Ян ван эйк

Живопись

Авторская манера Яна ван Эйка была отражением позднего средневековья в сочетании с реализмом. Искусствоведы отмечают в работах художника отпечаток вдохновения произведениями Томмазо да Модена и Робера Кампена. Экспериментатор ван Эйк удивлял поклонников невероятной точностью, реалистичностью изображения материалов и света.

Гентский алтарь

Некоторые искусствоведы предполагают, что творческую деятельность художник начинал с миниатюр. Его авторству приписывают работы «Отпевание» и «Взятие Христа под стражу», датированные 1415-1417 годами. Одной из известнейших работ художника стал Гентский алтарь, расположенный в бельгийском Генте, в соборе Сент-Бавон. Полиптих состоит из 12 дубовых створок с изображениями. Существует мнение, что Ян работал над ним с братом Губертом.

Произведение было представлено публике в 1432 году. Оно описывает день Возвещения, в который к деве Марии пришел Гавриил. Также на нем изображены Иоанн Евангелист и Иоанн Креститель. Интерьер алтаря представляет собой «Поклонение ягненку», пейзаж, который педантичный в работе над деталями ван Эйк создал с невероятной точностью. Соседние картины изображают Адама и Еву, ангелов и Бога Отца.

Картина Яна ван Эйка «Мадонна канцлера Ролена»

Живописец уделял особое внимание религиозной тематике и часто изображал Мадонну. Первой работой этого направления стала «Мадонна с младенцем, или Мадонна под балдахином», датированная 1433-м

Годом позже ван Эйк создал «Мадонну каноника Ван дер Пале» и в 1436-м явил публике «Мадонну канцлера Ролена», считающуюся одним из искуснейших творений автора. В 1439 году из-под его кисти вышла «Мадонна у фонтана».

В качестве наследия ван Эйк оставил много портретов, выполненных с подчеркнутой объективностью и графической точностью. Его непревзойденная манера порождала домыслы о том, что художник использует оптические приборы, позволяющие точно передать особенности внешности каждой изображаемой персоналии.

Картина «Портрет мужчины в красном тюрбане», предполагаемый автопортрет Яна ван Эйка

Убедиться в проработке деталей можно, ознакомившись с его работами: «Портрет мужчины в красном тюрбане», «Портрет жены Маргарет ван Эйк», «Чета Арнольфина». Последнее, Джованни Арнольфини и его невесты – картина, по значимости не уступающая Гентскому алтарю.

Особенность работ ван Эйка заключалась в том, что он стал изображать героев по пояс, а не по грудь, как это было принято раньше, и в повороте в 3/4. Художник сосредотачивался на индивидуальности каждого изображаемого персонажа.

Картина Яна ван Эйка «Чета Арнольфина»

Интересный факт: некоторые исследователи утверждают, что ван Эйк был человеком, открывшим масляную живопись. Он не был первопроходцем, но серьезно повлиял на становление этого направления в изобразительном искусстве. Вероятно, портретист создал новый вид смеси, в которую входила темпера. Светоносность красок художника скептики объясняют этим предположением.

Благодаря продуманности композиции работы ван Эйка выглядят единым целым с нужной толикой символизма и особенностью изобразительной манеры. Перспектива, используемая в работах вкупе со светопередачей, создавала особенный пластический эффект.

Что известно о Вермеере

Известно, что художник родился в городе Делфте (Южная Голландия) 31 декабря 1632 года. Его родители были людьми предприимчивыми: содержали постоялый двор, занимались продажей картин.

В 1653 году Ян Вермеер, от рождения протестант, принимает католичество, чтобы жениться на Катарине Болнес.

С Катариной они родили 15 детей. Даже для XVII века это было много. Голландцы уже тогда знали способы контрацепции. В среднем в семьях было по 4—6 детей. Так что Вермееры были исключением.

В 1675 году он умирает от сердечного приступа. В возрасте 43 лет.

Из-за экономического кризиса в последние годы большая семья Вермееров была вынуждена брать ссуды в банках. После смерти художника его супруга отказалась от наследства в пользу кредиторов.

Лишь картину «Мастерская живописца», которую Вермеер так любил, Катарина всеми правдами и неправдами оставила себе.

Ян Вермеер. Мастерская художника. 1666—1667. Музей истории искусств, Вена.

Вот и все известные биографические данные о великом художнике.

Художественное наследие Вермеера тоже скудное. Всего 35 картин дошли до наших дней. По двум причинам.

Долгое время работы Вермеера не ценились. Ещё в конце XIX века его знаменитая «Девушка с жемчужной серёжкой» была куплена за 2,5 гульдена (в наше время это около 100 рублей)! Смехотворно мало.

Вторая причина: Вермеер работал очень долго над каждой картиной. По году и даже больше (при этом размеры многих из них не более чем 50х50 см).

Но даже такого количества работ хватило, чтобы уже в XX веке Вермеер был признан одним из величайших мастеров всех времён. Наравне с Рембрандтом, Гойей, Веласкесом. Почему же?

Что необыкновенного в Вермеере

В плане сюжета Вермеер создавал довольно типичные для своего времени картины. Тщательно выписанный интерьер. Одна, две или три фигуры — зажиточные горожане. Часто его героини читают или пишут письма.

Это называется бытовой жанр, в котором работало немало художников в Голландии XVII века. Вермеер на первый взгляд ничем не выделялся.

Иногда сюжеты разных художников были очень похожи. Например, «Женщина с весами» Вермеера.

Ян Вермеер. Женщина с весами. 1662—1663. Национальная галерея искусства, Вашингтон.

А это «Женщина с весами» другого голландского художника —Питера де Хоха, который также специализировался на бытовом жанре.

Питер де Хох. Женщина, взвешивающая золото. 1664. Старая национальная галерея, Берлин.

В чем разница? Вроде картина Хоха более красочная, жизнерадостная. Но если приглядеться, она больше похожа на раскрашенную фотографию.

У Вермеера со светом и цветом все тоньше. Он настолько филигранно выписывает освещение, что его картина насыщается сверхъестественным правдоподобием.

Свет падает неравномерно, из небольшого окна у потолка. Художник расставляет тонкие акценты, насыщая цветом одни предметы и высветляя другие. Появляется лиричность и даже некоторая таинственность. И как-то уже сложно это назвать бытовым жанром. Да ещё и весы у женщины почему-то пустые…

Или вот ещё две работы для сравнения. Опять один и тот же сюжет. Девушка читает письмо. Это работа другого современника Вермеера, Герарда Терборха.

Герард Терборх. Письмо. 1660—1662. Королевская коллекция, Лондон.

Максимальная фотографичность. Диву даёшься, как искусно художник написал ткань платья.

А вот для сравнения «Девушка с письмом» Вермеера.

Ян Вермеер. Девушка, читающая письмо у открытого окна. 1657. Галерея старых мастеров, Дрезден.

И вновь поэтизация. Опять хочется додумывать. Ведь это целая трагическая история. Вот девушка держит в руках письмо, озарённая светом, будто некой надеждой.

Кроткая, красивая героиня в нетерпении скользит глаза по странице. Но опущенные глаза говорят нам о крахе всех чаяний.

Но главный герой здесь опять же свет. Посмотрите фрагмент.

Ян Вермеер. Девушка, читающая письмо у открытого окна. Фрагмент. 1657. Галерея старых мастеров, Дрезден.

Свет мягко льётся в окно. Но ведёт себя необычно, разбиваясь на мерцающие крупинки. Как будто волосы девушки, рукава платья, занавес покрыла роса…

Что мы можем сказать о характере Вермеера, анализируя его картины? Кажется, что он был человеком добродушным, мягким. Возможно, скромным и осторожным… Но не все так просто.

Он не боялся использовать яркие краски. Порой применял чистейший ультрамарин и краплак, став примером в смелости цветовых решений для многих художников XIX—XX веков.

Взять хотя бы его знаменитую «Молочницу».

Ян Вермеер. Молочница. 1658-1660. Государственный музей, Амстердам.

Ее фартук и полотенце на столе написаны чистым ультрамарином. Женщина изображена на фоне почти белой стены, что особенно смело подчёркивает насыщенный цвет.

А вот шляпу этой героини Вермеер написал чистым краплаком.

Ян Вермеер. Девушка в красной шляпе. 1667. Национальная галерея искусств, Вашингтон, США.

Личная жизнь

Ян ван Эйк женился на Маргарет, женщине, которая была значительно моложе его, вероятно, около 1432 года. В этот период он купил дом в Брюгге. У пары было двое детей, первый из которых родился в 1434 году.

Информация о Маргарет практически отсутствует. Ученые даже не знают ее девичьей фамилии. Дочь Ван Эйка звали Ливин; она вошла в женский монастырь в Маасейке после смерти отца.

Маргарет была предметом его картины маслом на дереве 1439 года, названного «Портрет Маргарет ван Эйк» (или Маргарет, жены художника). Отмечая одежду, в которой ее рисовал муж, ученые предполагают, что она была из низшего дворянства.

Парижский период

Ван Гог едет в Антверпен (Antwerpen), берет уроки в Академии художеств и дополнительно в частном учебном заведении, где много трудится над изображением обнаженной натуры.

В Париже в 1887/88 году Ван Гог берет уроки в частной школе, постигает основы японского искусства, азы импрессионистической манеры письма, творчество Поля Гогена (Pol Gogen). Этот этап в творческой биографии Ваг Гога называют светлым, в работах лейтмотивом проходят нежно-голубые, ярко-желтые, огненные оттенки, манера письма легкая, предающая движение, «струение» жизни:

• «Агостина Сегатори в кафе «Тамбурин» (Agostina Segatori in het Café «Tamboerijn»);
• «Мост через Сену» (Brug over de Seine);
• «Папаша Танги» (Papa Tanguy) и др.

Ван Гог восхищался импрессионистами, познакомился благодаря брату Тео со знаменитостями:

• Эдгар Дега (Edgar Degas);
• Камиль Писарро (Camille Pissarro);
• Анри Тулуз-Лотрек (Anri Tuluz-Lautrec);
• Поль Гоген;
• Эмиль Бернар (Emile Bernard) и др.

Ван Гог оказался среди добрых друзей и единомышленников, включился в процесс подготовки экспозиций, которые организовывались в ресторанчиках, барах, театральных холлах. Ван Гога зрители не оценили, признали их ужасными, но он погружается в учение и самосовершенствование, постигает теоретическую базу техники цвета.

Интересно, что человек на холсте приобретает второстепенную роль, а главным является светлый мир природы, его воздушность, сочность цветов, и их тончайшие переходы. Ван Гог открывает новейшее направление – постимпрессионизм.

Ранние работы

Период творчества, представляющий первые работы, выполненные в Дренте, отличается реалистичностью, но они выражают ключевые характерные особенности индивидуальной манеры художника. Многие критики считают, что эти особенности объясняются отсутствием элементарного художественного образования: Ван Гог не знал законов изображения человека, поэтому персонажи картин и этюдов кажутся угловатыми, неграциозными, как будто вышедшими из лона природы, подобными скалам, на которые давит небесный свод:

• «Красные виноградники» (Rode wijngaard) (1888);
• «Крестьянка» (Boerin) (1885);
• «Едоки картофеля» (De Aardappeleters) (1885);
• «Старая церковная башня в Нюэнене» (De Oude Begraafplaats Toren in Nuenen) (1885) и др.

Эти работы отличаются темной палитрой оттенков, передающих тягостную атмосферу окружающей жизни, мучительное положение простых людей, сочувствие, боль и драму автора.

В 1885 году он вынужден покинуть Дренте, так как он вызывал недовольство священника, считавшего рисование распутством и запрещавшего местным жителям позировать для картин.

Расцвет и поиск своего стиля

В 1888 году Ван Гог, переживая по поводу непонимания зрителей, уезжает в южный французский город Арль (Arles). Арль стал городом, в котором Винсент понял цель своего творчества: не стремиться отразить реальный зримый мир, а с помощью цвета и несложных технических приемов выразить свое внутреннее «Я».

Он принимает решение порвать с импрессионистами, но особенности их стилистики долгие годы проявляются в его произведениях, в способах изображения света и воздуха, в манере расстановки цветовых акцентов. Типичными для импрессионистических работ являются серии полотен, на которых один и тот же пейзаж, но в разное время дня и при разном освещении.

Притягательность стиля работ Ван Гога времени расцвета – в противоречии между стремлением к гармоническому мироощущению и осознанием собственной беспомощности перед дисгармоничным миром. Полные света и праздничной природы работы 1888 года соседствуют с мрачными фантасмагорическими образами:

• «Жёлтый дом» (Gele huis);
• «Кресло Гогена» (De stoel van Gauguin);
• «Терраса кафе ночью» (Cafe terras bij nacht).

Динамичность, движение цвета, энергия кисти мастера является отображением души художника, его трагических исканий, порывов понять окружающий мир живого и неживого:

• «Красные виноградники в Арле»;
• «Сеятель» (Zaaier);
• «Ночное кафе» (Nachtkoffie).

Художник задумывает учредить общество, объединяющее начинающих гениев, которые будут отображать будущее человечества. Чтобы открыть общество, Винсенту помогает средствами Тео. Ведущую роль Ван Гог отводил Полю Гогену. Когда Гоген приехал, они поссорились до того, что Ван Гог 23 декабря 1888 года чуть не перерезал ему горло. Гоген сумел спастись, а Ван Гог, раскаявшись, отсек часть мочки собственного уха.

Биографы по-разному оценивают данный эпизод, многие считают, что поступок этот был признаком сумасшествия, спровоцированного чрезмерным потреблением алкогольных напитков. Ван Гог отправлен в психбольницу, где его содержат в строгих условиях в отделении для буйнопомешанных. Гоген уезжает, заботу о Винсенте берет на себя Тео. После курса лечения Винсент мечтает вернуться в Арль. Но жители города выразили протест, и художнику предложили поселиться рядом с больницей Сен-Поль (Saint-Paul) в Сен-Реми-де-Прованс (Saint-Rémy-de-Provence), под Арлем.

С мая 1889 года Ван Гог живет в Сен-Реми, за год пишет более 150 крупных вещей и порядка 100 рисунков и акварельных произведений, демонстрирующих мастерское владение полутонами и приемом контраста. Среди них преобладает пейзажный жанр, натюрморты, передающие настроение, противоречия в душе автора:

• «Звёздная ночь» (Nightlights);
• «Пейзаж с оливковыми деревьями» (Landschap met olijfbomen) и др.

В 1889 году плоды творчества Ван Гога выставляются в Брюсселе, встречены восторженными отзывами коллег и критиков. Но Ван Гог не испытывает радости от наступившего наконец признания, переезжает в Овер-сюр-Уаз (Auvers-sur-Oise), где живет его брат с семейством. Там он постоянно творит, но угнетенное настроение и нервическое возбуждение автора передаются полотнам 1890 года, они отличаются ломаными линиями, искаженными силуэтами предметов и лиц:

• «Деревенская дорога с кипарисовыми деревьями» (Landelijke weg met cipressen);
• «Пейзаж в Овере после дождя» (Landschap in Auvers na de regen);
• «Пшеничное поле с воронами» (Korenveld met kraaien) и др.

27 июля 1890 года Ван Гог получил смертельное ранение из пистолета. Неизвестно, был ли выстрел спланированным или случайным, но через сутки художник умер. В этом же городке он похоронен, а через 6 месяцев от нервного истощения умер и его брат Тео, могила которого находится рядом с Винсентом.

За 10 лет творчества появилось свыше 2100 работ, среди которых порядка 860 выполнено маслом. Ван Гог стал родоначальником экспрессионизма, постимпрессионизма, его принципы легли в основу фовизма и модернизма.

Посмертно прошла череда триумфальных выставочных мероприятий в Париже, Брюсселе, Гааге, Антверпене. В начале XX века проходит еще одна волна показов произведений знаменитого голландца в Париже, Кельне (Keulen), Нью-Йорке (New York), Берлине (Berlijn).

Ванэйковские «мадонны»

Отдельного внимания заслуживают знаменитые ванэйковские Мадонны: «Мадонна в церкви», «Мадонна каноника ван дер Пале» и «Мадонна канцлера Ролена». Эти работы изобилуют множеством невиданных на то время новшеств:

• скрупулезной проработкой архитектуры, интерьера, одежды, украшений и предметов быта;
• грамотной передачей светотени;
• яркостью красок и многообразием оттенков;
• продуманной сюжетной линией, в основе которой заложен религиозный символизм.

Мадонна в церкви

Мадонна каноника ван дер Пале

Мадонна канцлера Ролена

Портрет четы Арнольфини

Ещё одна изобилующая символами картина Яна ван Эйка – «Портрет четы Арнольфини» – раскрывает человеческую индивидуальность в обыденной обстановке.

Портрет четы Арнольфини

Герои как будто дают клятву верности друг другу, на что указывают их лица и жесты, а также пёс на переднем плане, олицетворяющий дружбу и преданность. Символично также изображение горящей свечи только над головой молодого человека. Не исключено, что на момент написания картины его возлюбленная умерла, так как свеча над её головой не горит… Апельсины на столе символизируют на неземное блаженство, а яблоко – грехопадение. Щётка символически показывает чистоту отношений между мужем и женой. Чётки – знак благочестия.

Масляная техника Яна ван Эйка

Эмалевидная поверхность картин Ван Эйка — результат использования техники масляного письма, которая позволяет достичь глубины и богатства цвета. Нанося один поверх другого полупрозрачные слои, живописец достигает слитности мазков и получает смягчённые контуры, что делает композицию в высшей степени реалистичной.

Ещё больше реализма и плавности переходов можно достичь методом сфумато, работая по технологии оптических просветов. Мягкие светотеневые взаимоотношения создаются методом «от пятна» ещё на стадии работы наждачной бумагой. На этапах проработки композиции оптическими смесями и ввода цвета изображение «оживает», а после финишной лессировки маслом и усиления колорита масляными красками приобретает сочность и глубину пространства. Подробнее о стадиях работы по технологии оптических просветов, материалах и инструментах, применяемых для создания реалистичной живописи, можно прочитать в этой книге.

Несмотря на то, что произведения Ван Эйка – ещё не верх совершенства в плане геометрии и пропорций, его усовершенствованная масляная техника была признана в Европе. Она повсеместно укоренилась в Нидерландах, в 15 веке пришла в Германию и во Францию, а чуть позже завоевала сердца итальянских художников.Нередко встречается информация будто бы Ян ван Эйк изобрел масляную живопись. Это утверждение неверно, ведь маслом работали и до него. Однако достижения фламандца на этом поприще и вправду сродни изобретению. Он усовершенствовал состав масляных красок, сделав их намного более прочными и яркими.

За свою жизнь Ян ван Эйк написал более 100 произведений, большинство из которых, к сожалению, не сохранилось. Но даже по уцелевшим работам можно сделать вывод о том, насколько огромен вклад этого художника в мировую живопись.

Учительство и религия

В марте 1876 года Винсент переезжает в Великобританию, поступает на безвозмездной основе преподавателем в школу в Рэмсгейте. Одновременно задумывается о карьере священнослужителя. В июле 1876 года он переходит в школу в Айзлворте, где дополнительно оказывает помощь священнику. В ноябре 1876 года Винсент читает проповедь и убеждается в предназначении нести истину религиозного учения.

В 1876 году Винсент приезжает на рождественские праздники в родной дом, и мать с отцом упросили его не уезжать. Винсент устроился в лавку, торгующую книгами, в Дордрехте (Dordrecht), но торговля ему не нравится, все время он посвящает переводам библейских текстов и рисованию.

Отец и мать, радуясь его стремлению к религиозному служению, отправляют Винсента в Амстердам (Amsterdam), где он с помощью родственника – Йоганесса Стрикера (Johaness Stricker) подготавливается по теологии для поступления в университет, а проживает у дядюшки – Яна Ван Гога (Jan Van Gogh), имевшего адмиральский чин.

Следующий этап исканий был связан с Протестантской миссионерской школой в городе Лакен (Laken) неподалеку от Брюсселя (Brussel). Школой руководил пастор Бокма (Bokma). Винсент в течение трех месяцев набирается опыта в составлении и чтении проповедей, но покидает и это место. Сведения биографов противоречивы: то ли он бросил работу сам, то ли был уволен из-за неаккуратности в одежде и неуравновешенного поведения.

В декабре 1878 года Винсент продолжает миссионерскую службу, но теперь в южном районе Бельгии, в поселке Патюраж (Paturi). В поселке жили шахтерские семьи, Ван Гог бескорыстно занимался с детьми, посещал дома и рассказывал о Библии, ухаживал за заболевшими. Чтобы прокормиться, он рисовал карты Святой Земли и продавал их. Ван Гог проявил себя как подвижник, искренний и неутомимый, в результате ему определили небольшое жалование от Евангелического общества. Он планировал поступать в Евангельскую школу, но обучение было платное, а это, по убеждению Ван Гога, несовместимо с истинной верой, которая не может быть связана с деньгами. Одновременно он подает руководству шахт просьбу улучшить условия трудовой деятельности шахтеров. Ему отказали, лишили права проповедовать, что потрясло его и повлекло очередное разочарование.

Бизнес

В 1869 году в Гааге Винсента принимает на службу его дядя, носивший такое же имя, которого будущий художник называл «Дядюшка Сент». Дядюшка был хозяином отделения компании Goupil&Cie, занимавшейся экспертизой, оценкой и продажей арт-объектов. Винсент приобретает профессию дилера и делает значительные успехи, поэтому в 1873 году его отправляют трудиться в Лондон.

Работа с художественными произведениями была очень интересна Винсенту, он научился разбираться в изобразительном искусстве, стал постоянным посетителем музеев, выставочных залов. Его любимыми авторами стали Жан-Франсуа Милле (Jean-françois Millet) и Жюль Бретон (Jules Breton).

К этому же периоду относится история первой любви Винсента. Но история была не понятная и запутанная: он жил на съемной квартире у Урсулы Лойер (Ursula Loyer) и её дочки Евгении (Eugene); биографы спорят о том, кто был предметом любви: одна из них или Каролина Хаанебик (Carolina Haanebeek). Но кем бы ни была возлюбленная, Винсент получил отказ и утратил интерес к жизни, работе, искусству. Он начитает вдумчиво читать Библию. В этот период, в 1874 году, ему пришлось перевестись в парижское отделение компании. Там он снова становится завсегдатаем музеев и увлекается созданием рисунков. Возненавидев деятельность дилера, он перестает приносить компании доход, и его увольняют в 1876 году.

Личная жизнь

Ян ван Эйк был женат. О его личной жизни, как и о происхождении, известно немного. В 1430-е годы вместе с супругой художник перебрался в Брюгге, где купил дом. В 1434-м в семье появился первенец, крестным которого стал герцог Филип III. Исследователи уверяют, что у ван Эйка было 10 детей.

Портрет Маргарет ван Эйк, жены Яна ван Эйка

О внешности супруги живописца исследователи судят по портрету, созданному им самим. Ян написал картину незадолго до смерти и, судя по всему, собирался преподнести супруге на день рождения. Женщина на картине не идеализирована. Маргарет не была привлекательной, но ее облик хранит печать благородства и глубины.

Любопытно, что это изображение жены художника после его кончины было передано Гильдии художников. Вплоть до 18 века организация выставляла его на обозрение публике в день Святого Луки – национальный праздник художников. Картина считалась образцом мастерства.

Картины

Сколько картин написал Ван Гог точно не известно, но искусствоведы и исследователи его творчества склоняются к цифре порядка 800. Только за последние 70 дней жизни он написал 70 картин – по одной  в день! Давайте вспомним самые известные картины с названиями и описанием:

Едоки картофеля

«Едоки картофеля» появились в 1885 году в Нюэнене. Задачу автор описал в послании к Тео: он стремился показать людей тяжелого труда, получивших за свою работу малое вознаграждение. Руки, обрабатывающие поле, принимают его дары.

Красные виноградники в Арле

Знаменитое полотно датируется 1888 годом. Сюжет картины не выдуманный, о нем Винсент рассказывает в одном из посланий к Тео. На полотне художник передает поразившие его насыщенные цвета: густо-красные виноградные листья, пронзительно-зеленое небо, ярко-фиолетовая умытая дожем дорога с золотыми бликами от лучей заходящего солнца. Краски как будто перетекают одна в другую, передают тревожное настроение автора, его напряженность, глубину философские раздумий о мире. Такой сюжет будет повторяться в творчестве Ван Гога, символизируя вечно обновляющуюся в труде жизнь.

Ночное кафе

«Ночное кафе» появилось в Арле и представило раздумья автора о человеке, который самостоятельно разрушает собственную жизнь. Идею саморазрушения и неуклонного движения к безумию выражает контраст кроваво-бордового и зеленого цветов. Чтобы попытаться проникнуть в тайны сумеречной жизни, автор работал над картиной по ночам. Экспрессионистическая манера письма передает наполненность страстями, тревожность, болезненность жизни.

Подсолнухи

В наследии Ван Гога есть две серии работ, изображающих подсолнухи. В первом цикле – разложенные на столе цветы, они написаны в парижский период в 1887 году и вскоре приобретены Гогеном. Вторая серия появилась в 1888/89 годы в Арле, на каждом холсте – цветы подсолнечника в вазе.

Этот цветок символизирует любовь и верность, дружбу и тепло человеческих взаимоотношений, благодеяние и благодарность. Художник выражает в подсолнухах глубины своего миропонимания, ассоциируя себя с этим солнечным цветком.

Звездная ночь

«Звездная ночь» создается в 1889 году в Сен-Реми, она изображает звезды и луну в динамике в обрамлении безграничного неба, вечно существующей и несущейся в бесконечности Вселенной. Расположенные на переднем плане кипарисы стремятся достигнуть звезд, а поселок в долине статичен, неподвижен и лишен стремлений к новому и бесконечному. Экспрессия цветовых подходов и использование разных типов мазков передает многомерность пространства, его изменчивость и глубину.

Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой

Этот знаменитый автопортрет создан в Арле в январе 1889 года. Интересная особенность – диалог красно-оранжевого и сине-фиолетового цветов, на фоне которого происходит погружение в пучину искаженного сознания человека

Внимание приковывает лицо и глаза, как будто смотрящие вглубь личности. Автопортреты – это беседа живописца с собой и с мирозданием

Цветущие ветки миндаля

«Цветущие ветки миндаля» (Amandelbloesem) создаются в Сен-Реми в 1890 году. Весеннее цветение миндальных деревьев – символ обновления, зародившейся и крепнущей жизни. Необычность холста – в том, что ветки парят, не имея под собой основания, они самодостаточны и прекрасны.

Портрет доктора Гаше

Этот портрет написан в 1890 году. Яркие краски передают значимость каждого мгновения, работа кистью создает динамичный образ человека и природы, которые связаны между собой неразрывно. Образ героя картины болезненный и нервный: мы всматриваемся в образ печального старика, погруженного в свои мысли, как будто впитавшего тягостный опыт лет.

Пшеничное поле с воронами

«Пшеничное поле с воронами» создано в июле 1890 года и выражает ощущение приближения гибели, безысходную трагичность бытия. Картина наполнена символикой: небо перед грозой, приближающиеся черные птицы, дороги, ведущие в неведомое, но недоступные.

Девушка с жемчужной серёжкой

Ян Вермеер. Девушка с жемчужной серёжкой. 1665. Маурицхейс, Гаага.

Конечно, невозможно не упомянуть о самом известном шедевре Вермеера — «Девушке с жемчужной серёжкой».

Вермеер написал обыкновенную для тех времен «трони». Это погрудное изображение человека в необычном одеянии или с необычными предметами.

Картины-трони так же, как и картины с бытовыми сценами, любили вывешивать в своих домах горожане и зажиточные крестьяне.

Особенно специализировался на трони современник Вермеера, Герард Доу. Он написал немало девушек и бабушек, выглядывающих из окон голландских домиков.

Герард Доу. Девушка с попугаем. 1665. Художественно-исторический музей в Женеве.

То есть это все не портреты. Для трони позировали анонимные модели или домочадцы художника, который наряжал девушку или парня в необычный наряд. В случае Вермеера это восточный тюрбан. Герард Доу посадил на палец своей модели попугая. Тоже необычно.

Так как для этих работ позировали анонимно, лишь для того чтобы потом картина была продана совершенно неизвестным людям, никто никогда не записывал их имена.

В вышеупомянутом фильме выдвигается версия о том, что перед нами миловидная служанка Вермеера.

Но учитывая нравы голландского общества XVII века, такая версия маловероятна. Тогда хозяева и слуги держались очень отстранённо друг от друга. Статусные различия максимально подчеркивались. И сложно представить, чтобы служанку позвали позировать художнику.

В конце концов, у Вермеера было много домочадцев. Поэтому охотнее вериться в версию о его старшей дочери Марии, которой на тот момент было 13 лет. Вполне возможно, что именно она позировала отцу.

Кстати, Вермеер написал ещё одну дочь, младшую. Почти в том же развороте и с той же серьгой.

Ян Вермеер. Портрет девушки. 1665-1667. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Она, конечно, не такая симпатичная, как старшая: непропорционально крупная голова, далеко посаженные глаза.

Но Вермеер, очевидно, девочку любил. Не приукрасил ее, хотя и написал с особой нежностью. Подчеркнул озорство в ее глазах.