50 художников и их работ, которые оставили след в истории и сердцах людей

Литературоведение

В 1908 году опубликованы его критические очерки о писателях Чехове, Бальмонте, Блоке, Сергееве-Ценском, Куприне, Горьком, Арцыбашеве, Мережковском, Брюсове и других, составившие сборник «От Чехова до наших дней», выдержавший в течение года три издания.
С 1917 года Чуковский принялся за многолетний труд о Некрасове, его любимом поэте. Его стараниями вышло первое советское собрание стихотворений Некрасова. Чуковский закончил работу над ним только в 1926 году, переработав массу рукописей и снабдив тексты научными комментариями. Монография «Мастерство Некрасова», вышедшая в 1952 году, много раз переиздавалась, а в 1962 году Чуковский был удостоен за неё Ленинской премии. После 1917 года удалось опубликовать значительную часть стихов Некрасова, которые либо были ранее запрещены царской цензурой, либо на них было наложено «вето» правообладателями. Примерно четверть известных в настоящее время стихотворных строк Некрасова была введена в оборот именно Корнеем Чуковским. Кроме того, в 1920-е годы им были обнаружены и изданы рукописи прозаических сочинений Некрасова («Жизнь и похождения Тихона Тросникова», «Тонкий человек» и других).

Помимо Некрасова, Чуковский занимался биографией и творчеством ряда других писателей XIX века (Чехова, Достоевского, Слепцова), чему посвящена, в частности, его книга «Люди и книги шестидесятых годов», участвовал в подготовке текста и редактировании многих изданий. Самым близким себе по духу писателем Чуковский считал Чехова.

Репрессии и гонения

В 1927 году художник выезжает за границу, в Польшу, где устраивает первую международную выставку своих картин. Однако, вскоре он получает приказ советского правительства вернуться на родину. Его обвиняют в шпионаже и предательстве и арестовывают. Но, через три недели все обвинения были сняты и Малевича отпустили. С этого времени гонения на творца продолжали усиливаться. После Киевской выставки 1939 года он снова был обвинен в антисоветской пропаганде и арестован на три месяца. Позже, Малевич был освобожден, но состояние его души отразилось в картинах. Как написал автор на обратной стороне одной из картин: “Композиция сложилась из элементов, ощущения пустоты, одиночества, безвыходности жизни”

На закате жизни художник увлекается портретным жанром. За столь протяженный путь автор достиг целей высокого искусства и решил вернуться к истокам творческого пути. В это время создается “Голова современной девушки”, “Работница”, а так же портрет последней жены художника – Натальи Андреевны Малевич

Судьба авангардиста

Биография художника Малевича интересна не только его становлением как профессионала, но и личной жизнью. Автор «Чёрного квадрата» был несколько раз женат.

Личная жизнь

В 1901 году Казимир женился на 16-летней дочери курского врача, которую звали Казимира Зглейц. В браке у них родился сын Анатолий и дочь Галя. Решив переехать в Москву, Малевич оставил жену и детей в Курске. Спустя восемь лет брака супруги расстались, но оформить развод в то время было проблемно. Вообще, семейная жизнь не стояла у художника на первом месте. Выбирая между искусством и семьёй, он всегда выбирал первое.

В 1911 году Малевич стал жить с Софьей Рафалович. Она поддерживала Казимира в то трудное время, когда у него не было денег. Из сообщений историков ясно, что Софья из всех жён Малевича была равна ему по духу.

Долгое время у них не было детей. В итоге в 1920 году Софья родила дочь Уну и вскоре умерла. Уна осталась на попечении у бабушки.

Смерть Малевича

Художник скончался в 1935 году в Ленинграде от рака предстательной железы. Он умер на глазах своих любимых женщин — супруги Натальи, дочерей Гали и Уны, матери Людвиги Александровны. Незадолго до своей кончины Малевич расписал, какими должны быть его похороны. Он спроектировал гроб в виде креста с раскинутыми руками. А на его могиле поставлен кубический монумент с изображением черного квадрата. Прах захоронен под излюбленным дубом художника рядом с деревней Немчиновка.

Малевич оставил существенный вклад в формирование художественных направлений и стилей за свою краткую жизнь. Его работы можно увидеть в музеях:

Москвы.
Санкт-Петербурга.
Саратова.
Лондона.
Нью-Йорка.
Нью-Хейвена.
Парижа
Кёльна.
Амстердама.

Признание и творческая карьера

В 1910–1914 годах началась полоса признания неопримитивистского творчества Малевича. Он принял участие в большом количестве московских выставок (например, «Бубновый валет»), выставлялся в мюнхенской галерее. Именно в это время он знакомился с М. Матюшиным, В. Хлебниковым, А. Моргуновым и другими художниками-авангардистами.

В 1915 году им было написано самое известное произведение – «Черный квадрат».

После революции он, что называется, «попал в струю» и стал много заниматься вопросами развития советского искусства. К этому времени художник жил уже в Петрограде, работал с В. Мейерхольдом и В. Маяковским, преподавал в Народном художественном училище, которым руководил М. Шагал.

Малевич создал общество УНОВИС (многие ученики Малевича преданно следовали за ним из Петрограда в Москву и обратно) и даже родившуюся дочь называл Уной.

В 1920-ые годы работал директором различных музеев и институтов Петрограда, вел научную и преподавательскую работу, выставлялся в Берлине и Варшаве, открыл несколько выставок в ведущих музеях Петрограда и Москвы, преподавал в Киеве, где специально для него была открыта мастерская. В это же время он развелся со второй женой и женился снова.

В 1930-ых годах он работал в Русском музее, много выставлялся, но писал в основном портреты, хотя интересовался архитектурой и скульптурой.

В 1933 году он тяжело заболел, а в 1935 скончался. Похоронен недалеко от села Немчиновка, где долгое время жил и работал.

Более сжатая для доклада или сообщения в классе

Вариант 2

Интересные факты

В 1930 году Малевич был посажен в тюрьму. Ему было предъявлено обвинение в шпионаже в пользу Германии. Но следователи и друзья в органах сделали все, чтобы через полгода художник вышел на свободу.
Мало кто знает, что кроме “Черного квадрата”, есть еще “Черный круг” и “Черный треугольник”, а сам “Черный квадрат” мастер переписывал несколько раз и только последняя, четвертая версия, его полностью удовлетворила.

/10

Вопрос 1 из 10

Первые шаги

Первые произведения Дмитрия Васильевича Григоровича были очень слабыми, в сравнении с литературным творчеством того времени. Рассказы, которые печатались в литературных журналах («Собачка», «Театральная карета»), не пользовались популярностью. Несмотря на это, Дмитрий не переставал писать, все больше развивая в себе качества настоящего писателя.

Как раз во время своих первых литературных опытов Григорович знакомится с известным крестьянским поэтом Некрасовым. В это время поэт издавал множество сборников, которые пользовались успехом. Именно в одном из таких изданий появилось произведение, которое вышло из-под пера сразу трех писателей: Некрасова, Достоевского и Григоровича. Повесть получила название «Как опасно предаваться честолюбивым снам». В этом издании было напечатано и другое произведение Григоровича – «Штука полотна».

Возвращение в Россию

По указу императора Николя І в 1835 году Карл вернулся в Россию. Но в Санкт-Петербург он попал не сразу. Вначале художник побывал в Одессе, а потом и в Москве. Последняя произвела на него неизгладимое впечатление. Его очаровала простота и величие города.

«Последний день Помпеи», по велению царя, выставили в Академии художеств. В России художник стал настоящим героем. Его везде встречали с цветами. В Петербурге Карл начал преподавать в академии, как его отец когда-то. Стиль учеников мастера позднее назовут «брюлловской школой». Сам же художник не ограничился лишь преподаванием, он также работал над росписью храма Петра и Павла, возведенного на Невском проспекте.

Академия художеств

Ф.И. Шубин. Автопортрет

Как и Ломоносов, юный Шубной после смерти отца с обозом рыбы отправился в Петербург. Зарабатывал тем, что резал табакерки, веера и др. бытовые предметы, охотно раскупавшиеся в городе. В Академию художеств юноша поступил не сразу, а только через 2 года, отработав ещё истопником при царском дворе. В ноябре 1761 г. по Высочайшему повелению Федот Шубной вносится в списки учеников Академии под именем Федота Шубина. Куратором академии был в то время И.И. Шувалов, который способных учеников отбирал в учебное заведение без всяких проволочек. Так в Академию попали Василий Баженов, Иван Старов, Федор Рокотов, Федот Шубин и др. И.И. Шувалов считал, что принимать в это учебное заведение следует только тех, кто уже проявил какие-то наклонности к определённому виду творчества. Вступившая на престол в 1762 г. Екатерина II объявила Академию Шувалова частной, куратора отправила за границу, а Академию художеств открыла вторично на новых основаниях. При Академии было организовано Воспитательное училище, в которое набирались 5-6-летние дети. Учителем Шубина в Академии был француз Николя-Франсуа Жилле, почти 20 лет своей жизни отдавший скульптурному классу петербургской Академии художеств. Он разработал собственную методику обучения, и результатом было воспитание замечательных русских скульпторов: Ф.И. Шубина, И.П. Прокофьева, М.И. Козловского, Ф.Ф. Щедрина, И.П. Мартоса и др. Он сумел сохранить индивидуальность каждого, при этом дав им общее понимание сути скульптуры как вида художественного творчества. 7 мая 1767 г. Федоту Ивановичу Шубину в числе других выпускников был вручен «Аттестат со шпагою», что означало получение первого офицерского чина и личного дворянства. За хорошие успехи, добронравие, честное и похвальное поведение трёх учеников Академии, в том числе и Шубина, отправили на 3 года во Францию и Италию «для достижения совершенства» в художествах.

Любимая натурщица и муза

Картина «Всадница» была написана в 1832 году. На ней изображены воспитанницы Самойловой – Джованина и Амация. Поскольку Брюллов любил графину, он не мог не полюбить ее девочек. Они были частью мира художника. По задумке Карла, «Всадница» должна была стать большим портретом, который должен был украсить парадный зал. Картину заказала сама графиня. Она часто говорила, что хочет украсить работами любимого все стены.

Графиня Самойлова сыграла важную роль в жизни Брюллова. Их даже можно было бы назвать идеальной парой. Художник был для нее идеалом для преклонения, а она для него – музой. Познакомились они в Италии. В то время они уже были состоявшимися людьми. Самойлова была аристократкой, а Брюллов – художником. До этой встречи графиня регулярно увлекалась мужчинами и нисколько не стеснялась этого. Но Брюллов стал для нее особенным человеком. Пара хоть и расставалась несколько раз, но потом вновь возобновляла отношения.

Детство и юность

Биография Исаака Ильича Левитана, выдающегося российский художника, начинается в 1860 году в небольшом городке Кибарты (сейчас находится на территории Литвы), в совсем небогатой еврейской семье. Его отец, Илья Левитан, преподавал иностранные языки, а также работал переводчиком. Исаак был самым младшим, четвертым ребенком в семье: у него были старшие брат Авель Лейб и две сестры — Тереза и Эмма.

Художественные способности Левитана стали проявляться еще в детстве. Он не единственный в семье имел склонность к изобразительному искусству, его брат также увлекался живописью. В начале 1870-х, в надежде улучшить материальное положение, семья Левитанов переехала в Москву, где Авель Лейб поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. По примеру брата, двумя годами позднее, в возрасте тринадцати лет, туда поступил и Исаак. Этот период стал ключевым для творческой биографии Исаака Левитана.

Юный художник учился успешно и считался подающим надежды. Однако через несколько лет умерла сначала мать, а затем и отец. Дети остались одни, в крайней нужде. Им помогали друзья, а также само училище, желавшее поддержать талантливых учеников. В 1877 году выдающийся русский живописец Алексей Саврасов, будучи преподавателем пейзажного класса, взял Левитана к себе в ученики. И тот быстро оправдал надежды учителя: в этом же году о двух его картинах, участвовавших в выставке, написали в газетах, а ему вручили серебряную медаль и денежный приз в размере 220 рублей. Это был первый успех юного шестнадцатилетнего живописца. В училище, помимо Саврасова, ему также повезло учиться у таких учителей, как Перов и Поленов.

Библиография

Шатских А. С. Казимир Малевич. — М.: Слово, 1996. — 96 с.
Анисимов Григорий. Кумир поверженный — всё Бог. Повесть о художнике Казимире Малевиче. — М.: Лира, 2001. — 280 с. — 1500 экз. — ISBN 5-85164-060-Х.
Малевич о себе. Современники о Малевиче: В 2-х т. / Сост., вступ. ст. И. А. Вакар, Т. Н. Михиенко. — М.: RA, 2004. — ISBN 5-269-01028-3.

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: mif-facts.com.ua, ,

Казимир Малевич: картины художника

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Казимир Малевич: жизнь и творчество художника
3.2 (64.29%) 14 голос(ов)

Малевич и большевики

Когда пришла революция 1917 года, Казимир Малевич встал на сторону большевиков. Он хотел сотрудничать с новой властью, так как это позволяло ему контролировать культурную и художественную политику. Ему казалось, что большевики позволят авангардистам преобразовать мир. В ноябре 1917 года Малевич был назначен «временным комиссаром для охраны ценностей Кремля», и в его назначении на эту должность кроется доля иронии, ведь он должен был оберегать то, что считал «обломками истории». Летом 1918 года был создан отдел Изобразительных Искусств, в коллегию которого вошли такие известные художники, как Любовь Попова, Надежда Удальцова, Ольга Розанова, , и Казимир Малевич.

Малевичу было поручено реформировать музеи и образование. С приходом новой власти авангардисты задались целью преобразовать методы художественного обучения. Многие академии были превращены в открытые мастерские, в которых педагоги могли выбирать собственную методику образования. Например, Малевич на стенах мастерской развешивал перед студентами лозунги «Ниспровержение старого мира искусств да будет вычернено на ваших ладонях» и «Сожжем Рафаэля». Однако эта свобода быстро закончилась: в сентябре 1918 года большевики провели выборы руководителей открытых мастерских, и авангардисты не сумели занять в них ведущие должности. Авангардистов пригласили украсить город ко дню международной солидарности трудящихся 1 мая 1918 года и к годовщине революции. Малевич отвечал за оформление фасада здания рабочих и солдатских депутатов на Тверской улице.

Однако с 1919 года возмущение большевиков участием авангардистов в руководстве стало усиливаться. Попытки сотрудничества превратились для художников в бесконечные противостояние, которое привело к потере недавно приобретенных привилегий. Тем не менее, в 1919 году Казимир Малевич оставался членом коллегии отдела Изобразительных искусств и занимался преобразованием выставок и музеев. Малевич пытался продвигать свое новаторское видение музея как лаборатории искусства. Он считал, что современный музей должен стать «собранием проектов современности, и только те проекты, которые смогут быть применены к остову жизни или в которых возникнет остов новых форм ее, — могут быть хранимы для времени». Взгляды Малевича были крайне прогрессивными, ведь подобные музеи стали появляться в Европе только после Второй Мировой войны.

Весной 1919 года его идеи были реализованы. Состоялась Государственная выставка, которая целиком была посвящена абстрактному искусству. На ней Малевич впервые представил свою серию работ «Белое на белом». Однако эта выставка не получила должного внимания, и авангардистов обвинили в том, что они монополизируют музейную политику. Работа на государственной службе перестала приносить результаты, и осенью 1919 года Малевич решил переехать из Москвы в Витебск.

На это решение в частности повлиял , который с весны 1919 года преподавал в Витебском народном училище ваяния и зодчества. Малевич познакомился с Лисицким в 1917 году, и в середине октября 1919 года Лисицкий предложил Малевичу работать в Витебском училище и пообещал опубликовать его крупное сочинение «О новых системах в искусстве». Малевич сразу же принял предложение коллеги и написал заявление об уходе из московских мастерских: в Москве ему было все сложнее публиковать свои произведения. Также в отличие от Москвы, в Витебске не было проблем с продовольствием, и работа в училище гарантировала ему стабильную зарплату.

Краткая биография

В 1865 г. молодой человек приехал в Санкт-Петербург, чтобы поступить в Императорскую Академию художеств. Только с третьей попытки, после создания картины «Татарская сакля в Крыму», начинающему живописцу было присвоено звание свободного (неклассного) художника.
А в 1870 г., после подачи прошения в совет учебного заведения, Куинджи удалось стать вольнослушателем Академии.
Летом 1870 г. художник посетил остров Валаам и так был впечатлён красотой местной природы, что возвращался сюда не единожды, писал пейзажи. Один из них «На острове Валааме», написанный в 1873 г., стал первой картиной мастера, которую приобрёл для своей галереи Павел Третьяков.
Во время учёбы Архип познакомился с передвижниками, чьи идеи молодому художнику оказались близки. Под их влиянием в 1872 г. Куинджи написал картину «Осенняя распутица», которая принесла ему звание классного художника.
В том же духе автор создал ещё 2 работы: «Забытая деревня» (1874 г.) и «Чумацкий тракт в Мариуполе» (1875 г.). Все 3 картины объединяли мрачный колорит, стремление изобразить окружающую действительность, социальная тематика. Картины были представлены на выставке передвижников и имели большой успех. Добившись признания, художник перестал посещать Академию.
В 1874 г. за картину «Снег» Куинджи был награждён бронзовой медалью международной лондонской выставки.
В 1875 г. на очередной выставке передвижников художник представил картину «Степи», принятую публикой очень благосклонно. В этом же году живописец стал полноправным членом Товарищества передвижных художественных выставок, хотя уже начал охладевать к их идеям и искать свой путь.
В следующем году всеобщее восхищение вызвала работа мастера «Украинская ночь». С этой картины начался период творческих поисков художника, называемый исследователями «романтическим». Куинджи много работал с цветом, пространством, искал новые выразительные средства, добиваясь особой глубины, яркости и некоторой декоративности изображения.
В 1878 г. Архип Иванович участвовал во Всемирной парижской выставке. Оригинальный стиль его произведений вызвал восторг у публики и критиков.
В этом же году художник приступил к работе над картиной «Вечер на Украине», создание которой заняло у мастера более 20 лет.
Художник тщательно изучил принципы импрессионизма и переосмыслил их в своём стиле. Это хорошо видно на полотнах 1879 г.: «Север», «После дождя», «Берёзовая роща».
В конце 1879 г. Куинджи, поругавшись с М. К. Клодтом из-за критической статьи последнего, вышел из Товарищества передвижников. Но со многими членами этого общества художник сохранил дружеские отношения.
В 1880 г. в Обществе поощрения художеств была устроена выставка одной картины – «Лунной ночи на Днепре». Под руководством живописца все окна в зале были задрапированы, а само полотно освещено электрическим лучом. Выставка имела грандиозный успех и стала настоящей сенсацией в обществе. Художник, применяя новые красочные пигменты, сумел добиться невиданного ранее цвета. Правда, со временем картина потемнела, т.к. новые краски оказались нестабильны, но смотрится она по сей день эффектно. С этой работы начался новый, «философский», период в творчестве мастера.
В 1881 г. с таким же успехом прошла моновыставка картины «Берёзовая роща». А представленная год спустя работа «Днепр утром» была принята публикой прохладно.
Следующие 20 лет стали годами затворничества художника. Находясь на пике славы и, по-видимому, устав от суеты, восторженных и критических замечаний в свой адрес, он удалился от общественной жизни. Уединившись в своей мастерской, он много работал, но никому не показывал свои произведения. В этот период мастер создал более 300 графических и около 500 живописных работ и эскизов.
В 1886 г. Архип Иванович приобрёл участок земли в Крыму. Через некоторое время он построил на этом участке имение, где часто проводил пленэрные занятия с учениками.
В 1888 г. состоялась поездка Куинджи на Кавказ. Под впечатлением от путешествия Архип Иванович создал ряд романтических горных пейзажей.
С 1884 по 1897 гг. Архип Иванович преподавал в Академии художеств и руководил пейзажной мастерской.
В 1901 г. художник показал ученикам и друзьям несколько своих работ, среди которых были: законченный «Вечер на Украине» и «Христос в Гефсиманском саду».
Осенью того же года состоялась последняя прижизненная выставка работ мастера.
В 1908 г. Куинджи основал Общество поддержки художников, которому завещал своё крымское имение и большую сумму денег.
В 1910 г. художник подхватил воспаление лёгких и тяжело заболел.
11 (24 по новому стилю) 1910 г. в возрасте 68 лет Архип Иванович Куинджи скончался.

Архип Иванович Куинджи

Начало карьеры, 1906-1913

В 1902 году Малевич женился на Казимире Зглейц, девушке немецко-польского происхождения. Однако роль отца семьи шла вразрез с его жизненными планами — он мечтал переехать в большой город, чтобы воплотить свои творческие мечты в жизнь. «Меня тянуло, как волка в лес, в Москву или Петербург, где живет истинное искусство» — пишет Малевич в своей автобиографии. В 1904 году он переехал в Москву, оставив семью в Курске. Летом 1905, 1906 и 1907 годов он попытался поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, но все разы получил отказы. Однако эти неудачи не повлияли на его творческие стремления и уверенность в своем призвании. В 1906 году он перевез семью из Курска, окончательно порвав с провинцией.

Переезд в Москву был крайне смелым и рискованным шагом для Малевича, и это решение определило его как дерзкого, безрассудного и решительного художника. Много лет спустя в одном из своих сочинений он написал: «Необходимо строить творчество, сжигая за собой свой путь». Малевич во многом смотрел на творческий процесс как на бесконечный поиск истины. Он был убежден в том, что искусство беспристрастно и объективно, и не следует в нем искать отпечатки его создателя. Он считал, что творческая эволюция, составляющая наследие художника, бессмысленна перед одним новаторским произведением, которое изменит порядок в искусстве.

После переезда в Москву Малевич познакомился с Софьей Рафалович. Вскоре она стала его гражданской женой. Обвенчаться они смогли только в 1909 году, после того, как Казимира Зглейц дала разрешение на развод. Казимир и Софья Малевичи поселились в селе Немчиновка под Москвой, и у них родилась дочка Уна.

В центре — Владимир Татлин, позади него — Иван Клюн, справа — Казимир Малевич и его вторая жена, 1915

В 1905-1907 годы Малевич работал в постимпрессионизме. Произведения этого периода проникнуты влиянием Гогена, Ван Гога и Сезанна. Точно неясно, где Малевич увидел работы этих художников, вероятнее всего, репродукции передавались из рук в руки в творческой среде. Так как это время в художественном сообществе революционные идеи витали в воздухе, произведения Малевича были пропитаны дерзостью и своеволием

Он усердно искал уникальный художественный язык, бескомпромиссно избавляясь от старых принципов живописи и уделяя наибольшее внимание композиции и роли цвета

С 1905 по 1910 год Малевич брал уроки в частной студии Федора Рерберга, художника-передвижника, на которого сильно повлиял французский импрессионизм. За первые годы учебы Малевич поменял свою художественную манеру: от постимпрессионизма он перешел к символизму, его картины отражали мир грез и сновидений, наполненный светом. Вероятно, окончательно эта трансформация произошла после того, как в апреле 1907 года Малевич посетил выставку художественного объединения «Голубая роза», в которое входили студенты Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Эта выставка ознаменовала рождение символизма в российском искусстве.

В это время Малевич жил между Москвой и Петербургом и сблизился со многими фигурами зарождающегося авангарда, такими как Павел Филонов, Иван Клюн, Михаил Матюшин и Михаил Ларионов. Также Казимир Малевич стал участвовать в выставках и демонстрировать свое новаторство. Познакомившись с щукинским собранием западных кубистов, с 1911 года Малевич начал работать в кубофутуризме. Среди самых известных работ периода — «Лесоруб» и «Точильщик», которые высоко оценило художественное сообщество. Творческий этап Малевича с 1906 по 1916 годы был наиболее точно задокументирован, и мы можем проследить его превращение из постимпрессиониста, символиста и кубофутуриста в изобретателя супрематизма и лидера русского авангарда.

Анаморфоз

Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.

На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.

А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.

blog.thomasjquinn.com blog.thomasjquinn.com www.rebloggy.com www.rebloggy.com www.josephegan.co.uk www.josephegan.co.uk