Имприматура в живописи

Белила титановые и цинковые: в чём разница?

Белила, а именно так принято называть белую краску, всегда были и остаются самой популярной краской. Ведь в живописи для получения новых цветов и оттенков без них никак не обойтись. Это та краска, которую обычно покупаешь отдельно: все цвета в наборе ещё остались, а белил уже нет.

С глубокой древности мастерам были знакомы только свинцовые белила, и по качественным характеристикам они полностью отвечали их требованиям. Единственным существенным недостатком краски была её сильная ядовитость. Попытки создать нетоксичный аналог предпринимались, но они не имели успеха из-за своей дороговизны.

Лишь в середине XIX века удалось получить из цинка дешёвые неядовитые белила, которые могли конкурировать со свинцовыми.

Титановые же белила появились самыми последними и совсем недавно — в начале XX века.

В настоящее время мастера в основном используют цинковые и титановые белила

. Так в чем же разница между ними и какие следует выбирать начинающему художнику?

Давайте остановимся на важных отличиях.

Цинковые белила в большинстве случаев используются именно в сочетании с другими красками. И связано это с тем, что они более прозрачные по сравнению с титановыми, не такие укрывистые. Но это же помогает художникам создавать с их помощью всевозможные оттенки. И для лессировки используют именно цинковые белила. Ещё одна важная особенность цинковых белил заключается в более холодном тоне белого цвета: они имеют слегка голубоватый оттенок.

Пигмент титановых белил, наоборот, отличается хорошей кроющей способностью, поэтому их часто применяют при полном перекрытии белым тёмных тонов. Из-за своей непрозрачности и высокой укрывистости при смешивании эти белила сильно осветляют любой цвет.

Также в отличие от цинковых титановые белила имеют тёплый оттенок и ими удобно прописывать более белые цвета.

Двуокись титана на сегодняшний день является самым распространённым пигментом (P.W.6), и производители добавляют титановые белила во многие краски для укрывистости.

Белила титановые, 100 мл. Высококачественная гуашь «Мастер-Класс» изготавливается на основе гуммиарабика, являющегося лучшим плёнкообразующим компонентом для водоразбавляемыx красок.

Однозначного ответа, какие белила следует выбрать начинающему художнику, дать невозможно. Они совершенно разные! Выбирайте исходя из той задачи, которую вы перед собой ставите. Лучше иметь в своём арсенале и те, и другие.

Какие краски выбрать?

Краски серии «Мастер-Класс»

(серия гуаши Мастер-класс от ) — гуашевые краски наивысшего качества, представляют собой густотертые тонкодисперсные смеси высококачественных пигментов и связующих. Яркость и чистота цвета, высокая светостойкость красок обусловлены, в первую очередь, применением неорганических и органических пигментов высокого качества. Это серия для художников.

В «Ладоге»

краски, содержащие кадмиевый и кобальтовые пигменты, заменены красками-аналогами цвета, изготовленными на основе органических пигментов, что делает их оптимальными по сочетанию цены и качества.

Токсичность

Цинковые белила слаботоксичны, не представляют угрозы.

Титановые вообще совершенно безопасны, ими можно работать без вреда для здоровья.

Токсичными являются свинцовые белила, но они сегодня — редкость.

Источник

«Девушка с жемчужной сережкой», 1665

«Девушка с жемчужной сережкой», Ян Вермеер, 1665

Художник

ЯнВермеер родился ипрожил всю жизнь вНидерландах. Онпринадлежит кпредставителям золотого века голландской живописи истоит наравне сРембрандтом. Ожизни художника известно мало, ясно лишь то, что унего была хорошая школа живописи: в21 год его приняли вгильдию Святого Луки, что было невозможно без шести лет серьезного обучения упризнанного живописца. Позднее Вермеер дважды занимал должность руководителя гильдии.

Художник достиг успеха еще при жизни, обладал авторитетом ипродавал свои картины засолидные суммы. Писал портретист неболее двух работ вгод. Наданный момент известно о34 подлинниках.

История

История картины Девушка сжемчужной сережкой окутана тайной. Дата написания указана предположительно, так как сам Вермеер еенепоставил. Исследователи досих пор незнают, кто изображен накартине: поодной изтеорий ЯнВармеер изобразил свою дочь Марию, которой было тогда около 12 лет. Впользу этой теории говорит удивительно прямой исмелый взгляд девушки, словно они схудожником близко знакомы.

Подругой версии девушка напортрете— неконкретный человек, асвободное творчество художника, или трони— анонимный портрет-фантазия. Эту теорию подтверждают описи имущества после смерти Вермеера, где указаны два трони втурецком стиле— речь вполне может идти озамысловатом тюрбане наголове девушки.

Стиль

Картина Девушка сжемчужной сережкой относится к барокко. Обэтом говорит сочность, насыщенность цветов и контрастность, придающая портрету выпуклость. Художник мастерски изобразил свет накоже,подчеркнув его контрастно-темным фоном. Естественно выглядятблики вглазах инагубах девушки, которая смотрит словно куда-то заспину зрителю.

Интересные факты

• Художники втот период недавали названий своим полотнам— их придумывали служащие, составлявшие описи имущества. Картина называлась Девушка втюрбане иЛицо девушки, итолько перед выставкой вВашингтоне в 1995 сотрудники музея Маурицхёйс придумали современные вариант.
• Серьезная дискуссия развернулась осамой сережке, аименно оеежемчужности. Многие исследователи обратили снимание наслишком большой размер камня, атакже наяркий блик в его нижнейчасти. Сейчас ученые склоняются ктому, что украшение было неизжемчуга, аизстекла, покрытого матовым слоем. Крупный жемчуг был редкостью ипозволить его могли только богатые, поэтому изВенеции поставляли бижутерию.

Макс Зорн

Русского человека упоминание изоленты наводит в первую очередь на мысли об исключительно прикладном применении этого удобного приспособления для скрепления всего и вся. Так и скотч во всем мире воспринимается в качестве того, чем удобно заклеить коробку или что-то где-то зафиксировать. Однако голландец Макс Зорн подошел к этому вопросу с фантазией и нашел липкой ленте лучшее применение.

Житель Амстердама создает удивительные картины, которым не мешает выглядеть потрясающе даже скромная цветовая гамма, диктуемая главными инструментами художника: оргстеклом, заменяющим привычный холст, отточенным скальпелем и скотчем. Напротив, благодаря игре света и тени, которую мастерски создает автор, сюжеты произведений, будь то тропический пейзаж в картине «Парус» или портрет Джона Леннона, приобретают характерный неповторимый налет нуара.

Стили пейзажей и знаменитые художники пейзажной живописи России

1. Реализм. Подавляющее большинство живописцев предпочитает реализм. Несмотря на повсеместное распространение фотографии, этот стиль не теряет актуальности и постоянно развивается: отделение подстиля «гиперреализм» в самостоятельный стиль тому подтверждение. Мастерство современных художников пейзажистов и их гиперреализма поражает воображение: чёткости и прописанность деталей неотличимы от фотографичного изображения, но в картинах этого стиля остаётся «душа» и настроение, которые способно создать только кисть художника. Старые мастера повсеместно использовали приёмы практически полного копирования окружающей среды: в картине Ивана Шишкина «Рожь» чётко выделены отдельные колоски, травинки, полевые цветы, а небо мы точно уже когда-то видели над собственной головой. 

2. Импрессионизм. В импрессионизме использовался особый набор художественных методов: отказ от чётких контуров, отказ от детализации, прорисовки, лессировки, наложение краски густыми крупными энергичными мазками (размеры и способы наложения могли быть самыми разнообразными), отказ от смешивания красок – цвета зачастую брались прямо из тюбика

Во внимание бралась субъективность восприятия художника, а не желание изобразить предмет максимально приближенным к реальности. Импрессионизм в живописи русских художников начался с «Портрета хористки» Константина Коровина и продолжился в пейзажах Валентина Серова «Гурзуф», Александра Герасимова, Игоря Грабаря, Юрия Пименова и многих других. 

3. Абстракционизм. Основателем течения является Василий Кандинский. Этот стиль противопоставлен реализму – он является отражением фантазии художника и порой искажает предметы до полной неузнаваемости и даже абсурда. Например «Сад Мурнау» или «Пейзаж» Кандинского позволяет лишь догадываться о том, что там всё-таки изображено.  

4. Сюрреализм. Говоря о сюрреализме невозможно не упомянуть о Сальвадоре Дали. «Пейзаж с таинственными деталями», «Явление Лица Афродиты Книдской в пейзаже» можно считать одними из образцов этого течения. На пейзажах сюрреалистов зачастую отсутствуют характерные для стиля объекты: горы, реки, леса. Данная живопись – это отражение внутреннего мира, снов, фантазий живописца. Ежедневно просматривая одну и ту же картину жанра можно находить на ней всё новые и новые смыслы и детали. В современное время сюрреализм всё чаще переходит в цифровую живопись. Яркими представителями русского сюрреализма являются Николай Акимов, Павел Челищев, Владимир Куш, Алексей Фишгот, Михаил Хохлачёв и т.д. 

Пейзажная живопись русских художников известна во всём мире. Русская земля подарила миру множество великих имён: Василий Поленов, Исаак Левитан, Иван Шишкин, Алексей Саврасов, Архип Куинджи – это лишь крохотный список художников, воспевших красоту родной страны в своих пейзажах.

Картины шариковой ручкой

Автор Самуэль Сильва (Samuel Silva)

Самое интересное в работах этого художника это то, что они нарисованы исключительно шариковыми ручками — 8 цветов.

Большинство картин 29-летнего Сильвы списаны с фотографий, которые ему наиболее понравились.

Чтобы нарисовать один портрет, художнику нужно около 30 часов кропотливой работы.

Стоит отметить, что рисуя шариковыми ручками, художник не имеет право на ошибку, т.к. исправить будет почти невозможно.

Самуэль не смешивает чернила. Вместо этого штрихи разных цветов наносятся слоями, что и дает картине эффект богатой палитры цветов.

По профессии молодой художник юрист, а рисование — это лишь его хобби. Первые рисунки были сделаны еще в школьные годы в тетрадях.

Кроме ручек, Самуэль пробует рисовать мелом, карандашом, масляными красками и акрилом.

Особенности цинковых белил

Белила краску с цинком допускается использовать для покрасочных работ на металле, дереве и при обработке штукатуркой. При отделке часто применяется данный материал для работы с потолочным покрытием, нанесение на стены менее популярный вид работ. Отличается введение цинкового типа белил вместо титанового, созданием прозрачной структуры.

Цинковые белила применение выделяется следующими особенностями:

• Цвет отличается белоснежным типом с голубоватым переливом;
• Создается на основании глянец с холодным оттенком;
• Материал не воспламеняется, не образуется на основании плесень и грибок;
• Выдерживают ультрафиолет, после просушки цвет становится насыщенным и прозрачным;
• Не приобретается мелование после сушки.

Белила краску с цинком допускается использовать для покрасочных работ на металле, дереве и при обработке штукатуркой.

Витольд Бялыницкий-Бируля

Работы одного из создателей жанра мемориального пейзажа, передвижника Витольда Бялыницкого-Бирули хрянятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, включая Третьяковскую галерею (картины «Из окрестностей Пятигорска», «Весна», «Лед прошел», «Задумчивые дни осени», «Нивогэс», «Белоруссия. Вновь зацвела весна»), художественные музеи Минска, Костромы, Нижнего Новгорода, Красноярска, Воронежа, Томска, Челябинска, Ставрополя, Семея, Сочи, Одессы, Днепропетровска, Киева, Могилева и Белынич и т.д.

Витольд Каэтанович Бялыницкий-Бируля родился в Белоруссии в местечке Бялыничи в 1872 году. Семья часто меняла место жительства. Первые уроки живописи он получил в Киеве. Эти знания пригодились Бялыницкому-Бируле в семнадцатилетнем возрасте при поступлении в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В это время художник увлечен пейзажем (впоследствии исследователи его работ будут говорить о влиянии Исаака Левитана).

На ежегодных ученических выставках картины Бялыницкого-Бируля обращали на себя внимание. Благодаря им в 1897 году его картину «Из окрестностей Пятигорска» приобрел для своей тогда уже знаменитой галереи Павел Третьяков

Это было крупнейшим событием в биографии молодого художника, только вступившего на самостоятельный творческий путь.

С 1897 года художник начинает показывать свои картины на выставках Московского Общества любителей художеств и Московского Товарищества художников. Наконец, в 1899 году произведения Бялыницкого-Бирули появляются на Передвижной выставке, и в скором времени он становится членом Товарищества передвижников. Через четыре года получает звание академика живописи. В 1910-е годы Бялыницкий-Бируля участвует в выставках в Западной Европе, где удостаивается престижных наград.

В тот же период художник приобретает участок земли в Тверской губернии на берегу озера Удомля, недалеко от мест, где часто работал Левитан. Там он строит дом с мастерской. В 1917 году Бялыницкий-Бируля открывает художественную школу для крестьянских детей. Художник много путешествует по стране и продолжает традиции русского импрессионизма. Он пишет этюды на Азовском море, трижды посещает Заполярье. В 1930-х годах создает индустриальные пейзажи. В 1936-1937 годах Бялыницкий-Бируля создает цикл картин по местам жизни Александра Пушкина, Михайловскому и Тригорскому.

Великая Отечественная война нашла отражение в полотнах «Красная Армия в лесах Карелии» и «По следам фашистских варваров». В конце 1940-х годов Бялыницкий-Бируля создал цикл белорусских пейзажей, в которых леймотивом прозвучало возрождение природы от войны.

Сергей Зарянко

В Третьяковской галерее хранится несколько выразительнейших портретов XIX века кисти Сергея Зарянко. Он родился в селе Ляды Могилевской губернии (нынешний агрогородок Ляды Дубровенского района Витебской области) в семье крепостного крестьянина. Вскоре семья будущего художника получила вольную и переехала в Санкт-Петербург.

Отец поступил на службу к князю Голицыну. Сергей начал учебу в Третьей гимназии, в которой учились дети разных сословий. В 1833 году скончалась мать Сергея, отец уехал из Санкт-Петербурга с новой женой. На попечении пятнадцатилетнего мальчика оказались братья и сестры. Гимназию пришлось бросить, чтобы содержать семью.

В 1834 году Зарянко в качестве вольнослушателя стал посещать Императорскую Академию художеств. Одновременно он учился у Алексея Венецианова. В 1838 году Зарянко получил звание свободного художника. В возрасте 25 лет ему было присвоено звание академика, а в 32 года он уже был профессором исторической и портретной живописи.

Сергей Зарянко преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Среди его учеников – Василий Перов («Охотники на привале»), Илларион Прянишников («В ожидании шафера»), Василий Пукирев («Неравный брак»), братья Маковские, Владимир Шервуд (архитектор Исторического музея на Красной площади в Москве) и другие.

Портреты Зарянко очень хорошо передавали сходство. Художник мастерски показывал объем благодаря светотени. Эта, как мы бы сейчас сказали, фотографическая точность производила большое впечатление на современников, и потому работы Зарянко пользовались успехом у заказчиков. За время своей творческой деятельности он написал более ста портретов. Наиболее примечательные из них – портрет цесаревича Николая Александровича и великого князя Александра Александровича, будущего императора Александра III.

В 1860-е годы слава Зарянко стала меркнуть. В это время на арену художественной жизни пришло новое поколение художников. Возникла и новая эстетика критического реализма, но Зарянко не захотел менять свою живописную манеру. Его новые произведения критиковали за натуралистичность и ремесленный подход. Разочарованный холодным приемом критики и публики, переживший свою славу, Зарянко скончался в Москве в возрасте пятидесяти двух лет.

Алексей Саврасов и Василий Перов: деревья одному, людей — другому

Передвижники Василий Перов и Алексей Саврасов были друзьями, поэтому не раз друг другу на картинах что-нибудь подрисовывали (с согласия, конечно). В 1871 году Перов работал над своей знаменитой картиной «Охотники на привале». Позировали мастеру его товарищи: врач Дмитрий Кувшинников, художник Василий Бессонов и чиновник Николай Нагорнов.

В. Г. Перов «Охотники на привале» (1871)

Мужчин, одежду, ружья, добычу Перов изобразил мастерски, поскольку сам был большим любителем пострелять по уткам и прекрасно знал экипировку охотника. А вот пейзаж… Уметь-то он умел — но вот большой тяги к деревцам, цветочкам да кочкам не испытывал. Закончить живописный фон помог автор известной картины «Грачи прилетели» Алексей Кондратьевич Саврасов.

В «Птицелове» Перова Саврасов тоже помогал писать пейзаж. Говорить об этом он не любил, словно соавторство задевало его самолюбие. Он ведь умел изображать не только деревья:

«Хорош бы я был мастер, если бы грача мне написал Васька Перов, а я бы только лазурь и облака».

В. Г. Перов «Птицелов» (1879)

Но всё же и Саврасов прибегал к услугам «Васьки». В 1870 году Алексей Кондратьевич начал писать картину «Волга в окрестностях Юрьевца». Эскизы реки он сделал во время путешествия по Волге, а вплотную приступил к работе в учебной мастерской Московского училища ваяния и зодчества (в этом учебном заведении оба художника были профессорами). Перов увидел работу приятеля, оценил замысел и помог с написанием человеческих фигур.

А. К. Саврасов «Волга в окрестностях Юрьевца» (1870)

4. Иван Шишкин

Иван Шишкин – один из самых известных российских художников-пейзажистов, который в своих картинах мог представить любой неприметный пейзаж в самом выгодном свете. Кажется, что сама природа играет на полотнах этого художника живыми красками.

Родился Иван Шишкин в 1832 году в Елабуге, который сегодня относится к Татарстану. Отец хотел, чтобы сын со временем занял пост городского чиновника, но Иван тяготел к рисованию. В возрасте 20 лет он уехал в Москву обучаться живописи. После успешного окончания Московской школы художеств, Шишкин поступил в Императорскую Академию в Петербурге.

Позже он долго путешествовал по Европе, зарисовывая удивительные пейзажи. В это время он создал картину «Вид в окрестностях Дюссельдорфа», которая принёсла ему огромную славу. После возвращения в Россию Шишкин продолжает творить с удвоенной энергией. По его словам, русская природа в несколько сот раз превосходит европейские пейзажи.

Иван Шишкин за свою жизнь написал множество потрясающих картин: «Утро в сосновом лесу», «Первый снег», «Сосновый лес» и другие. Даже смерть настигла этого живописца прямо за мольбертом.

Иван Хруцкий

Иван Хруцкий остался в истории искусства благодаря своим работам в малых жанрах. Во многом он заложил основы традиционного русского натюрморта. Его работы украшали наиболее богатые дома современников и были коммерчески успешны. Из-за огромного количества заказов Хруцкий часто повторял полотна, зачастую лишь незначительно меняя композиционное решение. Так, «Натюрморт с биноклем», написанный в 1839 году, художник воспроизвел восемь раз. Хруцкий также был прекрасным портретистом, в работах которого отчетливо проступали принципы венециановской школы.

Родился в 1810 году в местечке Улла Лепельского уезда Витебской губернии. Его отец, греко-униатский священник Фома Хруцкий, вскоре после рождения сына был уволен со службы и перебрался с семьей под Полоцк. Там будущий художник получил образование в высшем училище пиаров (католического монашеского ордена).

В 1830-х годах Хруцкий посещал классы Императорской Академии художеств как вольнослушатель и брал уроки у английского живописца Джорджа Доу. В 1836 году за картину «Плоды и цветы» получил большую серебряную медаль и звание свободного художника, что стало для него дополнительным стимулом продолжать учиться в Академии. Через три года Хруцкий получил малую золотую медаль и был возведен в звание академика. После смерти отца в 1839 году молодой художник остался опекуном младших братьев и сестер. В 1840 году по разрешению Академии он возвращается в Полоцкий уезд и строит там дом.

В 1846 году архиепископ Иосиф Семашко (известный тем, что в 1839 году сыграл ключевую роль в воссоединении униатов с православной церковью) приглашает Хруцкого на работу. Художник приезжает в Вильно, где ему предоставляют квартиру и гонорар. В течение восьми лет Хруцкий пишет портреты ближайших сподвижников Семашко. Из тридцати двух работ сохранилась всего одна – «Портрет Викентия Лисовского». Художником также были созданы иконы для Александро-Невского собора в Ковно (Каунасе), пещерной церкви трех мучеников в Вильно, церкви Св. Иосифа Обручника в Тринополе.

В натюрмортах Ивана Хруцкого можно найти влияние и голландских, и фламандских мастеров, однако Хруцкий выработал свой личный, узнаваемый стиль. К наиболее известным работам художника относят «Портрет неизвестной с цветами и фруктами», «Цветы и плоды», «Старуха, вяжущая чулок», «Натюрморт с биноклем», «Плоды и дыня», «Натюрморт со свечой».

В последние годы жизни художник ведет скромную, почти затворническую жизнь, работает мало, пишет семейные портреты и домашние интерьеры, почти позабыв о любимых натюрмортах. Одна из последних работ Ивана Хруцкого – «Автопортрет», созданный в 1884 году, за 9 месяцев до смерти.

Роль имприматуры в живописи

Имприматура позволяет живописцу выдерживать тон и цветовой баланс, она вносит в работу порядок и является основой для удержания композиции в воздушной перспективе. Кроме того, имприматурный слой не дает излишкам связующего вещества попасть на грунт, предотвращая тем самым жухлость красок. Роль имприматуры еще больше возрастает, если использовать технику художников эпохи Возрождения, при которой каждый слой просвечивается и принимает участие в образовании цветов, объема и фактуры. В технологии оптических просветов, которая основана на методике Старых мастеров, имприматурный слой выполняет роль внутренней подсветки, свет которой, пробиваясь наружу, дает интересный эффект.

На рисунке показано, как имприматура работает в тенях, полутонах и светах. А в этом ролике можно увидеть, как цветовой грунт вылазит наружу вследствие нарушения технологии.

Поскольку писать по белой поверхности очень сложно, даже опытные художники предпочитают начинать работу с нанесения имприматурного слоя, который нередко выступает не только в качестве цветового подспорья, но и главного элемента произведения. Нанеся на имприматуру слой краски, можно легко определить, верен ли цвет, сопоставив его с другими оттенками, что на белом полотне (особенно больших размеров) сделать в разы труднее. Неправильный цвет на тоновом грунте виден сразу, в то время как, на белоснежной поверхности, цветовой дисбаланс можно заметить только в самом конце, и работу придется переделывать.

В чем отличия?

Если перед мастером или художником возникает вопрос о том, какие белила лучше, нужно оценить условия эксплуатации поделки, рисунка, фрески, расписного изделия. Кроме того, нужно учитывать, какой эффект поверхности должен получиться в итоге – бархатистый матовый теплого оттенка или прозрачный глянцевый с холодными нотками.

Рассмотрим, в чем разница титановых и цинковых белил, принципиальная для художественных и отделочных работ:

• Титановые белила характеризуются хорошей покрывающей способностью, поэтому для работы требуется меньше материала.
• Цинковые белила можно соединять с большинством красок, кроме масляных, а применение титановых белил ограничено, поскольку материал плохо сочетается с разными типами неорганических веществ.
• Белила на основе цинка универсальны по применению, подходят для выполнения малярных, художественных декоративных работ, а титановые преимущественно наносят на поверхности из бумаги, картона, дерева и металла, выполняют рисование на холсте.
• После обработки изделия цинковыми белилами получается полупрозрачный оттенок, а титановыми – матовый эффект.
• При взаимодействии титановой гуаши с серными парами, покрытие не теряет цвет, цинковые белила со временем могут темнеть, растрескиваться, но отлично подходят для лессировки художественных работ.
• В отличие от цинковых белил, процесс высыхания титановых гуашей происходит быстрее.
• Белые гуаши на основе диоксида титана и окиси цинка по-разному реагируют на обилие света.

Конечный результат от обработки изделий и художественной живописи цинковыми и титановыми белилами зависит от смешивания пигментных материалов с другими компонентами. Существенные отличия заключаются в цвете покрытия – титановые белила дают мягкий желтоватый тон, а цинковые гуаши – прозрачный, с легким голубоватым оттенком.

Характеристика белых красок

Цинковые белила поступают в продажу в виде готовых или густотертых красок. Густотертые материалы обязательно перед употреблением разводят масляным лаком. Другие разбавители для этой цели непригодны, так как в результате окрашенная поверхность приобретет желтоватый оттенок.

Для этого материала в чистом виде характерен белоснежный цвет с голубоватым оттенком. Качество и белизна этого материала полностью зависит от сырья, из которого был получен пигмент. Хранить этот продукт стоит в закрытом виде, так как он впитывает из окружающей среды влагу. Пигменты белил цинковых не воспламеняются и не портятся под воздействием микроорганизмов.

У этого красящего материала есть масса положительных качеств:

1. Хорошая устойчивость к воздействию прямых солнечных лучей.
2. Высокий уровень совместимости со многими цветами в красочной палитре.
3. Возможность применения во всех направлениях живописи и декоративно-прикладного искусства.
4. Низкая токсичность.

Цинковые белила имеют отрицательные качества:

• долго сохнут,
• отличаются низкой укрывистостью,
• красочный слой, созданный за счет белил, склонен к растрескиванию,
• требуют большого расхода масляных растворителей.

Густотертые белила применяют для получения красочных составов для покрытия деревянных, металлических и оштукатуренных поверхностей стен и потолка.

Свинцовые белила имели чистый белоснежный цвет, который не терял своей яркости под воздействием солнечных лучей. К положительным качествам этих красок можно отнести:

• пластичность, которая позволяла краске сохранять прочность и не обсыпаться, даже если возникала необходимость холст свернуть,
• хорошую устойчивость к воздействию влаги,
• способность к быстрому высыханию красочного слоя, после нанесения на поверхность.

Свинцовые белила имеют недостатки, из-за которых стали менее популярными:

• высокая токсичность,
• смешиваются не со всеми красками,
• со временем красочный слой теряет яркость.

Все эти негативные стороны привели к тому, что в промышленных целях свинцовые белила не используют.

Титановые белила выгодны тем, что они:

• создают матовую и очень прочную поверхность,
• способны противостоять воздействию атмосферной влаги и прямых лучей света,
• имеют самую высокую яркость из всех современных белых красок.

Титановые составы имеют один недостаток: при высыхании они создают ломкую поверхность красочного слоя.

Последними появились алкидные краски, они являются продуктом сложного химического синтеза.

Применение

Ввиду высокой токсичности свинцовые белила в быту не употребляют. Для покраски поверхностей с целью изоляции их от воздействия влаги используют цинковые белила на масляной основе, алкидные и титановые составы.

Для покраски оштукатуренных стен и потолков применяют водорастворимые краски на основе цинковых белил. Следует заметить, что стены теперь редко где покрывают белым цветом, чаще всего такую краску употребляют для покрытия потолка.

В быту окрашивание производят при помощи валика или кисти (автомобили таким способом окрашивать недопустимо). Также для окрашивания бытовых предметов не используют свинцовые белила.

Картины акрилом

Автор Том Мартин (Tom Martin)

Этот молодой 28-летний художник родом из города Вэйкфилд, Англия. В 2008 году он с отличием окончил Университет Хаддерсфилда (University of Huddersfield), получив степень бакалавра в области искусства и дизайна.

То, что он изображает в своих картинах связанно с образами, которые он видит каждый день. Сам Том ведет здоровый образ жизни, и это влияет на его работы.

В картинах Мартина можно найти кусок стали или разложенные конфеты, и во всем этом он находит что-то свое, особенное. 

Его целью не является простое копирование изображения с фотографии, он рисует картины, используя несколько техник рисования и моделирования, которые были разработаны с использованием современных технологий.

Бывает так, что автор показывает зрителю свои гиперреалистичные работы, с ситуациями, которые физически невозможны в настоящем мире.

Цель Мартина — заставить зрителя поверить в те вещи, который он перед собой видит.