицкого, оставив всю работу за собой.
Пророк, 1898
В 1896 г., находясь в поисках вдохновения, Врубель обращается к творчеству А. С. Пушкина, особенно его заинтересовал «Пророк». Какое-то время Михаил Александрович делал наброски, эскизы, пытаясь поймать идею, позволившую бы ему создать законченное произведение, но это не удавалось.
Через 2 года он вернулся к наследию великого русского поэта, но пересмотрел свое видение сюжета.
Первоначально его «Пророк» был изображен в полный рост, а к 1898 г. от него осталась только верхняя половина, нижнюю часть полотна автор просто отрезал, впоследствии использовав ее для другого полотна. Два персонажа — Пророк и Ангел — под отливающим красным ночными звездами. Картина полно передает потрясение старца при появлении Ангела. Серафим сразу помещается на первый план, яркие цвета сходятся на крыльях, олицетворяя обреченность Старца. Впоследствии к теме «Пророка» Врубель еще вернется.
«Царевна-Лебедь», Михаил Врубель, 1900 год
«Царевна-Лебедь», Михаил Врубель, 1900 г.
Кто такой Михаил Врубель?
Врубель был художником по призванию, а не по образованию. Закончив юридический, он был пижоном и душой компании. Пока не осознал свое предназначение – он рожден писать картины. Академию художеств Михаил так и не окончил, в 30 лет у него не было достижений в искусстве. Но юноша предчувствовал, что он на верном пути. Врубель резко переменился: глянец сменил на засаленный костюм, а вместо общения рисовал по 14 часов. Друзья его не узнавали.
В 1885 году, когда Михаил Врубель был неизвестным студентом, он написал «Сошествие Святого Духа». Взяв за эталон живопись Древней Руси и Византии, молодой художник не хотел вносить ничего нового. Но авторский почерк скрыть не удалось — Мария и апостолы Врубеля трепетные и нежные, какими их никто не изображал ранее.
Этот эпизод из жизни — пророчество. Врубель написал первую значимую картину в лечебнице для душевнобольных. Туда же он вернулся и в конце жизни. Михаил страдал от депрессий, безумия и связи с «иными мирами». Врубель считал, что дьявол искажал его картины за то, что художник был не достоин изображать Христа. Громкие работы Михаила посвящены Демону – бесполому, страдающему духу, наделенному властью на земле.
Техника Михаила Врубеля загадочна и уникальна. Некоторые критики говорят, что подобных авторов в русском искусстве не было до, и не будет после. Он жил в недоступном для обычных людей мире. Михаил писал героев из фольклора – «Морскую царевну», «Тридцать три богатыря», «Царевну-Лебедь». Они знакомы даже детям, но в картинах образы приобретают мистическую глубину и тайну.
Последняя работа Михаила Врубеля — «Портрет В.Я. Брюсова». После написания картины, художник ослеп и скончался в психиатрической клинике.
Как появилась «Царевна-Лебедь»?
Врубель несколько раз хотел жениться, но так и не сделал этого. Всё изменила встреча с оперной певицей Надеждой Забелой. Женщина стала ангелом-хранителем и музой Михаила. Историки считают, что на картине «Царевна-Лебедь» изображена именно она.
Да, оперная певица и женщина на картине не очень-то похожи, но художник и не стремился написать портрет. «Царевна-Лебедь» — это картина-впечатление, навеянная тем, как Забела исполнила партию в опере «Сказки о царе Салтане».
В каком стиле выполнена картина?
«Царевна-Лебедь» — пример русского символизма. Образ из сказки, окутанный мистикой и переживаниями — это душевное переживание художника, а не классический портрет.
Интересные факты
- «Царевна-Лебедь» — любимая картина поэта Блока. Он даже повесил репродукцию в кабинете.
- Помните «Девочку с персиками» Серова? Врубель делал предложение Вере Мамонтовой, но та отказала художнику.
- Критики считают, что «Царевна» похожа не на Забелу, а на бывшую возлюбленную Врубеля – Эмилию Прахову. Первая муза была женой руководителя Михаила, из-за которой он резал себя ножом – они не могли быть вместе. Может некоторые черты художник и перенес из прошлого, но с Надеждой он был по-настоящему счастлив в любви.
Царевна-Лебедь, 1900
Автор не впервые работает над этим персонажем. Михаил Александрович создавал костюмы, в том числе и для своей жены, исполняющей партию Царевны-Лебедь в опере Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане». Но, увидев оперу в день премьеры, он был потрясен красотой произведения.
Героиня картины имеет совсем небольшое сходство с оригиналом, если верить фотографиям Надежды Забелы-Врубель, в частности той, где Надежда запечатлена в роли Лебедя, однако это она стала вдохновителем этого шедевра.
Грустно смотрит сказочная царица с полотна, на фоне заката она еще более таинственна. За спиной вдалеке — город. Этот город Врубель писал с декорации, автором которой был он сам. В Царевне-Лебедь художник соединил два начала: мистическую силу воды и возвышенную мощь неба.
Портрет Надежды Ивановны Забелы-Врубель, 1898
Еще одним удачным портретом мастера является портрет его жены. К моменту их встречи в 1895 г. она была уже популярной оперной певицей, а Врубель не мог похвастаться известностью. Тем не менее через два месяца было объявлено о помолвке, а вскоре они обвенчались. Надежда Ивановна стала его женой и музой.
В 1898 г. Михаил Александрович пишет ее портрет. Удивительная гармония наполняет картину. Легкие светлые краски передают характер супруги живописца. Платье, в котором она изображена на портрете, также сделано по эскизу художника. Полотно создавалось в манере импрессионизма, к которому Врубель прибегал редко. Изображение Надежды Ивановны словно наполнено светом, но в то же время в нем присутствует неуловимая тайна.
Залы 1−7. Живопись и скульптура XVIII века
Экспозиция начинается с работ художников и скульпторов XVIII столетия. Здесь вы можете увидеть произведения Ивана Никитина, Дмитрия Левицкого, Владимира Боровиковского, Федота Шубина, Ивана Мартоса и других знаменитых мастеров. В основном это портретная живопись, но в коллекцию входят также пейзажи и сюжетные полотна по мотивам греческих мифов. В этих залах работники музея часто не разрешают подходить близко к картинам и фотографировать их — даже без вспышки и на камеру смартфона.
Неизвестный художник. Портрет Анастасии Яковлевны Нарышкиной с детьми Александрой и Татьяной. Между 1709 и 1715. Государственная Третьяковская галерея, Москва
На портрете неизвестного автора изображена жена московского губернатора Кирилла Нарышкина — Анастасия Нарышкина, урожденная княжна Мышецкая. Картина была создана в самом начале XVIII столетия — между 1709 и 1715 годом. В то время портретная живопись еще во многом опиралась на русские иконописные каноны, именно поэтому художник изобразил фигуры подчеркнуто статичными и двухмерными. Дети же выглядят уменьшенными копиями взрослых: в ту эпоху художники не подчеркивали на портретах особенности детской мимики и анатомии, даже их наряды в точности повторяли обычную взрослую одежду.
Интересен головной убор Анастасии Нарышкиной на этой картине: она одета в высокий чепец-фонтанж по французской моде. Согласно указу Петра I о ношении европейского платья, жены губернаторов, комендантов и других высокопоставленных лиц обязаны были безукоризненно следовать модным веяниям. Анастасия Нарышкина стала одной из первых дам, которые появились на публике в фонтанже.
Антон Лосенко. Прощание Гектора с Андромахой. 1773. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Художник Антон Лосенко написал картину «Прощание Гектора с Андромахой» в 1773 году по заказу Екатерины II. Сюжет он взял из поэмы Гомера «Илиада»: троянский военачальник Гектор отправляется на битву с греками, прощается со своей женой Андромахой и маленьким сыном Астианактом. Лосенко запечатлел героя в момент обращения к богам:
Зевс и бессмертные боги! о, сотворите, да будет
Сей мой возлюбленный сын, как и я, знаменит среди граждан;
Так же и силою крепок, и в Трое да царствует мощно.
Пусть о нем некогда скажут, из боя идущего видя:
Он и отца превосходит! И пусть он с кровавой корыстью
Входит, врагов сокрушитель, и радует матери сердце!
Лосенко не успел завершить картину. Например, был не вполне закончен образ Андромахи: художник прописал ее лицо, но лишь наметил складки одежды, не проработав их детально. Несмотря на это, полотно «Прощание Гектора с Андромахой» более 50 лет считалось эталоном русской исторической живописи в духе классицизма.
Владимир Боровиковский. Портрет Марии Лопухиной. 1797. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Портрет Марии Лопухиной — одна из самых известных работ Владимира Боровиковского. Художник создал полотно по заказу егермейстера Лопухина: тот хотел запечатлеть свою юную супругу, дочь генерала Ивана Толстого.
Боровиковский написал портрет в духе сентиментализма, который был популярен в конце XVIII столетия. Мария Лопухина изображена на фоне традиционного русского пейзажа: за ее спиной виднеются березы, колосья ржи и цветущие васильки. Эти детали перекликаются с нарядом самой героини: белое платье сочетается с березовыми стволами, голубой пояс к нему — с васильками, а золотой браслет на запястье — с золотистой рожью на заднем плане. На картине Мария Лопухина одета по последней моде того времени: платье в стиле ампир подпоясано широким цветным поясом, а глубокий вырез, который был уместен только на балах, прикрыт специальным съемным воротником. В похожих нарядах Боровиковский писал и других своих героинь.
В 1803 году Мария Лопухина умерла от чахотки. Почти век спустя поэт Яков Полонский посвятил ее портрету такие строки:
Она давно прошла, и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье — тень любви, и мысли — тень печали,
Но красоту ее Боровиковский спас.
Анализ картины
На полотне демон сидящий изображен в виде юного титана. Такая аналогия неслучайна. Сам Врубель не ассоциировал своего демона ни с чертом, ни с дьяволом. Врубель писал, что демон – это состояние его души. Сегодня можно услышать мнение критиков о том, что художник сошел с ума именно потому, что выбрал главным героем своих картин потустороннее существо из ада. Но у Врубеля было другое мнение на этот счет. Он верил, что выразить свою внутреннюю сущность по-другому просто невозможно. Следует внимательно посмотреть на картину, и можно в ней найти множество противоречий.
Например, фигура титана мощная и мускулистая. А вот лицо совсем юное и очень грустное. Зритель может понять, что участь демона не нравится главному персонажу, но ничего со своей судьбой он сделать не может. В картине хорошо передается три состояния: скованность, тоска и беспомощность. Холодный мир, который нашел демон на вершине горы, это не то, что он ожидал там увидеть.
Стиль, в котором написана картина, помогает ее лучшему пониманию. Осколки кристаллов как бы формируют фигуру. Зритель может предположить, что художник хотел до него донести то, что даже те индивиды, которые сделаны из камня, могут иметь тонкую и ранимую душу.
Летящий
На волне своего успеха художник решил вернуться к теме, больше всего его интересовавшей. «Летящий демон» – картина Врубеля, которая появилась через 9 лет после первого полотна, заслужившего всемирное признание. Но в отличие от своего первого демона, второго художник так и оставил незавершенным. Сложно сказать, что послужило тому причиной. Возможно, Врубеля разочаровала тема, возможно, в процессе воплощения замысла в жизнь вдохновение покинуло художника. Но ясно одно: картина была заранее хорошо продумана. До наших дней даже дошли некоторые эскизы. На картине Врубеля «Демон летящий» изображена гористая местность и посередине фигура героя. В отличие от первого творения, второй образ стал менее аллегоричным и менее детальным. Фигура на картине еле очерчена. А вот складки плаща и фон хорошо проработаны. Демон летит между небом и землей, рассекая узкое пространство, отведенное ему автором. Свобода, которую олицетворяет собой персонаж, выглядит слишком сжато.
Изображая летящего демона, Врубель размышлял о смене эпох. К нему уже пришла слава, его картины с успехом экспонировались за рубежом. Но почему-то будущее представлялось художнику чем-то серым и неуютным. Вероятно, второй раз Врубель опять писал свое душевное состояние. Но если в первый раз он смог ясно выразить свои чувства, то вторая попытка явно не удалась. Никакой конкретики, все серо и размыто. Хотя вероятность того, что именно такое состояние и было у художника, очень велика.
Современная деятельность
Здание Третьяковской галереи располагается в Лаврушинском переулке, доме под номером 10. Среднее количество посетителей насчитывает более полутора миллионов людей в год. Третьяковская галерея имеет несколько филиалов, в состав которого входит Инженерный корпус, несколько домов – музеев и даже храм в Толмачах. В 2014 году начались работы по возведению еще одного филиала, который будет располагаться в районе Кадашевской набережной.
В самой галерее представлено несколько экспозиций:
- Искусство Древней Руси 12-17 веков;
- Искусство 18 века;
- Искусство 19 века;
- Искусство начала 20 века;
- Искусство СССР и сокровищница.
Сама галерея состоит из 106 залов, экспозиции в каждом из них тщательно подобраны по живописцам и эпохам.
Скульптура
Демон появлялся не только в живописных работах художника. Врубель создавал на подобную тему свои скульптуры. Самая известная из них – это «Голова Демона», к сожалению, она до нас не дошла, так как сильно пострадала от рук вандала. Скульптура была выставлена в Русском музее, когда один из посетителей выставки не смог сдержать свои чувства и скинул работу с постамента. Говорят, что человек был сумасшедший, ну а может быть, кому-то просто было жутко смотреть на проявление дьявола во плоти.
А вот Врубель наслаждался изготовлением своей скульптуры. Ее он сделал сразу после того, как написал полотно «Демон сидящий». Но если лицо титана с картины было грустное и романтичное, то в скульптурном портрете лик преобразился. Это была страшная маска, прикрытая гривой густых волос. Чтобы добавить большего реализма своему произведению, художник решил раскрасить скульптуру.
